Temas da pintura renascentista italiana - Themes in Italian Renaissance painting

Artigo principal: pintura da Renascença italiana
Piero della Francesca , A Flagelação de Cristo , c. 1468-1470

Este artigo sobre o desenvolvimento de temas na pintura renascentista italiana é uma extensão do artigo Pintura renascentista italiana , para o qual fornece fotos adicionais com comentários. As obras abrangidas vão desde Giotto, no início do século XIV, ao Juízo Final de Michelangelo , na década de 1530.

Os temas que preocuparam os pintores da Renascença italiana foram os do assunto e da execução - o que foi pintado e o estilo em que foi pintado. O artista tinha muito mais liberdade de tema e estilo do que um pintor medieval . Certos elementos característicos da pintura renascentista evoluíram muito durante o período. Estes incluem a perspectiva , tanto em termos de como foi alcançada e do efeito a que foi aplicada, e realismo, particularmente na representação da humanidade, seja como elemento simbólico, retrato ou narrativo.

Temas

A Flagelação de Cristo, de Piero Della Francesca (acima), demonstra em uma única pequena obra muitos dos temas da pintura renascentista italiana, tanto em termos de elementos de composição quanto de assunto. Imediatamente aparente é o domínio de Piero da perspectiva e da luz. Os elementos arquitectónicos, incluindo o pavimento em mosaico que se torna mais complexo em torno da ação central, combinam-se para criar dois espaços. O espaço interno é iluminado por uma fonte de luz invisível para a qual Jesus olha. Sua localização exata pode ser determinada matematicamente por uma análise da difusão e do ângulo das sombras no teto em caixotões. As três figuras que estão do lado de fora são iluminadas de um ângulo diferente, tanto pela luz do dia quanto pela luz refletida na calçada e nos edifícios.

O tema religioso está ligado ao presente. O governante é um retrato do imperador visitante de Bizâncio . A flagelação também é chamada de "açoite". O termo "flagelo" foi aplicado à praga . Do lado de fora estão três homens representando aqueles que enterraram o corpo de Cristo. Acredita-se que os dois mais velhos, Nicodemos e José de Arimatéia , sejam retratos de homens que perderam recentemente seus filhos, um deles para a praga. O terceiro homem é o jovem discípulo João , e talvez seja o retrato de um dos filhos, ou então represente os dois em uma única figura idealizada, coincidindo com a maneira como Piero pintou os anjos.

Elementos da pintura renascentista

A pintura renascentista diferia da pintura do final do período medieval em sua ênfase na observação atenta da natureza, particularmente no que diz respeito à anatomia humana, e na aplicação de princípios científicos ao uso da perspectiva e da luz.

Perspectiva linear

Principalmente por meio da arquitetura, os artistas da Renascença foram capazes de praticar a arte da ilusão tridimensional usando a perspectiva linear, o que deu a suas obras uma maior sensação de profundidade. As fotos na galeria abaixo mostram o desenvolvimento da perspectiva linear em edifícios e paisagens urbanas.

  • No afresco de Giotto , o edifício é como um cenário com um lado aberto ao observador.
  • No afresco de Paolo Uccello , a paisagem urbana dá uma impressão de profundidade.
  • A Santíssima Trindade de Masaccio foi pintada com proporções matemáticas cuidadosamente calculadas, nas quais ele provavelmente foi auxiliado pelo arquiteto Brunelleschi .
  • Fra Angelico usa o motivo simples de uma pequena loggia desenhada com precisão para criar um espaço íntimo.
  • Gentile Bellini pintou um vasto espaço, a Piazza San Marco em Veneza , no qual as figuras recuadas aumentam o senso de perspectiva.
  • Leonardo da Vinci fez desenhos detalhados e medidos das ruínas clássicas de fundo, preparatórias para o início da Adoração dos Magos inacabada .
  • Domenico Ghirlandaio criou um cenário excepcionalmente complexo e expansivo em três níveis, incluindo uma rampa de descida íngreme e uma parede saliente. Elementos da paisagem, como a igreja à direita, são vistos parcialmente por meio de outras estruturas.
  • O projeto de Raphael para Fire in the Borgo mostra edifícios ao redor de uma pequena praça em que os eventos de fundo são destacados pela perspectiva.

Panorama

A representação da paisagem foi incentivada pelo desenvolvimento da perspectiva linear e pela inclusão de paisagens detalhadas no fundo de muitas pinturas dos primeiros holandeses do século XV. Também por meio dessa influência veio a consciência da perspectiva atmosférica e a observação de como as coisas distantes são afetadas pela luz.

  • Giotto usa algumas pedras para dar a impressão de um cenário de montanha.
  • Paolo Uccello criou um cenário detalhado e surreal como palco para muitas pequenas cenas.
  • Em Carpaccio de Deposição do Corpo de Cristo , os desertos rochosos ecos paisagem da tragédia da cena.
  • A paisagem de Mantegna tem uma qualidade escultural e tridimensional que sugere um espaço físico real. Os detalhes das rochas, seus estratos e fraturas, sugerem que ele estudou as formações geológicas do calcário vermelho prevalente em áreas do norte da Itália.
  • Antonello da Messina define o cenário sombrio da Crucificação em contraste com o campo plácido que rola ao longe, tornando-se mais pálido e azul à medida que recua.
  • Giovanni Bellini criou uma paisagem detalhada com uma cena pastoral entre as montanhas do primeiro plano e do fundo. Existem vários níveis nesta paisagem, tornando-a equivalente à complexa paisagem urbana de Ghirlandaio (acima).
  • Perugino contrapôs a Adoração dos Magos à conhecida paisagem montanhosa da Umbria .
  • Leonardo da Vinci exibe um uso teatral da perspectiva atmosférica em sua visão das montanhas íngremes ao redor do Lago di Garda, no sopé dos Alpes no norte da Itália.

Luz

Luz e sombra existem em uma pintura em duas formas. O tom é simplesmente a claridade e a escuridão das áreas de uma imagem, graduadas do branco ao preto. O arranjo tonal é uma característica muito significativa de algumas pinturas. O claro- escuro é a modelagem de superfícies aparentes dentro de uma imagem pela sugestão de luz e sombra. Embora o tom fosse uma característica importante das pinturas do período medieval, o claro-escuro não era. Tornou-se cada vez mais importante para os pintores do século 15, transformando a representação do espaço tridimensional.

  • A Anunciação aos Pastores de Taddeo Gaddi é a primeira grande pintura conhecida de uma cena noturna. A fonte de luz interna da imagem é o anjo.
  • Na pintura de Fra Angelico , a luz do dia, que parece vir da própria janela da cela do convento que este afresco adorna, ilumina suavemente as figuras e define a arquitetura.
  • Em O sonho do imperador , Piero della Francesca retoma o tema da cena noturna iluminada por um anjo e aplica seu conhecimento científico da difusão da luz. O padrão tonal assim criado é um elemento significativo na composição da pintura.
  • Em sua Agonia no Jardim , Giovanni Bellini usa o pôr do sol em uma noite nublada para criar uma atmosfera de tensão e tragédia iminente.
  • No retrato formal de Domenico Veneziano , o uso do claro-escuro para modelar a forma é leve. No entanto, a pintura se baseia fortemente nos contrastes tonais do rosto pálido, fundo em tons médios e vestimenta escura com corpete estampado para efeito.
  • Filippino Lippi usa o claro-escuro para modelar o rosto da modelo e definir os detalhes de sua vestimenta simples. A luz e a sombra na borda da janela definem o ângulo da luz.
  • A autoria sugerida deste retrato do início do século 16 inclui Ridolfo del Ghirlandaio , Mariotto Albertinelli e Giuliano Bugiardini . A pintura combina muitos dos efeitos de iluminação das outras obras desta galeria. A forma é modelada pela luz e sombra, como se fosse um sol poente, o que dá um elemento de drama, realçado pela paisagem. O padrão tonal criado pela vestimenta escura, o linho branco e a posição da mão são uma característica de composição da pintura.
  • Em Leonardo da Vinci 's João Batista , elementos da pintura, incluindo os cantos dos olhos e da boca do modelo, são disfarçados pela sombra, criando um ar de ambigüidade e mistério.

Anatomia

Embora permaneça em grande parte dependente da observação topográfica, o conhecimento da anatomia foi avançado pela dissecação meticulosa de Leonardo da Vinci de 30 cadáveres. Leonardo, entre outros, impressionou os alunos com a necessidade da observação atenta da vida e fez do desenho de modelos vivos uma parte essencial do estudo formal de um aluno da arte da pintura.

  • A Crucificação de Cimabue , extensamente destruída pela enchente em 1966, mostra o arranjo formal, com corpo curvo e cabeça inclinada que prevalecia na arte medieval tardia. A anatomia é fortemente estilizada para se conformar com a fórmula icônica tradicional.
  • Giotto abandonou a fórmula tradicional e pintou a partir da observação.
  • A figura de Cristo de Massácio é encurtada como se vista de baixo, e mostra a parte superior do tronco esticada como se com o esforço da respiração.
  • No depoimento de Giovanni Bellini , o artista, embora não tente sugerir as realidades brutais da crucificação, tentou dar a impressão de morte.
  • Em Piero della Francesca 's Batismo , a figura robusta de Jesus é pintado com uma simplicidade e falta de musculatura bem definida que desmente a sua naturalismo.
  • A figura de Jesus nesta pintura, que é a obra combinada de Verrocchio e do jovem Leonardo, foi provavelmente desenhada por Verrocchio. Os contornos retêm a linearidade um tanto contorcida da arte gótica. Grande parte do torso, no entanto, acredita-se que tenha sido pintado por Leonardo e revela um forte conhecimento da forma anatômica.
  • A foto de São Jerônimo feita por Leonardo mostra os resultados de um estudo detalhado da cintura escapular, conhecido por uma página de desenhos.
  • Michelangelo usou a anatomia humana com grande efeito expressivo. Ele era conhecido por sua habilidade na criação de poses expressivas e foi imitado por muitos outros pintores e escultores.

Realismo

A observação da natureza significou que formas definidas e gestos simbólicos que na arte medieval, e particularmente no estilo bizantino prevalente em grande parte da Itália, eram usados ​​para transmitir significado, foram substituídos pela representação da emoção humana como exibida por uma gama de indivíduos.

  • Nesta Ressurreição , Giotto mostra os soldados adormecidos com rostos escondidos por capacetes ou encurtados para enfatizar a postura relaxada.
  • Em contraste, Andrea Castagno pintou uma imagem em tamanho natural do condotierre, Pippo Spano, alerta e com os pés sobre a borda do nicho pintado que o enquadra.
  • Filippo Lippi neste trabalho inicial mostra um grupo muito naturalista de crianças aglomerando-se em torno da Virgem Maria, mas olhando com curiosidade inocente para o espectador. Uma das crianças tem síndrome de Down .
  • Masaccio retrata a dor resultante da perda da inocência quando Adão e Eva são expulsos da presença de Deus.
  • Antonello da Messina pintou várias versões de Ecce Homo , o Cristo atormentado apresentado ao povo pelo governador romano. Essas pinturas geralmente mostram Cristo em um papel trágico, mas heróico, minimizando a representação do sofrimento. As representações de Antonello são totalmente realistas.
  • Em sua Lamentação sobre o Cristo morto , Mantegna retratou aqui o cadáver de Jesus com ousadia, como se o espectador estivesse de pé no final da laje.
  • Neste detalhe de uma pintura maior, Mantegna mostra uma criança pequena, usando um fichário e chinelos furados, virando-se e mastigando os dedos enquanto o menino Cristo é circuncidado.
  • Giorgione pinta um retrato natural e sem glamour de uma mulher idosa, incomum na descrição de seu cabelo despenteado e boca aberta com dentes tortos.

Composição da figura

Entre as preocupações dos artistas contratados para fazer grandes obras com múltiplas figuras estava como tornar o tema, geralmente narrativo, facilmente lido pelo espectador, natural na aparência e bem composto no espaço da imagem.

  • Giotto combina três elementos narrativos separados nesta cena dramática contra os capacetes desumanizantes dos guardas. Judas trai Jesus aos soldados beijando-o. O Sumo Sacerdote sinaliza para um guarda prendê-lo. Pedro corta a orelha do servo do sumo sacerdote enquanto ele dá um passo à frente para impor as mãos sobre Jesus. Cinco figuras dominam o primeiro plano, cercando Jesus de forma que apenas sua cabeça fica visível. No entanto, por habilidosos arranjos de cores e gestos dos homens, Giotto faz do rosto de Jesus o ponto focal da pintura.
  • Em A Morte de Adão , Piero della Francesca colocou o patriarca moribundo de modo que ele fosse lançado em relevo contra a vestimenta preta usada por alguém de sua família. Sua importância para a história é ainda mais enfatizada pelo arco de figuras formado ao seu redor e as diagonais dos braços que levam a sua cabeça. p
  • A Ressurreição do Filho de Teófilo é um todo notavelmente coeso, considerando que foi iniciada por Masaccio , deixada inacabada, vandalizada e finalmente concluída por Filippino Lippi . Masaccio pintou a seção central.
  • Antonio e Piero Pollaiuolo , nesta pintura altamente sistematizada, tomaram a besta usada pelos arqueiros em primeiro plano, como estrutura composicional. Dentro dessa grande forma triangular, dividida verticalmente, as figuras se alternam entre as vistas frontal e traseira.
  • Botticelli 's de comprimento, pintura estreito de Marte e Vénus baseia-se numa W com as figuras espelhando um ao outro. Os amantes, que pouco antes estavam unidos, agora estão separados pelo sono. Os três pequenos veados que processam a pintura mantêm a composição unida.
  • O domínio de Michelangelos na composição de figuras complexas, como em seu The Entombment, inspirou muitos artistas durante séculos. Nesta pintura do painel a figura de Cristo, embora vertical, é curvada e um peso morto no centro do quadro, enquanto aqueles que tentam carregar o corpo inclinam-se para fora para apoiá-lo.
  • À primeira vista, Signorelli da queda do condenado é uma espantosa e violenta amontoado de corpos, mas pelo posicionamento mais forte dos números de modo a que as linhas, em vez do que se intersectam, o fluxo em um ondulante curso através da imagem, a composição é tanto unificado e resolvido em um grande número de ações separadas. As cores dos demônios também servem para dividir a imagem entre os algozes e os atormentados.
  • A Batalha de Ostia foi executada pelos assistentes de Rafael , provavelmente para seu projeto. O primeiro plano da pintura é organizado em duas formas em arco sobrepostas, a maior mostrando cativos sendo subjugados, enquanto à esquerda e um pouco atrás, eles são forçados a se ajoelhar diante do Papa. Enquanto o Papa se eleva acima do segundo grupo e o domina, o primeiro grupo é dominado por um soldado cuja cor e cocar esplêndido atuam como um degrau visual para o Papa. Nas bordas desse grupo, duas figuras inclinadas se espelham, criando uma tensão em que uma se afasta da borda da pintura e a outra puxa para cima em seu centro.

Obras principais

Retábulos

Durante o período renascentista, o grande retábulo teve um status único como uma encomenda. Um retábulo estava destinado a se tornar um ponto focal, não só visualmente no edifício religioso que ocupava, mas também nas devoções dos fiéis. A Madonna of the Rocks de Leonardo da Vinci , agora na National Gallery de Londres, mas anteriormente em uma capela em Milão , é uma das muitas imagens que foram usadas na petição da Bem - Aventurada Virgem Maria contra a peste. O significado dessas imagens para aqueles que as encomendaram, que adoraram em sua localização e que as criaram se perde quando são vistas em uma galeria de arte.

  • As duas Madonas Entronizadas de Cimabue e Duccio di Buoninsegna demonstram as variações de um tema formalizado e limitado pela tradição. Embora as posições da Madona e do Menino sejam muito semelhantes, os artistas trataram a maioria das características de maneira diferente. O trono de Cimabue é frontal e usa a perspectiva para sugerir sua solidez. Os anjos, seus rostos, asas e halos, são dispostos para formar um rico padrão. O detalhamento da folha de ouro da vestimenta da Madonna destaca as dobras em uma rede delicada. A criança está sentada majestosamente, com os pés colocados no mesmo ângulo que os da mãe.
  • Na Madona Rucellai de Duccio , a maior de seu tipo com 4,5 metros de altura, o trono é colocado na diagonal e o Menino, muito mais um bebê apesar de seu gesto, senta-se diagonalmente em oposição à mãe. Embora o posicionamento dos anjos ajoelhados seja bastante simplista, eles possuem um naturalismo em suas posturas repetidas e são variados pelas belas combinações de cores de suas vestes. No manto da Madonna, a borda dourada forma uma linha sinuosa, definindo a forma e os contornos, e animando toda a composição com um único detalhe decorativo.
  • A Madonna Ognissanti de Giotto está agora alojada na mesma sala do Uffizi que a de Cimabue e Duccio, onde os avanços que ele fez tanto no desenho a partir da observação da natureza quanto no uso da perspectiva podem ser facilmente comparados com os mestres anteriores. Enquanto a pintura segue o modelo de um retábulo, as figuras dentro dela não seguem a fórmula tradicional. A Madonna e a Criança são solidamente tridimensionais. Esta qualidade é realçada pelo trono com dossel que contribui como principal elemento decorativo, enquanto as bordas douradas são minimizadas. Os anjos, que se espelham, cada um tem uma roupagem bastante individual.
  • Cem anos depois, Masaccio , ainda dentro das restrições do retábulo formal, confiantemente cria uma figura tridimensional envolta em pesadas vestes, seu rechonchudo Menino Jesus chupando seus dedos. Os alaúdes tocados pelos anjinhos são ambos abruptamente encurtados.
  • Na pintura de Fra Angelico , as figuras não têm a ênfase na massa de Masaccio. Angelico era conhecido por sua delicadeza em retratar a Madonna. O apelo de tais pinturas é demonstrado na maneira como os anjos adoradores estão agrupados ao redor. Como na pintura de Masaccio, o halo da Madonna é decorado com escrita pseudo-cúfica , provavelmente para sugerir sua origem no Oriente Médio .
  • Nas mãos de Piero della Francesca, a moldura formal de ouro é transformada em um nicho clássico, desenhado em uma perspectiva linear perfeita e definido pela luz do dia. Os diversos santos agrupam-se de forma natural, enquanto a Madona se senta em um trono realista sobre um pequeno pódio coberto por um tapete oriental , enquanto o doador Federico da Montefeltro se ajoelha a seus pés. Uma concessão à tradição é que a Madonna tem uma escala maior do que as outras figuras.
  • Na pintura de Bellini , enquanto por um lado as figuras e o cenário dão um efeito de grande realismo, o interesse de Bellini pelos ícones bizantinos é mostrado na entronização hierárquica e no comportamento de Nossa Senhora.
  • O pintor milanês Bergognone baseou-se em aspectos da obra de Mantegna e Bellini para criar esta pintura em que o manto vermelho e o cabelo dourado de Catarina de Alexandria são efetivamente equilibrados pelo contraste preto e branco de Catarina de Siena, e emoldurado por um rústico arco de tijolos quebrados.
  • Em Andrea Mantegna 's Madonna della Vittoria , a Madonna pode ocupar a posição central, emoldurado em sua garlanded gazebo, mas o foco de atenção é Francesco II Gonzaga cujas realizações são reconhecidos não só pela Madonna e Menino Jesus, mas pelos santos heróicos, Michael e George.
  • Leonardo da Vinci abandonou qualquer tipo de dossel formal e cercou a Madona e o Menino com a grandeza da natureza na qual ele colocou as figuras em uma composição trapezoidal cuidadosamente equilibrada, mas aparentemente informal.
  • A Madona Sistina de Rafael usa a fórmula não de um retábulo, mas de um retrato formal, com uma moldura de cortinas verdes através das quais uma visão pode ser vista, testemunhada pelo Papa Sisto II, que dá nome à obra. As nuvens ao redor da Virgem são compostas por rostos de querubins, enquanto os dois icônicos querubins, tão queridos com a moda dos anjos do final do século 20, se apoiam no peitoril. Esta obra se tornou o modelo para Murillo e muitos outros pintores.
  • Andrea del Sarto , enquanto usa as figuras para um efeito muito natural e real, abandona a realidade prática na Madona das Harpias colocando a Madona em um pedestal clássico como se ela fosse uma estátua. Cada figura está em um estado de instabilidade, marcado pela projeção do joelho da Madona contra o qual ela equilibra um livro. Esta pintura mostra as tendências que viriam a ser desenvolvidas na pintura maneirista .

Ciclos de afresco

O maior e mais demorado trabalho pago que um artista poderia fazer era um esquema de afrescos para uma igreja, palácio privado ou edifício comunitário. Destes, o maior esquema unificado na Itália que permanece mais ou menos intacto é o criado por vários artistas diferentes no final do período medieval na Basílica de São Francisco de Assis . Ele foi seguido por Giotto 'esquema de Proto-Renascimento s em Pádua e muitos outros que variam de Benozzo Gozzoli de Magos Chapel para o Medici de Michelangelo 's realização suprema para o Papa Júlio II na Capela Sistina .

  • Giotto pintou a grande Capela Scrovegni independente em Pádua com a Vida da Virgem e a Vida de Cristo . Rompendo com a tradição medieval, estabeleceu um padrão de naturalismo.
  • Os dois grandes afrescos de Alegorias do Bom e Mau Governo pintados por Ambrogio Lorenzetti para a Comuna de Siena são completamente seculares e mostram vistas detalhadas de uma paisagem urbana com os cidadãos, enfatizando a importância da ordem cívica.
  • Em contraste, Andrea di Bonaiuto , pintando para os dominicanos na nova igreja de Santa Maria Novella , completou um enorme afresco do Triunfo da Igreja , que mostra o papel da igreja na obra de Salvação e, em particular, o papel dos dominicanos, que também aparecem simbolicamente como os cães do céu , pastoreando o povo de Deus. A pintura inclui uma vista da Catedral de Florença .
  • Masaccio e Masolino colaboraram no ciclo de afrescos da Capela Brancacci , que é mais famoso pelas inovações realistas de Masaccio. O estilo mais elegante de Masolino é visto nesta paisagem urbana que combina habilmente dois episódios da Vida de São Pedro .
  • O ciclo de afrescos de Piero della Francesca na igreja de San Francesco, Arezzo , segue de perto a Lenda da Verdadeira Cruz escrita por Jacopo da Varagine na Lenda Dourada . As fotos revelam seus estudos de luz e perspectiva, e as figuras têm uma solidez quase monolítica.
  • O ciclo de afrescos de Benozzo Gozzoli para a capela particular do Palácio dos Medici é uma obra tardia no estilo gótico internacional , uma representação fantasiosa e ricamente ornamental dos Medici com sua comitiva como os Três Reis Magos .
  • O ciclo elaborado para a Casa de Este do Palazzo Schifanoia em Ferrara, executada em parte por Francesco del Cossa , também foi fantástica em suas representações de divindades clássicas e sinais Zodial que são combinados com cenas da vida da família.
  • As pinturas de Mantegna para os Gonzaga também mostram a vida familiar, mas têm uma preponderância de elementos altamente realistas e utilizam habilmente a arquitetura real da sala que decoram, a lareira formando um pedestal para as figuras e os pingentes de teto reais sendo aparentemente apoiados em pilastras pintadas .
  • Enquanto na Capela Brancacci, os historiadores procuram identificar os rostos de Masaccio, Masolino e talvez Donatello entre os apóstolos, Domenico Ghirlandaio na Capela Sassetti não faz nenhuma tentativa de disfarçar seus modelos. Cada afresco neste ciclo religioso tem dois conjuntos de figuras: aqueles que contam a história e aqueles que a testemunham. Nesta cena do nascimento da Virgem Maria , entraram algumas nobres mulheres de Florença, como que para felicitar a nova mãe.
  • O Castigo dos Filhos de Corá, de Botticelli, é um dos episódios da série Vida de Moisés , que, junto com A Vida de Cristo , foi encomendado na década de 1480 como decoração da Capela Sistina . Os artistas Perugino , Domenico Ghirlandaio e Cosimo Rosselli trabalharam no esquema cuidadosamente pensado e harmonioso.
  • A pintura de Michelangelo do teto da Capela Sistina, que executou sozinho durante cinco anos, com narrativas do Gênesis , figuras proféticas e os Ancestrais de Cristo, estava destinada a se tornar uma das obras mais famosas do mundo.
  • Simultaneamente, Raphael e vários de seus assistentes pintaram as câmaras papais conhecidas como Salas de Rafael . Na Escola de Atenas, Rafael retrata pessoas famosas de sua época, incluindo Leonardo, Michelangelo, Bramante e ele mesmo, como filósofos da Atenas antiga.

assuntos

Imagens devocionais da Madona e do Menino foram produzidas em grande número, geralmente para clientes particulares. Cenas da Vida de Cristo, da Vida da Virgem ou da Vida dos Santos também foram feitas em grande número para as igrejas, particularmente cenas associadas à Natividade e à Paixão de Jesus . A Última Ceia era comumente representada em refeitórios religiosos.

Durante a Renascença, um número crescente de patronos teve sua imagem confiada à posteridade na pintura. Por esta razão, existe um grande número de retratos renascentistas para os quais o nome do modelo é desconhecido. Patrocinadores particulares abastados encomendavam obras de arte como decoração para suas casas, com temas cada vez mais seculares.

Pinturas devocionais

A madona

Essas pequenas fotos íntimas, que agora estão quase todas em museus, eram na maioria das vezes feitas para propriedade privada, mas podem ocasionalmente enfeitar um pequeno altar em uma capela.

  • A Madonna adorando o Menino Jesus com dois Anjos sempre foi particularmente popular por causa do expressivo anjinho apoiando o Menino Jesus. Pinturas de Filippo Lippi como esta influenciaram particularmente Botticelli .
  • Verrocchio separa a Madona e o Menino Jesus do observador por um peitoril de pedra, também usado em muitos retratos. A rosa e as cerejas representam o amor espiritual e o amor sacrificial.
  • A Madona com o Menino de Antonello da Messina é superficialmente muito parecida com a de Verrocchio, mas é muito menos formal e tanto a mãe quanto a criança parecem estar se movendo em vez de posar para o pintor. O cotovelo encurtado da Criança quando ele alcança o seio de sua mãe ocorre na obra de Raphael e pode ser visto de uma forma diferente no Doni Tondo de Michelangelo .
  • As figuras colocadas em diagonais opostas vistas nesta primeira Madona com o Menino de Leonardo da Vinci era um tema composicional que se repetiria em muitas de suas obras e seria imitado por seus alunos e por Rafael.
  • Giovanni Bellini foi influenciado por ícones ortodoxos gregos . O pano dourado nesta pintura ocupa o lugar do fundo da folha de ouro. O arranjo é formal, mas os gestos e, em particular, o olhar de adoração da mãe, dão um calor humano a essa imagem.
  • A Madonna and Child de Vittore Carpaccio é muito incomum ao mostrar o Menino Jesus como uma criança totalmente vestida com roupas contemporâneas. Os detalhes meticulosos e domesticidade são sugestivos da pintura dos primeiros holandeses .
  • O Doni Tondo de Michelangelo é a maior dessas obras, mas foi uma encomenda privada. A composição altamente incomum, a forma contorcida da Madonna, as três cabeças perto do topo da pintura e o encurtamento radical eram características muito desafiadoras, e Agnolo Doni não tinha certeza se desejava pagar por isso.
  • Raphael habilmente colocou forças opostas em jogo e uniu a Madona e o Menino com um olhar amoroso.

Pinturas seculares

Retratos

Durante a segunda metade do século 15, houve uma proliferação de retratos. Embora os temas de alguns deles tenham sido lembrados posteriormente por suas realizações ou sua linhagem nobre, as identidades de muitos se perderam e até mesmo a do retrato mais famoso de todos os tempos, a Mona Lisa de Leonardo da Vinci , está aberta à especulação e controvérsia.

  • A vantagem de um retrato de perfil como o Retrato de Sigismondo Pandolfo Malatesta de Piero della Francesca é que ele identifica o sujeito como uma assinatura facial. As proporções do rosto, os respectivos ângulos da testa, nariz e sobrancelha, a posição e forma dos olhos e a configuração da mandíbula permanecem reconhecíveis ao longo da vida. Além disso, uma vez obtida a semelhança de um perfil, ela pode ser usada para lançar uma medalha ou esculpir uma imagem em relevo.
  • Pollaiuolo adaptou -se à fórmula, realçando o perfil desta jovem com uma linha tênue que também define a forma delicada das narinas e dos cantos da boca. Mas ele acrescentou uma qualidade tridimensional pelo uso sutil do claro - escuro e pelo tratamento do rico brocado florentino de sua manga.
  • Alesso Baldovinetti , por outro lado, usou o perfil dessa garota de traços fortes para criar um padrão marcante de contorno destacado contra o fundo mais escuro. O fundo é uma forma viva que contribui para a estrutura composicional da pintura. O pequeno filete preto em sua testa responde ao padrão dinâmico da manga bordada.
  • O retrato de Botticelli , embora voltado para uma visão de três quartos com forte modelagem tonal, tem muito a ver com a pintura de Baldovinetti em seu arranjo marcante de formas na roupa vermelha, o chapéu e os cabelos escuros e o padrão que eles formam contra o fundo .
  • O retrato de Antonello da Messina , alguns anos anterior ao de Botticelli, guarda uma semelhança passageira. Mas esta pintura não depende muito do arranjo habilidoso de formas claramente contornadas. Antonello aproveitou as vantagens da tinta a óleo, em oposição à têmpera de Botticelli , para conseguir uma semelhança sutil e detalhada em que as sobrancelhas espessas, as imperfeições da pele e a sombra da barba foram reproduzidas com precisão fotográfica.
  • O retrato temperado de Ghirlandaio de um velho com seu neto combina a descrição meticulosa do nariz dilatado do velho e sua pele parecida com um pergaminho com uma ternura geralmente reservada para retratos de Nossa Senhora com o Menino . Ghirlandaio leva essa analogia mais longe, colocando a cena contra uma janela e uma paisagem.
  • O retrato de um menino de Pintoricchio coloca-o no alto da moldura, reduzindo sua escala em proporção à área em contraste com a maneira usual de mostrar os adultos. A pintura é ambientada em uma paisagem como a usada por Leonardo e Bellini. A principal fama de Pinturicchio reside em seus retratos habilmente caracterizados como este.
  • Na Mona Lisa, Leonardo empregou a técnica do sfumato , claro-escuro delicadamente graduado que modela os contornos da superfície, enquanto permite que os detalhes desapareçam nas sombras. A técnica confere um ar de mistério a esta pintura que lhe trouxe fama duradoura. As belas mãos tornam-se quase um elemento decorativo.
  • O retrato de Leonardo Loredan , o Doge eleito de Veneza por Giovanni Bellini , tem um ar oficial e dificilmente poderia ser mais formal. No entanto, o rosto é caracterizado pelo que se poderia esperar do Doge: sabedoria, humor e determinação. Embora seja uma pintura mais elaborada, ela tem muito em comum com o senso de design de Baldovinetti.
  • O tema do retrato de Ticiano é desconhecido, e sua considerável fama repousa unicamente em sua beleza e composição incomum em que o rosto é sustentado e equilibrado pela grande manga azul de cetim acolchoado. A manga é quase da mesma cor do fundo; sua rica tonalidade lhe dá forma. O linho branco da camisa anima a composição, enquanto os olhos do homem captam a cor da manga com luminosidade penetrante.
  • Superficialmente, o retrato de Andrea del Sarto tem muitos dos mesmos elementos que o de Ticiano. Mas é tratado de forma muito diferente, sendo muito mais amplo no tratamento e menos convincente no assunto. A pintura alcançou um imediatismo, como se o modelo tivesse parado por um momento e estivesse prestes a retornar ao que está fazendo.
  • Rafael , neste retrato copiado do Papa Júlio II , estabeleceu um padrão para a pintura dos futuros papas. Ao contrário dos retratos contemporâneos aqui de Bellini, Ticiano e del Sarto, Raphael abandonou a colocação da figura atrás de uma prateleira ou barreira e mostrou o Papa como se estivesse sentado em seu próprio apartamento. Contra o pano verde decorado com as chaves de São Pedro , as vestes papais de veludo vermelho fazem um rico contraste, a barba branca sendo compensada pelo linho branco pregueado. Nas hastes da cadeira, os remates de bolota são o símbolo da família do Papa, o della Rovere .

O nu

Essas quatro pinturas famosas demonstram o advento e a aceitação do nu como um tema para o artista por direito próprio.

  • Em Botticelli 's Birth of Venus , a figura nua, embora central para a pintura, não de si mesmo é o sujeito. O tema da pintura é uma história da mitologia clássica . O fato de a Deusa Vênus ter surgido nua do mar justifica o estudo do nu que domina o centro da obra.
  • Pintado trinta anos depois, o significado exato da imagem de Giovanni Bellini não é claro. Se o tema tivesse sido pintado por um pintor impressionista , seria totalmente desnecessário atribuir um significado. Mas, nesta obra renascentista, há a presença de um espelho, objeto geralmente simbólico e que sugere uma alegoria. A nudez da jovem é um sinal não tanto de sedução, mas de inocência e vulnerabilidade. No entanto, ela se enfeita com um cocar extremamente rico, costurado com pérolas, e tendo não um, mas dois espelhos, vê apenas a si mesma refletida indefinidamente. O espelho, muitas vezes um símbolo de profecia, aqui se torna um objeto de vaidade, com a jovem no papel de Narciso .
  • A pintura de Giorgione provavelmente antecede a de Bellini em dez anos. Sempre foi conhecida como A Vênus adormecida, mas não há nada na pintura que confirme que seja, de fato, Vênus. A pintura se destaca pela falta de simbolismo e pela ênfase no corpo simplesmente como objeto de beleza. Acredita-se que tenha sido concluído por Ticiano.
  • Titian 's Venus de Urbino , por outro lado, foi pintado para o prazer do Duque de Urbino, e como nos de Botticelli Birth of Venus , pintado por um membro da família Medici, o modelo olha diretamente para o espectador. A modelo pode muito bem ter sido a amante do cliente. Vênus de Urbino não é simplesmente um corpo belo por si só. Ela é uma jovem individual e altamente sedutora, que não está em estado de nudez indicativa de perfeição celestial, mas está simplesmente nua, tendo tirado a roupa, mas deixado algumas de suas joias.

Mitologia clássica

As pinturas da mitologia clássica eram invariavelmente feitas para salões importantes nas casas de clientes particulares. As obras mais famosas de Botticelli são para os Medici, Raphael pintou Galatea para Agostino Chigi e Festa dos Deuses de Bellini foi, com várias obras de Ticiano, na casa de Alfonso I d'Este

  • O Hércules e a Hidra, de Pollaiuolo , tipifica muitas pinturas de temas mitológicos que se prestaram a interpretações tanto humanistas quanto cristãs. Nesta obra, o bem vence o mal e a coragem é glorificada. A figura de Hércules tem ressonâncias com o personagem bíblico de Sansão, que também era conhecido por sua força e matou um leão.
  • Em Botticelli 's Pallas eo centauro , sabedoria, personificada por Athena, lidera o encolhido Centaur pelo topete, de modo a aprender e requinte são capazes de superar o instinto bruto, que é a característica simbolizado pelo centauro.
  • A Galatea de Rafael , embora de origem clássica, tem uma ressonância especificamente cristã que teria sido reconhecida por aqueles que estavam familiarizados com a história. É sobre a natureza do amor. Enquanto tudo ao seu redor aspira ao amor terreno e sucumbe às flechas disparadas pelo trio de cupidos, Galatea optou pelo amor espiritual e volta os olhos para o céu.
  • Restam três grandes obras que foram pintadas para uma única sala para o Este por Bellini e seu sucessor Ticiano . Destes, Baco e Ariadne de Ticiano representam um momento da narrativa. As outras duas pinturas são cenas de bebidas alegres com uma série de elementos narrativos introduzidos de forma secundária, para que os personagens possam ser identificáveis. Esta pintura não parece ter nenhum sentimento alegórico mais elevado associado a ela. Parece ser simplesmente um retrato muito naturalista de vários deuses antigos e seus associados, comendo, bebendo e curtindo a festa.

Veja também

Origens

Em geral

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Pintores

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Referências