Mulheres na música - Women in music

A cantora e compositora de jazz americana Billie Holiday na cidade de Nova York em 1947
Bonnie Raitt é uma cantora, guitarrista e pianista americana. Vencedora de dez prêmios Grammy , ela também é conhecida por tocar guitarra slide .
Asha Bhosle é uma cantora indiana mais conhecida como cantora de playback no cinema hindi. Em 2011, ela foi oficialmente reconhecida pelo Guinness Book of World Records como a artista mais registrada na história da música.
Navneet Aditya Waiba - Cantor Folk nepalês. O único cantor que usa instrumentos folclóricos autênticos / originais e canta canções folclóricas nepalesas autênticas e não adulteradas.

Mulheres na música incluem mulheres como compositores, compositores, artistas instrumentais , cantores, maestros, estudiosos de música , professores da música , críticos de música / jornalistas de música e em outras profissões musicais. Além disso, descreve movimentos musicais (por exemplo, música feminina , que é música escrita e executada por mulheres para mulheres), eventos e gêneros relacionados às mulheres, questões femininas e feminismo .

Na década de 2010, enquanto as mulheres constituíam uma proporção significativa das cantoras de música popular e clássica, e uma proporção significativa de compositoras (muitas delas sendo cantoras-compositoras), existem poucas mulheres produtoras de discos, críticas e instrumentistas de rock. Artistas mulheres notáveis ​​no pop, como Bjork e Lady Gaga , comentaram sobre sexismo e discriminação de gênero na indústria da música . Além disso, um estudo recente liderado pelo Dr. Smith anunciou que "... nos últimos seis anos, a representação das mulheres na indústria da música foi ainda menor". Na música clássica, embora tenha havido um grande número de compositoras desde o período medieval até os dias atuais, as compositoras estão significativamente sub-representadas no repertório de música clássica comumente executado , nos livros de história da música e nas enciclopédias de música; por exemplo, no Concise Oxford History of Music , Clara Schumann é uma das únicas compositoras mencionadas.

As mulheres constituem uma proporção significativa dos solistas instrumentais na música clássica e a porcentagem de mulheres nas orquestras está aumentando. Um artigo de 2015 sobre solistas de concerto nas principais orquestras canadenses, no entanto, indicou que 84% dos solistas com a Orchester Symphonique de Montreal eram homens. Em 2012, as mulheres ainda representavam apenas 6% da melhor orquestra da Filarmônica de Viena . As mulheres são menos comuns como instrumentistas em gêneros musicais populares, como rock e heavy metal , embora tenha havido uma série de instrumentistas femininas notáveis ​​e bandas exclusivamente femininas . As mulheres são particularmente sub-representadas em gêneros de metal extremo . As mulheres também estão sub-representadas na regência orquestral, crítica musical / jornalismo musical, produção musical e engenharia de som . Enquanto as mulheres foram desencorajadas a compor no século 19, e há poucas mulheres musicólogas , as mulheres se envolveram na educação musical "a tal ponto que as mulheres dominaram [este campo] durante a segunda metade do século 19 e até o século 20 . "

De acordo com Jessica Duchen, uma escritora musical do The Independent de Londres , as mulheres músicas da música clássica são "frequentemente julgadas por suas aparências, ao invés de seu talento" e elas enfrentam pressão "para parecerem sexy no palco e nas fotos". Duchen afirma que, embora "aqui haja mulheres músicas que se recusam a brincar com sua aparência ... aquelas que o fazem tendem a ter mais sucesso material". De acordo com a editora da Radio 3 do Reino Unido, Edwina Wolstencroft, a indústria musical há muito tempo está aberta para ter mulheres em papéis performáticos ou de entretenimento, mas as mulheres são muito menos propensas a ocupar cargos de autoridade, como ser maestro de uma orquestra , uma profissão que tem sido chamado de "um dos últimos tetos de vidro na indústria da música ". Na música popular, embora haja muitas cantoras gravando canções, há muito poucas mulheres por trás do console de áudio atuando como produtoras musicais, as pessoas que dirigem e gerenciam o processo de gravação. Uma das artistas mais gravadas é uma mulher, Asha Bhosle , uma cantora indiana mais conhecida como cantora de playback no cinema hindi.

Compositores

A compositora, cantora e multi-instrumentista Ani DiFranco teve muita liberdade artística durante sua carreira, em parte porque fundou sua própria gravadora, Righteous Babe . Ela se tornou um ícone feminista e apoia muitas causas sociais.

[l] Como em muitos aspectos do ... negócio da música [na década de 1960], a composição era um campo dominado pelos homens. Embora houvesse muitas cantoras no rádio, as mulheres ... eram vistas principalmente como consumidoras: ... Cantar às vezes era um passatempo aceitável para uma garota, mas tocar um instrumento, escrever canções ou produzir discos simplesmente não era feito ... [e as mulheres] não foram socializadas para se verem como pessoas que criam [música].

Erika Abrams em Rebeat , 28 de janeiro de 2015

Um compositor é um indivíduo que escreve as letras , melodias e progressões de acordes de músicas, geralmente para um gênero de música popular , como pop, rock ou country . Um compositor também pode ser chamado de compositor, embora o último termo tenda a ser usado principalmente para indivíduos do gênero de música clássica.

Século 19 e início do século 20

"Apenas algumas das muitas mulheres [compositoras] na América tiveram suas músicas publicadas e ouvidas durante o final do século 19 e início do século 20." De acordo com Richard A. Reublin e Richard G. Beil, a "falta de menção às mulheres [compositores] é uma omissão flagrante e embaraçosa em nossa herança musical". As mulheres "lutaram para escrever e publicar música no mundo masculino do Tin Pan Alley do século 20. Antes de 1900 e mesmo depois, esperava-se que" as mulheres executassem música, não fizessem música. "Em 1880, o crítico musical de Chicago George P. Upton escreveu o livro Mulheres na Música , no qual argumentava que "as mulheres careciam da criatividade inata para compor boa música" devido à "predisposição biológica" das mulheres. Mais tarde, foi aceito que as mulheres teriam um papel na educação musical , e elas se envolveram neste campo "a tal ponto que as mulheres dominaram a educação musical durante a segunda metade do século 19 e bem no século 20." Como parte do papel das mulheres na educação musical, as mulheres escreveram hinos e música infantil. a música secular impressa na América antes de 1825 mostra apenas cerca de 70 obras de mulheres. "Em meados do século 19, surgiram mulheres compositoras notáveis, incluindo Faustina Hasse Hodges , Susan Parkhurst, Augusta Browne e Marion Dix Sullivan . Em 1900, havia muitos mais mulher en compositores, mas "muitos ainda eram forçados a usar pseudônimos ou iniciais" para esconder o fato de que eram mulheres.

Carrie Jacobs-Bond foi a "compositora proeminente do final dos anos 1800 e bem na metade do século XX ... [tornando-a] a primeira mulher com vendas de um milhão de compositores". Maude Nugent (1877–1958) escreveu "Sweet Rosie O'Grady" em 1896. Ela também escreveu "Down at Rosie Reilly's Flat", "My Irish Daisy" e "Mary From Tipperary". Charlotte Blake (1885–1979) foi redatora da Whitney Warner Publishing Co., em Detroit, Michigan. Inicialmente, a empresa a cobrou como "C. Blake" para ocultar seu gênero, mas em 1906 os anúncios usavam seu nome completo. Caro Roma (1866–1937) era o pseudônimo de gênero ambíguo para Carrie Northly . Ela foi "uma das compositoras mais conhecidas e populares da era de Tin Pan Alley". Suas canções incluem "Can't Yo 'Heah Me Calling", "Faded Rose", "The Angelus", "Thinking of Thee" e "Resignation". Cerca de 95% dos compositores do music hall britânico durante o início dos anos 1900 eram homens; no entanto, cerca de 30% dos cantores eram mulheres.

Jazz no século 20

Lil Hardin Armstrong (1898–1971) foi um notável compositor de jazz.

Embora a composição de jazz sempre tenha sido um campo dominado pelos homens, houve algumas compositoras de jazz notáveis . Na década de 1930, Ann Ronell (1905–1993) escreveu várias canções de sucesso. Ela é conhecida por sua canção de sucesso de 1932 " Willow Weep for Me " e pela canção da Disney de 1933 "Quem Tem Medo do Lobo Mau?". Irene Higginbotham (1918–1988) escreveu quase 50 canções, sendo a sua mais conhecida "Good Morning Heartache". Dorothy Fields (1905–1974) escreveu as letras de mais de 400 canções, algumas das quais foram tocadas por Duke Ellington . Ela co-escreveu " The Way You Look Tonight " com Jerome Kern , que ganhou o Oscar de Melhor Canção em 1936. Ela co-escreveu vários padrões de jazz com Jimmy McHugh , como " Exactly Like You ", " On the Sunny Side of the Street " e " I Can't Give You Anything but Love ". Lil Hardin Armstrong (1898–1971) tocou piano na King Oliver 's Creole Jazz Band. Sua música mais famosa, "Struttin 'with Some Barbecue", foi gravada 500 vezes. Suas outras canções notáveis ​​são "Doin 'the Suzie Q", "Just for a Thrill" e "Bad Boy". Embora Billie Holiday (1915–1959) seja mais conhecida como cantora, ela co-escreveu " God Bless the Child " e " Don't Explain " com Arthur Herzog Jr. e escreveu a canção de blues " Fine and Mellow ".

A música jazz foi uma força propulsora para ajudar as mulheres na libertação no início do século XX. A música jazz também ajudou a abrir caminho para mais empregos para mulheres. Esse aumento de uma carreira muito dominada por homens até a década de 1920 permitiu que mais mulheres seguissem a carreira de artes cênicas. Em troca desse aumento, Showboat , o primeiro musical de jazz da Broadway, foi produzido. Showboat discute as dificuldades da família no Mississippi e a reunificação da família. A música jazz influenciou em ajudar as mulheres a conseguirem mais empregos, ambiente aberto para a igualdade do pós-guerra e sexualidade aberta no início do século XX. Muitas das mulheres na música jazz da época ajudaram a influenciar o gênero e muitas mulheres músicas de jazz eram pessoas de cor. Esses fatores ajudaram a crescer o gênero da música jazz até o que é hoje.

Muitas mulheres influenciaram a música jazz ao produzir, compor e interpretar música jazz. Uma mulher que teve influência na música jazz foi Bessie Smith, também conhecida como a Imperatriz do Blues. Ela viveu de 1894 a 1937. Ela foi indicada no Hall da Fama do rock and roll, e em 1989 Smith recebeu um Grammy pelo conjunto de sua obra. Outra mulher que fez história na indústria do jazz é Dolly Jones. Ela foi a primeira trompetista de jazz a ser gravada. Muitas mulheres não recebem crédito neste gênero como seus colegas homens. Mulheres como Sweet Emma Barrett, que se apresentou na Orquestra Original Tuxedo, viajaram nacional e internacionalmente. Uma das canções de sucesso de Barrett é "A Good Man is Hard to Find". Mais mulheres como Billie Pierce, Lovie Austin, Jeanette Kimball, Mary Lou Williams, Alice Coltrane e Hazel Scott, todas tiveram um impacto no gênero jazz. Essas mulheres deixaram sua marca especialmente por serem mulheres em um gênero muito dominado pelos homens.

Muitas dessas mulheres, que são conhecidas no mundo do jazz, não recebem o reconhecimento que merecem por causa de seus concorrentes homens. Não só as mulheres foram influentes como cantoras de jazz, mas também há muitos músicos de jazz que também não recebem seu crédito. Uma mulher foi Ingrid Monson, que chamou a atenção para o fato de que quando as mulheres começaram a tocar piano, elas também ganharam mais aceitação social na indústria musical. Normalmente as mulheres seriam vistas tocando em um grupo de jazz exclusivamente feminino, mas quando entrassem no "mundo do jazz profissional", seriam um sucesso instantâneo. Uma mulher, com o nome de Valaida Snow também era conhecida como a "rainha da trombeta". Outra mulher, Nona Gendryx, era uma vocalista de jazz que também tocou muitos instrumentos e teve a chance de trabalhar com muitos artistas talentosos do Hip Hop como Prince. Existem muitas mulheres talentosas cujos nomes não sabemos.

Essas mulheres tiveram muito sucesso, mas para algumas foi de curta duração. Essas mulheres chegaram à fama quando os homens foram convocados para a Segunda Guerra Mundial. No entanto, depois que esses homens voltaram do emprego, os músicos de jazz que eram mulheres enfrentaram dificuldades difíceis. Problemas como assédio sexual e duras críticas de outros membros da banda e colegas músicos de jazz foram vistos.

Pop na década de 1960

Na cena da música pop da década de 1960, "[l] como em muitos aspectos do ... negócio da música [na década de 1960], a composição era um campo dominado pelos homens. Embora houvesse muitas cantoras no rádio, mulheres ... eram vistos principalmente como consumidores: ... Cantar às vezes era um passatempo aceitável para uma garota, mas tocar um instrumento, escrever canções ou produzir discos simplesmente não era feito. " As mulheres jovens "não foram socializadas para se verem como pessoas que criam [música]". Carole King "teve um parceiro de composição de sucesso com o marido Gerry Goffin , escrevendo sucessos como" The Loco-Motion "," Will You Love Me Tomorrow "," Up on the Roof "e" Natural Woman ". primeira mulher a receber o Prêmio Gershwin de Canção Popular de 2013. " Ellie Greenwich e seu marido Jeff Barry escreveram" Then He Kissed Me "," Be My Baby "e" River Deep, Mountain High ". Laura Nyro escreveu" Wedding Bell Blues " , "Eli's Coming" e " And When I Die ". Ela afirmou: "Não estou interessada nas limitações convencionais quando se trata de minhas composições .... Posso trazer uma certa perspectiva feminista para minhas composições." tanto Carole King quanto seu marido Gerry Goffin demonstraram a natureza mutante da música americana, bem como o surgimento de novos padrões românticos e sexuais. "Os músicos representaram uma das vanguardas da mudança sexual e romântica na sociedade americana", impactando e mudando os jovens padrões sociais. No final dos anos 1940 e 1950, os jovens começaram a se casar e a assumir responsabilidades de adultos muito jovens. No entanto, Carole King desafiou a sequência de data, casamento e sexo, demonstrando que o sexo após o casamento e a prática convencional de namoro não é cativante. Ela promoveu a descontração dos relacionamentos entre as pessoas e destacou a tendência de pessoas do sexo oposto "se tornarem amigas" com sua cançãoYou Got a Friend .

Lotti Golden, Lower East Side c.1968
Lotti Golden, Lower East Side c. 1968

Anos 60: nova onda de cantoras e compositoras

No final dos anos 1960, uma nova onda de cantoras e compositoras rompeu os confins do pop, escrevendo canções mais pessoais no estilo confessional de poetas como Anne Sexton e Sylvia Plath. Os artistas que lideraram esse movimento foram apresentados na Newsweek de julho de 1969, "The Girls: Letting Go": "O que é comum a eles - a Joni Mitchell e Lotti Golden , a Laura Nyro , Melanie , Janis Ian e a Elyse Weinberg, são os canções personalizadas que escrevem, como viagens de autodescoberta. " Ao inovar, essas mulheres também enfrentaram muitas lutas, como a discriminação. Em um mundo editorial dominado por homens, compositoras como Joni Mitchell querem ser vistas fora das categorias de raça e gênero, e na categoria de pura arte. Em sua entrevista de 1994 com Alice Echol , Joni Mitchell rejeitou o feminismo, mas expressou sua animosidade em relação à discriminação, exclusão baseada no sexo e sexualização gratuita. A entrevistadora Alice Echol coloca o "desconforto de Joni Mitchell com o rótulo feminista no contexto de sua arte". As compositoras querem ser vistas como boas músicas, sem que seus talentos sejam marginalizados por causa de seu gênero. Além disso, Grace Slick, uma ex-modelo, era amplamente conhecida na história do rock and roll por seu papel na florescente cena musical psicodélica de São Francisco em meados da década de 1960. "No The Guardian , 26 de janeiro de 2017, a autora Laura Barton descreve a mudança radical de assunto assunto - política, drogas, decepção, o isolamento do artista itinerante e vida urbana. A nova-iorquina nativa, Lotti Golden , em seu álbum de estreia no Atlântico, Motor-Cycle , narrou sua vida no East Village de Nova York na contracultura do final dos anos 60, visitando assuntos como identidade de gênero (The Space Queens-Silky is Sad) e uso excessivo de drogas (Gonna Fay). As mulheres no artigo da Newsweek de 1969 inauguraram uma nova era para a cantora e compositora, informando gerações de cantoras e compositoras.

Teatro musical

No teatro musical, "compositoras são raras em uma indústria dominada por homens no lado criativo. Trabalhos de compositores homens são produzidos com mais frequência, e foi apenas [em 2015] que uma equipe de compositores exclusivamente feminina fez história ao ganhar o Tony Prêmio de melhor pontuação . " Em 2015, pela primeira vez, uma equipe feminina de roteiristas de Lisa Kron (Melhor Livro) e Jeanine Tesori e Kron (Melhor Trilha Sonora Original) ganhou o Tony Award de Melhor Trilha Sonora para Fun Home , embora o trabalho de compositores homens continue a ser produzidos com mais freqüência. Em 2013, Cyndi Lauper foi a "primeira compositora a ganhar o [Tony de] Melhor Trilha Sonora sem um colaborador masculino" por escrever a música e as letras de Kinky Boots . Entre as notáveis ​​compositoras do teatro musical estão a cantora e compositora e atriz Lauren Pritchard , que escreveu Songbird ; Zoe Sarnak, que escreveu A Lasting Impression e The Years Between ; e Katie Thompson, que gostaria de "ver personagens femininas ... complicadas, fortes e vulneráveis". Thompson afirmou que na indústria do teatro musical, "quando você luta por algo como mulher, especialmente uma coisa artística .. ou você é percebido como uma vadia ou você é percebido [como] 'emocional'", um rótulo que permite aos outros para despedir você. O desequilíbrio de gênero no teatro musical existe bem no século XXI, com as mulheres sendo apenas 3% dos compositores de bandas de sopro e 12% dos compositores corais. Apesar do estigma e da falta de mulheres no teatro musical, mais de cinquenta mulheres receberam reconhecimento artístico internacional por compor partituras musicais de longa-metragem na Broadway e teatros off-Broadway.

Abbey Lincoln (1930–2010) foi uma vocalista, compositora e atriz de jazz americana que escreveu e executou suas próprias composições. Ela foi uma defensora dos direitos civis durante a década de 1960.

Mulheres negras

De acordo com LaShonda Katrice Barnett , professora universitária e autora de um livro sobre compositoras negras, dos "mais de 380 membros do Hall da Fama dos compositores , apenas duas são mulheres negras ( Sylvia Moy e Valerie Simpson )".

Compositores notáveis

Abaixo está uma seleção de compositores notáveis de acordo com a Rolling Stone ' ' s 100 maiores compositores de todos os tempos . Muitos desses indivíduos são cantores e compositores famosos por suas habilidades de canto e / ou desempenho instrumental, mas estão listados aqui por suas realizações na composição de músicas:

Compositores

Compositora e pianista do século XIX Clara Schumann

A musicóloga americana Marcia Citron perguntou "por que a música composta por mulheres é tão marginal em relação ao repertório 'clássico' padrão?" Citron "examina as práticas e atitudes que levaram à exclusão de compositoras do ' cânone ' recebido de obras musicais executadas." Ela argumenta que, em 1800, as compositoras costumavam escrever canções de arte para apresentações em pequenos recitais, em vez de sinfonias destinadas à apresentação com uma orquestra em um grande salão, com as últimas obras sendo vistas como o gênero mais importante para os compositores; visto que as compositoras não escreveram muitas sinfonias, elas foram consideradas não notáveis ​​como compositoras.

De acordo com Abbey Philips, "as mulheres músicas têm tido muita dificuldade em se abrir e obter o crédito que merecem". Durante as eras medievais, a maior parte da música artística foi criada para fins litúrgicos (religiosos) e devido às opiniões sobre os papéis femininos que eram desempenhados por líderes religiosos, poucas mulheres compunham este tipo de música, com a freira Hildegard von Bingen sendo entre as exceções. A maioria dos livros universitários de história da música discute quase exclusivamente o papel dos compositores masculinos. Da mesma forma, muito poucas obras de compositoras femininas fazem parte do repertório padrão da música clássica. No Concise Oxford History of Music , Clara Schumann é a única compositora mencionada. Philips afirma que "durante o século 20, as mulheres que compunham / tocavam ganharam muito menos atenção do que os homens".

Era medieval

Hildegard von Bingen (1098-1179) foi uma abadessa , compositora, escritora, filósofa e visionária beneditina alemã . Uma de suas obras como compositora, a Ordo Virtutum , é um dos primeiros exemplos de drama litúrgico e uma das primeiras peças de moralidade . Alguns escritores especularam uma origem distante para a ópera nesta peça, embora sem qualquer evidência. Sessenta e nove composições musicais, cada uma com seu próprio texto poético original, sobrevivem. Este é um dos maiores repertórios entre os compositores medievais. Hildegard compôs muitas canções litúrgicas que foram reunidas em um ciclo chamado Symphonia armoniae celestium revelationum. As canções da Sinfonia são definidas no próprio texto de Hildegard e variam de antífonas, hinos e sequências a responsórios. Sua música é descrita como monofônica , usando melodias elevadas que ultrapassaram os limites do canto gregoriano mais tradicional .

Era renascentista

Maddalena Casulana (1544–1590) foi uma compositora, lutenista e cantora italiana . Seu primeiro trabalho data de 1566: quatro madrigais em uma coleção, Il Desiderio , que ela produziu em Florença . Dois anos depois, ela publicou em Veneza seu primeiro livro de madrigais para quatro vozes, Il primo libro di madrigali , que é a primeira obra impressa publicada por uma mulher na história da música ocidental. Ela era próxima de Isabella de 'Medici e dedicou parte de sua música a ela. Em 1570, 1583 e 1586 ela publicou outros livros de madrigais. Na dedicatória de seu primeiro livro de madrigais, ela mostra seus sentimentos por ser uma compositora numa época em que isso era raro: “[Eu] quero mostrar ao mundo, o máximo que puder, nessa profissão da música, os vaidosos erro dos homens que só eles possuem os dons do intelecto e da arte, e que tais dons nunca são dados às mulheres. " Seu estilo é contrapontístico e cromático e suas linhas melódicas são cantáveis ​​e atentas ao texto. Outros compositores da época, como Philippe de Monte , a tinham em alta consideração.

Caterina Assandra (1590–1618) foi uma compositora italiana e freira beneditina . Ela se tornou famosa como organista e publicou várias obras. Assandra compôs uma série de motetos e peças de órgão. Ela estudou contraponto com Benedetto Re, um dos principais professores da Catedral de Pavia . Compôs uma coleção de motetos no novo estilo concertato em Milão em 1609, um imitativo Salve Regina de oito vozes em 1611 e um moteto , Audite verbum Dominum, para quatro vozes em 1618. Compôs peças tradicionais e obras mais inovadoras. Entre os últimos está Duo serafim. Seu moteto O Salutaris hodie, incluído em Motetti op. 2, foi uma das primeiras peças a incluir o violão , um instrumento de cordas arqueadas.

Era barroca

O tocador de alaúde de Orazio Gentileschi , presumivelmente um retrato de Francesca Caccini

Francesca Caccini (1587–1641) foi uma compositora, cantora, lutenista , poetisa e professora de música italiana . Seu canto no casamento de Henrique IV da França e Maria de Medici em 1600 foi elogiado por Henrique, que a chamou de "a melhor cantora de toda a França". Ela trabalhou na corte dos Medici como professora, cantora de câmara, treinadora de ensaios e compositora de música de câmara e de palco até 1627. Em 1614, ela era a musicista mais bem paga da corte, porque seu virtuosismo musical exemplificava tão bem uma ideia de excelência feminina projetada pela regente de facto da Toscana, a Granduchess Christina de Lorraine . A maior parte de sua música de palco foi composta para apresentações em comédias. Em 1618, ela publicou uma coleção de trinta e seis canções solo e duetos de soprano / baixo. Em 1625 ela compôs um "balé de comédia" de 75 minutos. Ao todo, ela escreveu dezesseis obras encenadas. Ela era uma mestre da surpresa harmônica dramática: em sua música, são as mudanças de harmonia, mais do que o contraponto, que comunicam o afeto emocional de forma mais poderosa.

Barbara Strozzi (1619-1677) foi uma cantora e compositora barroca italiana . Quando criança, seus consideráveis ​​talentos vocais foram exibidos para um grande público. Ela também era talentosa em composição, e seu pai arranjou para ela estudar com o compositor Francesco Cavalli . Strozzi foi considerado "o compositor mais prolífico - homem ou mulher - da música vocal secular impressa em Veneza no meio do século". Sua produção também é única por conter apenas música vocal secular, com exceção de um volume de canções sacras. Ela era conhecida por sua habilidade poética e também por seu talento composicional. Suas letras eram frequentemente poéticas e bem articuladas. Quase três quartos de seus trabalhos impressos foram escritos para soprano , mas ela também publicou trabalhos para outras vozes. Suas composições estão firmemente enraizadas na tradição da seconda pratica . A música de Strozzi evoca o espírito de Cavalli , herdeiro de Monteverdi . No entanto, seu estilo é mais lírico e mais dependente do som vocal puro. Muitos dos textos de suas primeiras peças foram escritos por seu pai Giulio. Textos posteriores foram escritos pelos colegas de seu pai e, para muitas composições, ela pode ter escrito seus próprios textos.

Élisabeth Jacquet de La Guerre (1665–1729) foi uma compositora, musicista e cravista francesa . Ela nasceu em uma família de músicos e mestres fabricantes de instrumentos. Uma criança prodígio, ela tocou no cravo antes do rei Luís XIV . Ela se tornou uma musicista na Corte Real e ensinou, compôs e deu concertos em casa e por toda Paris, com grande aclamação. Ela foi uma das poucas compositoras bem conhecidas de seu tempo e, ao contrário de muitos de seus contemporâneos, compôs em uma ampla variedade de formas. Seu talento e realizações foram reconhecidos por Titon du Tillet , que lhe concedeu um lugar em seu Monte Parnaso quando ela tinha apenas 26 anos, ao lado de Lalande e Marais e diretamente abaixo de Lully. Suas obras incluem um balé, uma ópera ( Céphale et Procris ), sonatas trio , peças para cravo, Sonates pour le viollon et pour le clavecin e obras vocais como seus Cantates françoises sur des sujets tirez de l'Ecriture .

Era clássica

A cantora de ópera e compositora sueca Elisabeth Olin na década de 1780

Harriett Abrams (1758–1821) foi uma compositora e soprano inglesa . Como cantora, ela foi elogiada por suas interpretações de George Frideric Handel . Ela estudou canto, teoria musical e composição com o compositor Thomas Arne antes de fazer sua estréia na ópera em 1775 no Theatre Royal, Drury Lane, em Londres. Abrams se tornou o cantor principal nos shows da moda em Londres e festivais provinciais, aparecendo regularmente de 1780 a 1790. Abrams compôs várias canções, duas das quais, "The Orphan's Prayer" e "Crazy Jane", se tornaram populares. Ela publicou dois conjuntos de canzonetes em italiano e inglês , uma coleção de canções e geleias escocesas harmonizadas para duas e três vozes e mais de uma dezena de canções, principalmente baladas sentimentais . Uma coleção de canções publicada em 1803 foi dedicada por Harriett à Rainha Charlotte .

Maria Teresa Agnesi (1720–1795) foi uma compositora italiana. Embora ela fosse mais famosa por suas composições, ela também era uma cravista e cantora talentosa . A maioria de suas composições sobreviventes foi escrita para teclado, voz ou ambos. Sua carreira foi possibilitada pela Lombardia austríaca, progressista e esclarecida nos direitos das mulheres . Sua patrona foi Maria Theresia , sagrada Imperatriz Romana e soberana da Lombardia, e Maria Antonia Walpurgis , uma talentosa compositora e contemporânea. Seus primeiros trabalhos são simples e limpos, enquanto seus trabalhos posteriores são mais virtuosos, complexos e melodramáticos. Ela compôs óperas, incluindo drama heróico e estilos dramáticos sérios. Ela também escreveu árias, concertos e sonatas para teclado, pequeno conjunto e voz.

Princesa Anna Amalia (1723-1787) foi uma compositora prussiana e curadora de partituras. Ela aprendeu a tocar cravo, flauta e violino quando jovem. Ela se tornou a abadessa de Quedlinburg em 1755. Ela passou a maior parte de seu tempo em Berlim, onde se dedicou à música, e se tornou uma mecenas e compositora musical. Como compositora, ela alcançou uma modesta fama e é mais conhecida por suas obras de câmara menores, que incluíam trios, marchas, cantatas, canções e fugas. Em 1758, ela estudou teoria musical e composição com Johann Philipp Kirnberger , aluno de Johann Sebastian Bach . Ela compôs música de câmara, como sonatas para flauta. Além disso, ela musicou o texto da cantata da Paixão de Ramler, Der Tod Jesu ("A Morte de Jesus"). Ela também foi colecionadora de música, preservando mais de 600 volumes de obras de Johann Sebastian Bach, George Frideric Handel , Georg Philipp Telemann , Karl Heinrich Graun e Carl Philipp Emanuel Bach , entre outros. Seus trabalhos de curadoria são uma contribuição significativa para a cultura ocidental .

Princesa Anna Amalia (1723-1787) foi uma compositora prussiana e curadora de partituras conhecida por suas obras de câmara, que incluíam trios, marchas, cantatas, canções e fugas.

Elisabeth Olin (1740-1828) foi uma cantora e compositora sueca de ópera. Ela estreou como Alfhild em Syrinx conhecida como a primeira Ópera comique nativa da Suécia , em Bollhuset em 1747. Ela se tornou uma vocalista famosa em concertos públicos regulares em Riddarhuset em Estocolmo , e publicou suas próprias composições; ela foi uma das compositoras suecas que escreveu uma composição cada para a coleção Gustaviade. En hjältedikt i tolv sånger ('Gustaviade. Um poema heróico de doze canções') de 1768; onde ela escreveu a composição número oito. Na apresentação de inauguração e fundação da Ópera Real Sueca em 18 de janeiro de 1773, ela cantou o papel da Deusa do Mar Thetis na ópera Thetis och Pélée de Francesco Uttini . Ela permaneceu a primadonna da ópera sueca por uma década. Em 1773, ela se tornou a primeira mulher a receber o título de Hovsångare e, em 1782, foi empossada como a primeira mulher na Academia Real de Música da Suécia .

Compositora e cantora de ópera francesa Henriette Adélaïde Villard de Beaumesnil

Henriette Adélaïde Villard de Beaumesnil (1748–1813) foi uma compositora e cantora de ópera francesa . Ela começou a trabalhar em pequenos papéis de comédia aos sete anos de idade e estreou como solista na Ópera de Paris em 1766. Ela foi a segunda mulher a ter uma composição apresentada na Ópera de Paris. Anteriormente, a Ópera de Paris havia encenado a tragédie-lyrique Céphale et Procris de Élisabeth Jacquet de La Guerre , em 1694. Anacréon , sua primeira ópera, teve uma apresentação privada na residência do Conde de Provença em 1781. Em 1784, sua ópera Tibulle et Délie foi apresentada na Ópera de Paris. Em 1792, sua opéra comique em dois atos , Plaire, c'est commander, foi apresentada no Théâtre Montansier .

Anna Bon (1739-1767?) Foi uma compositora e intérprete italiana. Frequentou o Ospedale della Pietà em Veneza, onde estudou com a maestra di viola, Candida della Pièta. Ela ocupou o novo cargo de ' virtuosa da música de câmara ' na corte de Margrave Friedrich de Brandenburg Kulmbach . Ela dedicou suas seis op. 1 sonatas para flauta, publicadas em Nürnberg em 1756, para Friedrich. Em 1762 ela se mudou para a corte Esterházy em Eisenstadt , onde permaneceu até 1765. Ela dedicou o conjunto publicado de seis sonatas para cravo , op. 2 (1757), para Ernestina Augusta Sophia, Princesa de Saxe-Weimar , e o conjunto de seis divertimenti ( trio sonatas ), op. 3 (1759), para Charles Theodore, Eleitor da Baviera . Ela também escreveu seis divertimenti para duas flautas e baixo contínuo ; uma ária, "Astra coeli", para soprano, 2 violinos, viola e baixo contínuo; um ofertório, "Ardete amore", para cantores, instrumentos e baixo contínuo; um moteto, "Eia in preces et veloces", para alto, 2 violinos, viola e baixo contínuo e uma ópera.

Jane Mary Guest (1762-1846) foi uma compositora e pianista inglesa. Aluna de Johann Christian Bach , e inicialmente compondo no estilo galante , ela compôs sonatas para teclado , outras obras para teclado e obras vocais com acompanhamento de teclado. Ela foi professora de piano da princesa Amelia e da princesa Charlotte de Gales . Ela se apresentou em Londres a partir de 1779, dando concertos por assinatura lá em 1783/84. Ela era conhecida por seu estilo expressivo de tocar. Nessa época, ela publicou Seis Sonatas, op. 1, que ganhou inscrições extensas, incluindo a partir de realeza, e que também foram publicados em Paris em 1784 e em Berlim em 1785. Além de suas sonatas para teclado, ela também compôs outras peças de teclado, como sua introdução e março de Rossini 's Ricciardo e Zoraide (1820) e várias canções com acompanhamento de teclado.

Marianne von Martínez (1744–1812) foi uma compositora, cantora e pianista austríaca. Metastasio percebeu seus talentos precoces e passou a supervisionar sua educação musical, que incluía aulas de teclado com Haydn , aulas de canto com Porpora e aulas de composição com Johann Adolph Hasse e o compositor da corte imperial Giuseppe Bonno . Ela era falante nativa de italiano e alemão e sabia francês e inglês. Ainda criança tocava para a corte imperial, onde “chamava atenção com sua bela voz e seu jeito de tocar teclado”. Já adulta, era frequentemente convidada a se apresentar diante da Imperatriz Maria Theresa . Várias das obras que Marianna compôs são definidas para voz solo. Ela escreveu várias cantatas seculares e dois oratórios de textos italianos. As composições sobreviventes incluem quatro missas , seis motetos e três litanias para coro. Ela escreveu no estilo italiano, como era típico do início do período clássico em Viena. Sua prática de performance de cravo foi comparada ao estilo de CPE Bach . Seu oratório italiano Isacco figura del redentore foi estreado por forças massivas em 1782.

Era romântica

Fanny Mendelssohn, 1842, de Moritz Daniel Oppenheim

Maria Szymanowska (1789-1831) foi uma conhecida compositora e pianista polonesa. Ela escreveu em muitos dos mesmos gêneros que o colega polonês Frederic Chopin (1810-1849). Szymanowska manteve conexões com várias pessoas famosas do século XIX, incluindo Gioacchino Rossini , Johann Wolfgang von Goethe e Adam Mickiewicz , o maior poeta da Polônia.

Fanny Mendelssohn (1805–1847) foi uma das compositoras mais conhecidas de 1800. Ela mostrou prodigiosa habilidade musical quando criança e começou a escrever música. Embora os visitantes famosos da casa de sua família ficassem igualmente impressionados por Fanny e seu irmão Felix Mendelssohn , Fanny era limitada pelas atitudes predominantes da época em relação às mulheres. Seu pai era tolerante, em vez de apoiá-la, com suas atividades como compositora. Seu pai escreveu a ela em 1820, dizendo-lhe que "[m] usic talvez se torne sua profissão [isto é, a de Félix], enquanto para você pode e deve ser apenas um ornamento [em sua vida]". Felix a advertiu contra a publicação de suas obras em seu próprio nome e buscar uma carreira na música. Ele escreveu:

“Pelo que sei de Fanny, devo dizer que ela não tem inclinação nem vocação para a autoria [musical]. Ela é tudo o que uma mulher deve ser para isso. Ela regula sua casa, e não pensa no público, nem no mundo musical, nem mesmo na música, até que seus primeiros deveres sejam cumpridos. Publicar só iria perturbá-la neles, e não posso dizer que o aprovo '.

Clara Schumann (1819–1896) foi uma compositora e pianista concertista alemã que teve uma carreira de concerto de 61 anos, o que mudou o formato e o repertório do recital de piano e os gostos do público ouvinte. Desde cedo, ela teve uma aula de uma hora de piano, violino, canto, teoria, harmonia, composição e contraponto. Em 1830, aos onze anos, tornou-se uma virtuose solista e partiu para uma digressão de concertos por cidades europeias. No final da década de 1830, ela se apresentou para multidões lotadas e críticas elogiosas. Frédéric Chopin descreveu sua apresentação para Franz Liszt , que foi ouvir um de seus concertos e posteriormente "elogiou-a extravagantemente" em uma carta publicada na Parisian Revue et Gazette Musicale . Ela foi nomeada Königliche und Kaiserliche Kammervirtuosin ("Virtuoso de Câmara Real e Imperial"), a maior homenagem musical da Áustria .

Ela também foi fundamental para mudar o tipo de programa esperado dos pianistas de concerto. No início de sua carreira, antes de se casar com Robert Schumann , ela tocou o que era costumeiro, principalmente peças de bravura destinadas a mostrar a técnica do artista, muitas vezes na forma de arranjos ou variações de temas populares de óperas, escritas por virtuosos como Thalberg, Herz ou Henselt. Como também era costume tocar suas próprias composições, ela incluiu pelo menos uma de suas obras em cada programa, obras como suas Variações sobre um Tema de Bellini (Op. 8) e seu popular Scherzo (Op. 10). Suas obras incluem canções, peças para piano, um concerto para piano, um trio para piano , peças para corais e três romances para violino e piano.

Século 20 e 21

Compositora Lili Boulanger (1893–1918)

Katherine Hoover (1937–2018) estudou música na University of Rochester e na Eastman School of Music, onde obteve um Certificado de Performance em Flauta e um Bacharelado em Música em Teoria Musical em 1959. Ela começou a publicar trabalhos profissionais em 1965, com ela Dueto para dois violinos . Hoover foi a vencedora duas vezes do Concurso de Música Recentemente Publicado da National Flute Association, primeiro em 1987 com sua peça Medieval Suite e a segunda em 1991 com sua peça Kokopelli para flauta solo. Essas peças usam muitas técnicas estendidas para flauta, como o pitch bending. Muitas de suas obras foram gravadas por músicos renomados e apresentadas no Carnegie Hall.

Joan Tower (nascida em 1938) escreveu sua peça Black Topaz de 1976 , que apresenta muitas melodias e harmonias tonais. Ela recebeu seu DMA em composição pela Columbia University em 1978. Ela foi contratada em 1979 pela American Composers Orchestra, resultando em seu primeiro trabalho orquestral, Sequoia . Isso foi executado por numerosas orquestras em todo o mundo. De 1985 a 1988, Tower foi o compositor residente da Sinfônica de St. Louis. Em 1990, ela foi a primeira mulher a ganhar o Prêmio Grawemeyer de Composição Musical, que incluiu um prêmio de $ 150.000. Desde então, Tower tem sido o compositor residente em vários festivais de música, incluindo o Festival de Música de Câmara de Norfolk e o Festival de Música Contemporânea de Tanglewood. Tower é professora de música no Bard College em Nova York desde 1982 e é considerada uma das compositoras mais influentes do século XX.

Ellen Taaffe Zwilich (nascida em 1939) recebeu seu doutorado em composição pela Juilliard e foi a primeira mulher a alcançá-lo. No mesmo ano, ela ganhou uma medalha de ouro no Concurso Internacional de Composição na Itália. Em 1983, Zwilich fez história novamente, tornando-se a primeira mulher a ganhar o Prêmio Pulitzer de música por sua Sinfonia No. 1. Desde esse sucesso, ela recebeu muitas encomendas. Sua peça Millennium foi executada por 27 orquestras desde sua estreia em 2000. Ela é Professora de Música Francis Eppes na Florida State University desde 1999. Zwilich é conhecida por ter uma "voz eclética do milênio" em suas composições, utilizando um design claro e timbres ricos. Embora sua música fosse originalmente muito dissonante e influenciada pela Segunda Escola Vienense, seu estilo se tornou mais emocional após a morte de seu marido.

Libby Larsen (nascida em 1950) obteve seu MM em 1975 na Universidade de Minnesota e seu PhD na mesma escola em 1978. Em 1973, ela co-fundou o Minnesota Composers Forum, agora conhecido como American Composer's Forum. Larsen foi o compositor residente da Orquestra de Minnesota de 1983 a 1987. Larsen compôs mais de 220 obras, incluindo orquestra, dança, ópera, coral, teatro, câmara e repertório solo. Suas peças foram apresentadas nos Estados Unidos e na Europa. Larsen é uma forte defensora da música contemporânea e de músicos femininos, e ela ganhou um prêmio Grammy por seu CD The Art of Arleen Auger em 1994. Larsen ganhou o prêmio pelo conjunto de sua obra da Academia de Artes e Letras em 2000 e publicou seu livro The Concert Hall That Fell Adormeceu e Acordou como um Rádio Automóvel em 2007.

Jennifer Higdon (nascida em 1962) obteve um MA e um PhD da Universidade da Filadélfia em 1994. Higdon recebeu prêmios da Fundação Guggenheim, Academia Americana de Artes e Letras, Liga Internacional de Compositores Femininos e outros. Seu trabalho de 1996, Shine, foi eleito a Melhor Peça Contemporânea pelo USA Today. Das muitas peças de Higdon, a catedral azul é a mais freqüentemente executada. Em 2010, Higdon ganhou o prêmio Grammy de Melhor Composição Clássica Contemporânea por seu Concerto de Percussão . Também em 2010 ganhou o Prêmio Pulitzer de Música pela composição Concerto para Violino , estreada por Hilary Hahn.

Compositores femininos notáveis ​​adicionais estão listados abaixo. Alguns também são notáveis ​​como intérpretes (por exemplo, Agnes Tyrrell , Amy Beach e Verdina Shlonsky foram pianistas notáveis). Para obter uma lista completa, consulte Lista de compositoras por ano de nascimento .

Intérpretes instrumentais

Música popular

Indivíduos e bandleaders

Suzi Quatro é cantora, baixista e líder de banda. Quando ela lançou sua carreira em 1973, ela foi uma das poucas mulheres instrumentistas e líderes de banda proeminentes.

As mulheres têm grande destaque em muitos estilos musicais populares como cantoras. No entanto, instrumentistas mulheres profissionais são incomuns na música popular, especialmente em gêneros de rock como o heavy metal . "[P] tocar em uma banda é em grande parte uma atividade homossocial masculina, ou seja, aprender a tocar em uma banda é em grande parte uma experiência baseada em pares ... moldada por redes de amizade existentes segregadas por sexo. Também, música rock" é frequentemente definida como uma forma de rebelião masculina vis-à-vis a cultura feminina do quarto ". Na música popular, tem havido uma distinção de gênero" entre a participação pública (masculina) e privada (feminina) "na música." estudiosos argumentaram que os homens excluem as mulheres de bandas ou de seus ensaios, gravações, apresentações e outras atividades sociais. "" As mulheres são consideradas principalmente como consumidoras passivas e privadas de música pop supostamente elegante e pré-fabricada - portanto, inferior. " - desempenha um papel crucial. "No cenário da música pop dos anos 1960, "[tocar] às vezes era um passatempo aceitável para uma garota, mas tocar um instrumento ... simplesmente não era feito."

"A rebelião da música rock foi em grande parte uma rebelião masculina; as mulheres - frequentemente, nas décadas de 1950 e 60, garotas na adolescência - cantavam no rock como pessoas ... totalmente dependentes de seus namorados machos ...". Philip Auslander diz que "Embora houvesse muitas mulheres no rock no final dos anos 1960, a maioria se apresentava apenas como cantora, uma posição tradicionalmente feminina na música popular". Embora algumas mulheres tocassem instrumentos em bandas americanas de rock de garagem exclusivamente femininas , nenhuma dessas bandas alcançou mais do que sucesso regional. Portanto, eles "não forneceram modelos viáveis ​​para a participação contínua das mulheres no rock". Em relação à composição de gênero das bandas de heavy metal , foi dito que "[h] todos os músicos de heavy metal são quase exclusivamente masculinos" "[a] pelo menos até meados da década de 1980", exceto "exceções como o Girlschool ". No entanto, "agora [nos anos 2010] mais do que nunca - mulheres fortes do metal colocaram seus duques e se entregaram", "esculpindo um lugar considerável para [elas]." Quando Suzi Quatro surgiu em 1973, "nenhuma outra musicista proeminente trabalhou no rock simultaneamente como cantora, instrumentista, compositora e líder de banda". De acordo com Auslander, ela estava "derrubando a porta masculina no rock and roll e provando que uma musicista  ... e este é um ponto que me preocupa ... poderia tocar tão bem se não melhor do que os meninos".

Vários desses artistas também são notáveis ​​por cantar e compor, mas estão listados aqui por suas habilidades instrumentais :

Bandas femininas e grupos femininos

Uma banda feminina é um grupo musical de gêneros musicais populares , como pickle rick, blues , jazz e gêneros relacionados, composto exclusivamente por mulheres . Isso é diferente de um grupo de garotas, no qual as integrantes do sexo feminino são apenas vocalistas, embora essa terminologia não seja universalmente seguida. Enquanto bandas exclusivamente masculinas são comuns em muitas bandas de rock e pop, as bandas exclusivamente femininas são menos comuns.

Um grupo feminino é um ato musical com várias cantoras que geralmente se harmonizam . O termo "grupo feminino" também é usado em um sentido mais restrito nos países de língua inglesa para denotar a onda de grupos cantores de música pop feminina americana que floresceu no final dos anos 1950 e início dos anos 1960 entre o declínio do rock and roll inicial e a invasão britânica , muitos dos quais foram influenciados pelo estilo doo-wop . Bandas femininas também são chamadas de grupos femininos.

Essas bandas só de mulheres eram difíceis de manter, já que muitos grupos anteriores lutaram para substituir as mulheres músicas depois que elas partiram, e alguns foram forçados a abrir a banda para homens para evitar desistir.

Décadas de 1930 a 1960

Na era do jazz e durante a década de 1930, bandas femininas como The Blue Belles, The Parisian Redheads (mais tarde Bricktops), Lil-Hardin's All-Girl Band, The Ingenues , Harlem Playgirls, Phil Spitalny's Musical Sweethearts e "Helen Lewis and Her All-Girl Jazz Syncopators "eram populares. Ina Ray Hutton liderou uma banda só de garotas, os Melodears , de 1934 a 1939. Eunice Westmoreland, sob o nome de Rita Rio , liderou uma banda só de mulheres que apareceu na NBC Radio e no Vitaphone e RKO . O grupo polonês Filipinki foi fundado em 1959.

Grupos compostos exclusivamente por mulheres começaram a surgir com o advento do rock and roll . Entre as primeiras bandas de rock exclusivamente femininas a assinarem com uma gravadora foram Goldie & the Gingerbreads , para Atlantic Records em 1964, The Pleasure Seekers com Suzi Quatro para Hideout Records em 1964 e Mercury Records em 1968, The Feminine Complex para Athena Records em 1968, e Fanny (que foi pioneira no som de bandas exclusivamente femininas do início a meados da década de 1970) em 1969, quando Mo Ostin os assinou com a Warner Bros. Records . Houve também outros, como The Liverbirds (1962-1967), o Ace of Cups (1967), The Heart Beats (1968), Ariel (1968-1970) e as New Coon Creek Girls (1930).

1970 a 1980

Em 1971, Fanny se tornou a primeira banda feminina a chegar ao top 40 da Hot 100, com "Charity Ball" chegando ao 40º lugar. Em 1975, a dupla canadense de irmãs, Kate e Anna McGarrigle , gravou a primeira de uma série de álbuns. The Runaways foi uma das primeiras bandas de hard rock femininas, com grande sucesso comercial, lançando seu primeiro álbum em 1976: as integrantes da banda Joan Jett , Cherie Currie e Lita Ford seguiram carreiras solo. A década de 1980, pela primeira vez, viu o tão procurado sucesso nas paradas de bandas femininas e bandas de rock lideradas por mulheres. No Billboard Hot 100-year-end chart de 1982 Joan Jett " I Love Rock 'n' Roll " em No. 3 e Go-Go " We Got the Beat " em No. 25 enviaram uma mensagem para muitos chefes da indústria que as mulheres que podem jogar podem trazer dinheiro. Em 1989, uma das bandas femininas mais famosas, Dixie Chicks , começou a tocar nas esquinas de Dallas, Texas. Essa banda é formada por um trio formado por Natalie Maines como vocalista principal, Natalie Maguire no violino e bandolim e Emily Robison , mestre do banjo, do Dobro, da guitarra e do acordeão. The Dixie Chicks vendeu mais CDs do que todos os outros grupos de música country juntos. Eles ganharam cinco Grammys , em 2000, o Álbum do Ano da Country Music Association e o prêmio de Grupo Vocal do Ano em 2002. Outra banda feminina famosa inclui as WildWood Girls. Originalmente os WildWood Pickers começando em 1979 na área de Chicago, a banda só feminina começou depois que a banda se tornou um caso de família e mais tarde, eles mudaram seu nome para WildWood Girls em 1982, resultando em duas vezes mais reservas. Eles embarcaram em turnês no exterior para o USO e o Departamento de Defesa , trabalharam como uma banda no Dollywood por cerca de 5 anos e tocaram várias vezes no Festival Bean Blossom de Bill Monroe em Indiana por 10 anos. Eles lançaram seis gravações, apesar dos problemas que enfrentaram em relação ao fato de serem uma banda só de garotas. No entanto, outra banda famosa é a marca Happy Hollow String (1974-1979). Eles eram uma banda feminina de bluegrass com Sandy Crisco no banjo. Crisco relatou que foi difícil encontrar o banheiro feminino durante as reservas, pois devido à falta de intérpretes femininas, muitos instrumentistas masculinos não sabiam onde ficava.

Punk
Guitarrista punk Viv Albertine .

No Reino Unido, o advento do punk no final dos anos 1970 com seu ethos "qualquer um pode fazer" levou as mulheres a fazer contribuições significativas. Em contraste com a música rock e as cenas de heavy metal dos anos 1970, que eram dominadas por homens, a mentalidade anárquica e contracultural da cena punk em meados e no final dos anos 1970 encorajou as mulheres a participarem. "Essa era a beleza da coisa punk", disse Chrissie Hynde mais tarde. "A discriminação [sexual] não existia naquela cena." Esta participação desempenhou um papel no desenvolvimento histórico da música punk, especialmente nos Estados Unidos e no Reino Unido naquela época, e continua a influenciar e capacitar as gerações futuras.

A historiadora do rock Helen Reddington afirma que a imagem popular de jovens músicas punk focadas nos aspectos da moda da cena (meias arrastão, cabelo loiro espetado etc.) era estereotipada. Ela afirma que muitas, senão a maioria das mulheres punks, estavam mais interessadas na ideologia e nas implicações sócio-políticas do que na moda. A historiadora musical Caroline Coon afirma que antes do punk, as mulheres na música rock eram virtualmente invisíveis; em contraste, no punk, ela argumenta "[i] t seria possível escrever toda a história da música punk sem mencionar nenhuma banda masculina - e eu acho que muitas [pessoas] achariam isso muito surpreendente." Johnny Rotten escreveu que "Durante a era do Pistols, as mulheres brincavam com os homens, enfrentando-nos em igualdade de condições ... Não era combativo, mas compatível." As mulheres estavam envolvidas em bandas como The Slits , The Raincoats , Mo-dettes e Dolly Mixture , The Innocents .

Outros questionam a noção de igual reconhecimento, como a guitarrista Viv Albertine , que afirmou que "os homens do A&R, os seguranças, os mixadores de som, ninguém nos levava a sério. Então, não, não tínhamos respeito em nenhum lugar aonde íamos. As pessoas simplesmente não nos queriam por perto. " A postura anti-estabelecimento do punk abriu espaço para mulheres que eram tratadas como estranhas em uma indústria dominada por homens. Sonic Youth 's Kim Gordon estados, 'Eu acho que as mulheres são anarquistas naturais, porque você está sempre operando num quadro masculino.'

Metal pesado
Girlschool é uma banda britânica de heavy metal formada apenas por mulheres na nova onda da cena de heavy metal britânica em 1978 e frequentemente associada aos contemporâneos Motörhead . Eles são a banda de rock feminina mais antiga , ainda ativa depois de mais de 35 anos.

A banda feminina de heavy metal Girlschool , do sul de Londres, foi formada em 1978 das cinzas de Painted Lady. Embora tenham tido algum sucesso no Reino Unido, eles se tornaram mais conhecidos no início dos anos 1980. Um dos membros originais da banda, Kathy Valentine partiu para se juntar à banda feminina The Go-Go's , mudando da guitarra para o baixo. Entre as primeiras gravações do Girlschool estava um EP intitulado "The St. Valentines Day Massacre", que eles gravaram com os colegas de selo do Bronze, Motörhead, sob o nome de Headgirl . Em 1974, The Deadly Nightshade, uma banda de rock / country, assinou contrato com o Phantom. Mulheres no gênero heavy metal tendem a ter que se limitar devido ao gênero ser muito masculino.

Grunge

Enquanto há uma percepção de que os grupos em 1980 e 1990 rock alternativo gênero do grunge eram "predominantemente masculina", as mulheres foram representadas em bandas grunge como L7 , Lunachicks , dickless , STP, 7 Year Bitch , Courtney Love grupo de Buraco e Babes in Toyland , esta última uma "banda feminina de Minneapolis", e o grunge estava "inextricavelmente ligado ao Riot Grrrl ", um movimento punk feminista underground . Instrumentistas mulheres notáveis ​​incluem as baixistas D'arcy Wretzky e Melissa Auf der Maur do The Smashing Pumpkins e as bateristas Patty Schemel (projetos Hole e Courtney Love) e Lori Barbero do Babes in Toyland.

Década de 1990 a 2000

Na década de 1990, as revistas de músicos estavam começando a ver as mulheres mais seriamente, colocando Bonnie Raitt e Tina Weymouth em suas capas. Enquanto The Go-Go's e The Bangles , ambos da cena club de Los Angeles, foram as primeiras bandas de rock exclusivamente femininas a ter sucesso sustentado, os músicos individuais abriram caminho para que a indústria procurasse bandas que tivessem músicas femininas.

Na década de 1990, bandas como Hole , Super Heroines , The Lovedolls e L7 tornaram-se populares, enquanto demonstravam no palco, e em entrevistas, uma atitude autoconfiante e "ruim" às vezes, sempre dispostas a desafiar suposições sobre como um banda feminina deve se comportar. Courtney Love descreveu as outras mulheres no Hole como usando um "ponto de vista lunar" em seus papéis como músicas. Na década de 1990, o gênero punk Riot Grrrl liderado por mulheres foi associado a bandas como Bratmobile e Bikini Kill . Destiny's Child era um grupo feminino americano composto por Beyoncé Knowles , Kelly Rowland e Michelle Williams. Destiny's Child começou como Girl's Tyme , em 1990 e anos depois, foi assinado com a Columbia Records e Music World Entertainment como Destiny's Child em 1997. O segundo álbum mais vendido de Destiny's Child foi The Writing's on the Wall (1999), que incluía "Bills , Contas, contas "e" Diga meu nome ". Além disso, as Spice Girls eram um grupo pop feminino britânico formado em 1994. A banda é composta por Melanie Brown , Melanie Chisholm , Emma Bunton , Geri Halliwell e Victoria Beckham . Eles assinaram com a Virgin Records e seu single "Wannabe" foi lançado em 1996 e foi considerado o número um em 37 países diferentes.

2000 a 2010

Na década de 2000, todas as bandas lideradas por mulheres e mulheres começaram a usar sua influência para promover o feminismo e as mulheres na indústria da música. Bandas como The Distillers, lideradas por Brody Dalle, influenciaram a ascensão do punk de rua. St. Vincent começou a ganhar mais força e eventualmente apareceu na capa da revista Guitar World. St. Vincent usou uma camiseta com um decalque de biquíni na capa da revista, um comentário sobre como quando as mulheres aparecem com violões, geralmente estão vestidas de forma minima, como uma ferramenta de marketing para vender os instrumentos. Haim, uma banda composta por três irmãs, é extremamente franco no que diz respeito à promoção das mulheres na música, chamando os principais festivais de música pela falta de bandas lideradas por mulheres nas contas e pela falta de pagamento para artistas mulheres em comparação com os homens artistas do mesmo nível. Nos últimos anos, a falta de representação feminina na música tem sido um grande ponto de controvérsia na indústria. Músicas e bandas femininas são constantemente negligenciadas em favor dos artistas masculinos, no entanto, muitas pessoas na indústria da música têm se esforçado para mudar isso.

2010-2018

De 2010 a 2018, muitas bandas femininas surgiram e se tornaram mais populares. Uma das bandas femininas mais famosas é Little Mix (2011), uma banda britânica que se originou no The X Factor e é composta por Jesy Nelson , Leigh-Anne Pinnock , Jade Thirlwall e Perrie Edwards . Little Mix é o primeiro grupo exclusivamente feminino desde as Pussycat Dolls a chegar ao top 5 dos EUA com seu álbum DNA (2012). Eles também quebraram o recorde das Spice Girls ao ganhar a posição de estréia mais alta nas paradas dos EUA com o primeiro lançamento de um grupo feminino britânico. Além disso, Fifth Harmony é um grupo feminino americano baseado em Miami e composto por Ally Brooke , Normani Kordei , Dinah Jane , Lauren Jauregui e Camila Cabello até sua partida em 2016. Este grupo também esteve no X Factor em 2012. Sua três álbuns de estúdio colocados no top ten da Billboard 200 dos Estados Unidos .

Jazz

Mary Lou Williams (1910–1981) foi uma pianista, compositora e arranjadora que tocava jazz , música clássica e gospel . Ela escreveu centenas de composições e arranjos e gravou mais de cem discos.

Historicamente, a maioria das mulheres conhecidas no jazz foram cantoras, como Ella Fitzgerald , Billie Holiday , Diane Schuur e Dinah Washington . Culture Trip observa que as mulheres no jazz foram "frequentemente confinadas ao papel de cantora". No entanto, existem muitos músicos instrumentais notáveis. Em alguns casos, esses músicos também são compositores e líderes de banda:

Também houve bandas de jazz exclusivamente femininas , como The International Sweethearts of Rhythm, e todas as orquestras femininas, como a Hour of Charm Orchestra . Freqüentemente, durante a Segunda Guerra Mundial , todos esses grupos femininos entretinham as tropas enquanto os músicos serviam. No entanto, após a guerra, esses grupos femininos foram postos de lado, à medida que os músicos masculinos retornavam e o público favorecia a "normalidade" que isso trazia, e a super sexualização das mulheres na música retornava.

Alguns desses músicos ajudaram a moldar a música jazz e a cultura americana . Quando June Norton era jovem, ela queria seguir a música clássica, na esperança de um dia entrar na ópera. No entanto, isso não parecia possível, então ela começou a se dedicar à música popular . Norton se tornou a primeira mulher negra na região de Washington, DC, a aparecer cantando em comerciais de TV dirigidos aos estados do sul. Isso levou a suas realizações de muitos prêmios, incluindo o Prêmio de Realização de 1962 da Associação Nacional de Mulheres de Cor , o prêmio de Personalidade de TV do Ano, o Prêmio de ênfase de 1962 da Associação Nacional de Desenvolvimento de Mercado e o Prêmio de Cantora do Ano de 1962 da o YMCA . Mais tarde, ela se afastou dos holofotes e começou uma carreira como conselheira e se casou com Thomas C. Cuff. Ela passou o resto de seus anos de trabalho ajudando jovens carentes e presidiárias.

Outra pianista, compositora e vocalista deu uma contribuição significativa ao jazz e à cultura americana. Shirley Horn (1934–2005) gravou mais de 25 álbuns e trabalhou como músico paralelo para Stuff Smith , Toots Thielemans , Charlie Haden e Oscar Peterson . Ela praticou na Howard University Junior School of Music e mais tarde recebeu ofertas da Juilliard University e da Xavier University , mas optou por permanecer em Washington, DC, casar e ter um filho. Ela continuou a fazer turnês e fazer shows constantemente. Sua primeira gravação foi parte do lançamento de Stuff Smith em 1959, Cat on a Hot Fiddle . Sua gravação de estréia, Embers and Ashes atraiu muita atenção e ajudou-a a perceber que ela queria ser uma pianista de concerto, afinal. Poucos meses depois disso, Miles Davis contatou Horn e disse ao Village Vanguard em Nova York que queria que Horn abrisse para ele e que se recusava a jogar se isso não fosse uma possibilidade. Foi quando a fama e a reputação de Horn começaram a crescer. Ela continuou a trabalhar com a Mercury Records e a Verve Records . Ela recebeu muitos prêmios, incluindo um Grammy em 1999 de Melhor álbum vocal de Jazz por I Remember Miles, cinco Washington Area Music Awards, um diploma honorário em música da Berklee College of Music e uma bolsa e prêmio NEA Jazz Master de 2004 do National Endowment para as artes.

Música clássica

Os instrumentistas da música clássica podem se concentrar em um tipo específico de execução, como recitais solo, concertos solo, música de câmara ou atuar como membro de uma orquestra, ou podem fazer diferentes tipos. Alguns músicos que tocam instrumentos orquestrais podem fazer todos esses tipos de apresentações. Os instrumentistas da música clássica podem fazer apresentações ao vivo para o público e gravações. Em alguns casos, os artistas clássicos podem fazer principalmente apresentações ao vivo. Tradicionalmente, há um aspecto de gênero em tocar instrumentos na música clássica.

Muitas capas de álbuns de músicas clássicas têm fotografias que enfatizam a atratividade física da artista, "muitas vezes usando imagens picantes". De acordo com Jessica Duchen, uma redatora de música do The Independent de Londres , as musicistas clássicas são "frequentemente julgadas por suas aparências, ao invés de seu talento" e enfrentam pressão "para parecerem sexy no palco e nas fotos". Duchen afirma que, embora "aqui haja mulheres músicas que se recusam a tocar em sua aparência, ... aquelas que o fazem tendem a ser mais bem-sucedidas materialmente".

Orquestra

Orquestra Sinfônica Feminina de Montreal em 1942

Historicamente, as orquestras tendiam a ser quase exclusivamente masculinas, com exceção do harpa, visto que a harpa era considerada um "instrumento feminino". Um editorial de um jornal de música em 1917 na Inglaterra encorajou as orquestras a permitirem que as mulheres tocassem os "instrumentos mais leves", com o entendimento de que essas mulheres iriam ceder suas posições aos homens uma vez que a Primeira Guerra Mundial terminasse. Na década de 1990, para reduzir a probabilidade de preconceito de gênero , algumas orquestras começaram a conduzir audições de novos membros em potencial atrás de uma tela, de forma que o painel de audição não pudesse ver se era um intérprete do sexo masculino ou feminino. Historicamente, tem havido uma tendência para as seções de metais serem masculinas, e algumas instrumentistas femininas alegam que há preconceito de gênero contra as instrumentistas femininas. Um estudo na década de 1980 descobriu que as mulheres representavam 36% das orquestras americanas; 30% no Reino Unido e 16% na Alemanha Oriental e Ocidental. As mulheres tendiam a ser contratadas por orquestras de menor remuneração e estavam menos presentes nas grandes orquestras.

No passado, a Orquestra Filarmônica de Viena argumentou que a "uniformidade étnica e de gênero" dava a sua orquestra um som melhor. Vários músicos do sexo masculino VPO declararam em uma entrevista de 1996 que a música clássica tem "qualidades definidas pelo gênero que podem ser mais claramente expressas pela uniformidade masculina" na orquestra. Um membro masculino do VPO afirmou que os homens "carregam segredos que estão envolvidos com música e tons, assim como nas culturas aborígenes australianas ou indianas, onde os homens tocam certos instrumentos, e não as mulheres". Um artista masculino de VPO afirmou que "a gravidez traz problemas. Traz desordem. Outro argumento importante contra as mulheres é que elas podem trazer a solidariedade dos homens em questão. Você encontra isso em todos os grupos de homens."

A Filarmônica de Viena não aceitou mulheres como membros permanentes até 1997, muito mais tarde do que orquestras comparáveis ​​(das outras orquestras classificadas entre as cinco melhores do mundo pela Gramophone em 2008, a última a nomear uma mulher para um cargo permanente foi a Filarmônica de Berlim ). Ainda em fevereiro de 1996, o primeiro flautista Dieter Flury disse a Westdeutscher Rundfunk que aceitar mulheres seria "jogar com a unidade emocional ( emotionelle Geschlossenheit ) que este organismo possui atualmente". Em abril de 1996, o secretário de imprensa da orquestra escreveu que "compensar as esperadas licenças" da licença-maternidade era um problema.

A violinista clássica Sarah Chang antes de fazer um concerto solo em 2005

Em 1997, a orquestra estava "enfrentando protestos durante uma turnê [nos Estados Unidos]" da Organização Nacional para Mulheres e da Associação Internacional de Mulheres na Música. Finalmente, "depois de serem ridicularizados cada vez mais, mesmo na Áustria socialmente conservadora, os membros da orquestra se reuniram [em 28 de fevereiro de 1997] em uma reunião extraordinária na véspera de sua partida e concordaram em admitir uma mulher, Anna Lelkes, como harpista. " Em 2013, a orquestra tinha seis membros femininos; uma delas, a violinista Albena Danailova, tornou-se concertista da orquestra em 2008, sendo a primeira mulher a ocupar o cargo. Em 2012, as mulheres ainda representavam apenas 6% do quadro de membros da orquestra, em comparação com 14% na Filarmônica de Berlim, 30% na Orquestra Sinfônica de Londres e 36% na Filarmônica de Nova York . O presidente da VPO, Clemens Hellsberg, disse que a VPO agora usa audições cegas totalmente protegidas . Ela disse que escolhe "o melhor que conseguirmos", o que implica que a igualdade total de gênero levaria tempo à medida que os membros mais velhos se aposentassem e os novos fizessem testes em condições de gênero neutro. A Filarmônica Tcheca exclui as mulheres e a Filarmônica de Berlim "tem um histórico de discriminação de gênero".

Em 2013, um artigo no Mother Jones afirmou que "[m] qualquer orquestra de prestígio tem um número significativo de mulheres - as mulheres superam os homens na seção de violino da Filarmônica de Nova York - e vários conjuntos renomados, incluindo a National Symphony Orchestra , a Detroit Symphony , e a Minnesota Symphony, são lideradas por violinistas mulheres. As seções de metais, percussão e orquestra de baixo de cordas ainda são predominantemente masculinas. "

Solistas

Na música clássica, os solistas podem executar solos desacompanhados em seu instrumento, como ocorre com pianistas que tocam obras para piano solo ou instrumentos de cordas que tocam suítes barrocas para um instrumento (por exemplo, suítes de Bach para violoncelo solo ). Em muitos casos, porém, os solistas são acompanhados, seja por um pianista, um pequeno conjunto de música de câmara ou, no caso de um concerto, por uma orquestra sinfônica completa. Na temporada 2014-2015, a maioria dos solistas de concerto que se apresentaram com as principais orquestras canadenses eram homens. Na Orquestra Sinfônica de Vancouver , 67% dos solistas de concerto eram homens. Na Orquestra Sinfônica de Toronto , 74% dos solistas de concerto eram homens. Na Orquestra do National Arts Center , 79% dos solistas de concerto eram do sexo masculino. Na Orchester Symphonique de Montreal , 84% dos solistas de concerto eram do sexo masculino. Quando a notícia da CBC sobre o equilíbrio de gênero de solistas de concerto foi lançada, o maestro da Orquestra Sinfônica de Vancouver, Bramwell Tovey , contestou a exatidão da notícia a respeito de sua orquestra, argumentando que o artigo levava em consideração apenas uma única temporada. . Uma solista de renome internacional é a argentina Martha Argerich, considerada uma das maiores pianistas da era registrada.

Cantores

Música popular

Madonna é freqüentemente referida como a artista que mudou o papel das mulheres na música popular.

Cantores de música popular executam os vocais para bandas e outros grupos musicais, que podem variar em tamanho de uma dupla ou power trio a uma grande big band de jazz . Os cantores costumam fazer performances ao vivo e gravações em estúdio. Cantores que fazem apresentações ao vivo podem cantar em pequenos locais, como cafés ou boates , ou podem se apresentar em locais maiores, que vão desde centros de artes a estádios. Alguns cantores também atuam em videoclipes, que são usados ​​para promover as músicas. Em alguns estilos de música, os cantores podem tocar um instrumento de seção rítmica , como guitarra rítmica, baixo elétrico ou um instrumento de percussão enquanto cantam. Em alguns estilos de pop, os cantores executam movimentos de dança coreografados durante o show. Três exemplos bem conhecidos de cantores pop que executam elaboradas rotinas de dança em seus shows ao vivo são Madonna , Beyoncé e Britney Spears . Madonna é uma figura chave na música popular; os críticos retrospectivamente creditaram sua presença, sucesso e contribuições pavimentando o caminho para todas as artistas femininas após sua estréia e mudando para sempre a cena musical para mulheres na história da música, bem como para as estrelas pop de hoje.

A cantora e compositora e produtora musical Bjork comentou sobre como "o trabalho e a experiência das mulheres - dentro e fora da indústria musical - passam despercebidos". Ela afirmou que "[É] invisível, o que as mulheres fazem" e "Não é tão recompensado". Bjork afirma "que seus colaboradores homens são tipicamente creditados pelo som de seus discos; porque no palco ela canta principalmente, existe uma suposição generalizada de que ela não produz [como produtora musical] nem toca um instrumento." Em 2015, "ao aceitar a homenagem de Mulher do Ano no evento Billboard Women in Music deste ano", Lady Gaga comentou sobre as "dificuldades de ser uma artista feminina". Ela disse que "às vezes é muito difícil para as mulheres na música. É como um clube de meninos em que simplesmente não conseguimos entrar". Ela afirmou que "tentou por tanto tempo ... ser levada a sério como musicista pela minha inteligência mais do que pelo meu corpo", mas achava que outros na indústria não acreditavam que as mulheres pudessem ter uma "formação musical ... [ou] entenda o que você está fazendo porque você é uma mulher. " Um livro da University Press of Kentucky afirma que os clientes não tratavam uma mulher que trabalhava em uma loja de violões como se ela soubesse alguma coisa sobre violões até que ela usasse termos especiais para violões. A cantora e compositora / guitarrista Indie folk Ani di Franco afirma que, para as mulheres, no passado, até mesmo entrar em uma loja de violões era um "ato de coragem" porque parecia um "clube de meninos". Não apenas as artistas femininas sentem a pressão para agradar seus colegas masculinos, mas também é difícil para as DJs femininas se encaixarem, em um campo dominado por homens.

Chaka Khan (nascida em 1953) foi chamada de "Rainha do Funk".

Apesar da popularidade do funk na música moderna, poucas pessoas examinaram o trabalho das mulheres funk. Como a crítica cultural Cheryl Keyes explica em seu ensaio "Ela era negra demais para o rock e difícil demais para o soul: (re) descobrindo a carreira musical de Betty Mabry Davis", a maior parte dos estudos em torno do funk se concentraram no trabalho cultural dos homens. Ela afirma que " Betty Davis é uma artista cujo nome não foi anunciado como uma pioneira nos anais do funk e do rock. A maioria dos escritos sobre esses gêneros musicais tradicionalmente posiciona artistas masculinos como Jimi Hendrix, George Clinton (do Parliament-Funkadelic) e o baixista Larry Graham como criadores de tendências na formação de uma sensibilidade ao rock "(35). Mulheres notáveis ​​do funk incluem Chaka Khan , Labelle , Noivas de Funkenstein , Klymaxx , Mother's Finest e Betty Davis .

Abaixo estão algumas das cantoras que mais ganharam na década de 2010 . Outra forma de selecionar os cantores mais notáveis ​​para esta seção seria por aclamação da crítica , mas este é um critério mais subjetivo do que ganhos. Quase todos esses cantores também são compositores, e alguns também são produtores musicais:

Shakira é comumente referida como "A Rainha da Música Latina", ela também é a artista feminina latina mais vendida.
Grupo feminino ídolo sul- coreano Twice . Da esquerda para a direita: Momo , Jeongyeon , Jihyo , Nayeon , Chaeyoung , Dahyun , Mina , Tzuyu e Sana .

Na música pop do Leste Asiático, durante a década de 2010, os grupos femininos ídolos japoneses tiveram muito sucesso no que é o maior mercado de música física do mundo - e o segundo maior no geral -, com 17 singles número um apenas em 2017 . O mais vendido entre todos os grupos femininos ídolos de J-pop , AKB48 , é o ato mais vendido no Japão em número de singles vendidos - e o terceiro em número total de discos vendidos - e teve também o single mais vendido no país todos os anos da década até agora. Além disso, o álbum mais vendido de todos os tempos , First Love , lançado em 1999, é de uma mulher, a cantora e compositora nipo-americana Utada Hikaru . Os grupos femininos ídolos sul- coreanos também tiveram muito sucesso nos anos 2010, com Twice tendo o single de melhor desempenho de 2016 no país, além de ter ganhado um total de 43 prêmios desde sua estreia em outubro de 2015. Outra garota ídolo coreana de grande sucesso O grupo nesta década é o Blackpink , alcançando o lugar mais alto de todos os tempos para um grupo feminino de K-pop na Billboard Hot 100 , além de ser o primeiro grupo feminino de K-pop a ser o número um na parada de Artistas Emergentes da Billboard. Eles também ganharam um total de 16 prêmios desde sua estreia em agosto de 2016. O K-pop se tornou cada vez mais popular nos Estados Unidos, com muitos grupos femininos ídolos subindo nas tabelas de classificação. No entanto, a maior parte da popularidade está indo para grupos masculinos [3] , com as mulheres ainda ofuscadas pelo conceito de clube exclusivo para meninos. [4] Os grupos femininos ídolos chineses também alcançaram recentemente um sucesso significativo, com grupos C-pop como SNH48 e Rocket Girls 101 , com o mais tarde vendendo mais de 1,6 milhões de cópias de seu EP de estréia em 2018.

Blues

Ma Rainey (1886–1939) foi um dos primeiros cantores profissionais de blues americanos e um da primeira geração de cantores a gravar.

O blues feminino clássico foi uma das primeiras formas de música blues popular na década de 1920. Um amálgama de blues folk tradicional e música de teatro urbano, o estilo também é conhecido como blues vaudeville. As canções clássicas de blues executadas por vocalistas femininas eram acompanhadas por pianistas ou pequenos conjuntos de jazz e foram os primeiros blues a serem gravados. As cantoras clássicas de blues foram pioneiras na indústria fonográfica , pois foram as primeiras cantoras negras e artistas de blues gravadas. Eles também foram fundamentais na popularização do blues de 12 compassos nos Estados Unidos.

Gertrude "Ma" Rainey (1886–1939), conhecida como a " Mãe do Blues", é considerada a primeira a apresentar o blues no palco como entretenimento popular quando começou a incorporar o blues em suas canções de show e comédia por volta de 1902 A cantora de cabaré de Nova York, Mamie Smith, gravou "Crazy Blues" em 1920, que vendeu mais de 75.000 cópias. Smith ficou conhecido como "Primeira Dama do Blues da América". Em 1920, a cantora de vaudeville Lucille Hegamin se tornou a segunda mulher negra a gravar blues ao gravar "The Jazz Me Blues". Ethel Waters , Alberta Hunter , Mary Stafford , Katie Crippen , Edith Wilson e Esther Bigeou , entre outros, fizeram suas primeiras gravações antes do final de 1921. Essas gravações de blues eram tipicamente rotuladas como " discos de corrida " para distingui-los dos discos vendidos para audiências brancas. No entanto, as gravações de algumas das cantoras clássicas de blues também foram compradas por compradores brancos. Marion Harris se tornou uma das primeiras cantoras brancas a gravar blues.

A mais popular das cantoras de blues clássicas foi Bessie Smith, nascida no Tennessee (sem parentesco com Mamie Smith), que gravou pela primeira vez em 1923 e ficou conhecida como a "Imperatriz do Blues". Ela assinou com a Columbia e se tornou a artista negra mais bem paga da década de 1920, gravando mais de 160 canções. Outros cantores de blues clássicos que gravaram extensivamente até o final da década de 1920 foram Ida Cox , Clara Smith e Sara Martin . Esses primeiros cantores de blues foram uma influência em cantores posteriores, como Mahalia Jackson e Janis Joplin . As contribuições dessas mulheres de blues para o gênero incluíram "improvisação aumentada em linhas melódicas, fraseado incomum que alterou a ênfase e o impacto das letras e dramáticas vocais usando gritos, gemidos, gemidos e lamentos. As mulheres de blues, portanto, efetuaram mudanças em outros tipos de canto popular que teve ramificações no jazz, musicais da Broadway , canções tochas das décadas de 1930 e 1940, gospel , rhythm and blues e, eventualmente, rock and roll . "

Música country

Discriminação de gênero e sexismo ocorrem com frequência na música country . Mais recentemente, um subgênero popular se desenvolveu: "Bro-Country", que possui letras que objetivam sexualmente as mulheres e as enquadram como recursos para uso masculino. Alguns artistas populares de "Bro-Country" incluem Luke Bryan , Florida Georgia Line e Blake Shelton . A discriminação de gênero e o sexismo se tornaram mais proeminentes neste gênero ao longo do tempo, retrocedendo em comparação com algumas categorias como rap e pop. O Dr. Eric Rasmussen, professor da Faculdade de Mídia e Comunicação e da Texas Tech University, argumenta que, em comparação com as décadas de 1990 e 2000 (década), a música country dos anos 2010 discrimina mais as mulheres. Algumas das maneiras que eles discriminam incluem "falar mais sobre a aparência das mulheres, [mostrar] mulheres em roupas justas ou reveladoras, comparar mulheres a objetos, referir-se às mulheres em gírias [termos] versus seus nomes reais e retratar as mulheres como desconfiadas e trapaceiras . "

"Bro-Country" pode ser influenciado por aspectos históricos da cultura sulista que têm sido associados ao racismo e sexismo. As mulheres na música country continuam a enfrentar esses problemas e, muitas vezes, não encontram uma maneira de lidar diretamente com eles. Kacey Musgraves , uma cantora, descreve sua experiência com sexismo na música country afirmando que, se uma gravadora não consegue fazer sua música decolar, a culpa é imediatamente atribuída à sua personalidade ou ao fato de você ser mulher, ou não não faz um diretor de programa de estação de rádio se sentir importante. Mulheres como Kacey Musgraves , não importa o que façam ou mudem, quase sempre cairão sob alguma forma de escrutínio de seus concorrentes masculinos.

Um grande número de mulheres cantoras do gênero country tem influenciado a indústria por meio de seu sucesso. Apesar da popularidade dos artistas country masculinos e da discriminação que é exibida em sua música, muitas artistas femininas seguiram seu caminho, levando-as a alcançar múltiplas realizações.

Dolly Parton, uma cantora country que está na indústria há mais de 55 anos, desenvolveu uma carreira de sucesso para si mesma. Parton consistentemente criou novos projetos para lançar para seus fãs e foi descrita como "imparável" por uma revista de cultura pop intitulada Rolling Stone . Esses projetos incluem mais de 45 álbuns musicais, vários filmes, um parque temático Dollywood e a criação de uma produtora.

Carrie Underwood, a icônica vencedora do American Idol , também criou um impacto duradouro no gênero country. Com mais de 251.000 unidades vendidas, o álbum de Underwood, Cry Pretty, foi seu quarto álbum a alcançar o número um na lista Billboard 200 . Blown Away, Play On e Carnival Ride foram os outros três álbuns que também alcançaram o topo das paradas. Essas conquistas a levaram a se tornar a primeira cantora mulher a ter quatro álbuns country como número um na Billboard 200 de todos os gêneros . Underwood teve vários outros números um ao longo de sua carreira, superando muitos outros artistas populares, pois deixou um forte impacto na indústria da música country feminina.

A ativista dos direitos das mulheres e amante dos animais, Miranda Lambert, é outra mulher conhecida por ter uma carreira dominante na indústria da música. Suas canções intituladas "Over You" e "Heart Like Mine" dominaram as paradas da Billboard e estações de rádio de música country em 2010 e 2011. Como uma artista solo feminina, ela escreve suas músicas com honestidade e realidade. As mensagens enviadas por meio de sua música visam ajudar outras mulheres a não se sentirem sozinhas ao passarem por situações difíceis de vida. Lambert usa a fama que ganhou na indústria da música e trabalha com instituições de caridade como a Humane Society como forma de retribuir.

Jazz

Ella Fitzgerald se apresentando com Dizzy Gillespie , Ray Brown , Milt Jackson e Timme Rosenkrantz em setembro de 1947, Nova York

Embora as mulheres tenham sido sub-representadas no jazz como instrumentistas, compositoras, compositoras e líderes de banda, houve muitas cantoras notáveis. Bessie Smith cantou tanto blues quanto jazz. Lena Horne apareceu pela primeira vez no Cotton Club ainda adolescente. Ella Fitzgerald e Billie Holiday eram conhecidas por suas baladas durante a era do swing. Shirley Horn cantou jazz e blues. Nina Simone cantou jazz, folk e Rhythm and blues. Etta Jones cantou ritmo, blues e jazz. Anita O'Day é conhecida por suas contribuições para Bebop. Betty Carter cantou durante a era pós-bop. Mary Lou Williams foi cantora e pianista durante as eras do swing e do hard bop. Sarah Vaughan é conhecida por cantar na era do Cool jazz . Outros cantores notáveis ​​incluem Rosemary Clooney , Diane Schuur e Flora Purim . Cantores de jazz contemporâneo incluem Norah Jones , Diana Krall , Melody Gardot e a cantora e baixista Esperanza Spalding . Esperanza Spalding tem tentado falar mais alto e estimular mais conversas sobre a discriminação atual no jazz. Em 2017, Esperanza Spalding passou 77 horas seguidas criando um álbum inteiro intitulado Exposure to help Change. Rapidamente se tornou "uma demonstração de destreza e grande ambição [1] " e mostrou, para milhares de pessoas [1] , uma mulher trabalhando com confiança dentro do espaço dominado pelos homens de um estúdio de gravação.

Música clássica

Cecilia Bartoli no palco em 2008

Cantores clássicos geralmente fazem apresentações ao vivo e gravações. As apresentações ao vivo podem ser em locais pequenos, como igrejas, ou grandes, como salas de ópera ou centros de artes. Os cantores clássicos podem se especializar em tipos específicos de canto, como música artística , que são canções executadas com acompanhamento de piano, ou ópera, que é cantada acompanhada por uma orquestra sinfônica em uma produção teatral encenada e fantasiada. Os cantores clássicos são tipicamente categorizados por seu tipo de voz, o que indica tanto sua extensão vocal quanto, em alguns casos, também a "cor" de sua voz. Exemplos de tipos de voz que indicam o alcance da voz de um cantor incluem contralto , mezzo-soprano e soprano (estes vão do alcance mais baixo ao mais alto). Exemplos de tipos de voz que indicam o alcance da cantora e a "cor" de seu tipo de voz são soprano coloratura e soprano lírico . Enquanto os cantores de música popular costumam usar um microfone e um sistema de reforço de som para seus vocais, na música clássica a voz deve ser projetada na sala naturalmente, uma habilidade para a qual eles realizam o treinamento vocal.

Mulheres negras

Marian Anderson (1897–1993) foi uma contralto afro-americana de quem o crítico musical Alan Blyth disse: "Sua voz era um contralto rico e vibrante de beleza intrínseca." A maior parte de sua carreira de cantora foi dedicada a apresentações em concertos e recitais em grandes espaços musicais e com orquestras famosas nos Estados Unidos e na Europa entre 1925 e 1965. Anderson se tornou uma figura importante na luta dos artistas negros para superar o preconceito racial nos Estados Unidos durante meados do século XX. Em 1939, as Filhas da Revolução Americana (DAR) recusaram permissão para Anderson cantar para um público integrado no Constitution Hall . Com a ajuda da primeira-dama Eleanor Roosevelt e seu marido Franklin D. Roosevelt , Anderson realizou um concerto ao ar livre aclamado pela crítica no domingo de Páscoa, 9 de abril de 1939, nos degraus do Lincoln Memorial em Washington, DC Ela cantou para uma multidão de mais de 75.000 pessoas e uma audiência de rádio na casa dos milhões. Anderson continuou a quebrar barreiras para artistas negros nos Estados Unidos, tornando-se a primeira pessoa negra, americana ou não, a se apresentar no Metropolitan Opera em Nova York em 7 de janeiro de 1955.

Cantores notáveis

Uma pequena lista de cantores clássicos notáveis ​​inclui:

Sexismo e discriminação de mulheres músicas

Quer se trate de hip-hop, country ou música popular , mulheres músicas e performers de todos os gêneros sofrem discriminação e tratamento sexista. O tratamento dispensado às mulheres na indústria da música é melhor destacado pela frase denotada por Megan Jordan, amplamente aceita no discurso acadêmico atual: 10X O TALENTO = 1/3 DO CRÉDITO. As três formas proeminentes de discriminação sutil experimentadas por cantoras estão sendo confundidas com não-músicas, falta de controle artístico em comparação com seus colegas masculinos e tendo sua sexualidade , idade e feminilidade constantemente examinadas. Em muitos casos, as músicas são descartadas em papéis inferiores, como um "truque", "bom para uma menina" e "acessório invisível". Homens lideram a maioria dos projetos musicais e a liberdade artística das mulheres é restringida por chefes de banda ou empresários do sexo masculino. Outra forma prevalente de discriminação contra vocalistas e músicas da indústria musical é a má conduta sexual . Muitas mulheres músicas têm medo de revelar suas experiências com violência sexual porque suas histórias são descartadas como sendo excessivamente sensíveis ao que é simplesmente "normal" na indústria musical. Na virada do século XX, no entanto, muitos vocalistas como Kesha , Taylor Swift , e Lady Gaga e Dua Lipa veio para a frente com suas histórias, ajudando a moldar o movimento anti-assédio. Além disso, sob o movimento Me Too, mais histórias de má conduta e discriminação na indústria da música estão sendo reexaminadas. Sendo um exemplo entre muitos, Dua Lipa falou sobre o sexismo na indústria da música, afirmando que “as mulheres lutam para obter reconhecimento”, visto que muitas vezes o sucesso de grandes artistas femininas é desacreditado por um “homem por trás da mulher”.

Outra forma de sexismo na indústria musical emana das letras predominantes na música. Existem cinco temas principais nas letras de todos os gêneros que facilitam a discriminação feminina, observados aqui pela Dra. Sarah Neff: "retrato das mulheres em papéis tradicionais de gênero, retrato das mulheres como inferiores aos homens, retrato das mulheres como objetos, retrato das mulheres como estereótipos e representação da violência contra as mulheres. " Utilizando uma série de marcadores sexistas, estudos descobriram que inúmeras letras envolvem temas sexistas, incluindo "retratar mulheres em papéis tradicionais de gênero , descrever relacionamentos com mulheres de maneiras irrealistas e atribuir o valor de uma mulher estritamente com base em sua aparência física". O sexismo na música está bem documentado para gêneros como rap e hip-hop , mas com novas pesquisas, isso se aplica à música country, rock e outros gêneros também.

Mundo da música

Bi Kidude (1910s-2013) foi um cantor de Taarab da Tanzânia nascido em Zanzibar . Ela tem sido chamada de "rainha da música Taarab e Unyago ".

As mulheres desempenham um papel importante na música mundial , uma categoria musical que abrange muitos estilos diferentes de música de todo o mundo, incluindo música étnica e música tradicional da África, Caribe, América do Sul, Ásia e outras regiões, música indígena, música neotradicional, e música onde mais de uma tradição cultural se mistura (por exemplo, misturas de pop ocidental e música étnica). O termo foi popularizado na década de 1980 como uma categoria de marketing para música tradicional não ocidental.

A atriz, cantora e dançarina brasileira Carmen Miranda ficou conhecida no Ocidente como suplemento exótico dos filmes de Hollywood nos anos 1930, semelhante à dançarina Josephine Baker antes, e a voz da exótica Yma Sumac depois dela. Na década de 1960, Elis Regina foi a cantora mais destacada da Bossa Nova da música brasileira que influenciou a música popular em todo o mundo. Nas décadas de 1960 e 1970, a cantora folk argentina Mercedes Sosa , a sul-africana Miriam Makeba ou a grega Maria Farantouri também foram reconhecidas por seu engajamento contra a opressiva situação política em seus estados de origem. Sosa cantando " Gracias a la vida ", " Pata Pata " de Makeba e a colaboração de Farantouri com o compositor Mikis Theodorakis foram ícones musicais da luta pelos direitos humanos. A "Rainha da Salsa" Celia Cruz emigrou de Cuba para os Estados Unidos em 1966.

Com o crescente interesse na então chamada world music, na década de 1980, gravações antigas de artistas consagrados foram redescobertas para um público global e distribuídas em todo o mundo; bem conhecido no seu país de origem -Às vezes estrelas com Status- lendário como cantores árabe Umm Kulthum , Asmahan , e Fairuz , o argelino Raï cantor Cheikha Rimitti , Asha Bhosle , cantor de reprodução mais prolífico para Bollywood trilhas sonoras de filmes, Romani Esma Redzepova , mexicano ranchera cantor Chavela Vargas e as Mahotella Queens da África do Sul; ou foram gravados pela primeira vez (por homens caucasianos) como Cesária Évora de Cabo Verde, Stella Chiweshe do Zimbabué e a afro-peruana Susana Baca .

Existem muitas mulheres notáveis ​​como artistas de world music, incluindo: Ann Savoy , Bi Kidude , Brenda Fassie , Chabuca Granda , Chava Alberstein , Cleoma Breaux Falcon , Dolly Collins , Elizabeth Cotten , Frehel , Gal Costa , Genoa Keawe , Googoosh , Hazel Dickens , Jean Ritchie , Lata Mangeshkar , Lola Beltrán , Lucha Reyes , Lucilla Galeazzi (The Mammas), Lydia Mendoza , Maria Tanase , Mariam Doumbia , Nada Mamula , Ofra Haza , Oumou Sangare , Rita Marley , Rosa Passos , Roza Eskenazi , Safiye Ayla , Salamat Sadikova , Selda Bagcan , Shirley Collins , Valya Balkanska , Violeta Parra , Warda , Marta Gómez e Zap Mama .

Musica oriental

Música árabe

Um grupo de músicos, incluindo mulheres, de um grupo de teatro musical de Bagdá na década de 1920

A música árabe , de origem persa , é um amálgama da música do povo árabe da Península Arábica e da música de todos os diversos povos que constituem o mundo árabe. No Egito, durante a era medieval , os músicos profissionais do sexo masculino durante este período eram chamados de Alateeyeh (plural), ou Alatee (singular), que significa "um músico sobre um instrumento". No entanto, esse nome se aplica tanto a vocalistas quanto a instrumentistas. Músicos profissionais do sexo masculino eram considerados de má reputação e humildes, e ganhavam a vida tocando em festas. Músicas profissionais femininas no Egito eram chamadas de Awalim (pl) ou Al'meh, que significa uma "mulher erudita". Esses cantores eram frequentemente contratados para uma festa no harém de uma pessoa rica. Eles não estavam com o harém, mas em uma sala elevada que era escondida por uma tela para não ser vista nem pelo harém nem pelo dono da casa. As mulheres Awalim eram mais bem pagas do que os homens e eram mais conceituadas.

No século 9, usar instrumentistas do sexo masculino foi duramente criticado em um tratado, porque músicos do sexo masculino eram associados a vícios percebidos, como jogar xadrez e escrever poesia de amor . Após a invasão do Egito, Napoleão encomendou relatórios sobre o estado da cultura otomana . O relatório revela que havia guildas de instrumentistas masculinos que tocavam para audiências masculinas e cantoras / músicas "eruditas" que cantavam e tocavam para audiências femininas.

Música chinesa

Uma meia seção da versão da dinastia Song (960–1279) das Folia noturnas de Han Xizai , original de Gu Hongzhong ; as músicas no centro da imagem estão tocando flautas transversais de bambu e guan , e o músico está tocando um badalo de madeira chamado paiban .
Cinco das sete estrelas. Da esquerda para a direita: Bai Hong , Yao Lee , Zhou Xuan , Li Xianglan , Bai Guang . O último Qi Zhengyin não é uma das sete estrelas. (faltando na foto estão Wu Yingyin e Gong Qiuxia )
Membros do SNH48 atuando. Da esquerda para a direita: He XiaoYu, Zeng Yanfen , Yi JiaAi ( zh ) e Li Yitong .

Na música chinesa , a música era uma atividade importante para as mulheres na Antiguidade, especialmente para as mulheres eruditas. As mulheres performáticas estavam associadas ao guqin desde os tempos antigos. O guqin é um instrumento musical chinês de sete cordas dedilhadas da família da cítara . Ele tem sido tradicionalmente preferido por estudiosos e literatos como um instrumento de grande sutileza e refinamento. Uma notável tocadora de guqin foi Cai Wenji , associada à peça Hujia Shiba-pai .

As mulheres músicas também desempenham um papel fundamental na música folclórica chinesa. No sul de Fujian e Taiwan , a música Nanyin ou Nanguan é um gênero de baladas folclóricas chinesas tradicionais. É cantado por uma mulher acompanhada por uma flauta xiao e uma pipa , além de outros instrumentos tradicionais. A música é cantada pelo dialeto Minnan. A música é geralmente triste e normalmente lida com o tema de uma mulher apaixonada.

A indústria da música pop (C-pop) chinesa nas décadas de 1930 e 1940 foi dominada pelas Sete Grandes Estrelas do Canto , que foram os cantores mais renomados da China na década de 1940. Zhou Xuan , Gong Qiuxia , Yao Lee e Bai Hong surgiram na década de 1930, enquanto Bai Guang , Li Xianglan e Wu Yingyin se tornaram populares na década de 1940. Depois de 1949, essas primeiras gerações de C-pop foram denunciadas pelo Partido Comunista da China como Música Amarela , pois considerava a música pop sexualmente indecente (a cor amarela é associada ao erotismo e ao sexo na China). Somente após o fim da Revolução Cultural , no início dos anos 1980, a Yellow Music foi tocada novamente.

Hoje em dia, após as extensas mudanças políticas e culturais da China nos últimos 50 anos, a música popular chinesa tem cada vez mais emulando e se inspirando nos estilos de música popular da Coreia do Sul ( K-pop ) e do Japão ( J-pop ), ambos de com o qual agora se assemelha. Como tal, durante a década de 2010, vários grupos femininos foram estabelecidos com base tanto no modelo japonês, como SNH48 (criado em 2012) e seus grupos irmãos , quanto no modelo coreano, como Rocket Girls , criado em 2018 a partir dos chineses versão de um reality show de competição de talentos da televisão coreana. Esses grupos alcançaram um sucesso significativo, com o EP de estreia de Rocket Girls vendendo mais de 1,6 milhão de cópias. Apesar disso, as artistas chinesas solo continuam a ser muito mais populares no país, como têm sido tradicionalmente. Algumas das cantoras chinesas solo populares mais recentemente incluem Faye Wong, GEM Gloria Tang, Lala Hsu, 胡 66, Ada Zhuang , Kelly Yu , 陳 粒 ( zh ), Feng Timo , Bibi Zhou , 双 笙, Tia Ray , Vanessa Jin金 玟 岐 ( zh ) e Jane Zhang .

Musica indiana

O cantor clássico indiano do Carnatic MS Subbulakshmi (1916–2004)

A música clássica indiana é a música artística do subcontinente indiano . As origens da música clássica indiana podem ser encontradas nos hinos hindus . Este estilo de canto evoluiu para jatis e eventualmente para ragas . A música clássica indiana também foi significativamente influenciada ou sincretizada com a música folclórica indiana. Os principais compositores da tradição histórica da música clássica indiana eram homens. As vocalistas femininas modernas incluem DK Pattammal , MS Subbalakshmi , Gangubai Hangal , Hirabai Barodekar , Kesarbai Kerkar , Kishori Amonkar , Malini Rajurkar , Mogubai Kurdikar , Prabha Atre , Roshan Ara Begum e Shruti Sadolikar Katkar . Uma instrumentista é Annapurna Devi .

Na música folclórica indiana , lavani é um gênero musical popular em Maharashtra que é tradicionalmente executado por mulheres. Bhangra ( Punjabi : ਭੰਗੜਾ) é uma forma de música folclórica de Punjab orientada para a dança . O atual estilo musical é derivado do acompanhamento musical não tradicional aos riffs de Punjab chamados pelo mesmo nome. A dança feminina da região de Punjab é conhecida como Giddha ( Punjabi : ਗਿੱਧਾ).

Na música de Bollywood (o centro da indústria cinematográfica da Índia) e outras indústrias cinematográficas regionais na Índia, as cantoras de playback tiveram um papel significativo, com as irmãs Lata Mangeshkar e Asha Bhosle , que trabalharam principalmente em filmes hindus, freqüentemente referidos como dois dos cantores de playback mais conhecidos e prolíficos da Índia. Em 2011, Bhosle foi oficialmente reconhecido pelo Guinness Book of World Records como o artista mais gravado na história da música.

Musica iraniana

Fātemeh Vā'ezi ( persa : فاطمه واعظی ) (nascida em 1950), comumente conhecida por seu nome artístico Parīsā ( persa : پریسا ), é uma cantora e vocalista clássica persa .

Desde a revolução iraniana , as vocalistas solo iranianas têm permissão para se apresentar para o público feminino. As vocalistas femininas podem se apresentar para o público masculino apenas como parte de um coro. Tradicionalmente, tem sido difícil para as cantoras aparecerem publicamente. As mulheres só podiam se apresentar em rituais religiosos, chamados de Tazieh , e os homens geralmente eram proibidos de ouvir as mulheres. Antes da Revolução, as mulheres iranianas só podiam cantar em privado, enquanto trabalhavam, para outras mulheres ou durante as celebrações femininas. Qamar ol-Molouk Vaziri (1905–1959) é uma das primeiras mulheres mestras da música persa. Músicas notáveis ​​incluem Delkash (1923–2004); Simin Ghanem (nascido em 1944); Maryam Akhondy (nascida em 1957), fundadora do Barbad Ensemble; A guitarrista clássica persa Lily Afshar ; a cantora Shakila , vencedora do Prêmio da Academia Persa; o maestro Soodabeh Salem ; Afsaneh Rasaei ; Pirayeh Pourafar , fundadora do Nava Ensemble e Lian Ensemble; e Mahsa Vahdat .

A cantora clássica Fatemeh Vaezi (comumente conhecida por seu nome artístico "Parisa") deu concertos acompanhada por uma orquestra feminina. Depois de 1986, Maryam Akhondy começou a trabalhar com outros músicos iranianos no exílio. Em 2000, Maryam Akhondy criou o grupo feminino a cappella Banu, que cantava antigas canções folclóricas que faziam parte das atividades e celebrações femininas. A cantora Sima Bina ensinou muitas alunas. Ghashang Kamkar ensina alunos do sexo masculino e feminino. Tanto Ghashang quanto Vaezi criticaram a estrutura de poder patriarcal no Irã por seu tratamento com as mulheres músicas. Os intérpretes da música folclórica iraniana incluem Sima Bina , Darya Dadvar , Monika Jalili , Ziba Shirazi , Zohreh Jooya e Shushā Guppy . Artistas pop iranianos incluem Googoosh , Hayedeh , Mahasti , Leila Forouhar , Pooran e Laleh Pourkarim . Artistas de música mundial incluem Azam Ali e Cymin Samawatie .

música japonesa

O grupo feminino ídolo japonês AKB48 é a banda mais vendida no Japão em número de singles vendidos.

O Japão tem o maior mercado de música física do mundo, com US $ 2 bilhões em 2014 e o segundo maior mercado geral de música , com um valor total de varejo de 2,6 bilhões de dólares em 2014. O mercado de solteiros físicos é dominado por mulheres artistas japonesas , com 9 dos 10 singles mais vendidos no país em 2015 pertencentes ao grupo feminino ídolo AKB48 ou a seus grupos "irmãos" e "rivais". AKB48 teve os singles mais vendidos do ano no país nos últimos seis anos e o grupo também é o ato mais vendido no Japão em número de singles vendidos. A cantora e compositora nipo-americana Utada Hikaru tem o álbum mais vendido do país , First Love .

Música judaica

Há evidências literárias em livros bíblicos, como O Livro dos Juízes, de que mulheres (incluindo Miriam , Deborah e Hannah ) participavam de tradições musicais que incluíam cantar lamentações e tocar instrumentos. No entanto, as mulheres não são mencionadas nas referências à liturgia . As mulheres foram eventualmente banidas do culto litúrgico ( kolisha ). Embora continuassem a ter um papel nos rituais musicais da esfera doméstica em casa, enterros e casamentos, esses costumes não foram documentados como a música litúrgica (e seus criadores e intérpretes).

Acadêmicos e educadores de música

Musicólogos e historiadores da música

Rosetta Reitz (1924–2008) foi uma historiadora de jazz e feminista americana que estabeleceu uma gravadora produzindo 18 álbuns da música das primeiras mulheres do jazz e do blues.

A grande maioria dos principais musicólogos e historiadores da música são homens. No entanto, algumas musicólogas alcançaram os primeiros escalões da profissão. Carolyn Abbate (nascida em 1956) é uma musicóloga americana que fez seu PhD na Universidade de Princeton . Ela foi descrita pela Harvard Gazette como "uma das historiadoras da música mais talentosas e admiradas do mundo".

Susan McClary (nascida em 1946) é uma musicóloga associada à " Nova Musicologia " que incorpora a crítica musical feminista em seu trabalho. McClary é PhD pela Harvard University . Uma de suas obras mais conhecidas é Feminine Endings (1991), que cobre construções musicais de gênero e sexualidade, aspectos de gênero da teoria musical tradicional, sexualidade de gênero na narrativa musical, música como um discurso de gênero e questões que afetam mulheres músicas. No livro, McClary sugere que a forma sonata (usada em sinfonias e quartetos de cordas) pode ser um procedimento sexista ou misógino que constrói gênero e identidade sexual. A sabedoria convencional de McClary (2000) argumenta que o pressuposto musicológico tradicional da existência de elementos "puramente musicais", divorciados da cultura e do significado, do social e do corpo, é um conceito usado para ocultar os imperativos sociais e políticos da visão de mundo que produz o cânone clássico mais valorizado por musicólogos supostamente objetivos.

Outras mulheres estudiosas notáveis ​​incluem:

Etnomusicologistas

Frances Densmore (1867 - 1957) foi uma antropóloga e etnógrafa americana conhecida por seus estudos da música e da cultura nativa americana.

Os etnomusicólogos estudam as muitas músicas ao redor do mundo que enfatizam suas dimensões ou contextos culturais, sociais, materiais, cognitivos, biológicos e outras, em vez de ou além de seu componente sonoro isolado ou qualquer repertório particular. Etnomusicologia - um termo cunhado por Jaap Kunst das palavras gregas ἔθνος ( ethnos , "nação") e μουσική ( mousike , "música") - é frequentemente descrito como a antropologia ou etnografia da música. Inicialmente, a etnomusicologia era quase exclusivamente orientada para a música não ocidental, mas agora inclui o estudo da música ocidental a partir de perspectivas antropológicas, sociológicas e interculturais.

As mulheres também fizeram contribuições significativas na Etnomusicologia, especialmente na intersecção dos estudos de gênero e Etnomusicologia. Ellen Koskoff, professora emérita da Eastman School of Music, fez um amplo trabalho sobre gênero na Etnomusicologia. Koskoff também atuou como presidente da Society for Ethnomusicology e apresentou um programa de rádio chamado "What in the World is Music?"

Em, “An Introduction to Women, Music, and Culture” (1987), Koskoff argumenta que a música executada por mulheres é “desvalorizada” e, em alguns casos, é mesmo considerada “não música”, apesar de ter “forma musical”. Koskoff explica que a distinção de que os homens ocupam as esferas públicas e as mulheres as privadas, domésticas, “criou não necessariamente duas culturas musicais separadas e autocontidas, mas antes duas metades de cultura diferenciadas, porém complementares. Ela argumenta que porque “Na maioria das sociedades, acredita-se que a identidade da mulher está embutida em sua sexualidade”, “uma das associações mais comuns entre mulheres e música ... liga a identidade sexual primária e o papel das mulheres com a performance musical”. Com base nessa associação, Koskoff argumenta que “Quatro categorias de performance musical surgem assim em conexão com as relações intergênero: (1) performance que confirma e mantém o arranjo social / sexual estabelecido; (2) atuação que parece manter as normas estabelecidas de forma a proteger outros valores mais relevantes; (3) desempenho que protesta, mas mantém a ordem (muitas vezes por meio de comportamento simbólico); e (4) desempenho que desafia e ameaça a ordem estabelecida ”.

Notável também é o trabalho de Deborah Wong, professora da Universidade da Califórnia, em Riverside. Wong é conhecida por seu foco na música do sudeste da Ásia, na produção musical asiático-americana e também estudou Taiko , ou bateria nipo-americana.

Outras mulheres etnomusicologistas notáveis ​​incluem:

Educadores musicais

Um professor de música liderando um grupo de música em uma escola primária em 1943

Enquanto os críticos de música argumentavam na década de 1880 que "as mulheres careciam da criatividade inata para compor boa música" devido à "predisposição biológica", mais tarde foi aceito que as mulheres teriam um papel na educação musical , e elas se envolveram neste campo "para tal grau que as mulheres dominaram a educação musical durante a segunda metade do século 19 e boa parte do século 20. " "Relatos tradicionais da história da educação musical [nos Estados Unidos] freqüentemente negligenciam as contribuições das mulheres, porque esses textos enfatizam as bandas e os principais líderes em organizações musicais hierárquicas." Ao olhar além desses bandleaders e principais líderes, as mulheres tiveram muitos papéis na educação musical em "casa, comunidade, igrejas, escolas públicas e instituições de treinamento de professores" e "como escritores, patrocinadores e por meio de seu trabalho voluntário em organizações."

Apesar das limitações impostas aos papéis femininos na educação musical no século XIX, as mulheres eram aceitas como professoras de jardim de infância , por se tratar de uma "esfera privada". As mulheres também ensinavam música em particular, em escolas femininas, escolas dominicais, e treinavam músicos em programas musicais da escola. Na virada do século 20, as mulheres começaram a trabalhar como supervisoras musicais em escolas primárias, professoras em escolas normais e professoras de música em universidades. As mulheres também se tornaram mais ativas em organizações profissionais de educação musical e apresentaram trabalhos em conferências.

Uma mulher, Frances Clarke (1860–1958) fundou a Conferência Nacional de Supervisores de Música em 1907. Enquanto um pequeno número de mulheres serviu como presidente da Conferência Nacional de Supervisores de Música (e as seguintes versões renomeadas da organização no século seguinte) no início do século 20, havia apenas duas presidentes mulheres entre 1952 e 1992, o que "[p] ossivelmente reflete discriminação". Depois de 1990, no entanto, os papéis de liderança para mulheres na organização foram abertos. De 1990 a 2010, houve cinco mulheres presidentes desta organização. As educadoras musicais "superam os homens dois para um" no ensino de música geral, coro, aulas particulares e instrução de teclado. Mais homens tendem a ser contratados para a formação de bandas, administração e empregos de jazz, e mais homens trabalham em faculdades e universidades. De acordo com a Dra. Sandra Wieland Howe, ainda há um " teto de vidro " para as mulheres nas carreiras de educação musical, pois há "estigma" associado às mulheres em posições de liderança e "os homens superam as mulheres como administradores".

Indivíduos notáveis

  • Julia Crane (1855–1923) foi uma educadora musical americana que fundou uma escola, a Crane School of Music em Potsdam, Nova York , que foi a primeira escola especificamente para o treinamento de professores de música em escolas públicas. Ela está entre as figuras mais importantes da história da educação musical americana. Crane foi aluno de Manuel García . Crane foi introduzido no Music Educators Hall of Fame em 1986. Em 2015, a Crane School of Music é uma das três escolas que compõem a State University of New York (SUNY) em Potsdam . Tem 630 alunos de graduação e 30 de pós-graduação e um corpo docente de 70 professores e profissionais.
  • Cornelia Schröder-Auerbach  [ de ] (1900–1997), músico, musicólogo, pianista e organista, estudou musicologia em Breslau , Munique , Jena e Freiburg em Breisgau , onde fez seu doutorado em musicologia em 1928, seu orientador foi Wilibald Gurlitt . De acordo com o professor da Texas State University, Nico Schüler, ela foi a primeira mulher a se formar com um doutorado em musicologia. Em 1930 ela fundou com Peter Harlan e seu marido, o compositor Hanning Schröder  [ de ] , o Harlan Trio para performances historicamente informadas , pioneira para este novo gênero, baseado também em sua pesquisa em composições e música para clavicórdio . Com a tomada do governo alemão pelos nazistas e suas discriminações anti-semitas, a protestante não-observante Schröder-Auerbach foi proibida em 1934 de se apresentar publicamente porque seus quatro avós eram judeus. A partir do início de 1944, sob a pretensa identidade ariana velada, ela reiniciou apresentações de música pública em Dargun como organista de igreja, mestre de coro e professora de música. Depois de 1945, ela continuou isso e também fez rede no capítulo de música da associação estadual de Mecklenburg da Associação Cultural da RDA . Em 1952, ela ingressou na Academia de Artes da Alemanha Oriental em Berlim Oriental , onde reconstruiu o arquivo de música, perdido em 1945 com a destruição da Academia Prussiana de Artes predecessora . Vivendo no Setor Americano de Berlim, a Academia de Berlim Oriental a dispensou em 1959. Ela também trabalhou como autora, lexicógrafa, crítica musical para o Berliner Börsen-Courier , estações de rádio e o Deutsche Grammophon .
  • Carolynn Lindeman (nascida em 1940) formou-se no Oberlin College Conservatory of Music , na Mozarteum Academy, na San Francisco State University e na Stanford University , onde recebeu seu doutorado em artes musicais . Ela foi professora na San Francisco State University de 1973 a 2005. Ela foi presidente da Music Educators National Conference de 1996 a 1998. Ela editou a série "Strategies for Teaching". Ela "[a] reconhece a discriminação [de gênero] na academia."
  • June Hinckley (1943–2007) formou-se com um PhD na Florida State University . Ela era supervisora ​​de música e artes plásticas em Brevard County, na Flórida. Ela escreveu artigos sobre educação musical. Ela foi presidente da Conferência Nacional de Educadores de Música de 1998 a 2000.
  • Lynn Brinckmeyer recebeu seu PhD da University of Kansas . Ela foi professora associada e diretora de educação musical coral na Texas State University . Ela foi presidente da Conferência Nacional de Educadores de Música de 2006 a 2008.
  • Barbara Geer formou-se na Universidade da Carolina do Norte . Ela foi consultora musical para um sistema escolar na Carolina do Norte e atuou como presidente da Conferência Nacional de Educadores de Música de 2008 a 2010.
  • Grace Harriet Spofford (1887–1974) foi uma administradora e educadora musical americana. Ela se formou no Smith College em 1909 e, mais tarde, no Peabody Conservatory of Music, com diplomas em piano (1913) e órgão (1916). Sua primeira posição na educação foi logo após seu tempo em Smith, ensinando piano no Heidelberg College (agora Heidelberg University) . Depois de frequentar a Peabody, Spofford tornou-se professor de piano e, mais tarde, administrador lá. De 1924 a 1931, ela foi a primeira reitora do Curtis Institute of Music na Filadélfia. De 1935 a 1954, ela foi diretora da escola de música do Henry Street Settlement . Ela foi a grande responsável pela encomenda de The Second Hurricane , uma peça de ópera de Aaron Copland e Edwin Denby . Após a aposentadoria, Spofford se envolveu com relações musicais internacionais. Entre 1954 e 1963, ela atuou como presidente de música do Conselho Internacional de Mulheres por três vezes, durante as quais o conselho patrocinou a gravação de obras orquestrais de cinco compositoras: Mabel Wheeler Daniels , Miriam Gideon , Mary Howe , Julia Perry e Louise Talma . Em 1964 e 1966, Spofford foi um delegado do International Music Council . Ela recebeu uma homenagem em 1968 da Federação Nacional de Clubes de Música por "serviços distintos à música no campo dos direitos humanos".
  • Sharon Isbin , diretora fundadora do departamento de guitarra da Juilliard School e violonista clássica vencedora de vários prêmios Grammy. Em 1989, ela criou o grau de Mestre em Música, Diploma de Graduação e Diploma de Artista para violão clássico na Juilliard School, fazendo história ao se tornar seu primeiro professor de violão e a diretora fundadora do departamento de guitarra; ela adicionou o bacharelado em música e o diploma de graduação ao programa em 2007, e o doutorado em artes musicais em 2018. Isbin apareceu como solista com mais de 200 orquestras e encomendou mais concertos do que qualquer outro guitarrista. É autora do Livro de Respostas à Guitarra Clássica e diretora do Departamento de Guitarra do Festival de Música de Aspen.

Regente

Capitão do Exército dos EUA, Sharon Toulouse, liderando um grupo musical militar em 2008

A maioria dos maestros profissionais de orquestra é do sexo masculino; O Guardian chamou a regência de "um dos últimos tetos de vidro da indústria musical". Um artigo de 2013 afirmou que na França, de 574 concertos, apenas 17 foram conduzidos por mulheres e nenhuma mulher foi conduzida na Ópera Nacional de Paris . Bachtrack relatou que, em uma lista dos 150 melhores maestros do mundo naquele ano, apenas cinco eram mulheres. Um pequeno número de regentes femininas tornou-se regentes internacionais de primeira linha. Em janeiro de 2005, a maestra australiana Simone Young se tornou a primeira mulher a reger a Filarmônica de Viena . Em 2008, Marin Alsop , protegida de Leonard Bernstein , tornou-se a primeira mulher a se tornar diretora musical e regente principal de uma grande orquestra dos Estados Unidos ao ganhar o cargo principal na Sinfônica de Baltimore . Houve "protestos de uma grande parte da Sinfônica de Baltimore quando ela foi nomeada diretora musical", mas desde então, "aplausos [têm] rolado [ed]." Em 2014, Alsop foi a primeira mulher regente a liderar o concerto Last Night of the Proms - um dos eventos de música clássica mais importantes da Grã-Bretanha - em seus 118 anos de história.

Embora haja uma falta de mulheres na orquestra profissional, estudos mais recentes mostram que a própria profissão de regente carece de gênero e diversidade racial. Há uma distinção clara entre o baixo número de mulheres brancas na área em comparação com o de homens brancos, mas há um número ainda menor de outras identidades raciais e étnicas. A proporção de músicos não brancos representados na força de trabalho da orquestra - e de músicos afro-americanos e hispânicos / latinos em particular - permanece extremamente baixa. O campo da orquestra continua predominantemente branco. Cargos como maestros, executivos e funcionários são dominados por indivíduos brancos, em particular, homens brancos. Em cargos executivos de alto nível, é raro ver mulheres ou pessoas de cor. No entanto, a diferença de gênero diminuiu no início da década de 1990, com as mulheres músicas constituindo entre 46% e 49% do total de músicos nas duas décadas seguintes. Os anos de 1980 a 2014 viram um aumento de quatro vezes na proporção de diversos músicos no palco, impulsionado em grande parte por um aumento de músicos de origens asiáticas / das ilhas do Pacífico. Com o passar dos anos, mais atenção foi dada à disparidade racial e de gênero na área. Essa consciência tem causado impactos positivos no campo da orquestração. Dados sobre condutores de 2006 a 2016 revelam que há uma tendência gradual, mas constante em direção a uma maior diversidade racial e étnica, com a porcentagem de afro-americanos, latinos / hispânicos, asiáticos / ilhéus do Pacífico, índios americanos / nativos do Alasca e outros condutores não brancos aumentando de 15,7% em 2006 para 21% em 2016. Embora tenha havido reconstrução da branquitude e da dominação de gênero dos homens no campo, ainda há trabalho a ser feito.

Muitas mulheres na profissão de orquestrador experimentam formas de discriminação, seja por gênero, raça ou ambos. As mulheres, inicialmente, não eram incentivadas a jogar profissionalmente porque era considerado impróprio pela sociedade. Além disso, as mulheres não eram consideradas fortes o suficiente nem hábeis o suficiente para tocar outros instrumentos além do piano, ou para sobreviver a agendas de ensaio exaustivas. Jeri Lynne Johnson foi a primeira mulher afro-americana a ganhar um prêmio internacional de regência ao receber a bolsa de regência Taki Concordia em 2005. Ela é a fundadora e diretora musical da Black Pearl Chamber Orchestra, a primeira orquestra profissional multiétnica em Filadélfia . Formada pelo Wellesley College e pela University of Chicago , ela é maestra, compositora e pianista. De 2001 a 2004, ela foi regente assistente da Orquestra de Câmara da Filadélfia . Ela liderou orquestras em todo o mundo, incluindo a Colorado Symphony , Bournemouth Symphony (Reino Unido) e a Weimar Staatskapelle (Alemanha). Ao lado das proeminentes maestras Marin Alsop e JoAnn Falletta , Johnson foi anunciada no NBC Today Show como uma das principais maestras do país.

De acordo com a editora da Radio 3 do Reino Unido, Edwina Wolstencroft, "O mundo da música tem estado feliz por ter artistas mulheres ... por muito tempo ... [;] Mas possuir autoridade e poder em público é outra questão. É aí que as regentes femininas passaram por momentos difíceis. Nossa sociedade é mais resistente às mulheres serem poderosas em público do que às mulheres serem divertidas. " A baixa porcentagem de mulheres regentes não é porque as mulheres não estudam na escola de música; de fato, em 2009 e 2012, quase metade dos destinatários da realização de doutorados eram mulheres.

A virada para os direitos das mulheres na música deu início ao movimento feminista na América em 1848. O movimento estimulou todas as mulheres a lutar por direitos iguais em uma infinidade de campos, como voto, educação, emprego e casamento. Embora o movimento pelos direitos das mulheres significasse o início da inclusão das mulheres no campo da orquestração, ainda haveria barreiras que essas mulheres precisariam superar. As mulheres negras, em particular, se depararam com muitos estereótipos que desafiavam o valor de seu trabalho. Na verdade, o trabalho das mulheres negras no campo enfrentou mais escrutínio do que suas contrapartes brancas. Um exemplo clássico disso é visto em um estudo realizado para o Boletim do Conselho de Pesquisa em Educação Musical, por Elliot Charles, em 1996. Elliot Examinado:

Se raça e gênero influenciaram os julgamentos de apresentações musicais. Quatro trompetistas e quatro flautistas foram filmados executando o mesmo trecho musical. Para cada instrumento, um homem branco, uma mulher branca, um homem negro e uma mulher negra serviram como modelos. Para controlar a parte de áudio do estudo, o pesquisador usou duas apresentações pré-gravadas, uma para as trombetas e outra para as flautas. Isso criou o mesmo áudio para todos os trompetes e apresentações de flauta. Graduados em música universitária classificaram cada apresentação em uma escala do tipo Likert. Os resultados revelaram que os artistas negros de cada gênero e os instrumentos foram avaliados significativamente mais baixos do que os brancos. As classificações mais baixas foram atribuídas a trompetistas negros e trompetistas.

Este exemplo demonstra que a discriminação de gênero era prevalente durante esse tempo, mas a discriminação racial também deve ser considerada.

Sexismo, Racismo e Discriminação de Gênero

As mulheres regentes enfrentaram sexismo, racismo e discriminação de gênero ao longo dos séculos XIX e XX. "Para quebrar essa aparente barreira de emprego, as mulheres criaram suas próprias oportunidades fundando e organizando orquestras exclusivamente femininas"; um exemplo é a Fadette Women's Orchestra em Boston, fundada em 1888 pela maestra Caroline B. Nichols. Várias outras orquestras exclusivamente femininas foram fundadas nas primeiras décadas do século 20, e regentes mulheres lideraram esses grupos. É interessante e irônico que algo que é considerado "universal" tenha excluído historicamente as mulheres (com exceção de certos papéis definidos de forma estereotipada) e, mais especificamente, as mulheres na cor. Este comenta o fato de que a sub-representação das mulheres na regência é vista como uma questão de sexismo, mas também uma questão de racismo também.

As mulheres regentes continuam a enfrentar o sexismo e a discriminação de gênero nas primeiras décadas do século XXI. Na década de 2010, vários maestros e músicos notáveis ​​fizeram declarações sexistas sobre as mulheres maestras. Em 2013, " Vasily Petrenko , o regente principal da Filarmônica de Oslo e da Filarmônica Real de Liverpool , provocou indignação quando disse a um jornal norueguês que 'as orquestras reagem melhor quando têm um homem à sua frente." Afirmou ainda que “quando as mulheres têm família, fica difícil ter a dedicação que se exige no negócio”. Bruno Mantovani , diretor do Conservatório de Paris , deu uma entrevista em que fez declarações sexistas sobre as mulheres regentes. Mantovani levantou o “problema da maternidade ” e questionou a capacidade das mulheres de suportar os desafios físicos e as tensões da profissão, que afirmou envolver “conduzir, pegar um avião, pegar outro avião, reger de novo”. Yuri Temirkanov , o diretor musical da Filarmônica de São Petersburgo , fez declarações sexistas sobre as mulheres regentes em uma entrevista em setembro de 2013, afirmando que "A essência da profissão de regente é a força. A essência da mulher é a fraqueza." O maestro finlandês Jorma Panula fez declarações sexistas sobre as mulheres maestras em 2014; ele afirmou que "as mulheres [os regentes não estão] ... melhorando - apenas piorando", o que ele chamou de uma "questão puramente biológica".

Condutores notáveis

Os condutores femininos notáveis ​​incluem:

Críticos de música

Música popular

Crítica de música pop americana Ann Powers (foto em 2007)

De acordo com Anwen Crawford, o "problema para as mulheres [críticas de música popular] é que nosso papel na música popular foi codificado há muito tempo", o que significa que "[b] ooks por críticas de rock do sexo feminino (ou jazz, hip-hop e críticos de dance music, aliás) são escassos ". Crawford observa que "os críticos de rock mais famosos - Robert Christgau , Greil Marcus , Lester Bangs , Nick Kent - são todos homens".

O sociólogo Simon Frith observou que a música pop e rock "estão intimamente associadas ao gênero; isto é, às convenções de comportamento masculino e feminino". De acordo com Holly Kruse, tanto os artigos de música popular quanto os artigos acadêmicos sobre música pop são geralmente escritos a partir de "posições de sujeito masculinas". Além disso, há relativamente poucas mulheres escrevendo no jornalismo musical: "Em 1999, o número de editoras ou escritores experientes na Rolling Stone oscilava em torno de ... 15%, [enquanto] na Spin e Raygun , [era] cerca de 20 %. " A crítica associada ao gênero foi discutida em um artigo da Jezebel de 2014 sobre as lutas das mulheres no jornalismo musical, escrito pela crítica musical Tracy Moore, anteriormente editora do Nashville Scene .

A crítica musical americana Ann Powers , como crítica e jornalista de uma indústria popular dominada por homens, escreveu críticas sobre as percepções de sexo, minorias raciais e sociais na indústria musical. Ela também escreveu sobre feminismo. Em 2006, ela aceitou o cargo de crítica chefe de música pop no Los Angeles Times , onde sucedeu Robert Hilburn . Em 2005, Powers co-escreveu o livro Piece by Piece com o músico Tori Amos , que discute o papel das mulheres na indústria da música moderna e traz informações sobre composição, turnês, performance e as realidades do mercado musical.

Anwen Crawford, uma escritora do The Monthly contribuiu para o livro de ensaios e perfis de Jessica Hopper, intitulado A primeira coleção de críticas por uma crítica de rock feminina viva . O artigo de Crawford "explora a longa luta das mulheres por visibilidade e reconhecimento no campo da crítica de rock, embora tenhamos ajudado a ser pioneiros desde o início". Crawford afirma que "[a] loja de discos, a loja de guitarras e agora as redes sociais: quando se trata de música popular, esses lugares se tornam palcos para a exibição de proezas masculinas"; "[f] a experiência masculina, quando aparece, é repetidamente rejeitada como fraudulenta. Toda mulher que já se aventurou a opinar sobre música popular poderia dar-lhe alguma variação [desta experiência] ... e tornar-se uma" especialista "reconhecida (a músico, crítico) não salvará [as mulheres] de acusações de falsificação. "

Críticos musicais populares notáveis ​​incluem:

Música clássica

Marion Lignana Rosenberg (1961–2013) foi crítica musical, escritora, tradutora, locutora e jornalista. Ela escreveu para muitos periódicos, incluindo Salon.com , The New York Times e Playbill .

"O National Arts Journalism Program (NAJP) da Columbia ... concluiu um grande estudo de jornalismo artístico na América [em 2005]. Eles descobriram que 'o crítico de música clássica comum é um homem branco de 52 anos com graduação grau , mas 26 por cento de todos os críticos que escrevem são mulheres. '"No entanto, William Osborne aponta que este número de 26% inclui todos os jornais, incluindo jornais regionais de baixa circulação. Osborne afirma que "os grandes jornais americanos, que influenciam a opinião pública, não têm virtualmente nenhuma crítica feminina de música clássica". As únicas críticas femininas dos principais jornais americanos são Anne Midgette ( New York Times ) e Wynne Delacoma ( Chicago Sun-Times ). Midgette foi a "primeira mulher a cobrir música clássica em toda a história do jornal". Susannah Clapp , crítica do The Guardian - jornal que tem uma crítica de música clássica - afirmou em maio de 2014 que só então percebeu "que raridade" é uma crítica de música clássica no jornalismo.

Mulheres notáveis ​​como críticas de música clássica incluem:

Outras profissões musicais

Produção de discos e engenharia de som

Um artigo da Sound on Sound de 2013 afirmou que há "poucas mulheres na produção de discos e na engenharia de som ". Ncube afirma que "[noventa e cinco por cento dos produtores musicais são homens e, embora haja mulheres produtoras que realizam grandes feitos na música, elas são menos conhecidas do que seus colegas homens". "Apenas três mulheres já foram indicadas para melhor produtor no Brits ou no Grammy " e nenhuma ganhou nenhum dos prêmios. “As mulheres que querem entrar no campo [de produção] enfrentam um clube de meninos, ou uma mentalidade de guilda ”.

Apesar disso, as mulheres têm assumido o desafio desde os anos 1940. Mary Shipman Howard era engenheira na cidade de Nova York na década de 1940. Lillian McMurry foi produtora discográfica e fundadora da Trumpet Records nos anos 1950. Uma das primeiras mulheres a produzir, projetar, organizar e promover música em seu próprio selo de rock and roll foi Cordell Jackson (1923–2004). Ela fundou o selo Moon Records em Memphis em 1956 e começou a lançar e promover os singles que gravou em seu estúdio caseiro, atuando como engenheira, produtora e arranjadora. Ethel Gabriel teve uma carreira de 40 anos na RCA e foi a primeira produtora discográfica de uma grande gravadora.

Trina Shoemaker é uma mixadora, produtora de discos e engenheira de som responsável pela produção / engenharia e / ou mixagem de discos para bandas como Queens of the Stone Age , Sheryl Crow , Emmylou Harris , Something for Kate , Nanci Griffith e muitos mais. Em 1998, Shoemaker se tornou a primeira mulher a ganhar o prêmio Grammy de Melhor Álbum de Engenharia por seu trabalho no The Globe Sessions . Além de Crow, Shoemaker trabalhou com artistas como Blues Traveler , Emmylou Harris , Indigo Girls e Dixie Chicks .

Outras mulheres notáveis ​​incluem:

DJs e toca-discos

Um DJ mixando dois toca-discos em um evento ao vivo

Mulheres na música são freqüentemente vistas principalmente cantando papéis na música popular e há relativamente poucas mulheres DJs ou turntablists na música hip hop , house , nu metal e outros gêneros onde DJs e turntablists participam. Na verdade, todos esses gêneros são muito dominados pelos homens. Parte disso pode resultar de uma baixa porcentagem geral de mulheres em empregos relacionados à tecnologia de áudio, como engenharia e produção de áudio. Em 2007, o artigo de Mark Katz "Homens, mulheres e toca-discos: gênero e a batalha dos DJs" afirmava que "muito poucas mulheres lutam; o assunto tem sido assunto de conversa entre DJs de hip-hop há anos". Em 2010, Rebekah Farrugia afirma que "a centralização masculina da cultura EDM" contribui para "uma marginalização das mulheres nestes espaços [EDM]." Embora o toca-discos e as práticas mais amplas do DJ não devam ser confundidos, Katz sugere que o uso ou a falta de uso do toca-discos amplamente por mulheres em todos os gêneros e disciplinas é impactado pelo que ele define como "tecnofilia masculina". A historiadora Ruth Oldenziel concorda em seus escritos sobre engenharia com essa ideia de socialização como um fator central na falta de envolvimento com a tecnologia. Ela explica: "um foco exclusivo no suposto fracasso das mulheres em entrar no campo ... é insuficiente para entender como nossas noções estereotipadas surgiram; ele tende a colocar o ônus da prova inteiramente nas mulheres e culpá-las por sua suposta inadequação socialização, sua falta de aspiração e sua falta de valores masculinos. Uma questão igualmente desafiadora é por que e como os meninos passaram a amar as coisas técnicas, como os meninos foram historicamente socializados como tecnófilos. "

DJ Virgin é um DJ baseado em Londres, Reino Unido.

Lucy Green se concentrou no gênero em relação aos intérpretes e criadores musicais e, especificamente, nas estruturas educacionais relacionadas a ambos. Ela sugere que a alienação das mulheres de "áreas que têm uma forte tendência tecnológica como DJing, engenharia de som e produção" não é "necessariamente sobre sua aversão por esses instrumentos, mas está relacionada ao efeito de interrupção de suas delimitações predominantemente masculinas". Apesar disso, mulheres e meninas se envolvem cada vez mais em práticas de toca-discos e DJs, individual e coletivamente, e "conquistam espaços para si mesmas na cultura EDM e DJ". São vários os projetos que se dedicam à promoção e apoio a estas práticas, como o Female DJs London. Alguns artistas e coletivos vão além dessas práticas para serem mais inclusivos de gênero. Por exemplo, Discwoman , um coletivo e agência de reservas sediada em Nova York, se descreve como "representando e exibindo mulheres cis, mulheres trans e talentos de gênero".

Movimentos, organizações, eventos e gêneros

Música feminina

Bernice Johnson Reagon (nascida em 1942) é uma cantora, compositora, acadêmica e ativista social que fundou o conjunto a cappella Sweet Honey in the Rock em 1973. Ela foi uma figura importante na cena musical feminina.

Música feminina (também música de womyn ou música de wimmin) é música feita por mulheres, para mulheres e sobre mulheres. O gênero surgiu como uma expressão musical do movimento feminista de segunda onda , bem como dos movimentos trabalhistas , pelos direitos civis e pela paz . O movimento (nos EUA) foi iniciado por lésbicas como Cris Williamson , Meg Christian e Margie Adam , músicos afro-americanos (incluindo Linda Tillery , Mary Watkins , Gwen Avery) e ativistas como Bernice Johnson Reagon e seu grupo Sweet Honey em the Rock e a ativista pela paz Holly Near . A música feminina também se refere à indústria mais ampla da música feminina que vai além dos artistas performáticos, incluindo músicos de estúdio , produtores, engenheiros de som , técnicos , artistas cover, distribuidores, promotores e organizadores de festivais que também são mulheres.

Organizações

Aliança Internacional para Mulheres na Música

A Aliança Internacional para Mulheres na Música (IAWM) é uma organização internacional de mulheres e homens que se dedica a promover e incentivar as atividades femininas na música, particularmente nas áreas da atividade musical, como composição , atuação e pesquisa, em que gênero a discriminação é uma preocupação histórica e contínua. O IAWM se engaja em esforços para aumentar a programação musical de compositoras , para combater a discriminação contra músicas, inclusive como membros da orquestra sinfônica, e para incluir relatos das contribuições de mulheres músicas nos currículos musicais universitários . Para acabar com a discriminação de gênero , o IAWM liderou boicotes bem-sucedidos aos concertos americanos da Orquestra Filarmônica de Viena na década de 1990; a "observação de VPO" continua. A defesa da organização contribuiu para a inclusão de compositoras nos livros de história da música universitária .

Mulheres na Música (WIM-NY)

Women in Music (WIM-NY) é uma organização americana com sede na cidade de Nova York e foi fundada em 1985. Tem como objetivo "apoiar, cultivar e reconhecer os talentos das mulheres" na música. WIM-NY realiza atividades e eventos, incluindo "seminários, painéis e eventos de networking." Além disso, distribui prêmios anuais Touchstone Awards para mulheres na música. Os membros do WIM-NY incluem "executivos de gravadoras, gerentes de artistas, compositores, músicos, advogados, engenheiros de gravação, agentes, publicitários, proprietários de estúdios, editoras musicais, profissionais de marketing online e tradicionais" de "todos os gêneros musicais e todas as áreas da [música ] indústria. " A partir de 2015, a presidente é a advogada Neeta Ragoowansi e a vice-presidente é a advogada Jennifer Newman Sharpe. A partir de 2015, a diretoria inclui mulheres da Nielsen Music, Warner Music Group, Ableton , Downtown Music Publishing e Berklee College of Music .

Mulheres na música do Canadá

A Associação Profissional da Mulher na Música do Canadá (WIMC) é uma organização com sede em Toronto, Ontário, estabelecida em 2012. É uma organização sem fins lucrativos registrada federalmente que visa "promover a igualdade na indústria musical por meio do apoio e promoção das mulheres. " O WIMC é apoiado financeiramente pelo governo federal, o programa FACTOR, o governo de Ontário e a Slaight Music.

Mulheres na música (WIM-UK)

Women in Music (WIM-UK) é uma "organização de membros do Reino Unido que celebra a música feminina em todos os gêneros musicais". WIM-UK trabalha para aumentar a "consciência das questões de gênero na música e apoiar mulheres músicas em seu desenvolvimento profissional". O site da WIM-UK fornece informações sobre concursos e oportunidades de emprego. WIM-UK faz uma pesquisa sobre o número de mulheres compositoras, maestras e solistas que aparecem no BBC PROMS, o "maior festival de música clássica do mundo". Para os Proms de 2015, as compositoras representaram 10% do programa, as maestras representaram 4% dos 50 maestros e as solistas instrumentais femininas representaram 30%.

Now Girls Rule (México)

Elis Paprika , fundadora do Now Girls Rule, se apresentou no Playtime Festival na Mongólia em 2019

Now Girls Rule é uma organização feminista no México, criada para o empoderamento e promoção de mulheres artistas e bandas e atos liderados por mulheres, que celebra a música criada por mulheres, além de gerar espaços e expandir a cena artística no México com foco no criação de novas gerações de artistas através da educação e inspiração. Now Girls Rule foi fundada pela cantora de rock independente mexicana Elis Paprika em 2014, tirando o nome de seu single "Now Girls Rule", lançado naquele ano, onde Elis apresentava outras importantes artistas latino-americanas, Sandrushka Petrova e Ana Cristina Mo, do banda Descartes a Kant, Renee Mooi e Vanessa Zamora . Ao longo de sua carreira, Elis Paprika tem chamado constantemente a atenção para o fato de que, apesar do enorme número de mulheres artistas talentosas, a cena musical mexicana tem falhado historicamente na promoção e criação de espaços e oportunidades apropriados para mulheres na música.

Now Girls Rule oferece eventos anuais como: Girl Camps que apresentam música e aulas de design de fanzine para meninas de 7 a 17 anos, onde cada professora é uma artista consagrada da cena mexicana. Now Girls Rule criou este formato para que jovens aspirantes a artistas possam conhecer e aprender diretamente com mulheres que perseguiram seus sonhos e trabalharam para viver de sua arte, para que possam se inspirar a desenvolver uma carreira na música e na arte. Now Girls Rule Nights , uma série de concertos ao vivo que apresenta artistas femininas consagradas e bandas lideradas por mulheres, ao mesmo tempo que convida artistas a se apresentarem, a fim de atrair novas multidões para vê-los se apresentar ao vivo. O Now Girls Rule Networkings é um espaço onde mulheres profissionais de várias origens e artistas se reúnem para se encontrar e falar sobre seu trabalho na esperança de unir forças em novos empreendimentos e projetos. La Marketa , o primeiro bazar de artistas só para mulheres no México, criado para que os artistas possam vender suas mercadorias diretamente aos fãs e ficar com 100% das vendas. La Marketa é um evento para todas as idades, gênero e que aceita animais de estimação, com apresentações ao vivo de alguns dos artistas. Elis Paprika também apresenta o Now Girls Rule Podcast , um programa semanal através do canal Señal VL do Vive Latino , que apresenta música de mulheres artistas ou artistas liderados por mulheres que Elis conheceu ao redor do mundo durante uma turnê.

Riot Grrrl

Carrie Brownstein, da banda punk-indie Sleater-Kinney , se apresentando no Vegoose em 2005

Riot grrrl é um movimento underground punk feminista que começou originalmente no início dos anos 1990, em Washington, DC, e no grande noroeste do Pacífico , visivelmente em Olympia, Washington . É frequentemente associado ao feminismo de terceira onda , que às vezes é visto como seu ponto de partida. Também foi descrito como um gênero musical que surgiu do indie rock, com a cena punk servindo de inspiração para um movimento musical no qual as mulheres pudessem se expressar da mesma forma que os homens vinham fazendo nos últimos anos.

As bandas Riot grrrl costumam abordar questões como estupro, violência doméstica , sexualidade , racismo, patriarcado e empoderamento feminino . Bandas associadas ao movimento incluem Bikini Kill , Bratmobile , Heavens to Betsy , Excuse 17 , Huggy Bear , Cake Like , Skinned Teen , Emily's Sassy Lime , Sleater-Kinney e também grupos queercore como Team Dresch . Além de uma cena e gênero musical, riot grrrl é uma subcultura que envolve uma ética DIY , zines , arte, ação política e ativismo. Riot grrrls são conhecidos por realizar reuniões, iniciar capítulos e apoiar e organizar as mulheres na música.

O uso da palavra "menina" pretendia indicar uma época em que as meninas são menos influenciadas pelas pressões sociais e, portanto, têm a autoestima mais forte - a infância. A raiva por trás do movimento foi notada pela grafia alternada da palavra como "grrrl", que soa como um rosnado.

Elas participaram de um novo tipo de feminismo punk que promovia a ideia do faça-você-mesmo, trocando manifestos e trocando fitas mistas de bandas favoritas para espalhar a palavra. Eles estavam cansados ​​de ver as mulheres sendo apagadas da história ou tendo suas experiências mal interpretadas e ignoradas por outras pessoas. Em, em resposta à violência patriarcal, adultismo e heterocentrismo , Riot grrrl engajou-se em expressões emocionais negativas e retórica semelhantes às do feminismo e da estética punk. O argumento feminista de que o pessoal é político foi revisitado na imagem que a Riot grrrl apresentou, da mesma forma que a cultura do Punk de que a autoatualização não é encontrada em forças externas, mas sim através do verdadeiro eu de um indivíduo. Ao reconhecer e reavaliar as estruturas institucionais que afetam as experiências individuais em situações sociais, um indivíduo pode adquirir o conhecimento para se conhecer melhor e, portanto, saber como se apresentar aos outros para que eles possam conhecê-la com precisão. Riot grrrl chamou esse movimento de autoatualização, amor feminino - "garotas aprendendo a amar a si mesmas, e umas às outras, contra aquelas forças que, de outra forma, as veriam destruídas ou destruídas".

O slogan que o acompanhava "cada menina é um motim grrrl" reforçou a solidariedade que as mulheres poderiam encontrar entre si. Isso criou uma estética íntima e política sentimental bem expressa na produção de zines (uma versão abreviada de "fanzines"). Os zines eram feitos à mão, feitos por pessoas que queriam se conectar diretamente com seus leitores, com itens simples como tesouras, cola e fita adesiva. Eles denunciaram injustiças e desafiaram as normas que normalmente direcionavam a expressão da sexualidade e da violência doméstica, proporcionando um espaço para as mulheres trocarem histórias pessoais com as quais muitas outras poderiam se relacionar. Eles desafiaram meninas e mulheres a se defenderem em uma atmosfera política que buscava ativamente silenciá-las. As histórias pessoais compartilhadas eram, por vezes, confrontadas com atitudes que reduziam a comunicação a "são todas meninas em seus quartos, esparramadas escrevendo em seus diários, e depois as enviam umas às outras", enquanto a escolha de compartilhar dessa forma, era estético.

Em meio a essa conscientização, a riot grrrls teve que lidar com as generalizações que funcionavam para elas, mas que não podiam se aplicar às mulheres negras. Afinal, nem todas as garotas podiam ser riot grrrl, pois a falta de privilégio as impedia de participar de atos como escrever "VAGABUNDA" em seu estômago na tentativa de reivindicar a agência sexual. Embora essa atuação seja séria, o racismo já havia rotulado as mulheres de cor com esse termo. Como observado por Kearny, "o desvio de gênero exibido por riot grrrls é um privilégio ao qual apenas meninas brancas de classe média têm acesso". Outro aspecto dessa necessidade de discurso inclusivo surgiu na preferência do movimento pelo conhecimento concreto e no desprezo pelo abstrato que fomentaria a investigação teórica.

Festivais

Das mulheres festivais de música, que também podem ser chamados womyn 's festivais de música, têm sido realizadas desde a década de 1970. Alguns festivais de música feminina são organizados para lésbicas. O primeiro festival de música feminina foi realizado em 1973 na Sacramento State University. Em maio de 1974, o primeiro National Woman's Music Festival foi realizado em Champaign-Urbana, Illinois, fundado pela estudante da Universidade de Illinois , Kristin Lems. Ele comemorou seu 40º ano em Middleton, Wisconsin, de 2 a 5 de julho de 2015. A partir de 2015, é um evento de quatro dias que inclui concertos, workshops, comédia, teatro, filmes e eventos de escrita que "promovem e afirmam os talentos criativos e habilidades técnicas de mulheres "de diversas comunidades multiculturais, incluindo mulheres com deficiência. Embora a maioria dos participantes sejam mulheres, os homens podem comparecer. O Michigan Womyn's Music Festival foi criado em 1976 e se tornou o maior festival dos Estados Unidos.

Um exemplo de um festival que se concentra na música é a Women in Music Festival realizado pela Universidade de Rochester 's Eastman School of Music . O festival começou em 2005 como uma celebração das contribuições das mulheres para a composição, performance, ensino, bolsa de estudos e administração musical. De seu início modesto com alunos e professores da Eastman tocando música de compositoras, o Festival cresceu para incluir concertos e eventos adicionais em Rochester, NY e para hospedar compositores residentes, que incluíram Tania León (2007), Nancy Van de Vate (2008), Judith Lang Zaimont (2009), Emma Lou Diemer (2010) e Hilary Tann (2011). O festival apresentou mais de 291 obras diferentes de 158 compositores.

Muitos outros festivais foram criados nos Estados Unidos e Canadá desde meados da década de 1970 e variam em tamanho de algumas centenas a milhares de participantes. O Festival de Música Feminina de Los Angeles começou em 2007 com mais de 2.500 participantes. Eventos fora dos Estados Unidos incluem o Sappho Lesbian Witch Camp, perto de Vancouver, British Columbia, no Canadá, e o Sistajive Women's Music Festival, na Austrália. Alguns festivais são voltados para a comunidade lésbica, como o Ohio Lesbian Festival, perto de Columbus Ohio, criado em 1988; Christian Lesbians Out (CLOUT), que realiza uma reunião no início de agosto em Washington, DC; The Old Lesbian Gathering, um festival em Minneapolis, Minnesota; e RadLesFes, um evento realizado em meados de novembro perto da Filadélfia, Pensilvânia. Os festivais de orientação feminista incluem o Southern Womyn's Festival em Dade City, Flórida; o Festival de Womyn da Costa do Golfo em Ovett, Missouri; Wiminfest em Albuquerque, Novo México; Womongathering, o Festival de Espiritualidade de Womyn; o Michigan Womyn's Music Festival, perto de Hart, Michigan; e o Midwest Womyn's Festival em DeKalb, Illinois.

Embora os festivais de música feminina sejam centrados na música, eles apóiam muitas outras facetas da cultura lésbica e feminista . Alguns festivais são planejados para fornecer um espaço seguro para a música e a cultura femininas. Muitos festivais são realizados em campi universitários ou em locais rurais remotos, onde os participantes ficam em locais de acampamento. Muitos festivais oferecem oficinas de artes, artesanato, preparação física e eventos esportivos que as mulheres podem não encontrar na cultura tradicional. Em seu livro Eden Built by Eves , Bonnie Morris descreve como os festivais de música feminina servem às mulheres em todos os estágios de suas vidas. Uma vez que os festivais são organizados por mulheres, para as mulheres, normalmente existem creches e creches. Festivais muitas vezes, fornecer um espaço seguro para vinda de idade rituais para as mulheres jovens, adultos de romance e cerimônias de compromisso, a expressão de perspectivas alternativas sobre a maternidade, e a expressão de dor e perda.

Lilith Fair

Sarah McLachlan, cofundadora da Lilith Fair

Lilith Fair era uma turnê de concertos e um festival de música itinerante que consistia apenas em artistas solo femininas e bandas lideradas por mulheres. Foi fundada pela música canadense Sarah McLachlan , Dan Fraser e Terry McBride do Nettwerk Music Group e pelo agente de talentos de Nova York Marty Diamond. Aconteceu durante os verões de 1997 a 1999, e foi revivido no verão de 2010. McLachlan organizou o festival depois que ela ficou frustrada com os promotores de shows e estações de rádio que se recusaram a apresentar duas músicas seguidas. Contrariando a sabedoria convencional da indústria, ela reservou uma turnê de sucesso para ela e Paula Cole . Pelo menos uma de suas apresentações juntos - na cidade natal de McLachlan, em 14 de setembro de 1996 - foi chamada de "Lilith Fair" e incluiu apresentações de McLachlan, Cole, Lisa Loeb e Michelle McAdorey , ex- Crash Vegas .

No ano seguinte, McLachlan fundou a excursão Lilith Fair, tirando Lilith da lenda judaica medieval de que Lilith foi a primeira esposa de Adão . Em 1997, Lilith Fair arrecadou uma receita bruta de $ 16 milhões, tornando-se a maior bilheteria de qualquer festival em turnê. Entre todas as turnês daquele ano, foi a 16ª maior bilheteria. O festival recebeu vários apelidos pejorativos, incluindo "Breast-fest", "Girlapalooza" e "Clam Jam".

Veja também

Referências

Leitura adicional

  • Bowers, Jane e Tick, Judith (eds.). Mulheres Fazendo Música: A Tradição da Arte Ocidental, 1150–1950 (Edição Reimpressão). Conselho de curadores da Universidade de Illinois, 1986.
  • Citron, Marcia J. Gender and the Musical Canon . Arquivo CUP, 1993.
  • Dunbar, Julie C. Mulheres, Música, Cultura: Uma Introdução . Routledge, 2010.
  • Gates, Eugene. The Woman Composer Question: A Bibliography . The Kapralova Society, 1998–2020, disponível online em http://www.kapralova.org/BIBLIOGRAPHY.htm
  • Goldin, C. e C. Rouse, 2000. "Orchestrating Impartiality: The Impact of 'Blind' Auditions on Female Musicians," American Economic Review , 90 (4): 715-741.
  • Pendle, Karin Anna. Mulheres e música: uma história . Indiana University Press, 2001.
  • Solie, Ruth A., ed., Musicology and Difference: Gender and Sexuality in Music Scholarship . University of California Press, 1993.
  • Millar, B. 2008 "audição seletiva: preconceito de gênero nas preferências musicais jovens adultos", Psicologia da música, vol. 46, no.4, pp. 429-445
  • Schmutz, V., & Faupel, A. (2010). Gênero e Consagração Cultural na Música Popular. Forças Sociais, 89 (2), 685-707. Obtido em http://www.jstor.org/stable/40984552
  • Barongan, C., & Hall, CN (1995). A influência da música rap misógina na agressão sexual contra mulheres. Psychology of Women Quarterly, 19, 195–207.