Wassily Kandinsky - Wassily Kandinsky

Wassily Kandinsky
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Kandinsky, c.  1913 ou anterior
Nascer
Wassily Wassilyevich Kandinsky

16 de dezembro [ OS 4 de dezembro] 1866
Faleceu 13 de dezembro de 1944 (13/12/1944)(com 77 anos)
Nacionalidade Russo, depois francês
Educação Academia de Belas Artes de Munique
Conhecido por Quadro
Trabalho notável
Em Branco II , Der Blaue Reiter
Movimento Expressionismo ; arte abstrata

Wassily Wassilyevich Kandinsky ( / ˌ v Æ s ɪ l i k Æ n d ɪ n s k i / ; russo: Василий Васильевич Кандинский , tr. Vasiliy Vassilievitch Kandinskiy , IPA:  [vɐsʲilʲɪj vɐsʲilʲjɪvʲɪtɕ kɐnʲdʲinskʲɪj] ; 16 de Dezembro de [ SO 4 de Dezembro ] 1866 - 13 de dezembro de 1944) foi um pintor e teórico da arte russo. Kandinsky é geralmente considerado o pioneiro da arte abstrata . Nascido em Moscou, Kandinsky passou a infância em Odessa (hoje Ucrânia), onde se formou na escola Grekov Odessa Art . Ele se matriculou na Universidade de Moscou , estudando direito e economia. Bem-sucedido em sua profissão - ele recebeu uma oferta de professor (cadeira de Direito Romano ) na Universidade de Dorpat (hoje Tartu, Estônia) - Kandinsky começou os estudos de pintura (desenho vivo, esboço e anatomia) aos 30 anos.

Em 1896, Kandinsky se estabeleceu em Munique , estudando primeiro na escola particular de Anton Ažbe e depois na Academia de Belas Artes . Ele retornou a Moscou em 1914, após a eclosão da Primeira Guerra Mundial. Após a Revolução Russa , Kandinsky "tornou-se um insider na administração cultural de Anatoly Lunacharsky " e ajudou a estabelecer o Museu da Cultura da Pintura. No entanto, àquela altura "sua visão espiritual ... era estranha ao materialismo argumentativo da sociedade soviética", e as oportunidades surgiram na Alemanha, à qual ele voltou em 1920. Lá, ele ensinou na escola de arte e arquitetura Bauhaus de 1922 até o Os nazistas a fecharam em 1933. Ele então se mudou para a França, onde viveu pelo resto de sua vida, tornando-se cidadão francês em 1939 e produzindo algumas de suas artes mais proeminentes. Ele morreu em Neuilly-sur-Seine em 1944, apenas três dias antes de seu 78º aniversário.

Períodos artísticos

A criação de trabalhos abstratos por Kandinsky seguiu um longo período de desenvolvimento e amadurecimento de pensamento intenso baseado em suas experiências artísticas. Ele chamou isso de devoção à beleza interior , fervor de espírito e desejo espiritual de necessidade interior ; era um aspecto central de sua arte.

Juventude e inspiração (1866-1896)

Porto de Odessa (1898)

Kandinsky nasceu em Moscou, filho de Lidia Ticheeva e Vasily Silvestrovich Kandinsky, um comerciante de chá. Uma de suas bisavós foi a princesa Gantimurova , uma princesa mongol. Kandinsky aprendeu com uma variedade de fontes enquanto estava em Moscou. Ele estudou muitos campos enquanto estava na escola, incluindo direito e economia. Mais tarde na vida, ele se lembraria de ter sido fascinado e estimulado pelas cores quando criança. Seu fascínio pelo simbolismo das cores e pela psicologia continuou à medida que ele crescia. Em 1889, ele fez parte de um grupo de pesquisa etnográfica que viajou para a região de Vologda , ao norte de Moscou. Em Looks on the Past , ele relata que as casas e igrejas eram decoradas com cores tão cintilantes que, ao entrar nelas, sentiu que estava se movendo para uma pintura. Essa experiência e seu estudo da arte popular da região (particularmente o uso de cores brilhantes em um fundo escuro) refletiram-se em muitos de seus primeiros trabalhos. Alguns anos depois, ele comparou a pintura a compor música da maneira pela qual se tornaria conhecido, escrevendo: "A cor é o teclado, os olhos são os martelos, a alma é o piano com muitas cordas. O artista é a mão que toca, tocando uma tecla ou outra, para causar vibrações na alma ”. Kandinsky também era tio do filósofo russo-francês Alexandre Kojève (1902–1968).

Em 1896, aos 30 anos, Kandinsky desistiu de uma promissora carreira como professor de direito e economia para se matricular na Academia de Munique, onde seus professores acabariam por incluir Franz von Stuck . Ele não foi imediatamente admitido e começou a aprender arte por conta própria. Naquele mesmo ano, antes de deixar Moscou, ele viu uma exposição de pinturas de Monet . Ele ficou particularmente impressionado com o estilo impressionista de Haystacks ; isso, para ele, tinha um poderoso senso de cor quase independente dos próprios objetos. Mais tarde, ele escreveria sobre esta experiência:

Que era um palheiro, o catálogo me informou. Eu não pude reconhecer isso. Esse não reconhecimento foi doloroso para mim. Considerei que o pintor não tinha o direito de pintar indistintamente. Senti vagamente que o objeto da pintura estava faltando. E percebi, com surpresa e confusão, que a imagem não apenas me agarrou, mas se marcou inexoravelmente em minha memória. A pintura assumiu o poder e o esplendor de um conto de fadas.

-  Wassily Kandinsky

Kandinsky foi igualmente influenciado durante este período por Richard Wagner 's Lohengrin , que, segundo ele, empurrou os limites da música e melodia além lirismo padrão. Ele também foi espiritualmente influenciado por Madame Blavatsky (1831-1891), a mais conhecida expoente da teosofia . A teoria teosófica postula que a criação é uma progressão geométrica, começando com um único ponto. O aspecto criativo da forma é expresso por uma série decrescente de círculos, triângulos e quadrados. Os livros de Kandinsky, Concerning the Spiritual in Art (1910) e Point and Line to Plane (1926), ecoaram esse princípio teosófico. Ilustrações de John Varley em Thought-Forms (1901) o influenciaram visualmente.

Metamorfose

Pintura abstrata colorida com edifícios e uma igreja ao fundo
Munich-Schwabing com a Igreja de Santa Úrsula (1908)

No verão de 1902, Kandinsky convidou Gabriele Münter para se juntar a ele em suas aulas de pintura de verão ao sul de Munique, nos Alpes. Ela aceitou, e seu relacionamento se tornou mais pessoal do que profissional. A escola de arte, geralmente considerada difícil, foi fácil para Kandinsky. Foi nessa época que ele começou a emergir como teórico da arte e também como pintor. O número de suas pinturas existentes aumentou no início do século 20; muito resta das paisagens e cidades que pintou, usando amplas faixas de cores e formas reconhecíveis. Em sua maior parte, entretanto, as pinturas de Kandinsky não apresentavam nenhuma figura humana; uma exceção é Sunday, Old Russia (1904), em que Kandinsky recria uma visão altamente colorida (e fantasiosa) de camponeses e nobres em frente às muralhas de uma cidade. Couple on Horseback (1907) retrata um homem a cavalo, segurando uma mulher com ternura e cuidado enquanto eles cavalgam por uma cidade russa com paredes luminosas sobre um rio azul. O cavalo fica mudo enquanto as folhas nas árvores, na cidade e nos reflexos do rio brilham com manchas de cor e brilho. Este trabalho demonstra a influência do pontilhismo na forma como a profundidade de campo é reduzida a uma superfície plana e luminescente. O fauvismo também é aparente nessas primeiras obras. As cores são usadas para expressar a experiência de Kandinsky do assunto, não para descrever a natureza objetiva.

Talvez a mais importante de suas pinturas da primeira década de 1900 foi The Blue Rider (1903), que mostra uma pequena figura encapuzada em um cavalo em alta velocidade correndo por um prado rochoso. A capa do cavaleiro é azul médio, que lança uma sombra azul-escura. No primeiro plano, há sombras azuis mais amorfas, as contrapartidas das árvores caídas no fundo. O cavaleiro azul na pintura é proeminente (mas não claramente definido), e o cavalo tem um andar não natural (que Kandinsky deve ter conhecido). Alguns historiadores da arte acreditam que uma segunda figura (talvez uma criança) esteja sendo segurada pelo cavaleiro, embora esta possa ser outra sombra do cavaleiro solitário. Essa disjunção intencional, permitindo que os espectadores participassem da criação da obra de arte, tornou-se uma técnica cada vez mais consciente usada por Kandinsky nos anos subsequentes; culminou nas obras abstratas do período 1911-1914. Em The Blue Rider , Kandinsky mostra o piloto mais como uma série de cores do que em detalhes específicos. Esta pintura não é excepcional nesse aspecto quando comparada com os pintores contemporâneos, mas mostra a direção que Kandinsky tomaria apenas alguns anos depois.

De 1906 a 1908, Kandinsky passou muito tempo viajando pela Europa (ele era um associado do grupo simbolista da Rosa Azul de Moscou), até se estabelecer na pequena cidade bávara de Murnau . Em 1908, ele comprou uma cópia de Thought-Forms de Annie Besant e Charles Webster Leadbeater . Em 1909 ele se juntou à Sociedade Teosófica. The Blue Mountain (1908-1909) foi pintado nesta época, demonstrando sua tendência para a abstração. Uma montanha azul é ladeada por duas árvores largas, uma amarela e outra vermelha. Uma procissão, com três cavaleiros e vários outros, atravessa na parte inferior. Os rostos, roupas e selas dos cavaleiros são de uma única cor, e nem eles nem as figuras que caminham exibem qualquer detalhe real. Os planos planos e os contornos também são indicativos da influência fauvista. O amplo uso da cor em The Blue Mountain ilustra a inclinação de Kandinsky para uma arte em que a cor é apresentada independentemente da forma e em que cada cor recebe igual atenção. A composição é mais plana; a pintura é dividida em quatro seções: o céu, a árvore vermelha, a árvore amarela e a montanha azul com os três cavaleiros.

Período Blue Rider (1911-1914)

Wassily Kandinsky, 1910, Paisagem com Chaminé de Fábrica , óleo sobre tela, 66,2 cm × 82 cm (26,1 pol x 32,3 pol.), Museu Solomon R. Guggenheim

As pinturas de Kandinsky desse período são grandes massas coloridas expressivas avaliadas independentemente de formas e linhas; estes não servem mais para delimitá-los, mas se sobrepõem livremente para formar pinturas de força extraordinária. A música foi importante para o nascimento da arte abstrata, uma vez que a música é abstrata por natureza - ela não tenta representar o mundo exterior, mas expressa de forma imediata os sentimentos internos da alma. Kandinsky às vezes usava termos musicais para identificar suas obras; ele chamou suas pinturas mais espontâneas de "improvisações" e descreveu as obras mais elaboradas como "composições".

Além da pintura, Kandinsky era um teórico da arte; sua influência na história da arte ocidental deriva talvez mais de suas obras teóricas do que de suas pinturas. Ele ajudou a fundar a Neue Künstlervereinigung München (Associação de Novos Artistas de Munique), tornando-se seu presidente em 1909. No entanto, o grupo não conseguiu integrar a abordagem radical de Kandinsky (e outros) com conceitos artísticos convencionais e o grupo se dissolveu no final de 1911. Kandinsky em seguida, formou um novo grupo, o Blue Rider ( Der Blaue Reiter ), com artistas afins, como August Macke , Franz Marc , Albert Bloch e Gabriele Münter . O grupo lançou um almanaque ( The Blue Rider Almanac ) e realizou duas exposições. Mais de cada um foi planejado, mas a eclosão da Primeira Guerra Mundial em 1914 acabou com esses planos e mandou Kandinsky de volta à Rússia via Suíça e Suécia .

Improvisação 27 (Garden of Love II) , 1912, óleo sobre tela, 120,3 cm × 140,3 cm (47,4 pol × 55,2 pol.), Metropolitan Museum of Art , Nova York. Exibido no Armory Show de 1913

Seus escritos em The Blue Rider Almanac e o tratado "On the Spiritual in Art" (lançado em 1910) foram tanto uma defesa e promoção da arte abstrata quanto uma afirmação de que todas as formas de arte eram igualmente capazes de atingir um nível de espiritualidade . Ele acreditava que a cor poderia ser usada em uma pintura como algo autônomo, além da descrição visual de um objeto ou outra forma.

Essas ideias tiveram um impacto internacional quase imediato, particularmente no mundo de língua inglesa. Já em 1912, On the Spiritual in Art foi resenhado por Michael Sadleir no Art News de Londres . Interesse em Kandinsky cresceu rapidamente quando Sadleir publicou uma tradução do Inglês Por espiritual na arte em 1914. Extractos do livro foram publicados naquele ano, em Percy Wyndham Lewis 'periódico s explosão , e Alfred Orage ' jornal cultural semanal s The New Age . Kandinsky havia recebido alguma notícia antes na Grã-Bretanha, entretanto; em 1910, participou da Allied Artists 'Exhibition (organizada por Frank Rutter ) no Royal Albert Hall de Londres . Isso resultou em seu trabalho sendo escolhido para receber elogios em uma resenha do artista Spencer Frederick Gore no The Art News .

O interesse de Sadleir por Kandinsky também levou as primeiras obras de Kandinsky a entrarem em uma coleção de arte britânica; O pai de Sadleir, Michael Sadler , adquiriu várias xilogravuras e a pintura abstrata Fragment for Composition VII em 1913, após uma visita de pai e filho para encontrar Kandinsky em Munique naquele ano. Essas obras foram exibidas em Leeds , na Universidade ou nas instalações do Leeds Arts Club , entre 1913 e 1923.

Voltar para a Rússia (1914–1921)

In Gray (1919) de Kandinsky, exibido na 19ª Exposição de Estado, Moscou, 1920

O sol derrete Moscou em um único ponto que, como uma tuba louca, começa a vibrar todo o coração e toda a alma. Mas não, essa uniformidade de vermelho não é a hora mais bonita. É apenas o acorde final de uma sinfonia que leva todas as cores ao zênite da vida que, como o fortíssimo de uma grande orquestra, é compelido e permitido por Moscou a ressoar.

-  Wassily Kandinsky

Em 1916, ele conheceu Nina Andreevskaya (1899–1980), com quem se casou em 11 de fevereiro de 1917.

De 1918 a 1921, Kandinsky esteve envolvido na política cultural da Rússia e colaborou na educação artística e na reforma do museu. Pintou pouco neste período, mas dedicou-se ao ensino artístico, com um programa baseado na análise da forma e da cor; ele também ajudou a organizar o Instituto de Cultura Artística em Moscow da qual foi o primeiro diretor. Sua visão espiritual e expressionista da arte acabou sendo rejeitada pelos membros radicais do Instituto como muito individualista e burguesa. Em 1921, Kandinsky foi convidado a ir à Alemanha para frequentar a Bauhaus de Weimar por seu fundador, o arquiteto Walter Gropius .

De volta à Alemanha e à Bauhaus (1922–1933)

Yellow-Red-Blue , 1925, Musée National d'Art Moderne , Paris

Em maio de 1922, ele participou do Congresso Internacional de Artistas Progressivos e assinou a "Proclamação de Fundação da União de Artistas Internacionais Progressistas".

Kandinsky deu a aula de design básico para iniciantes e o curso de teoria avançada na Bauhaus ; ele também deu aulas de pintura e um workshop no qual ampliou sua teoria da cor com novos elementos da psicologia da forma. O desenvolvimento de seus trabalhos sobre o estudo das formas, em particular sobre os pontos e linhas, levou à publicação de seu segundo livro teórico ( Point and Line to Plane ) em 1926. Seus exames dos efeitos das forças em linhas retas, levando ao contraste tons de linhas curvas e angulares, coincidiu com a pesquisa de psicólogos da Gestalt, cujo trabalho também foi discutido na Bauhaus. Os elementos geométricos assumiram uma importância crescente tanto em seu ensino quanto em sua pintura - particularmente o círculo, o semicírculo, o ângulo, as linhas retas e as curvas. Este período foi intensamente produtivo. Essa liberdade é caracterizada em suas obras pelo tratamento de planos ricos em cores e gradações - como em Amarelo - vermelho - azul (1925), onde Kandinsky ilustra seu distanciamento dos movimentos construtivistas e suprematismos influentes na época.

Casa de Paul Klee e Wassily Kandinsky em Dessau

O amarelo - vermelho - azul (1925) de dois metros de largura (6 pés 7 pol.) De várias formas principais: um retângulo amarelo vertical, uma cruz vermelha inclinada e um grande círculo azul escuro; uma infinidade de linhas pretas retas (ou sinuosas), arcos circulares, círculos monocromáticos e tabuleiros de xadrez coloridos e dispersos contribuem para sua delicada complexidade. Esta simples identificação visual das formas e das principais massas coloridas presentes na tela é apenas uma primeira abordagem à realidade interna da obra, cuja apreciação requer uma observação mais profunda - não apenas das formas e cores envolvidas na pintura, mas de sua relação, seu absoluto e posições relativas na tela e sua harmonia.

Kandinsky foi um dos Die Blaue Vier (Blue Four), formado em 1923 com Paul Klee , Lyonel Feininger e Alexej von Jawlensky , que lecionou e expôs nos Estados Unidos em 1924. Devido à hostilidade da direita, a Bauhaus deixou Weimar e se estabeleceu em Dessau em 1925. Após uma campanha de difamação nazista, a Bauhaus deixou Dessau em 1932 e foi para Berlim , até sua dissolução em julho de 1933. Kandinsky então deixou a Alemanha, estabelecendo-se em Paris .

Grande Síntese (1934-1944)

Morando em um apartamento em Paris, Kandinsky criou seu trabalho em um estúdio de sala de estar. Formas biomórficas com contornos flexíveis e não geométricos aparecem em suas pinturas - formas que sugerem organismos microscópicos, mas expressam a vida interior do artista. Kandinsky usou composições de cores originais, evocando a arte popular eslava. Ele também ocasionalmente misturava areia com tinta para dar uma textura granular e rústica às suas pinturas.

Este período corresponde a uma síntese da obra anterior de Kandinsky em que utilizou todos os elementos, enriquecendo-os. Em 1936 e 1939, ele pintou suas duas composições principais finais, o tipo de telas elaboradas que não produzia há muitos anos. A composição IX tem diagonais poderosas e altamente contrastadas, cuja forma central dá a impressão de um embrião no útero. Pequenos quadrados de cores e faixas coloridas se destacam contra o fundo preto da Composição X como fragmentos de estrelas (ou filamentos ), enquanto hieróglifos enigmáticos com tons pastel cobrem uma grande massa marrom que parece flutuar no canto superior esquerdo da tela. Na obra de Kandinsky, algumas características são óbvias, enquanto certos toques são mais discretos e velados; eles se revelam apenas progressivamente para aqueles que aprofundam sua conexão com sua obra. Ele pretendia que suas formas (que ele sutilmente harmonizou e posicionou) ressoassem na alma do observador.

A concepção de arte de Kandinsky

O artista como profeta

Pintura abstrata grande e colorida
Composição VII , Galeria Tretyakov . De acordo com Kandinsky, esta é a peça mais complexa que ele já pintou (1913)

Escrevendo que "a música é o professor final", Kandinsky embarcou nas primeiras sete de suas dez composições . Os três primeiros sobrevivem apenas em fotos em preto e branco tiradas pelo colega artista e amigo Gabriele Münter . Embora existam estudos, esboços e improvisações (particularmente da Composição II ), um ataque nazista à Bauhaus na década de 1930 resultou no confisco das três primeiras composições de Kandinsky . Eles foram exibidos na exposição patrocinada pelo Estado " Arte Degenerada " e, em seguida, destruídos (junto com as obras de Paul Klee , Franz Marc e outros artistas modernos).

Fascinado pela escatologia cristã e pela percepção de uma Nova Era que se aproxima, um tema comum entre as primeiras sete composições de Kandinsky é o apocalipse (o fim do mundo como o conhecemos). Escrevendo sobre o "artista como profeta" em seu livro, Concerning the Spiritual in Art , Kandinsky criou pinturas nos anos imediatamente anteriores à Primeira Guerra Mundial, mostrando um cataclismo iminente que alteraria a realidade individual e social. Tendo uma crença devota no Cristianismo Ortodoxo , Kandinsky baseou-se nas histórias bíblicas da Arca de Noé , Jonas e a baleia, a ressurreição de Cristo , os quatro cavaleiros do Apocalipse no livro do Apocalipse , contos populares russos e as experiências mitológicas comuns de morte e renascimento. Nunca tentando imaginar qualquer uma dessas histórias como uma narrativa, ele usou suas imagens veladas como símbolos dos arquétipos da morte - renascimento e destruição - criação que ele sentia serem iminentes no mundo anterior à Primeira Guerra Mundial .

Como ele declarou em Concerning the Spiritual in Art (veja abaixo), Kandinsky sentiu que um artista autêntico criando arte a partir de "uma necessidade interna" habita a ponta de uma pirâmide que se move para cima. Esta pirâmide progressiva está penetrando e avançando para o futuro. O que era estranho ou inconcebível ontem é lugar-comum hoje; o que é vanguarda hoje (e entendido apenas por poucos) é conhecimento comum amanhã. O artista-profeta moderno está sozinho no ápice da pirâmide, fazendo novas descobertas e inaugurando a realidade de amanhã. Kandinsky estava ciente dos recentes desenvolvimentos científicos e dos avanços dos artistas modernos que contribuíram para maneiras radicalmente novas de ver e experimentar o mundo.

A Composição IV e pinturas posteriores estão preocupadas principalmente em evocar uma ressonância espiritual no espectador e no artista. Como em sua pintura do apocalipse pela água ( Composição VI ), Kandinsky coloca o espectador na situação de vivenciar esses mitos épicos, traduzindo-os em termos contemporâneos (com uma sensação de desespero, agitação, urgência e confusão). Esta comunhão espiritual de espectador-pintor-artista / profeta pode ser descrita dentro dos limites de palavras e imagens.

Teórico artístico e espiritual

Pintura abstrata retangular e multicolorida
Composição VI (1913)

Como indicam os ensaios e teorizações do Der Blaue Reiter Almanac com o compositor Arnold Schoenberg , Kandinsky também expressou a comunhão entre o artista e o espectador como estando disponível tanto para os sentidos quanto para a mente ( sinestesia ). Ouvindo tons e acordes enquanto pintava, Kandinsky teorizou que (por exemplo), amarelo é a cor do central em uma trombeta de metal; preto é a cor do fechamento e do fim das coisas; e que combinações de cores produzem frequências vibratórias, semelhantes a acordes tocados em um piano. Em 1871, o jovem Kandinsky aprendeu a tocar piano e violoncelo.

Kandinsky também desenvolveu uma teoria das figuras geométricas e suas relações - alegando, por exemplo, que o círculo é a forma mais pacífica e representa a alma humana. Essas teorias são explicadas em Ponto e Linha para Plano (veja abaixo).

O legendário cenário de Kandinsky para uma performance de " Quadros em uma Exposição " de Mussorgsky ilustra seu conceito sinestésico de uma correspondência universal de formas, cores e sons musicais. Em 1928, no teatro de Dessau, Wassily Kandinsky realizou a encenação de "Pictures at an Exhibition". Em 2015, os designs originais dos elementos do palco foram animados com tecnologia de vídeo moderna e sincronizados com a música de acordo com as notas preparatórias de Kandinsky e o roteiro do diretor de Felix Klee.

Em outro episódio com Münter durante os anos do expressionismo abstrato da Baviera , Kandinsky estava trabalhando em sua Composição VI . Depois de quase seis meses de estudo e preparação, ele pretendia que o trabalho evocasse uma enchente, batismo, destruição e renascimento simultaneamente. Após delinear o trabalho em um painel de madeira do tamanho de um mural, ele ficou bloqueado e não pôde continuar. Münter disse a ele que ele estava preso em seu intelecto e não alcançava o verdadeiro objeto da foto. Ela sugeriu que ele simplesmente repetisse a palavra uberflut ("dilúvio" ou "inundação") e se concentrasse no som em vez de no significado. Repetindo essa palavra como um mantra, Kandinsky pintou e completou o trabalho monumental em três dias.

Escritos teóricos sobre arte

As análises de Kandinsky sobre formas e cores resultam não de associações de ideias simples e arbitrárias, mas da experiência interior do pintor. Ele passou anos criando pinturas abstratas e sensorialmente ricas, trabalhando com forma e cor, observando incansavelmente suas próprias pinturas e as de outros artistas, notando seus efeitos em seu senso de cor. Essa experiência subjetiva é algo que qualquer um pode fazer - não observações científicas e objetivas, mas internas e subjetivas, o que o filósofo francês Michel Henry chama de "subjetividade absoluta" ou " vida fenomenológica absoluta ".

Sobre o espiritual na arte

Publicado em Munique em 1911, o texto de Kandinsky, Über das Geistige in der Kunst , define três tipos de pintura; impressões , improvisações e composições . Enquanto as impressões partem de uma realidade externa que serve de ponto de partida, as improvisações e composições retratam imagens emergentes do inconsciente, embora a composição seja desenvolvida de um ponto de vista mais formal. Kandinsky compara a vida espiritual da humanidade a uma pirâmide - o artista tem a missão de levar outras pessoas ao pináculo com sua obra. O ponto da pirâmide são aqueles poucos grandes artistas. É uma pirâmide espiritual, avançando e ascendendo lentamente, mesmo que às vezes pareça imóvel. Durante os períodos decadentes, a alma afunda na base da pirâmide; a humanidade busca apenas o sucesso externo, ignorando as forças espirituais.

As cores na paleta do pintor evocam um duplo efeito: um efeito puramente físico no olho que se encanta com a beleza das cores, semelhante à impressão alegre quando comemos uma iguaria. Esse efeito pode ser muito mais profundo, porém, causando uma vibração da alma ou uma "ressonância interna" - um efeito espiritual no qual a cor toca a própria alma.

"Necessidade interna" é, para Kandinsky, o princípio da arte e o fundamento das formas e da harmonia das cores. Ele o define como o princípio do contato eficiente da forma com a alma humana. Cada forma é a delimitação de uma superfície por outra; possui um conteúdo interior, o efeito que produz em quem o olha com atenção. Essa necessidade interior é o direito do artista à liberdade ilimitada, mas essa liberdade torna-se licença se não for fundada em tal necessidade. A arte nasce da necessidade interior do artista de uma forma enigmática e mística, através da qual adquire uma vida autônoma; torna-se um sujeito independente, animado por um sopro espiritual.

As propriedades óbvias que podemos ver quando olhamos para uma cor isolada e a deixamos agir sozinha, de um lado está o calor ou frieza do tom da cor, e do outro lado está a clareza ou obscuridade desse tom. O calor é uma tendência para o amarelo e o frio uma tendência para o azul; amarelo e azul formam o primeiro grande contraste dinâmico. O amarelo tem um movimento excêntrico e o azul um movimento concêntrico ; uma superfície amarela parece se mover para mais perto de nós, enquanto uma superfície azul parece se mover. O amarelo é uma cor tipicamente terrestre, cuja violência pode ser dolorosa e agressiva. O azul é uma cor celestial, evocando uma calma profunda. A combinação do azul e do amarelo resulta em total imobilidade e tranquilidade, que é o verde.

Clareza é uma tendência para o branco e a obscuridade é uma tendência para o preto. Branco e preto formam o segundo grande contraste, que é estático. O branco é um silêncio profundo e absoluto, cheio de possibilidades. O preto é nada sem possibilidade, um silêncio eterno sem esperança e corresponde à morte. Qualquer outra cor repercute fortemente em suas vizinhas. A mistura do branco com o preto leva ao cinza, que não possui força ativa e cuja tonalidade é próxima à do verde. O cinza corresponde à imobilidade sem esperança; tende a se desesperar quando escurece, recuperando pouca esperança quando clareia.

O vermelho é uma cor quente, viva e agitada; é forte, um movimento em si mesmo. Misturado com o preto, torna-se marrom, uma cor dura. Misturado ao amarelo, ganha calor e se torna laranja, o que confere um movimento irradiante ao seu entorno. Quando o vermelho é misturado com o azul, ele se afasta do homem e se torna roxo, que é um vermelho frio. Vermelho e verde formam o terceiro grande contraste, e laranja e roxo o quarto.

Ponto e linha para plano

Points , 1920, 110,3 cm × 91,8 cm (43,4 pol x 36,1 pol.), Museu de Arte de Ohara

Em seus escritos, publicados em Munique por Verlag Albert Langen em 1926, Kandinsky analisou os elementos geométricos que constituem cada pintura - o ponto e a linha. Ele chamou o suporte físico e a superfície material sobre a qual o artista desenha ou pinta o plano básico , ou BP. Ele não os analisou objetivamente, mas do ponto de vista de seu efeito interno no observador.

Um ponto é um pequeno pedaço de cor colocado pelo artista na tela. Não é um ponto geométrico nem uma abstração matemática; é extensão, forma e cor. Esta forma pode ser um quadrado, um triângulo, um círculo, uma estrela ou algo mais complexo. O ponto é a forma mais concisa mas, conforme sua colocação no plano básico, terá uma tonalidade diferente. Ele pode ser isolado ou ressoar com outros pontos ou linhas.

Uma linha é o produto de uma força aplicada em uma determinada direção: a força exercida no lápis ou pincel pelo artista. As formas lineares produzidas podem ser de vários tipos: uma linha reta , que resulta de uma força única aplicada em uma única direção; uma linha angular , resultante da alternância de duas forças em direções diferentes, ou uma linha curva (ou ondulatória ), produzida pelo efeito de duas forças agindo simultaneamente. Um plano pode ser obtido por condensação (de uma linha girada em torno de uma de suas extremidades). O efeito subjetivo produzido por uma linha depende de sua orientação: uma linha horizontal corresponde ao solo sobre o qual o homem se apoia e se move; possui tonalidade afetiva escura e fria semelhante ao preto ou ao azul. Uma linha vertical corresponde à altura e não oferece suporte; possui uma tonalidade luminosa e quente próxima ao branco e ao amarelo. Uma diagonal possui uma tonalidade mais ou menos quente (ou fria), de acordo com sua inclinação para a horizontal ou vertical.

Uma força que se desdobra sem obstáculos, pois aquela que produz uma linha reta corresponde ao lirismo ; várias forças que se confrontam (ou incomodam) formam um drama . O ângulo formado pela linha angular também tem uma sonoridade interna que é quente e próxima do amarelo para um ângulo agudo (um triângulo), frio e semelhante ao azul para um ângulo obtuso (um círculo) e semelhante ao vermelho para um ângulo reto (um quadrado).

O plano básico é, em geral, retangular ou quadrado. Portanto, é composta por linhas horizontais e verticais que a delimitam e a definem como entidade autônoma que sustenta a pintura, comunicando sua tonalidade afetiva. Essa tonalidade é determinada pela importância relativa das linhas horizontais e verticais: as horizontais dão uma tonalidade calma e fria ao plano básico, enquanto as verticais conferem uma tonalidade calma e quente. O artista intui o efeito interno do formato e das dimensões da tela, que escolhe de acordo com a tonalidade que deseja dar à sua obra. Kandinsky considerava o plano básico um ser vivo, que o artista "fertiliza" e sente "respirar".

Cada parte do plano básico possui uma coloração afetiva; isso influencia a tonalidade dos elementos pictóricos que nela serão desenhados e contribui para a riqueza da composição resultante de sua justaposição na tela. O acima do plano básico corresponde à frouxidão e à leveza, enquanto o abaixo evoca condensação e peso. O trabalho do pintor é ouvir e conhecer esses efeitos para produzir pinturas que não sejam apenas efeito de um processo aleatório, mas fruto de um trabalho autêntico e fruto de um esforço de beleza interior.

Este livro contém muitos exemplos fotográficos e desenhos das obras de Kandinsky que oferecem a demonstração de suas observações teóricas, e que permitem ao leitor reproduzir nele a obviedade interior, desde que ele tenha tempo para olhar essas imagens com cuidado, que ele as deixe agindo por sua própria sensibilidade e que ele deixou vibrar as cordas sensíveis e espirituais de sua alma.

Informações diversas

Mercado de arte

Em 2012, a Christie's leiloou o Studie für Improvisation 8 de Kandinsky (Estudo para Improvisação 8) , uma visão de 1909 de um homem empunhando uma espada larga em uma vila em tons de arco-íris, por US $ 23 milhões. A pintura estava emprestada ao Kunstmuseum Winterthur , Suíça, desde 1960 e foi vendida a um colecionador europeu pela Volkart Foundation, o braço de caridade da empresa suíça de comércio de commodities Volkart Brothers. Antes dessa venda, o último recorde do artista foi estabelecido em 1990, quando a Sotheby's vendeu sua Fuga (1914) por US $ 20,9 milhões. Em 16 de novembro de 2016, a Christie's leiloou Kandinsky's Rigide et courbé (rígido e dobrado) , uma grande pintura abstrata de 1935, por US $ 23,3 milhões, um novo recorde para Kandinsky. Solomon R. Guggenheim comprou originalmente a pintura diretamente do artista em 1936, mas ela não foi exibida depois de 1949 e foi vendida em um leilão a um colecionador particular em 1964 pelo Museu Solomon R. Guggenheim .

Na cultura popular

A peça Seis Graus de Separação, de 1990, refere-se a uma pintura de "Kandinsky dupla face". Não se conhece a existência de tal pintura; na versão cinematográfica da peça de 1993 , a pintura de dupla face é retratada como tendo Kandinsky 1913 pintando Linhas Pretas de um lado e sua pintura de 1926 Vários Círculos do outro lado.

O filme Double Jeopardy de 1999 faz inúmeras referências a Kandinsky, e uma peça dele, Sketch , figura com destaque no enredo. A protagonista, Elizabeth Parsons (Ashley Judd), utiliza a entrada do registro para o trabalho para rastrear seu marido sob seu novo pseudônimo. Duas variações da capa do almanaque de Blue Rider também aparecem no filme.

Em 2014, o Google comemorou o 148º aniversário de Kandinsky apresentando um Google Doodle baseado em suas pinturas abstratas .

No filme Longest ride de 2015, há uma história dentro da história contando sobre Ruth e Ira. Ruth se interessa por arte e eles visitam o Black Mountain College, onde Ruth conta a Ira sobre Kandinski que apareceu e quebrou todas as leis da disciplina.

Uma biografia de livro ilustrado intitulada The Noisy Paint Box: The Colors and Sounds of Kandinsky's Abstract Art foi publicada em 2014. Suas ilustrações por Mary GrandPre lhe renderam uma Caldecott Honor 2015 .

Seu neto foi professor de musicologia e escritor Aleksey Ivanovich Kandinsky (1918-2000), cuja carreira foi centrada e centrada na Rússia.

Exposições

O Museu Solomon R. Guggenheim sediará a exposição Vasily Kandinsky: Around the Circle de 8 de outubro de 2021 a 5 de setembro de 2022, em conjunto com uma série de exposições individuais apresentando o trabalho dos artistas contemporâneos Etel Adnan , Jennie C. Jones e Cecilia Vicuña.

O Museu Solomon R. Guggenheim realizou uma grande retrospectiva do trabalho de Kandinsky de 2009 a 2010, chamada Kandinsky . Em 2017, uma seleção do trabalho de Kandinsky estava em exibição no Guggenheim, " Visionários: Criando um Guggenheim Moderno ".

A Phillips Collection em Washington, DC, realizou uma exposição de 11 de junho a 4 de setembro de 2011, chamada ″ Kandinsky e a Harmonia do Silêncio ″, apresentando ″ Pintura com Borda Branca ″ e seus estudos preparatórios.

Arte saqueada pelos nazistas

Em 2013, a família Lewenstein entrou com uma ação para a restituição da Pintura de Kandinsky com Casas em poder do Museu Stedelijk. Em 2020, um comitê estabelecido pelo ministro da cultura holandês criticou o comportamento do Comitê de Restituição, causando um escândalo onde dois de seus membros, incluindo seu presidente, renunciaram. Mais tarde naquele ano, um tribunal em Amsterdã decidiu que o Museu Stedelijk poderia reter a pintura da coleção judia de Lewenstein, apesar do roubo nazista. No entanto, em agosto de 2021, a Câmara Municipal de Amsterdã decidiu devolver a pintura à família Lewenstein.

Veja também

Referências

Nota: Várias seções deste artigo foram traduzidas de sua versão francesa: Escritos teóricos sobre arte , A Bauhaus e Os períodos artísticos da grande síntese . Para referências completas e detalhadas em francês, consulte a versão original em fr: Vassily Kandinsky .

Notas

Livros de Kandinsky

  • Wassily Kandinsky, MT Sadler (Tradutor), Adrian Glew (Editor). Sobre o Espiritual na Arte . (New York: MFA Publications and London: Tate Publishing, 2001). 192pp. ISBN  0-87846-702-5
  • Wassily Kandinsky, MT Sadler (tradutor). Sobre o Espiritual na Arte . Dover Publ. (Brochura). 80 pp.  ISBN  0-486-23411-8 . ou: Lightning Source Inc Publ. (Brochura). ISBN  1-4191-1377-1
  • Wassily Kandinsky. Klänge . Verlag R. Piper & Co., Munique
  • Wassily Kandinsky. Ponto e linha para plano . Publicações de Dover, Nova York. ISBN  0-486-23808-3
  • Wassily Kandinsky. Kandinsky, Complete Writings on Art . Da Capo Press. ISBN  0-306-80570-7

Referências em Inglês

  • Ulrike Becks-Malorny. Wassily Kandinsky 1866–1944: The Journey to Abstraction (Taschen, 2007). ISBN  978-3-8228-3564-7
  • John E. Bowlt e Rose-Carol Washton Long, eds. A Vida de Vasilii Kandinsky na Arte Russa: Um Estudo de "Sobre o Espiritual na Arte", de Wassily Kandinsky . (Newtonville, MA: Oriental Research Partners, 1984). ISBN  0-89250-131-6
  • Magdalena Dabrowski. Composições de Kandinsky . (Nova York: Museum of Modern Art, 2002). ISBN  0-87070-405-2
  • Esther da Costa Meyer, Fred Wasserman, eds. Schoenberg, Kandinsky e o Blue Rider (Nova York: The Jewish Museum e Londres: Scala Publishers Ltd, 2003). ISBN  1-85759-312-X
  • Hajo Düchting. Wassily Kandinsky 1866–1944: A Revolution in Painting . (Taschen, 2000). ISBN  3-8228-5982-6
  • Hajo Düchting. Wassily Kandinsky . (Prestel, 2008).
  • Sabine Flach. "Through the Looking Glass", em Intellectual Birdhouse (Londres: Koenig Books, 2012). ISBN  978-3-86335-118-2
  • Will Grohmann. Wassily Kandinsky: Vida e Trabalho . (Nova York: Harry N. Abrams, Inc., 1958).
  • Michel Henry . Seeing the Invisible: On Kandinsky (Continuum, 2009). ISBN  1-84706-447-7
  • Thomas M. Messer. Vasily Kandinsky . (Nova York: Harry N Abrams Inc, 1997). (Ilustrado). ISBN  0-8109-1228-7 .
  • Margarita Tupitsyn. Contra Kandinsky (Munique: Museum Villa Stuck, 2006).
  • Annette e Luc Vezin. Kandinsky e o Cavaleiro Azul (Paris: Pierre Terrail, 1992). ISBN  2-87939-043-5
  • Julian Lloyd Webber. "Vendo vermelho, parecendo azul, sentindo-se verde" , The Daily Telegraph 6 de julho de 2006.
  • Peg Weiss. Kandinsky em Munique: The Formative Jugendstil Years (Princeton: Princeton University Press, 1979). ISBN  0-691-03934-8

Referências em francês

links externos

Escrito por Kandinsky
Vídeo externo
ícone de vídeo Kandinsky, Improvisação 28 (segunda versão) , 1912 , Smarthistory
Pinturas de Kandinsky