escultura -Sculpture

A Gália Moribunda , ou A Gália Capitolina, uma cópia romana em mármore de uma obra helenística do final do século III a.C. Museus Capitolinos , Roma
Guardião do portão lamassu assírio de Khorsabad , por volta de 800–721 aC
Moisés de Michelangelo , (c. 1513–1515), San Pietro in Vincoli , Roma , para o túmulo do Papa Júlio II
Netsuke de tigresa com dois filhotes, Japão de meados do século 19, marfim com incrustação de concha

A escultura é o ramo das artes plásticas que opera em três dimensões . A escultura é a obra de arte tridimensional que se apresenta fisicamente nas dimensões de altura, largura e profundidade. É uma das artes plásticas . Processos escultóricos duráveis ​​originalmente usavam escultura (remoção de material) e modelagem (adição de material, como argila), em pedra , metal , cerâmica , madeira e outros materiais, mas, desde o Modernismo , houve quase total liberdade de materiais e processos. . Uma grande variedade de materiais pode ser trabalhada por remoção, como escultura, montagem por soldagem ou modelagem, ou moldada ou fundida .

A escultura em pedra sobrevive muito melhor do que as obras de arte em materiais perecíveis e muitas vezes representa a maioria das obras sobreviventes (além da cerâmica ) de culturas antigas, embora, inversamente, as tradições de escultura em madeira possam ter desaparecido quase inteiramente. No entanto, a maioria das esculturas antigas foi pintada com cores vivas, e isso foi perdido.

A escultura tem sido central na devoção religiosa em muitas culturas e, até séculos recentes, grandes esculturas, muito caras para serem criadas por particulares, eram geralmente uma expressão de religião ou política. As culturas cujas esculturas sobreviveram em grande quantidade incluem as culturas do antigo Mediterrâneo, da Índia e da China, bem como muitas da América Central e do Sul e da África.

A tradição ocidental da escultura começou na Grécia antiga , e a Grécia é amplamente vista como produtora de grandes obras-primas no período clássico . Durante a Idade Média , a escultura gótica representou as agonias e paixões da fé cristã. O renascimento de modelos clássicos no Renascimento produziu esculturas famosas como a estátua de David de Michelangelo . A escultura modernista afastou-se dos processos tradicionais e da ênfase na representação do corpo humano, com a realização de esculturas construídas e a apresentação de objetos encontrados como obras de arte acabadas.

tipos

Uma distinção básica é entre a escultura "circular", escultura independente, como estátuas , não fixada (exceto possivelmente na base) a qualquer outra superfície, e os vários tipos de relevo , que são pelo menos parcialmente fixados a um fundo superfície. O relevo é frequentemente classificado pelo grau de projeção da parede em baixo ou baixo-relevo , alto relevo e, às vezes, um meio-relevo intermediário . O relevo afundado é uma técnica restrita ao antigo Egito . O relevo é o meio escultórico usual para grandes grupos de figuras e temas narrativos, que são difíceis de realizar na rodada, e é a técnica típica usada tanto para a escultura arquitetônica , que é anexada a edifícios, quanto para a escultura em pequena escala decorando outros objetos, como em muita cerâmica , metalurgia e joalheria . A escultura em relevo também pode decorar estelas , lajes verticais, geralmente de pedra, muitas vezes também contendo inscrições.

Outra distinção básica é entre técnicas de escultura subtrativa, que removem material de um bloco ou massa existente, por exemplo, de pedra ou madeira, e técnicas de modelagem que moldam ou constroem a obra a partir do material. Técnicas como fundição , estampagem e moldagem utilizam uma matriz intermediária contendo o desenho para produzir a obra; muitos destes permitem a produção de várias cópias.

Relevos rochosos budistas ao ar livre nas Grutas de Longmen , China

O termo "escultura" é frequentemente usado principalmente para descrever grandes obras, que às vezes são chamadas de escultura monumental , significando uma ou ambas as esculturas grandes ou anexadas a um edifício. Mas o termo cobre adequadamente muitos tipos de pequenos trabalhos em três dimensões usando as mesmas técnicas, incluindo moedas e medalhas , esculturas em pedra dura , um termo para pequenas esculturas em pedra que podem exigir trabalho detalhado.

A estátua muito grande ou "colossal" teve um apelo duradouro desde a antiguidade ; a maior já registrada com 182 m (597 pés) é a Estátua da Unidade da Índia de 2018 . Outra grande forma de escultura de retrato é a estátua equestre de um cavaleiro a cavalo, que se tornou rara nas últimas décadas. As menores formas de escultura de retrato em tamanho natural são a "cabeça", mostrando exatamente isso, ou o busto , uma representação de uma pessoa do peito para cima. Pequenas formas de escultura incluem a estatueta , normalmente uma estátua que não tem mais de 18 polegadas (46 cm) de altura, e para relevos a plaqueta , medalha ou moeda.

A arte moderna e contemporânea adicionou uma série de formas não tradicionais de escultura, incluindo escultura de som , escultura de luz , arte ambiental , escultura ambiental , escultura de arte de rua , escultura cinética (envolvendo aspectos de movimento físico ), land art e site-specific. arte . A escultura é uma importante forma de arte pública . Uma coleção de esculturas em um ambiente de jardim pode ser chamada de jardim de esculturas . Há também uma visão de que os edifícios são um tipo de escultura, com Constantin Brâncuși descrevendo a arquitetura como "escultura habitada".

Finalidades e assuntos

Moai da Ilha de Páscoa , onde a concentração de recursos em grandes esculturas pode ter tido sérios efeitos políticos.

Um dos propósitos mais comuns da escultura é alguma forma de associação com a religião. As imagens de culto são comuns em muitas culturas, embora muitas vezes não sejam as estátuas colossais de divindades que caracterizavam a arte grega antiga , como a Estátua de Zeus em Olímpia . As imagens de culto reais nos santuários mais internos dos templos egípcios , das quais nenhuma sobreviveu, eram evidentemente bastante pequenas, mesmo nos maiores templos. O mesmo costuma acontecer no hinduísmo , onde a forma muito simples e antiga do lingam é a mais comum. O budismo trouxe a escultura de figuras religiosas para o leste da Ásia, onde parece não ter havido nenhuma tradição equivalente anterior, embora novamente formas simples como o bi e o cong provavelmente tivessem significado religioso.

Pequenas esculturas como bens pessoais remontam à arte pré-histórica mais antiga, e o uso de esculturas muito grandes como arte pública , especialmente para impressionar o espectador com o poder de um governante, remonta pelo menos à Grande Esfinge de cerca de 4.500 anos atrás. Na arqueologia e na história da arte, o aparecimento e, às vezes, o desaparecimento de esculturas grandes ou monumentais em uma cultura é considerado de grande importância, embora rastrear o surgimento seja muitas vezes complicado pela suposta existência de esculturas em madeira e outros materiais perecíveis dos quais não há registro. restos;

O totem é um exemplo de uma tradição de escultura monumental em madeira que não deixaria vestígios para a arqueologia. A capacidade de mobilizar recursos para a realização de esculturas monumentais, transportando materiais normalmente muito pesados ​​e conseguindo o pagamento dos que se costuma considerar escultores a tempo inteiro, é considerada marca de uma cultura relativamente avançada em termos de organização social. Recentes descobertas inesperadas de antigas figuras chinesas da Idade do Bronze em Sanxingdui , algumas com mais do que o dobro do tamanho humano, perturbaram muitas ideias mantidas sobre a civilização chinesa antiga, uma vez que apenas bronzes muito menores eram conhecidos anteriormente.

Algumas culturas indubitavelmente avançadas, como a civilização do Vale do Indo , parecem não ter nenhuma escultura monumental, embora produzissem estatuetas e sinetes muito sofisticados. A cultura mississipiana parece estar avançando em seu uso, com pequenas figuras de pedra, quando desmoronou. Outras culturas, como o antigo Egito e a cultura da Ilha de Páscoa , parecem ter dedicado enormes recursos à escultura monumental de grande escala desde um estágio muito inicial.

Medalha de João VIII Paleólogo , c. 1435, por Pisanello , a primeira medalha de retrato, um meio essencialmente feito para colecionar.

A coleção de esculturas, incluindo a de períodos anteriores, remonta a cerca de 2.000 anos na Grécia, China e Mesoamérica, e muitas coleções estavam disponíveis em exibição semipública muito antes de o museu moderno ser inventado . A partir do século XX, a gama relativamente restrita de assuntos encontrados em grandes esculturas expandiu-se muito, com temas abstratos e o uso ou representação de qualquer tipo de assunto agora comum. Hoje, muitas esculturas são feitas para exibição intermitente em galerias e museus, e a capacidade de transportar e armazenar obras cada vez maiores é um fator em sua construção. Pequenas estatuetas decorativas , na maioria das vezes em cerâmica, são tão populares hoje (embora estranhamente negligenciadas pela arte moderna e contemporânea ) quanto eram no rococó , ou na Grécia antiga, quando as estatuetas de Tanagra eram uma grande indústria, ou no leste asiático e pré-colombiano. arte . Pequenos acessórios esculpidos para móveis e outros objetos remontam à antiguidade, como nos marfins de Nimrud , marfins de Begram e achados da tumba de Tutancâmon .

A escultura de retratos começou no Egito, onde a Narmer Palette mostra um governante do século 32 aC, e na Mesopotâmia , onde temos 27 estátuas sobreviventes de Gudea , que governou Lagash c. 2144-2124 aC. Na Grécia e Roma antigas, a construção de uma estátua de retrato em um local público era quase a maior marca de honra e a ambição da elite, que também poderia ser retratada em uma moeda. Em outras culturas, como o Egito e o Oriente Próximo, as estátuas públicas eram quase exclusivamente reservada ao governante, com outras pessoas ricas sendo retratadas apenas em seus túmulos. Os governantes são tipicamente as únicas pessoas que receberam retratos nas culturas pré-colombianas, começando com as cabeças colossais olmecas de cerca de 3.000 anos atrás. A escultura de retratos do leste asiático era inteiramente religiosa, com os principais clérigos sendo comemorados com estátuas, especialmente os fundadores de mosteiros, mas não governantes ou ancestrais. A tradição mediterrânea reviveu, inicialmente apenas para efígies e moedas de túmulos, na Idade Média, mas se expandiu muito no Renascimento, que inventou novas formas, como a medalha de retrato pessoal .

Os animais são, com a figura humana, os primeiros objetos de escultura, e sempre foram populares, às vezes realistas, mas frequentemente monstros imaginários; na China, animais e monstros são quase os únicos temas tradicionais para esculturas em pedra fora de túmulos e templos. O reino das plantas é importante apenas em joias e relevos decorativos, mas estes formam quase toda a grande escultura da arte bizantina e da arte islâmica , e são muito importantes na maioria das tradições eurasianas, onde motivos como a palmeta e o rolo de videira passaram para o leste e oeste por mais de dois milênios.

Uma forma de escultura encontrada em muitas culturas pré-históricas em todo o mundo são versões especialmente ampliadas de ferramentas comuns, armas ou vasos criados em materiais preciosos pouco práticos, para alguma forma de uso ou exibição cerimonial ou como oferendas. Jade ou outros tipos de greenstone foram usados ​​na China, no México olmeca e na Europa neolítica , e no início da Mesopotâmia grandes formas de cerâmica foram produzidas em pedra. O bronze foi usado na Europa e na China para grandes machados e lâminas, como o Oxborough Dirk .

Materiais e técnicas

Adorador masculino sumério , alabastro com olhos de concha, 2750-2600 aC

Os materiais utilizados na escultura são diversos, mudando ao longo da história. Os materiais clássicos, com grande durabilidade, são o metal, especialmente o bronze , a pedra e a cerâmica, sendo a madeira, o osso e o chifre menos duráveis, mas opções mais baratas. Materiais preciosos como ouro , prata , jade e marfim são frequentemente usados ​​para pequenas obras de luxo e, às vezes, em obras maiores, como nas estátuas criselefantinas . Materiais mais comuns e menos caros foram usados ​​para escultura para consumo mais amplo, incluindo madeiras duras (como carvalho , caixa/buxo e cal/tília ); terracota e outras cerâmicas , cera (um material muito comum para modelos de fundição, e recebendo as impressões de selos cilíndricos e gemas gravadas), e metais fundidos como estanho e zinco (spelter). Mas um grande número de outros materiais tem sido usado como parte de esculturas, tanto em obras etnográficas e antigas quanto nas modernas.

Esculturas são frequentemente pintadas , mas comumente perdem a pintura com o tempo, ou restauradores. Muitas técnicas diferentes de pintura foram usadas na fabricação de esculturas, incluindo têmpera , pintura a óleo , douramento , pintura de casa, aerossol, esmalte e jateamento.

Muitos escultores buscam novas formas e materiais para fazer arte. Uma das esculturas mais famosas de Pablo Picasso incluía peças de bicicletas . Alexander Calder e outros modernistas fizeram uso espetacular do aço pintado . Desde a década de 1960, acrílicos e outros plásticos também são usados. Andy Goldsworthy faz suas esculturas invulgarmente efêmeras a partir de materiais quase inteiramente naturais em ambientes naturais. Algumas esculturas, como esculturas de gelo , esculturas de areia e esculturas de gás , são deliberadamente de curta duração. Escultores recentes usaram vitrais , ferramentas, peças de máquinas, hardware e embalagens de consumo para modelar suas obras. Os escultores às vezes usam objetos encontrados , e as rochas eruditas chinesas são apreciadas há muitos séculos.

Pedra

Reconstrução moderna da aparência pintada original de uma figura de mármore grego arcaico tardio do Templo de Aphaea , com base na análise de traços de pigmento, c. 500 aC

A escultura em pedra é uma atividade milenar onde peças de pedra natural bruta são moldadas pela remoção controlada de pedra . Devido à permanência do material, pode-se encontrar evidências de que mesmo as sociedades mais antigas praticavam alguma forma de trabalho em pedra, embora nem todas as áreas do mundo tenham tanta abundância de pedras boas para esculpir quanto o Egito, a Grécia, a Índia e a maior parte da Europa. . Os petróglifos (também chamados de gravuras rupestres) são talvez a forma mais antiga: imagens criadas pela remoção de parte de uma superfície rochosa que permanece in situ , por incisão, bicagem, entalhe e abrasão. A escultura monumental abrange obras de grande porte, e a escultura arquitetônica , que é anexada a edifícios. Escultura em pedra dura é a escultura para fins artísticos de pedras semipreciosas, como jade , ágata , ônix , cristal de rocha , sardão ou cornalina , e um termo geral para um objeto feito dessa maneira. Alabastro ou gesso mineral é um mineral macio que é fácil de esculpir para trabalhos menores e ainda relativamente durável. Gemas gravadas são pequenas gemas esculpidas, incluindo camafeus , originalmente usadas como anéis de vedação .

A cópia de uma estátua original em pedra, que era muito importante para as antigas estátuas gregas, que são quase todas conhecidas por cópias, era tradicionalmente conseguida por " apontar ", juntamente com métodos mais à mão livre. Apontar envolvia estabelecer uma grade de quadrados de barbante em uma moldura de madeira em torno do original e, em seguida, medir a posição na grade e a distância entre a grade e a estátua de uma série de pontos individuais e, em seguida, usar essa informação para esculpir no bloco de qual a cópia é feita.

Metal

Ludwig Gies , placa de ferro fundido , 8 x 9,8 cm, Refugiados , 1915

Bronze e ligas de cobre relacionadas são os metais mais antigos e ainda os mais populares para esculturas de metal fundido ; uma escultura de bronze fundido é freqüentemente chamada simplesmente de "bronze". As ligas comuns de bronze têm a propriedade incomum e desejável de se expandirem ligeiramente antes de endurecerem, preenchendo assim os detalhes mais finos de um molde. Sua resistência e falta de fragilidade (dutilidade) é uma vantagem quando figuras em ação devem ser criadas, especialmente quando comparadas a vários materiais cerâmicos ou de pedra (veja a escultura em mármore para vários exemplos). O ouro é o metal mais macio e precioso e muito importante na joalheria ; com prata é macio o suficiente para ser trabalhado com martelos e outras ferramentas, bem como fundido; repuxado e cinzelado estão entre as técnicas utilizadas na ourivesaria e na ourivesaria .

A fundição é um grupo de processos de fabricação pelos quais um material líquido (bronze, cobre, vidro, alumínio, ferro) é (geralmente) vazado em um molde, que contém uma cavidade oca com a forma desejada, e então solidificado. A fundição sólida é então ejetada ou quebrada para completar o processo, embora um estágio final de "trabalho a frio" possa seguir na fundição acabada. A fundição pode ser usada para formar metais líquidos quentes ou vários materiais que endurecem a frio após a mistura de componentes (como epóxis , concreto , gesso e argila ). A fundição é mais frequentemente usada para fazer formas complexas que, de outra forma, seriam difíceis ou antieconômicas de fazer por outros métodos. O mais antigo elenco sobrevivente é um sapo mesopotâmico de cobre de 3200 aC. Técnicas específicas incluem fundição por cera perdida , fundição em molde de gesso e fundição em areia .

A soldagem é um processo em que diferentes peças de metal são fundidas para criar diferentes formas e designs. Existem muitas formas diferentes de soldagem, como soldagem oxi-combustível , soldagem Stick , soldagem MIG e soldagem TIG . O oxi-combustível é provavelmente o método mais comum de soldagem quando se trata de criar esculturas de aço porque é o mais fácil de usar para moldar o aço, além de fazer uniões limpas e menos perceptíveis do aço. A chave para a soldagem com oxi-combustível é aquecer cada peça de metal a ser unida uniformemente até que todas fiquem vermelhas e com brilho. Uma vez que esse brilho esteja em cada peça, esse brilho logo se tornará uma 'poça' onde o metal é liquefeito e o soldador deve juntar as poças, fundindo o metal. Uma vez esfriado, o local onde as poças se juntaram agora é uma peça contínua de metal. Também é muito usado na criação de esculturas com oxi-combustível. Forjar é o processo de aquecer o metal a um certo ponto para amolecê-lo o suficiente para ser moldado em diferentes formas. Um exemplo muito comum é aquecer a ponta de uma haste de aço e bater na ponta vermelha aquecida com um martelo enquanto estiver em uma bigorna para formar uma ponta. Entre os golpes do martelo, o forjador gira a haste e gradualmente forma uma ponta afiada a partir da extremidade romba de uma haste de aço.

Vidro

O vidro pode ser usado para escultura através de uma ampla gama de técnicas de trabalho, embora seu uso para grandes obras seja um desenvolvimento recente. Pode ser esculpido, embora com considerável dificuldade; a Taça Romana de Licurgo é praticamente única. Existem várias maneiras de moldar o vidro : a fundição a quente pode ser feita colocando o vidro fundido em moldes que foram criados pressionando formas em areia, grafite esculpido ou moldes detalhados de gesso/sílica. O vidro de fundição em forno envolve o aquecimento de pedaços de vidro em um forno até que fiquem líquidos e fluam para um molde de espera abaixo dele no forno. O vidro quente também pode ser soprado e/ou esculpido a quente com ferramentas manuais, seja como uma massa sólida ou como parte de um objeto soprado. Técnicas mais recentes envolvem cinzelamento e colagem de placas de vidro com silicatos poliméricos e luz ultravioleta.

Um Bodhisattva esculpido em madeira da dinastia Song da China 960-1279, Museu de Xangai

Cerâmica

A cerâmica é um dos materiais mais antigos para escultura, assim como a argila é o meio no qual muitas esculturas fundidas em metal são originalmente modeladas para fundição. Os escultores geralmente constroem pequenos trabalhos preliminares chamados maquetes de materiais efêmeros, como gesso de Paris , cera, argila não cozida ou plasticina . Muitas culturas produziram cerâmica que combina a função de um vaso com uma forma escultural, e pequenas estatuetas têm sido tão populares quanto na cultura ocidental moderna. Carimbos e moldes foram usados ​​pela maioria das civilizações antigas, desde a Roma antiga e a Mesopotâmia até a China.

escultura em madeira

Detalhe da Crucificação de Jesus Cristo, espanhol, madeira e policromia, 1793.

A escultura em madeira tem sido amplamente praticada, mas sobrevive muito menos do que os outros materiais principais, sendo vulnerável à decomposição, danos causados ​​por insetos e fogo. Portanto, forma um importante elemento oculto na história da arte de muitas culturas. A escultura de madeira ao ar livre não dura muito na maior parte do mundo, de modo que temos pouca ideia de como a tradição do totem se desenvolveu. Muitas das esculturas mais importantes da China e do Japão em particular são em madeira, e a grande maioria das esculturas africanas e da Oceania e outras regiões.

A madeira é leve, portanto adequada para máscaras e outras esculturas destinadas a serem transportadas, e pode receber detalhes muito finos. Também é muito mais fácil de trabalhar do que a pedra. Tem sido frequentemente pintado após o entalhe, mas a tinta desgasta menos do que a madeira e muitas vezes falta nas peças sobreviventes. A madeira pintada é frequentemente descrita tecnicamente como "madeira policromada ". Normalmente, uma camada de gesso ou gesso é aplicada à madeira e, em seguida, a tinta é aplicada a ela.

Status social dos escultores

Nuremberg escultor Adam Kraft , auto-retrato da Igreja de St Lorenz , 1490

Em todo o mundo, os escultores geralmente são comerciantes cujas obras não são assinadas; em algumas tradições, por exemplo na China, onde a escultura não compartilhava o prestígio da pintura literária , isso afetou o status da própria escultura. Mesmo na Grécia antiga , onde escultores como Fídias se tornaram famosos, eles parecem ter mantido o mesmo status social de outros artesãos, e talvez não muito mais recompensas financeiras, embora alguns assinassem suas obras. Na Idade Média , artistas como Gislebertus , do século XII , às vezes assinavam suas obras e eram procurados por diferentes cidades, especialmente a partir do Trecento na Itália, com figuras como Arnolfo di Cambio e Nicola Pisano e seu filho Giovanni . Ourives e joalheiros, lidando com materiais preciosos e muitas vezes atuando como banqueiros, pertenciam a guildas poderosas e tinham status considerável, muitas vezes ocupando cargos cívicos. Muitos escultores também praticavam outras artes; Andrea del Verrocchio também pintou, e Giovanni Pisano , Michelangelo e Jacopo Sansovino foram arquitetos . Alguns escultores mantinham grandes oficinas. Mesmo no Renascimento, a natureza física da obra foi percebida por Leonardo da Vinci e outros como destruindo o status da escultura nas artes, embora a reputação de Michelangelo talvez tenha colocado essa ideia de longa data para descansar.

A partir da Alta Renascença, artistas como Michelangelo, Leone Leoni e Giambologna puderam se tornar ricos, enobrecidos e entrar no círculo dos príncipes, após um período de intensa discussão sobre o status relativo da escultura e da pintura. Muitas esculturas decorativas em edifícios continuaram sendo um comércio, mas os escultores que produziam peças individuais eram reconhecidos no mesmo nível dos pintores. A partir do século XVIII ou antes, a escultura também atraiu estudantes de classe média, embora fosse mais lenta do que a pintura. As escultoras levaram mais tempo para aparecer do que as pintoras e foram menos proeminentes até o século XX.

Movimentos anti-escultura

O aniconismo teve origem no judaísmo , que não aceitava a escultura figurativa até o século XIX, antes de se expandir para o cristianismo , que inicialmente aceitava grandes esculturas. No cristianismo e no budismo, a escultura tornou-se muito significativa. A ortodoxia cristã nunca aceitou a escultura monumental, e o Islã rejeitou consistentemente quase todas as esculturas figurativas, exceto figuras muito pequenas em relevos e algumas figuras de animais que cumprem uma função útil, como os famosos leões sustentando uma fonte no Alhambra . Muitas formas de protestantismo também não aprovam a escultura religiosa. Tem havido muita iconoclastia de escultura por motivos religiosos, desde os primeiros cristãos e o Beeldenstorm da Reforma Protestante até a destruição de 2001 dos Budas de Bamyan pelo Talibã .

História

períodos pré-históricos

Europa

Vênus de Hohle Fels (também conhecida como a Vênus de Schelklingen ; é uma estatueta de Vênus do Paleolítico Superior esculpida em marfim de uma presa de mamute encontrada em 2008 perto de Schelklingen , Alemanha . É datada entre 35.000 e 40.000 anos atrás, pertencente ao início do período Aurignaciano , no início do Paleolítico Superior , que está associado à suposta presença mais antiga do Homo sapiens na Europa ( Cro-Magnon ). Junto com o Löwenmensch , é o exemplo indiscutível mais antigo da arte do Paleolítico Superior e da arte figurativa pré-histórica em geral .

Os primeiros exemplos indiscutíveis de escultura pertencem à cultura aurignaciana , localizada na Europa e no sudoeste da Ásia e ativa no início do Paleolítico Superior . Além de produzir algumas das primeiras artes rupestres conhecidas , as pessoas dessa cultura desenvolveram ferramentas de pedra finamente trabalhadas, fabricando pingentes, pulseiras, contas de marfim e flautas de osso, bem como estatuetas tridimensionais.

O Löwenmensch de 30 cm de altura encontrado na área de Hohlenstein Stadel, na Alemanha, é uma figura antropomórfica de leão-humano esculpida em marfim de mamute lanoso . Foi datado de cerca de 35-40.000  BP, tornando-se, juntamente com a Vênus de Hohle Fels , os mais antigos exemplos incontestados de escultura.

Muito da arte pré-histórica sobrevivente são pequenas esculturas portáteis, com um pequeno grupo de estatuetas femininas de Vênus , como a Vênus de Willendorf (24–26.000  BP) encontradas na Europa central. A Rena Nadadora , de cerca de 13.000 anos atrás, é uma das mais belas de uma série de esculturas magdalenianas em osso ou chifre de animais na arte do Paleolítico Superior , embora sejam superadas em número por peças gravadas, que às vezes são classificadas como escultura. Duas das maiores esculturas pré-históricas podem ser encontradas nas cavernas de Tuc d'Audobert, na França, onde cerca de 12 a 17.000 anos atrás, um escultor magistral usou uma ferramenta de pedra semelhante a uma espátula e dedos para modelar um par de grandes bisões em argila contra um calcário pedra.

Com o início do Mesolítico na Europa, a escultura figurativa reduziu-se muito, e permaneceu um elemento menos comum na arte do que a decoração em relevo de objetos práticos até o período romano, apesar de algumas obras como o caldeirão de Gundestrup da Idade do Ferro européia e a Idade do Bronze Trundholm carruagem solar .

Antigo Oriente Próximo

Do antigo Oriente Próximo , a pedra Urfa Man em tamanho real da Turquia moderna vem de cerca de 9.000 aC, e as estátuas de 'Ain Ghazal de cerca de 7200 e 6500 aC. Estes são da Jordânia moderna , feitos de reboco de cal e junco, e cerca de metade do tamanho natural; são 15 estátuas, algumas com duas cabeças lado a lado, e 15 bustos. Pequenas figuras de argila de pessoas e animais são encontradas em muitos locais do Oriente Próximo desde o Neolítico Pré-Cerâmica e representam o início de uma tradição mais ou menos contínua na região.

Antigo Oriente Próximo

Selo cilíndrico com sua impressão em argila; serpopardos e águias, Período Uruk, 4100–3000 aC

O período protoliterado na Mesopotâmia , dominado por Uruk , viu a produção de obras sofisticadas como o Vaso Warka e os selos cilíndricos . A leoa Guennol é uma pequena figura notável de calcário de Elam de cerca de 3.000 a 2.800 aC, parte humana e parte leoa. Um pouco mais tarde, há uma série de figuras de sacerdotes e adoradores de olhos grandes, principalmente em alabastro e com até trinta centímetros de altura, que frequentavam o culto das imagens da divindade no templo, mas muito poucos deles sobreviveram. Esculturas do período sumério e acadiano geralmente tinham olhos grandes e arregalados e longas barbas nos homens. Muitas obras-primas também foram encontradas no Cemitério Real de Ur (c. 2650 aC), incluindo as duas figuras de um carneiro em um bosque , o touro de cobre e a cabeça de um touro em uma das liras de Ur .

Dos muitos períodos subseqüentes antes da ascendência do Império Neo-Assírio no século 10 aC, a arte mesopotâmica sobrevive em várias formas: selos cilíndricos , figuras relativamente pequenas na rodada e relevos de vários tamanhos, incluindo placas baratas de moldado cerâmica para o lar, algumas religiosas e outras aparentemente não. O Burney Relief é uma placa de terracota extraordinariamente elaborada e relativamente grande (20 x 15 polegadas, 50 x 37 cm) de uma deusa alada nua com os pés de uma ave de rapina e corujas e leões acompanhantes. Ele vem do século 18 ou 19 aC e também pode ser moldado. Estelas de pedra , oferendas votivas , ou provavelmente comemorando vitórias e exibindo festas, também são encontradas em templos, que, ao contrário dos mais oficiais, carecem de inscrições que os expliquem; a Estela fragmentada dos Abutres é um exemplo antigo do tipo inscrito, e o Obelisco Negro Assírio de Shalmaneser III é um grande e sólido último.

A conquista de toda a Mesopotâmia e muito do território circundante pelos assírios criou um estado maior e mais rico do que a região havia conhecido antes, e arte muito grandiosa em palácios e locais públicos, sem dúvida em parte destinados a igualar o esplendor da arte do império egípcio vizinho. Ao contrário dos estados anteriores, os assírios podiam usar pedras facilmente esculpidas do norte do Iraque, e o faziam em grande quantidade. Os assírios desenvolveram um estilo de esquemas extremamente grandes de baixos-relevos narrativos minuciosamente detalhados em pedra para palácios, com cenas de guerra ou caça; o Museu Britânico tem uma coleção notável, incluindo a Caçada ao Leão de Ashurbanipal e os relevos de Laquis mostrando uma campanha. Eles produziram pouquíssimas esculturas redondas, exceto por colossais figuras guardiãs do lamassu com cabeça humana , que são esculpidas em alto-relevo em dois lados de um bloco retangular, com as cabeças efetivamente redondas (e também cinco pernas, de modo que ambas as visões parecem completas). Mesmo antes de dominar a região, eles continuaram a tradição dos selos cilíndricos com designs que geralmente são excepcionalmente enérgicos e refinados.

Antigo Egito

A escultura monumental do antigo Egito é mundialmente famosa, mas pequenas obras refinadas e delicadas existem em número muito maior. Os egípcios usavam a técnica distinta de relevo afundado , que se adapta bem à luz solar muito intensa. As figuras principais em relevo aderem à mesma convenção de figuras da pintura, com as pernas separadas (quando não estão sentadas) e a cabeça mostrada de lado, mas o tronco visto de frente e um conjunto padrão de proporções que compõem a figura, usando 18 "punhos" para ir do chão até a linha do cabelo na testa. Isso aparece já na Paleta de Narmer da Dinastia I. No entanto, lá como em outros lugares, a convenção não é usada para figuras menores mostradas envolvidas em alguma atividade, como cativos e cadáveres. Outras convenções tornam as estátuas dos homens mais escuras do que as das mulheres. Estátuas de retrato muito convencionais aparecem desde a Dinastia II, antes de 2.780 aC, e com exceção da arte do período Amarna de Ahkenaton e alguns outros períodos, como a Dinastia XII, as características idealizadas dos governantes, como outras convenções artísticas egípcias , mudou pouco até depois da conquista grega.

Os faraós egípcios sempre foram considerados divindades, mas outras divindades são muito menos comuns em grandes estátuas, exceto quando representam o faraó como outra divindade; no entanto, as outras divindades são freqüentemente mostradas em pinturas e relevos. A famosa fileira de quatro estátuas colossais do lado de fora do templo principal de Abu Simbel mostra Ramsés II , um esquema típico, embora aqui excepcionalmente grande. Pequenas figuras de divindades, ou suas personificações animais, são muito comuns e encontradas em materiais populares como a cerâmica. A maioria das esculturas maiores sobrevive de templos ou túmulos egípcios ; pela Dinastia IV (2680–2565 aC), o mais tardar, a ideia da estátua de Ka foi firmemente estabelecida. Estes foram colocados em túmulos como um local de descanso para a porção ka da alma , e assim temos um bom número de estátuas menos convencionalizadas de administradores abastados e suas esposas, muitas em madeira, pois o Egito é um dos poucos lugares no mundo. mundo onde o clima permite que a madeira sobreviva por milênios. As chamadas cabeças de reserva , cabeças lisas sem pelos, são especialmente naturalistas. Os primeiros túmulos também continham pequenos modelos de escravos, animais, edifícios e objetos, como barcos necessários para o falecido continuar seu estilo de vida no outro mundo, e figuras posteriores de Ushabti .

Europa

Grécia antiga

Cocheiro de Delfos , antiga escultura grega de bronze , século V a.C., detalhe da cabeça

O primeiro estilo distinto de escultura grega antiga desenvolvido no início do período das Cíclades da Idade do Bronze (3º milênio aC), onde figuras de mármore, geralmente femininas e pequenas, são representadas em um estilo geométrico elegantemente simplificado. A mais típica é uma pose em pé com os braços cruzados na frente, mas outras figuras são mostradas em poses diferentes, incluindo uma figura complicada de um harpista sentado em uma cadeira.

As culturas minóica e micênica subsequentes desenvolveram ainda mais a escultura, sob influência da Síria e de outros lugares, mas é no período arcaico posterior , por volta de 650 aC, que o kouros se desenvolveu. Estas são grandes estátuas de jovens nus, encontradas em templos e túmulos, com o core como o equivalente feminino vestido, com cabelos elaborados; ambos têm o " sorriso arcaico ". Eles parecem ter servido a uma série de funções, talvez às vezes representando divindades e às vezes a pessoa enterrada em um túmulo, como no Kroisos Kouros . Eles são claramente influenciados pelos estilos egípcio e sírio, mas os artistas gregos estavam muito mais dispostos a experimentar dentro do estilo.

Durante o século VI, a escultura grega desenvolveu-se rapidamente, tornando-se mais naturalista e com poses de figuras muito mais ativas e variadas em cenas narrativas, embora ainda dentro de convenções idealizadas. Frontões esculpidos foram adicionados aos templos , incluindo o Partenon em Atenas, onde os restos do frontão de cerca de 520 usando figuras redondas foram felizmente usados ​​como preenchimento para novos edifícios após o saque persa em 480 aC e recuperados a partir da década de 1880 em estado fresco e não intemperizado. Outros vestígios significativos da escultura arquitetônica vêm de Paestum na Itália, Corfu , Delfos e o Templo de Aphaea em Aegina (muito agora em Munique ). A maioria das esculturas gregas incluía originalmente pelo menos alguma cor; o Ny Carlsberg Glyptotek Museum em Copenhague, Dinamarca, fez uma extensa pesquisa e recriação das cores originais.

Clássico
Alto Alto relevo clássico dos Mármores de Elgin , que originalmente decoravam o Partenon , c. 447–433 aC

Existem menos vestígios originais da primeira fase do período clássico, muitas vezes chamado de estilo severo ; estátuas independentes agora eram feitas principalmente em bronze, que sempre teve valor como sucata. O estilo Severo durou de cerca de 500 em relevos, e logo depois de 480 em estátuas, para cerca de 450. As poses relativamente rígidas das figuras relaxaram e posições de giro assimétricas e vistas oblíquas tornaram-se comuns e deliberadamente procuradas. Isso foi combinado com uma melhor compreensão da anatomia e da estrutura harmoniosa das figuras esculpidas, e a busca da representação naturalista como objetivo, que não existia antes. As escavações no Templo de Zeus, Olympia desde 1829 revelaram o maior grupo de restos, de cerca de 460, dos quais muitos estão no Louvre .

O período do "Alto Clássico" durou apenas algumas décadas, de cerca de 450 a 400, mas teve uma influência importante na arte e mantém um prestígio especial, apesar de um número muito restrito de sobrevivências originais. As obras mais conhecidas são os Mármores do Partenon , tradicionalmente (desde Plutarco ) executados por uma equipe liderada pelo mais famoso escultor grego antigo, Fídias , ativo entre 465 e 425, que era mais famoso em sua época por sua colossal estátua criselefantina de Zeus. em Olímpia (c. 432), uma das Sete Maravilhas do Mundo Antigo , sua Athena Parthenos (438), a imagem de culto do Partenon , e Athena Promachos , uma colossal figura de bronze que ficava ao lado do Partenon; todos estes estão perdidos, mas são conhecidos por muitas representações. Ele também é creditado como o criador de algumas estátuas de bronze em tamanho real, conhecidas apenas por cópias posteriores cuja identificação é controversa, incluindo o Ludovisi Hermes .

O estilo do Alto Clássico continuou a desenvolver realismo e sofisticação na figura humana e aprimorou a representação da cortina (roupas), usando-a para aumentar o impacto das poses ativas. As expressões faciais geralmente eram muito contidas, mesmo em cenas de combate. A composição de grupos de figuras em relevo e em frontão combinava complexidade e harmonia de uma forma que teve uma influência permanente na arte ocidental. O relevo pode ser realmente muito alto, como na ilustração do Partenon abaixo, onde a maior parte da perna do guerreiro está completamente destacada do fundo, assim como as partes que faltam; o relevo dessa altura tornava as esculturas mais sujeitas a danos. O estilo clássico tardio desenvolveu a estátua nua feminina independente, supostamente uma inovação de Praxiteles , e desenvolveu poses cada vez mais complexas e sutis que eram interessantes quando vistas de vários ângulos, bem como rostos mais expressivos; ambas as tendências seriam levadas muito mais longe no período helenístico.

helenístico
O estilo de Pérgamo do período helenístico, do Altar de Pérgamo , início do século II

O período helenístico é convencionalmente datado da morte de Alexandre, o Grande , em 323 aC, e terminando com a conquista final do coração grego por Roma em 146 aC ou com a derrota final do último estado sucessor restante do império de Alexandre após o Batalha de Actium em 31 aC, que também marca o fim da Roma republicana . É, portanto, muito mais longo do que os períodos anteriores e inclui pelo menos duas fases principais: um estilo "Pergamene" de experimentação, exuberância e algum sentimentalismo e vulgaridade e, no século II aC, um retorno clássico a uma simplicidade e elegância mais austera; além de tais generalizações, a datação é tipicamente muito incerta, especialmente quando apenas cópias posteriores são conhecidas, como geralmente é o caso. O estilo inicial de Pérgamo não foi especialmente associado a Pérgamo , de onde leva seu nome, mas os reis muito ricos daquele estado estavam entre os primeiros a coletar e também copiar a escultura clássica, e também encomendaram muitos novos trabalhos, incluindo o famoso Altar de Pérgamo . cuja escultura está agora em sua maioria em Berlim e que exemplifica o novo estilo, assim como o Mausoléu de Halicarnasso (outra das Sete Maravilhas), o famoso Laocoonte e seus Filhos nos Museus do Vaticano , um exemplo tardio, e o original em bronze de The Dying Gália (ilustrada no alto), que sabemos fazer parte de um grupo realmente encomendado para Pérgamo por volta de 228 aC, do qual a Gália Ludovisi também era uma cópia. O grupo chamado Touro Farnese , possivelmente um original de mármore do século II, é ainda maior e mais complexo,

Pequenas estatuetas gregas de terracota eram muito populares como ornamentos em casa

A escultura helenística ampliou muito o leque de temas representados, em parte como resultado de uma maior prosperidade geral e do surgimento de uma classe muito rica que tinha grandes casas decoradas com esculturas, embora saibamos que alguns exemplos de temas que parecem mais adequados para o lar , como crianças com animais, foram de fato colocados em templos ou outros locais públicos. Para um mercado de decoração de casa muito mais popular, havia as estatuetas Tanagra , e as de outros centros onde pequenas figuras de cerâmica eram produzidas em escala industrial, algumas religiosas, mas outras exibindo animais e senhoras elegantemente vestidas. Os escultores tornaram-se mais habilidosos tecnicamente na representação de expressões faciais que transmitem uma ampla variedade de emoções e retratos de indivíduos, além de representar diferentes idades e raças. Os relevos do Mausoléu são bastante atípicos a esse respeito; a maior parte do trabalho era independente, e as composições de grupo com várias figuras para serem vistas na rodada, como o grupo Laocoonte e o Pergamon celebrando a vitória sobre os gauleses tornaram-se populares, tendo sido raras antes. O Fauno Barberini , mostrando um sátiro esparramado adormecido, presumivelmente após a bebida, é um exemplo do relaxamento moral do período e da prontidão para criar esculturas grandes e caras de assuntos que ficam aquém do heróico.

Após as conquistas de Alexandre, a cultura helenística foi dominante nas cortes da maior parte do Oriente Próximo e em parte da Ásia Central , sendo cada vez mais adotada pelas elites européias, especialmente na Itália, onde as colônias gregas inicialmente controlavam a maior parte do sul. A arte e os artistas helenísticos se espalharam amplamente e foram especialmente influentes na expansão da República Romana e quando encontrou o budismo nas extensões mais orientais da área helenística. O maciço chamado Alexander Sarcófago encontrado em Sidon, no Líbano moderno, provavelmente foi feito lá no início do período por artistas gregos expatriados para um governador persa helenizado. A riqueza do período levou a uma produção muito maior de formas luxuosas de pequenas esculturas, incluindo gemas e camafeus gravados, joias, ouro e prataria.

Europa depois dos gregos

escultura romana
Seção da Coluna de Trajano , CE 113, com cenas das Guerras Dácias

A arte romana primitiva foi influenciada pela arte da Grécia e dos vizinhos etruscos , eles próprios muito influenciados por seus parceiros comerciais gregos. Uma especialidade etrusca eram efígies de tumbas em tamanho natural em terracota , geralmente colocadas em cima de uma tampa de sarcófago apoiada em um cotovelo na pose de um restaurante naquele período. À medida que a expansão da República Romana começou a conquistar o território grego, primeiro no sul da Itália e depois em todo o mundo helenístico, exceto no extremo oriente parta , a escultura oficial e patrícia tornou-se em grande parte uma extensão do estilo helenístico, do qual elementos especificamente romanos são difíceis de distinguir. desenredar, especialmente porque tanta escultura grega sobrevive apenas em cópias do período romano. No século II aC, "a maioria dos escultores que trabalhavam em Roma" eram gregos, muitas vezes escravizados em conquistas como a de Corinto (146 aC), e os escultores continuaram a ser principalmente gregos, muitas vezes escravos, cujos nomes raramente são registrados. Um grande número de estátuas gregas foi importado para Roma, seja como saque ou resultado de extorsão ou comércio, e os templos eram frequentemente decorados com obras gregas reutilizadas.

Um estilo italiano nativo pode ser visto nos monumentos do túmulo, que muitas vezes apresentavam bustos de retratos de prósperos romanos de classe média, e o retrato é indiscutivelmente a principal força da escultura romana. Não há vestígios da tradição de máscaras de antepassados ​​que eram usadas em procissões nos funerais das grandes famílias e de outra forma exibidas em casa, mas muitos dos bustos que sobrevivem devem representar figuras ancestrais, talvez de grandes túmulos familiares como o Tumba dos Cipiões ou mausoléu posterior fora da cidade. A famosa cabeça de bronze supostamente de Lucius Junius Brutus é datada de várias maneiras, mas considerada uma sobrevivência muito rara do estilo itálico sob a República, no meio preferido de bronze. Da mesma forma, cabeças severas e fortes são vistas em moedas da República tardia e, no período imperial, moedas e bustos enviados ao redor do Império para serem colocados nas basílicas das cidades provinciais eram a principal forma visual de propaganda imperial; até Londinium tinha uma estátua quase colossal de Nero , embora muito menor do que o Colosso de Nero de 30 metros de altura em Roma, agora perdido.

Os romanos geralmente não tentavam competir com as obras gregas autônomas de façanhas heróicas da história ou da mitologia, mas desde cedo produziram obras históricas em relevo, culminando nas grandes colunas triunfais romanas com contínuos relevos narrativos serpenteando ao seu redor, dos quais aqueles comemorando Trajano (CE 113) e Marco Aurélio (em 193) sobrevivem em Roma, onde o Ara Pacis ("Altar da Paz", 13 aC) representa o estilo greco-romano oficial em sua forma mais clássica e refinada. Entre outros exemplos importantes estão os relevos reutilizados anteriormente no Arco de Constantino e na base da Coluna de Antonino Pio (161), os relevos de Campana eram versões de cerâmica mais baratas dos relevos de mármore e o gosto pelo relevo foi expandido do período imperial para o sarcófago. Todas as formas de pequenas esculturas luxuosas continuaram a ser patrocinadas, e a qualidade podia ser extremamente alta, como na Taça Warren de prata , na Taça Licurgo de vidro e em grandes camafeus como Gemma Augustea , Gonzaga Cameo e o " Grande Camafeu da França ". Para um setor muito mais amplo da população, a decoração em relevo moldado de vasos de cerâmica e pequenas estatuetas foram produzidas em grande quantidade e, muitas vezes, de qualidade considerável.

Depois de passar por uma fase "barroca" do final do século II, no século III, a arte romana abandonou em grande parte, ou simplesmente tornou-se incapaz de produzir, escultura na tradição clássica, uma mudança cujas causas permanecem muito discutidas. Mesmo os monumentos imperiais mais importantes agora mostravam figuras atarracadas e de olhos grandes em um estilo frontal áspero, em composições simples enfatizando o poder em detrimento da graça. O contraste é notoriamente ilustrado no Arco de Constantino de 315 em Roma, que combina seções no novo estilo com rodelas no antigo estilo greco-romano completo retirado de outro lugar, e os Quatro Tetrarcas (c. 305) da nova capital de Constantinopla , agora em Veneza. Ernst Kitzinger encontrou em ambos os monumentos as mesmas "proporções atarracadas, movimentos angulares, uma ordenação das partes por meio de simetria e repetição e uma renderização de recursos e dobras de cortinas por meio de incisões em vez de modelagem ... A marca registrada do estilo onde quer que apareça consiste em um dureza enfática, peso e angularidade - em suma, uma rejeição quase completa da tradição clássica".

Essa revolução de estilo precedeu pouco o período em que o cristianismo foi adotado pelo estado romano e pela grande maioria do povo, levando ao fim da grande escultura religiosa, com grandes estátuas agora usadas apenas para imperadores. No entanto, cristãos ricos continuaram a encomendar relevos para sarcófagos, como no sarcófago de Junius Bassus , e esculturas muito pequenas, especialmente em marfim, foram continuadas pelos cristãos, com base no estilo do díptico consular .

início medieval e bizantino
Monstro de prata em um chapéu , escocês ou anglo-saxão, tesouro da ilha de St Ninian , c. 800?
A Cruz de Gero , c. 965–970, Colônia, Alemanha. O primeiro grande exemplo do renascimento da grande escultura

Os primeiros cristãos se opunham à escultura religiosa monumental, embora continuassem as tradições romanas em bustos de retratos e relevos de sarcófagos , bem como objetos menores, como o díptico consular. Tais objetos, muitas vezes em materiais valiosos, também foram as principais tradições escultóricas (até onde se sabe) das civilizações bárbaras do período da migração , como visto nos objetos encontrados no tesouro funerário do século VI em Sutton Hoo , e nas joias da arte cita e as produções híbridas de estilo cristão e animal da arte insular . Seguindo a contínua tradição bizantina, a arte carolíngia reviveu a escultura em marfim, muitas vezes em painéis para encadernações de tesouros de grandes manuscritos iluminados , bem como cabeças de báculos e outros pequenos acessórios.

A arte bizantina , embora produzisse soberbos relevos de marfim e esculturas decorativas arquitetônicas, nunca retornou à escultura monumental, ou mesmo a esculturas muito pequenas em círculo. No entanto, no Ocidente, durante os períodos carolíngio e otoniano , iniciou-se uma produção de estátuas monumentais, em tribunais e grandes igrejas. Isso se espalhou gradualmente; no final do século 10 e 11, há registros de várias esculturas aparentemente em tamanho natural em igrejas anglo-saxônicas , provavelmente de metal precioso em torno de uma moldura de madeira, como a Madona Dourada de Essen . Nenhum exemplo anglo-saxão sobreviveu, e as sobrevivências de grandes esculturas não arquitetônicas anteriores a 1.000 são excepcionalmente raras. A mais bela é a Cruz de Gero , de 965–970, que é um crucifixo , que era evidentemente o tipo de escultura mais comum; Carlos Magno havia estabelecido um na Capela Palatina em Aachen por volta de 800. Eles continuaram a crescer em popularidade, especialmente na Alemanha e na Itália. As pedras rúnicas do mundo nórdico , as pedras pictas da Escócia e possivelmente os altos relevos cruzados da Grã-Bretanha cristã, eram tradições escultóricas do norte que atravessavam o período de cristianização.

românico
O Leão de Brunswick , 1166, o primeiro grande molde oco de uma figura desde a antiguidade, com 1,78 metros de altura e 2,79 metros de comprimento

Por volta de 1000 houve um renascimento geral da produção artística em toda a Europa, liderado pelo crescimento econômico geral na produção e no comércio, e o novo estilo de arte românica foi o primeiro estilo medieval a ser usado em toda a Europa Ocidental. As novas catedrais e igrejas de peregrinos foram cada vez mais decoradas com relevos arquitetônicos de pedra e novos focos de escultura desenvolvidos, como o tímpano sobre as portas da igreja no século XII e a capital habitada com figuras e muitas vezes cenas narrativas. Notáveis ​​igrejas abadia com escultura incluem na França Vézelay e Moissac e na Espanha Silos .

A arte românica caracterizou-se por um estilo muito vigoroso tanto na escultura como na pintura. Os capitéis de colunas nunca foram tão emocionantes quanto neste período, quando muitas vezes eram esculpidos com cenas completas com várias figuras. O grande crucifixo de madeira foi uma inovação alemã logo no início do período, assim como as estátuas independentes da Virgem entronizada, mas o alto-relevo foi acima de tudo o modo escultórico do período. As composições geralmente tinham pouca profundidade e precisavam ser flexíveis para se espremer nas formas de capitéis e tipanos de igreja; a tensão entre uma moldura fortemente fechada, da qual a composição por vezes escapa, é um tema recorrente na arte românica. As figuras ainda variavam em tamanho em relação à sua importância, o retrato quase não existia.

Objetos em materiais preciosos, como marfim e metal, tiveram um status muito elevado no período, muito mais do que a escultura monumental — conhecemos mais os nomes de seus fabricantes do que de pintores, iluminadores ou arquitetos-pedreiros. O trabalho em metal, incluindo a decoração em esmalte , tornou-se muito sofisticado, e muitos santuários espetaculares feitos para guardar relíquias sobreviveram, dos quais o mais conhecido é o Santuário dos Três Reis na Catedral de Colônia, de Nicolau de Verdun . O castiçal de bronze de Gloucester e a fonte de latão de 1108-1117 agora em Liège são excelentes exemplos, muito diferentes em estilo, de fundição de metal, o primeiro altamente intrincado e enérgico, baseado na pintura manuscrita, enquanto a fonte mostra o estilo Mosan em sua forma mais clássico e majestoso. As portas de bronze, uma coluna triunfal e outros acessórios na Catedral de Hildesheim , as Portas Gniezno e as portas da Basílica di San Zeno em Verona são outras sobrevivências substanciais. O aquamanile , um recipiente para água para lavar, parece ter sido introduzido na Europa no século 11 e muitas vezes assumiu formas zoomórficas fantásticas; exemplos sobreviventes são principalmente em latão. Muitas impressões de cera de selos impressionantes sobrevivem em cartas e documentos, embora as moedas românicas geralmente não sejam de grande interesse estético.

A Cruz do Claustro é um crucifixo de marfim de dimensões invulgares , com talha complexa incluindo muitas figuras de profetas e outros, que tem sido atribuído a um dos relativamente poucos artistas cujo nome é conhecido, Mestre Hugo , que também iluminou manuscritos. Como muitas peças, foi originalmente parcialmente colorido. As peças de xadrez de Lewis são exemplos bem preservados de pequenos marfins, dos quais muitas peças ou fragmentos permanecem de báculos , placas, cruzes peitorais e objetos semelhantes.

gótico
Virgem e Menino francês em marfim, final do século XIII, 25 cm de altura, curvando-se para se ajustar à forma da presa de marfim

O período gótico é essencialmente definido pela arquitetura gótica e não se encaixa inteiramente no desenvolvimento do estilo na escultura, seja no início ou no fim. As fachadas das grandes igrejas, sobretudo à volta das portas, continuaram a ter grandes tipanos, mas também filas de figuras esculpidas que se espalham à sua volta. As estátuas do Portal Ocidental (Real) da Catedral de Chartres (c. 1145) mostram um alongamento colunar elegante, mas exagerado, mas as do portal do transepto sul , de 1215 a 1220, mostram um estilo mais naturalista e um distanciamento crescente da parede atrás , e alguma consciência da tradição clássica. Essas tendências continuaram no portal oeste da Catedral de Reims de alguns anos depois, onde as figuras são quase redondas, como se tornou usual à medida que o gótico se espalhou pela Europa.

Na Itália, Nicola Pisano (1258–1278) e seu filho Giovanni desenvolveram um estilo que costuma ser chamado de Proto-renascentista , com influência inconfundível dos sarcófagos romanos e composições sofisticadas e lotadas, incluindo um tratamento simpático da nudez, em painéis de relevo em seu púlpito de Catedral de Siena (1265–68) , a Fontana Maggiore em Perugia e o púlpito de Giovanni em Pistoia de 1301. Outro renascimento do estilo clássico é visto na obra gótica internacional de Claus Sluter e seus seguidores na Borgonha e Flandres por volta de 1400. Escultura gótica tardia continuou no Norte, com uma moda de grandes retábulos de madeira esculpida com talha cada vez mais virtuosa e grande número de figuras expressivas agitadas; a maioria dos exemplos sobreviventes está na Alemanha, depois de muita iconoclastia em outros lugares. Tilman Riemenschneider , Veit Stoss e outros continuaram o estilo até o século XVI, absorvendo gradualmente as influências do Renascimento italiano.

Efígies de túmulos em tamanho real em pedra ou alabastro tornaram-se populares para os ricos, e grandes túmulos de vários níveis evoluíram, com os Túmulos Scaliger de Verona tão grandes que tiveram que ser movidos para fora da igreja. No século 15, havia uma indústria que exportava relevos de alabastro de Nottingham em grupos de painéis em grande parte da Europa para paróquias econômicas que não podiam pagar retábulos de pedra. Pequenas esculturas, para um mercado principalmente leigo e frequentemente feminino, tornaram-se uma indústria considerável em Paris e em alguns outros centros. Os tipos de marfins incluíam pequenos polípticos devocionais , figuras únicas, especialmente da Virgem , estojos de espelhos, pentes e caixões elaborados com cenas de romances , usados ​​como presentes de noivado. Os muito ricos colecionavam joias extravagantemente elaboradas e joias esmaltadas, tanto seculares quanto religiosas, como o Relicário do Espinho Sagrado do Duque de Berry , até que ficaram sem dinheiro, quando foram derretidas novamente por dinheiro.

Renascimento

Michelangelo , O Túmulo do Papa Júlio II , c. 1545, com estátuas de Rachel e Leah à esquerda e à direita de seu Moisés

A escultura renascentista propriamente dita costuma começar com o famoso concurso para as portas do Batistério de Florença em 1403, do qual sobrevivem os modelos experimentais apresentados pelo vencedor, Lorenzo Ghiberti e Filippo Brunelleschi . As portas de Ghiberti ainda estão no lugar, mas sem dúvida foram eclipsadas por seu segundo par para a outra entrada, as chamadas Portas do Paraíso , que o levaram de 1425 a 1452, e são composições clássicas deslumbrantemente confiantes com profundidades variadas de relevo, permitindo extensas origens . Nos anos seguintes, o primeiro assistente de Ghiberti, Donatello , desenvolveu estátuas seminais, incluindo seus Davids em mármore (1408–09) e bronze (década de 1440) e sua estátua equestre de Gattamelata , bem como relevos. Uma figura importante no período posterior foi Andrea del Verrocchio , mais conhecido por sua estátua equestre de Bartolomeo Colleoni em Veneza; seu aluno Leonardo da Vinci projetou uma escultura equina em 1482 O Cavalo para Milão , mas só conseguiu fazer um modelo de argila de 24 pés (7,3 m) que foi destruído por arqueiros franceses em 1499, e seus outros ambiciosos planos escultóricos nunca foram concluídos.

O período foi marcado por um grande aumento no patrocínio da escultura pelo estado para a arte pública e pelos ricos para suas casas; especialmente em Itália, a escultura pública continua a ser um elemento crucial na aparência dos centros históricos das cidades. A escultura da igreja mudou-se principalmente para dentro, assim como os monumentos públicos externos se tornaram comuns. A escultura de retratos, geralmente em bustos, tornou-se popular na Itália por volta de 1450, com o napolitano Francesco Laurana especializando-se em mulheres jovens em poses meditativas, enquanto Antonio Rossellino e outros retratavam homens de negócios com rostos nodosos, mas também crianças. A medalha de retrato inventada por Pisanello também frequentemente retratava mulheres; as plaquetas em relevo eram outra nova forma pequena de escultura em metal fundido.

Michelangelo foi um escultor ativo de cerca de 1500 a 1520, e suas grandes obras-primas, incluindo David , Pietà , Moisés e peças para a Tumba do Papa Júlio II e a Capela Medici , não puderam ser ignoradas pelos escultores subsequentes. Seu icônico David (1504) tem uma pose de contrapposto , emprestada da escultura clássica. Difere das representações anteriores do assunto em que David é retratado antes de sua batalha com Golias e não depois da derrota do gigante. Em vez de se mostrar vitorioso, como Donatello e Verocchio fizeram, David parece tenso e pronto para a batalha.

Maneirista

Adriaen de Vries , Mercúrio e Psique Bronze maneirista do norte em tamanho real, feito em 1593 para Rudolf II, Sacro Imperador Romano .

Como na pintura, a escultura maneirista italiana inicial foi em grande parte uma tentativa de encontrar um estilo original que superasse a conquista da Alta Renascença , que na escultura significava essencialmente Michelangelo, e grande parte da luta para alcançar isso foi realizada em comissões para preencher outros lugares na Piazza della Signoria em Florença, ao lado do David de Michelangelo . Baccio Bandinelli assumiu o projeto de Hércules e Caco do próprio mestre, mas era pouco mais popular do que é agora, e maliciosamente comparado por Benvenuto Cellini a "um saco de melões", embora tivesse um efeito duradouro em aparentemente introduzindo pela primeira vez painéis em relevo no pedestal de estátuas. Como outras obras dele e de outros maneiristas, remove muito mais do bloco original do que Michelangelo teria feito. O Perseu de bronze de Cellini com a cabeça de Medusa é certamente uma obra-prima, desenhado com oito ângulos de visão, outra característica maneirista, mas é de fato educado em comparação com os Davis de Michelangelo e Donatello. Originalmente um ourives, seu famoso saleiro de ouro e esmalte ( 1543) foi sua primeira escultura e mostra seu talento no seu melhor. Como mostram esses exemplos, o período ampliou a gama de temas seculares para grandes obras além dos retratos, com figuras mitológicas especialmente favorecidas; anteriormente estes tinham sido encontrados principalmente em pequenas obras.

Pequenas figuras de bronze para armários de colecionadores , muitas vezes temas mitológicos com nus, eram uma forma renascentista popular na qual Giambologna , originalmente flamengo , mas com sede em Florença, se destacou no final do século, criando também esculturas em tamanho real, das quais duas se juntaram ao coleção na Piazza della Signoria. Ele e seus seguidores criaram elegantes exemplos alongados da figura serpentinata , muitas vezes de duas figuras entrelaçadas, que eram interessantes de todos os ângulos.

Barroco e Rococó

Na escultura barroca, os grupos de figuras assumiram uma nova importância, e houve um movimento dinâmico e uma energia das formas humanas – elas espiralavam em torno de um vórtice central vazio ou se estendiam para o espaço circundante. A escultura barroca geralmente tinha vários ângulos de visão ideais e refletia uma continuação geral do movimento renascentista do relevo para a escultura criada na rodada e projetada para ser colocada no meio de um grande espaço - fontes elaboradas como a Fontana dei Quattro de Bernini Fiumi (Roma, 1651), ou os dos Jardins de Versalhes eram uma especialidade barroca. O estilo barroco era perfeitamente adequado para a escultura, com Gian Lorenzo Bernini sendo a figura dominante da época em obras como O Êxtase de Santa Teresa (1647-1652). Muitas esculturas barrocas adicionaram elementos extra-esculturais, por exemplo, iluminação oculta ou fontes de água, ou fundiram escultura e arquitetura para criar uma experiência transformadora para o espectador. Os artistas se viam na tradição clássica, mas admiravam a escultura helenística e romana posterior, em vez dos períodos mais "clássicos" como são vistos hoje.

A Reforma Protestante trouxe uma parada quase total da escultura religiosa em grande parte do norte da Europa e, embora a escultura secular, especialmente para bustos de retratos e monumentos tumulares , continuasse, a Idade de Ouro holandesa não tem componente escultural significativo fora da ourivesaria. Em parte como reação direta, a escultura era tão proeminente no catolicismo romano quanto no final da Idade Média. Estátuas de governantes e da nobreza tornaram-se cada vez mais populares. No século 18, muitas esculturas continuaram nas linhas barrocas - a Fontana di Trevi só foi concluída em 1762. O estilo rococó era mais adequado para obras menores e, sem dúvida, encontrou sua forma escultórica ideal na porcelana europeia antiga e esquemas decorativos de interiores em madeira ou gesso, como como aqueles em interiores domésticos franceses e igrejas de peregrinação austríacas e bávaras .

Neoclássico

O estilo neoclássico que chegou no final do século XVIII deu grande ênfase à escultura. Jean-Antoine Houdon exemplifica a penetrante escultura de retrato que o estilo poderia produzir, e os nus de Antonio Canova , o aspecto idealista do movimento. O período neoclássico foi uma das grandes eras da escultura pública, embora seus protótipos "clássicos" fossem mais provavelmente cópias romanas de esculturas helenísticas. Na escultura, os representantes mais conhecidos são o italiano Antonio Canova , o inglês John Flaxman e o dinamarquês Bertel Thorvaldsen . O estilo neoclássico europeu também se estabeleceu nos Estados Unidos, onde seu auge ocorreu um pouco mais tarde e é exemplificado nas esculturas de Hiram Powers .

Ásia

Escultura greco-budista e Ásia

A arte greco-budista é a manifestação artística do greco-budismo , um sincretismo cultural entre a cultura grega clássica e o budismo , que se desenvolveu ao longo de um período de cerca de 1000 anos na Ásia Central, entre as conquistas de Alexandre, o Grande , no século IV a.C. , e as conquistas islâmicas do século VII EC. A arte greco-budista é caracterizada pelo forte realismo idealista da arte helenística e pelas primeiras representações do Buda em forma humana, que ajudaram a definir o cânone artístico (e particularmente escultórico) da arte budista em todo o continente asiático até o presente. Embora a datação seja incerta, parece que os estilos fortemente helenísticos permaneceram no Oriente por vários séculos depois de terem declinado em torno do Mediterrâneo, até o século V dC. Alguns aspectos da arte grega foram adotados enquanto outros não se espalharam além da área greco-budista; em particular a figura em pé, muitas vezes com uma pose relaxada e uma perna flexionada, e os cupidos voadores ou vitórias, que se tornaram populares em toda a Ásia como apsaras . A decoração com folhagem grega também foi influente, com versões indianas da capital coríntia aparecendo.

As origens da arte greco-budista encontram-se no reino helenístico greco-bactriano (250-130 aC), localizado no atual Afeganistão , de onde a cultura helenística se irradiou para o subcontinente indiano com o estabelecimento do pequeno reino indo-grego ( 180–10 a.C.). Sob os indo-gregos e depois os Kushans , a interação da cultura grega e budista floresceu na área de Gandhara , no atual norte do Paquistão, antes de se espalhar ainda mais na Índia, influenciando a arte de Mathura e depois a arte hindu do império Gupta . , que se estenderia ao resto do Sudeste Asiático. A influência da arte greco-budista também se espalhou para o norte em direção à Ásia Central , afetando fortemente a arte da Bacia de Tarim e das Cavernas de Dunhuang e, finalmente, a figura esculpida na China, Coréia e Japão.

China

Bodhisattva Guanyin sentado , madeira e pigmento, século XI, dinastia Song do Norte .

Os bronzes rituais chineses das dinastias Shang e Zhou Ocidental vêm de um período de mais de mil anos de c. 1500 aC, e exerceram uma influência contínua sobre a arte chinesa . Eles são fundidos com padrões complexos e decoração zoomórfica , mas evitam a figura humana, ao contrário das figuras enormes descobertas recentemente em Sanxingdui . O espetacular Exército de Terracota foi montado para o túmulo de Qin Shi Huang , o primeiro imperador de uma China unificada de 221 a 210 aC, como uma grande versão imperial das figuras há muito colocadas em túmulos para permitir que o falecido desfrute do mesmo estilo de vida no vida após a morte como quando vivo, substituindo sacrifícios reais de períodos muito antigos. Figuras menores em cerâmica ou madeira foram colocadas em túmulos por muitos séculos depois, atingindo um pico de qualidade nas figuras de túmulos da dinastia Tang . A tradição de figuras de cerâmica extraordinariamente grandes persistiu na China, através de figuras de túmulos Tang sancai até estátuas budistas posteriores, como o conjunto quase em tamanho real de luohans de cerâmica vitrificada Yixian e figuras posteriores para templos e túmulos. Estes vieram para substituir os equivalentes anteriores em madeira.

As religiões nativas chinesas não costumam usar imagens de culto de divindades, ou mesmo representá-las, e as grandes esculturas religiosas são quase todas budistas, datadas principalmente do século IV ao XIV, e inicialmente usando modelos greco-budistas que chegaram pela Rota da Seda . O budismo também é o contexto de todas as grandes esculturas de retratos; em total contraste com algumas outras áreas, na China medieval até as imagens pintadas do imperador eram consideradas privadas. As tumbas imperiais têm avenidas espetaculares de acesso alinhadas com animais reais e mitológicos em uma escala equivalente ao Egito, e versões menores decoram templos e palácios.

Pequenas figuras e grupos budistas foram produzidos com altíssima qualidade em uma variedade de mídias, assim como a decoração em relevo de todos os tipos de objetos, especialmente em metalurgia e jade . Nos períodos anteriores, grandes quantidades de escultura foram cortadas da rocha viva em complexos de cavernas de peregrinação e como relevos rochosos externos . Estes foram em sua maioria originalmente pintados. Em notável contraste com os pintores literatos , escultores de todos os tipos eram considerados artesãos e pouquíssimos nomes são registrados. A partir da dinastia Ming , estatuetas de figuras religiosas e seculares foram produzidas em porcelana chinesa e outras mídias, que se tornaram uma importante exportação.

Japão

Nara Daibutsu , c. 752, Nara , Japão

No final do longo período Neolítico Jōmon , alguns vasos de cerâmica foram "arados de chamas" com extensões extravagantes na borda que só podem ser chamadas de esculturais, e figuras de dogū de cerâmica muito estilizadas foram produzidas, muitas com a característica "óculos de neve" olhos. Durante o período Kofun do 3º ao 6º século EC, figuras de humanos e animais em terracota de haniwa em um estilo simplista foram erguidas fora de túmulos importantes. A chegada do budismo no século VI trouxe consigo tradições sofisticadas em escultura, estilos chineses mediados pela Coréia. O Hōryū-ji do século VII e seu conteúdo sobreviveram mais intactos do que qualquer templo budista do Leste Asiático de sua data, com obras que incluem uma Shaka Trinity de 623 em bronze, mostrando o Buda histórico ladeado por dois bodhisattvas e também os Reis Guardiões do Quatro Direções .

Jōchō é considerado um dos maiores escultores budistas não apenas no período Heian , mas também na história das estátuas budistas no Japão. Jōchō redefiniu a forma do corpo das estátuas de Buda aperfeiçoando a técnica de "yosegi zukuri" (寄木造り), que é uma combinação de várias madeiras. A expressão pacífica e a figura graciosa da estátua de Buda que ele fez completou um estilo japonês de escultura de estátuas de Buda chamado "Jōchō yō" (estilo Jōchō, 定朝様) e determinou o estilo das estátuas budistas japonesas do período posterior. Sua conquista elevou dramaticamente o status social do busshi (escultor budista) no Japão.

No período Kamakura , o clã Minamoto estabeleceu o shogunato Kamakura e a classe samurai praticamente governou o Japão pela primeira vez. Os sucessores de Jocho, escultores da escola Kei de estátuas budistas, criaram estátuas realistas e dinâmicas para atender aos gostos dos samurais, e a escultura budista japonesa atingiu seu auge. Unkei , Kaikei e Tankei eram famosos e fizeram muitas novas estátuas de Buda em muitos templos, como Kofuku-ji , onde muitas estátuas de Buda foram perdidas em guerras e incêndios.

Quase todas as grandes esculturas significativas subsequentes no Japão eram budistas, com alguns equivalentes xintoístas , e depois que o budismo declinou no Japão no século 15, a escultura monumental tornou-se em grande parte uma decoração arquitetônica e menos significativa. No entanto, o trabalho escultórico nas artes decorativas foi desenvolvido para um nível notável de realização técnica e refinamento em pequenos objetos, como inro e netsuke em muitos materiais, e tosogu de metal ou montagens de espadas japonesas . No século XIX surgiram indústrias exportadoras de pequenas esculturas de bronze de extremo virtuosismo, estatuetas de marfim e porcelana e outros tipos de pequenas esculturas, valorizando cada vez mais a realização técnica.

subcontinente indiano

Relevo de terracota hindu Gupta , século V dC, de Krishna matando o demônio do cavalo Keshi

A primeira escultura conhecida no subcontinente indiano é da civilização do Vale do Indo (3300-1700 aC), encontrada em locais em Mohenjo-daro e Harappa no atual Paquistão . Isso inclui a famosa pequena dançarina de bronze e o chamado rei-sacerdote . No entanto, tais figuras em bronze e pedra são raras e superadas em número por estatuetas de cerâmica e selos de pedra, muitas vezes de animais ou divindades muito bem representados. Após o colapso da civilização do Vale do Indo, há poucos registros de escultura até a era budista, além de um tesouro de figuras de cobre de (um tanto controversamente) c. 1500 aC de Daimabad . Assim, a grande tradição da escultura monumental indiana em pedra parece começar, em relação a outras culturas, e o desenvolvimento da civilização indiana, relativamente tardio, com o reinado de Asoka de 270 a 232 aC, e os Pilares de Ashoka que ele ergueu em torno da Índia, carregando seus editos e encimado por famosas esculturas de animais, principalmente leões, dos quais seis sobreviveram. Grandes quantidades de escultura figurativa, principalmente em relevo, sobrevivem de stupas de peregrinação budistas iniciais, acima de tudo Sanchi ; estes provavelmente se desenvolveram a partir de uma tradição usando madeira que também abraçou o hinduísmo .

As esculturas hindus, jainistas e budistas de arenito rosa de Mathura dos séculos I a III d.C. refletiam tanto as tradições indianas nativas quanto as influências ocidentais recebidas através da arte greco-budista de Gandhara e efetivamente estabeleceram a base para a subsequente escultura religiosa indiana. O estilo foi desenvolvido e difundido pela maior parte da Índia sob o Império Gupta (c. 320–550), que continua sendo um período "clássico" para a escultura indiana , cobrindo as cavernas de Ellora anteriores , embora as cavernas de Elephanta provavelmente sejam um pouco posteriores. A escultura em grande escala posterior permanece quase exclusivamente religiosa e geralmente bastante conservadora, muitas vezes revertendo para poses frontais simples para divindades, embora os espíritos assistentes, como apsaras e yakshi , muitas vezes tenham poses curvas sensuais. O entalhe costuma ser altamente detalhado, com um fundo intrincado atrás da figura principal em alto relevo. Os célebres bronzes da dinastia Chola (c. 850–1250) do sul da Índia, muitos projetados para serem carregados em procissões, incluem a forma icônica de Shiva como Nataraja , com as enormes esculturas de granito de Mahabalipuram datadas da dinastia Pallava anterior.

Sudeste da Ásia

lintel Khmer do século IX

A escultura da região tende a ser caracterizada por um alto grau de ornamentação, como visto nos grandes monumentos da escultura Khmer hindu e budista (séculos IX a XIII) em Angkor Wat e em outros lugares, o enorme complexo budista do século IX em Borobudur em Java e os monumentos hindus de Bali . Ambos incluem muitos relevos, bem como figuras na rodada; Borobudur tem 2.672 painéis em relevo, 504 estátuas de Buda, muitas semi-ocultas em stupas a céu aberto e muitas grandes figuras de guardiões.

Na Tailândia e no Laos, a escultura era principalmente de imagens de Buda , geralmente douradas, grandes para templos e mosteiros e pequenas estatuetas para residências particulares. A escultura tradicional em Mianmar surgiu antes do período Bagan . Como em outras partes da região, a maioria das esculturas de madeira dos períodos Bagan e Ava foram perdidas.

As esculturas anitistas tradicionais das Filipinas são dominadas por designs anitistas que refletem o meio usado e a cultura envolvida, ao mesmo tempo em que são destacadas pelos ambientes onde essas esculturas geralmente são colocadas. As esculturas cristãs e islâmicas das Filipinas têm motivos diferentes em comparação com outras esculturas cristãs e islâmicas em outros lugares. Em períodos posteriores, a influência chinesa predominou no Vietnã, Laos e Camboja, e mais esculturas de madeira sobrevivem em toda a região.

islamismo

Marfim com vestígios de tinta, século XI-XII, Egito

O Islã é notoriamente anicônico , então a grande maioria das esculturas é uma decoração de arabesco em relevo ou vazado, baseada em motivos vegetais, mas tendendo a formas geométricas abstratas. No início da Fachada de Mshatta (década de 740), agora principalmente em Berlim , existem animais dentro dos densos arabescos em alto relevo, e figuras de animais e homens em baixo relevo são encontradas em conjunto com a decoração em muitas peças posteriores em vários materiais, incluindo trabalhos em metal, marfim e cerâmica.

Figuras de animais redondos eram muitas vezes aceitáveis ​​para obras usadas em contextos privados se o objeto fosse claramente prático, então a arte islâmica medieval contém muitos animais de metal que são aquamaniles , queimadores de incenso ou suportes para fontes, como nos leões de pedra que sustentam o famoso na Alhambra , culminando na maior figura animal islâmica medieval conhecida, o Grifo de Pisa . Da mesma forma, entalhes luxuosos em pedra dura , como punhos de adagas e taças, podem ter a forma de animais, especialmente na arte mogol . O grau de aceitabilidade de tais relaxamentos de regras islâmicas estritas varia entre períodos e regiões, com a Espanha islâmica , a Pérsia e a Índia frequentemente liderando o relaxamento, e é tipicamente mais alto em contextos corteses.

África

Máscara do Gabão
Dois Chiwara c. final do século 19 início do século 20, Instituto de Arte de Chicago . Estilos vertical feminino (esquerda) e masculino

Historicamente, com exceção de algumas esculturas egípcias monumentais, a maioria das esculturas africanas foi criada em madeira e outros materiais orgânicos que não sobreviveram desde alguns séculos atrás; figuras de cerâmica mais antigas são encontradas em várias áreas. As máscaras são elementos importantes na arte de muitos povos, juntamente com as figuras humanas, muitas vezes altamente estilizadas. Existe uma grande variedade de estilos, muitas vezes variando dentro do mesmo contexto de origem, dependendo do uso do objeto, mas são aparentes amplas tendências regionais; a escultura é mais comum entre "grupos de agricultores assentados nas áreas drenadas pelos rios Níger e Congo " na África Ocidental. Imagens diretas de divindades são relativamente raras, mas as máscaras em particular são ou foram feitas para cerimônias religiosas; hoje muitos são feitos para turistas como "arte de aeroporto". As máscaras africanas influenciaram a arte modernista européia , inspirada por sua falta de preocupação com a representação naturalista.

O reino núbio de Kush, no Sudão moderno, estava em contato próximo e muitas vezes hostil com o Egito e produziu esculturas monumentais derivadas principalmente de estilos ao norte. Na África Ocidental, as primeiras esculturas conhecidas são da cultura Nok , que prosperou entre 500 aC e 500 dC na Nigéria moderna, com figuras de argila tipicamente com corpos alongados e formas angulares. Culturas posteriores da África Ocidental desenvolveram fundição de bronze para relevos para decorar palácios como os famosos Bronzes de Benin e cabeças reais naturalistas muito finas de toda a cidade iorubá de Ife em terracota e metal dos séculos XII a XIV. Os pesos de ouro Akan são uma forma de pequenas esculturas de metal produzidas no período de 1400 a 1900, algumas aparentemente representando provérbios e, portanto, com um elemento narrativo raro na escultura africana, e os trajes reais incluíam impressionantes elementos esculpidos em ouro.

Muitas figuras da África Ocidental são usadas em rituais religiosos e muitas vezes são revestidas com materiais colocados sobre elas para oferendas cerimoniais. Os povos de língua Mande da mesma região fazem peças de madeira com superfícies largas e planas e os braços e pernas têm a forma de cilindros. Na África Central, no entanto, as principais características distintivas incluem rostos em forma de coração que são curvados para dentro e exibem padrões de círculos e pontos.

As populações dos Grandes Lagos africanos não são conhecidas por suas esculturas. No entanto, um estilo da região são as esculturas de postes, esculpidas em formas humanas e decoradas com formas geométricas, enquanto os topos são esculpidos com figuras de animais, pessoas e objetos diversos. Estes postes são, então, colocados junto a sepulturas e estão associados à morte e ao mundo ancestral. A cultura conhecida do Grande Zimbábue deixou edifícios mais impressionantes do que esculturas, mas os oito pássaros de pedra-sabão do Zimbábue parecem ter tido um significado especial e foram montados em monólitos . Os escultores zimbabweanos modernos em pedra-sabão alcançaram considerável sucesso internacional . As mais antigas figuras de argila conhecidas da África Austral datam de 400 a 600 EC e têm cabeças cilíndricas com uma mistura de características humanas e animais.

Etiópia e Eritreia

A criação de esculturas na Etiópia e na Eritreia remonta ao seu passado antigo com os reinos de Dʿmt e Aksum . A arte cristã foi estabelecida na Etiópia com a conversão do paganismo ao cristianismo no século IV dC, durante o reinado do rei Ezana de Axum . Imagens cristãs decoraram igrejas durante o período Asksumite e eras posteriores. Por exemplo, em Lalibela , santos em tamanho natural foram esculpidos na Igreja de Bet Gólgota; por tradição, eles foram feitos durante o reinado do governante de Zagwe , Gebre Mesqel Lalibela, no século XII, mas provavelmente foram feitos no século XV, durante a dinastia salomônica . No entanto, a Igreja de São Jorge, Lalibela , um dos vários exemplos de arquitetura de rocha em Lalibela contendo esculturas intrincadas, foi construída nos séculos 10 a 13, conforme comprovado pela arqueologia.

Sudão

No antigo Sudão , o desenvolvimento da escultura se estende desde a simples cerâmica da cultura Kerma começando por volta de 2500 aC até a monumental estatuária e arquitetura do Reino de Kush , sua última fase - o período meroítico - terminando por volta de 350 dC (com sua conquista por Aksum da Etiópia). Além de itens de cerâmica, a cultura Kerma também fazia móveis que continham esculturas, como cascos de gado de ouro como pernas de camas. A escultura durante o Reino de Kush incluía estátuas em tamanho real (especialmente de reis e rainhas), estatuetas menores (mais comumente representando servos reais) e relevos em pedra, que foram influenciados pela antiga tradição escultórica egípcia contemporânea.

As Americas

A escultura no que hoje é a América Latina desenvolveu-se em duas áreas separadas e distintas, a Mesoamérica no norte e o Peru no sul. Em ambas as áreas, a escultura era inicialmente de pedra e, posteriormente, de terracota e metal, à medida que as civilizações nessas áreas se tornavam mais proficientes tecnologicamente. A região mesoamericana produziu esculturas mais monumentais, desde as maciças obras em forma de bloco das culturas olmeca e tolteca , até os soberbos baixos- relevos que caracterizam as culturas maia e asteca . Na região andina, as esculturas eram tipicamente pequenas, mas frequentemente mostravam uma habilidade soberba.

pré-colombiano

América do Norte

Painel de São Tiago , de retábulos na Igreja Cristo Rey, Santa Fé, Novo México , c. 1760

Na América do Norte, a madeira foi esculpida para totens , máscaras, utensílios, canoas de guerra e uma variedade de outros usos, com variações distintas entre diferentes culturas e regiões. Os estilos mais desenvolvidos são os da Costa Noroeste do Pacífico , onde um grupo de estilos formais elaborados e altamente estilizados se desenvolveu formando a base de uma tradição que continua até hoje. Além dos famosos totens, as fachadas das casas pintadas e esculpidas eram complementadas por postes esculpidos por dentro e por fora, além de figuras mortuárias e outros itens. Entre os Inuit do extremo norte, os estilos tradicionais de escultura em marfim e pedra-sabão ainda são mantidos.

A chegada da cultura católica européia adaptou prontamente as habilidades locais ao estilo barroco predominante , produzindo retábulos extremamente elaborados e outras esculturas de igreja em uma variedade de estilos híbridos. O mais famoso desses exemplos no Canadá é a área do altar da Basílica de Notre Dame em Montreal, Quebec, que foi esculpida por trabalhadores camponeses . Mais tarde, os artistas formados na tradição acadêmica ocidental seguiram os estilos europeus até que, no final do século XIX, começaram a recorrer novamente às influências indígenas, notadamente no estilo grotesco barroco mexicano conhecido como Churrigueresque . Os povos aborígines também adaptaram a escultura da igreja em variações do carpinteiro gótico ; um exemplo famoso é a Igreja da Santa Cruz em Skookumchuck Hot Springs, British Columbia .

A história da escultura nos Estados Unidos após a chegada dos europeus reflete a fundação do país no século XVIII nos valores cívicos republicanos romanos e no cristianismo protestante . Em comparação com as áreas colonizadas pelos espanhóis, a escultura teve um início extremamente lento nas colônias britânicas, quase sem lugar nas igrejas, e só foi impulsionada pela necessidade de afirmar a nacionalidade após a independência. A escultura americana de meados ao final do século XIX era muitas vezes clássica, muitas vezes romântica, mas mostrava uma inclinação para um realismo dramático, narrativo, quase jornalístico. Os edifícios públicos durante o último quartel do século XIX e a primeira metade do século XX frequentemente forneciam um cenário arquitetônico para a escultura, especialmente em relevo. Na década de 1930, o estilo internacional de arquitetura, design e art déco, caracterizado pelo trabalho de Paul Manship e Lee Lawrie e outros, tornou-se popular. Na década de 1950, a educação tradicional em escultura seria quase completamente substituída por uma preocupação influenciada pela Bauhaus pelo design abstrato . A escultura minimalista substituiu a figura em ambientes públicos e os arquitetos quase pararam completamente de usar a escultura em seus projetos. Os escultores modernos (século 21) usam designs de inspiração clássica e abstrata. A partir da década de 1980, houve um retorno à escultura pública figurativa; em 2000, muitas das novas peças públicas nos Estados Unidos tinham design figurativo.

Rumo à arte moderna

19-início do século 20, início do modernismo e realismo contínuo

Edgar Degas , Little Dancer of Fourteen Years , lançado em 1922 a partir de uma escultura de mídia mista modelada c. 1879–80, Bronze, parcialmente tingido, com algodão

O classicismo moderno contrastava de muitas maneiras com a escultura clássica do século XIX, caracterizada por compromissos com o naturalismo ( Antoine-Louis Barye ) - o sentimentalismo melodramático ( François Rude ) ( Jean-Baptiste Carpeaux ) - ou uma espécie de grandiosidade imponente ( Lord Leitão ). Várias direções diferentes na tradição clássica foram tomadas ao longo do século, mas o estudo do modelo vivo e da tradição pós-renascentista ainda era fundamental para eles. Auguste Rodin foi o mais renomado escultor europeu do início do século XX. Ele é frequentemente considerado um impressionista escultural , assim como seus alunos, incluindo Camille Claudel e Hugo Rheinhold , tentando modelar um momento fugaz da vida cotidiana. O classicismo moderno mostrou um menor interesse pelo naturalismo e um maior interesse pela estilização formal. Maior atenção foi dada aos ritmos de volumes e espaços - bem como maior atenção às qualidades contrastantes da superfície (aberta, fechada, plana, quebrada etc.), enquanto menos atenção foi dada à narrativa e detalhes convincentes de anatomia ou figurino . Maior atenção foi dada ao efeito psicológico do que ao realismo físico, e foram usadas influências de estilos anteriores em todo o mundo.

Os primeiros mestres do classicismo moderno incluíram: Aristide Maillol , Alexander Matveyev , Joseph Bernard , Antoine Bourdelle , Georg Kolbe , Libero Andreotti , Gustav Vigeland , Jan Stursa , Constantin Brâncuși . À medida que o século avançava, o classicismo moderno foi adotado como o estilo nacional dos dois grandes impérios totalitários europeus: a Alemanha nazista e a Rússia soviética , que cooptaram o trabalho de artistas anteriores como Kolbe e Wilhelm Lehmbruck na Alemanha e Matveyev na Rússia. Ao longo dos 70 anos da URSS, novas gerações de escultores foram treinados e escolhidos dentro de seu sistema, e um estilo distinto, o realismo socialista , desenvolvido, que retornou à ênfase do século XIX no melodrama e no naturalismo.

O treinamento clássico foi erradicado da educação artística na Europa Ocidental (e nas Américas) em 1970 e as variantes clássicas do século 20 foram marginalizadas na história do modernismo. Mas o classicismo continuou como a base da educação artística nas academias soviéticas até 1990, fornecendo uma base para a arte figurativa expressiva em toda a Europa Oriental e partes do Oriente Médio. Em 2000, a tradição clássica européia mantém um grande apelo ao público, mas aguarda uma tradição educacional para reviver seu desenvolvimento contemporâneo.

Alguns dos clássicos modernos tornaram-se mais decorativos/art déco ( Paul Manship , Jose de Creeft , Carl Milles ) ou mais estilizados abstratamente ou mais expressivos (e góticos) ( Anton Hanak , Wilhelm Lehmbruck , Ernst Barlach , Arturo Martini ) — ou mais para o Renascimento ( Giacomo Manzù , Venanzo Crocetti ) ou permaneceu o mesmo ( Charles Despiau , Marcel Gimond ).

Modernismo

Gaston Lachaise , Floating Figure 1927, bronze, no. 5 de uma edição de 7, National Gallery of Australia

Os movimentos de escultura modernista incluem cubismo , abstração geométrica , De Stijl , suprematismo , construtivismo , dadaísmo , surrealismo , futurismo , formalismo , expressionismo abstrato , pop-art , minimalismo , arte da terra e arte de instalação , entre outros.

Henry Moore , Large Reclining Figure , 1984 (baseado em um modelo menor de 1938), Fitzwilliam Museum, Cambridge
David Smith , CUBI VI, (1963), Museu de Israel , Jerusalém .

Nos primeiros dias do século 20, Pablo Picasso revolucionou a arte da escultura quando começou a criar suas construções moldadas pela combinação de objetos e materiais díspares em uma peça construída de escultura; o equivalente escultórico da colagem na arte bidimensional. O advento do surrealismo levou a coisas que ocasionalmente eram descritas como "escultura" que não o seriam anteriormente, como "escultura involuntária" em vários sentidos, incluindo coulage . Nos anos posteriores, Picasso tornou-se um oleiro prolífico , levando, com interesse na cerâmica histórica de todo o mundo, a um renascimento da arte cerâmica , com figuras como George E. Ohr e posteriormente Peter Voulkos , Kenneth Price e Robert Arneson . Marcel Duchamp originou o uso do " objeto encontrado " (francês: objet trouvé) ou readymade com peças como Fountain (1917).

Da mesma forma, a obra de Constantin Brâncuși no início do século abriu caminho para a escultura abstrata posterior. Em revolta contra o naturalismo de Rodin e seus contemporâneos do final do século 19, Brâncuși destilou os assuntos até suas essências, conforme ilustrado pelas formas elegantemente refinadas de sua série Bird in Space (1924).

O impacto de Brâncuși, com seu vocabulário de redução e abstração, é visto ao longo das décadas de 1930 e 1940, e exemplificado por artistas como Gaston Lachaise , Sir Jacob Epstein , Henry Moore , Alberto Giacometti , Joan Miró , Julio González , Pablo Serrano , Jacques Lipchitz e na década de 1940, a escultura abstrata foi impactada e expandida por Alexander Calder , Len Lye , Jean Tinguely e Frederick Kiesler , pioneiros da arte cinética .

Os escultores modernistas perderam em grande parte o enorme boom da arte pública resultante da demanda por memoriais de guerra para as duas Guerras Mundiais, mas a partir da década de 1950 o público e os órgãos de encomenda tornaram-se mais confortáveis ​​com a escultura modernista e grandes encomendas públicas, tanto abstratas quanto figurativas, tornaram-se comuns. . Picasso foi contratado para fazer uma maquete para uma enorme escultura pública de 15 metros de altura, a chamada Chicago Picasso (1967). Seu desenho era ambíguo e um tanto controverso, e o que a figura representa não está claro; pode ser um pássaro, um cavalo, uma mulher ou uma forma totalmente abstrata.

Durante o final dos anos 1950 e 1960, os escultores abstratos começaram a experimentar uma ampla gama de novos materiais e diferentes abordagens para criar seu trabalho. Imagens surrealistas, abstração antropomórfica, novos materiais e combinações de novas fontes de energia e superfícies e objetos variados tornaram-se característicos de muitas novas esculturas modernistas. Projetos colaborativos com paisagistas, arquitetos e arquitetos paisagistas expandiram o site ao ar livre e a integração contextual. Artistas como Isamu Noguchi , David Smith , Alexander Calder , Jean Tinguely , Richard Lippold , George Rickey , Louise Bourgeois , Philip Pavia e Louise Nevelson passaram a caracterizar o visual da escultura moderna.

Na década de 1960, predominavam o expressionismo abstrato , a abstração geométrica e o minimalismo , que reduz a escultura às suas características mais essenciais e fundamentais. Algumas obras do período são: as obras Cubi de David Smith e as obras de aço soldadas de Sir Anthony Caro , bem como esculturas soldadas de uma grande variedade de escultores, o trabalho em grande escala de John Chamberlain e obras em escala de instalações ambientais. por Mark di Suvero . Outros minimalistas incluem Tony Smith , Donald Judd, Robert Morris , Anne Truitt , Giacomo Benevelli , Arnaldo Pomodoro , Richard Serra , Dan Flavin , Carl Andre e John Safer , que adicionaram movimento e monumentalidade ao tema da pureza da linha.

Durante as décadas de 1960 e 1970, a escultura figurativa de artistas modernistas em formas estilizadas foi feita por artistas como Leonard Baskin , Ernest Trova , George Segal , Marisol Escobar , Paul Thek , Robert Graham em um estilo clássico articulado, e Fernando Botero trazendo a pintura de grandes dimensões figuras' em esculturas monumentais.

Galeria de esculturas modernistas

movimentos contemporâneos

Christo e Jeanne-Claude , guarda-chuvas 1991, Japão
Device to Root Out Evil (1997) escultura de Dennis Oppenheim em
Palma de Mallorca , Plaça de la Porta de Santa Catalina

Obras de arte ambientais e específicas do local são representadas por artistas: Andy Goldsworthy , Walter De Maria , Richard Long , Richard Serra , Robert Irwin , George Rickey e Christo e Jeanne-Claude levaram a escultura abstrata contemporânea em novas direções. Os artistas criaram esculturas ambientais em locais extensos no grupo de projetos ' land art no oeste americano '. Estas esculturas de escala ambiental de arte terrestre ou 'arte da terra' são exemplificadas por artistas como Robert Smithson , Michael Heizer , James Turrell ( Roden Crater ). Eva Hesse , Sol LeWitt , Jackie Winsor , Keith Sonnier , Bruce Nauman e Dennis Oppenheim , entre outros, foram pioneiros da escultura pós-minimalista .

Também durante as décadas de 1960 e 1970, artistas tão diversos quanto Eduardo Paolozzi , Chryssa , Claes Oldenburg , George Segal , Edward Kienholz , Nam June Paik , Wolf Vostell , Duane Hanson e John DeAndrea exploraram a abstração, a imagética e a figuração através da videoarte , ambiente, luz escultura e arte de instalação de novas maneiras.

A arte conceitual é a arte em que o(s) conceito(s) ou ideia(s) envolvido(s) na obra têm precedência sobre as preocupações estéticas e materiais tradicionais. As obras incluem One and Three Chairs , 1965, é de Joseph Kosuth , e An Oak Tree de Michael Craig-Martin , e as de Joseph Beuys , James Turrell e Jacek Tylicki .

Minimalismo

pós-minimalismo

gêneros contemporâneos

Algumas formas de escultura moderna são agora praticadas ao ar livre, como arte ambiental e escultura ambiental , muitas vezes à vista dos espectadores. Escultura leve , escultura de arte de rua e arte específica do local também costumam fazer uso do ambiente. A escultura de gelo é uma forma de escultura efêmera que usa o gelo como matéria-prima. É popular na China, Japão, Canadá, Suécia e Rússia. As esculturas de gelo aparecem como elementos decorativos em algumas cozinhas, especialmente na Ásia. As esculturas cinéticas são esculturas projetadas para se mover, que incluem móbiles . As esculturas de neve são geralmente esculpidas em um único bloco de neve com cerca de 1,8 a 4,6 m de cada lado e pesando cerca de 20 a 30 toneladas. A neve é ​​densamente compactada em uma forma depois de ter sido produzida por meios artificiais ou coletada do solo após uma queda de neve. As esculturas sonoras assumem a forma de instalações sonoras internas, instalações externas como harpas eólicas, autômatos, ou aproximam-se mais ou menos de instrumentos musicais convencionais. A escultura sonora geralmente é específica do local. Os brinquedos de arte tornaram-se outro formato para artistas contemporâneos desde o final dos anos 1990, como os produzidos por Takashi Murakami e Kid Robot , desenhados por Michael Lau , ou feitos à mão por Michael Leavitt (artista) .

Conservação

Danos visíveis devido à chuva ácida em uma escultura

As esculturas são sensíveis às condições ambientais, como temperatura , umidade e exposição à luz e à luz ultravioleta . A chuva ácida também pode causar danos a certos materiais de construção e monumentos históricos. Isso ocorre quando o ácido sulfúrico na chuva reage quimicamente com os compostos de cálcio nas pedras (calcário, arenito, mármore e granito) para criar gesso , que então se desprende. A grave poluição do ar também causa danos a monumentos históricos.

Em qualquer época, muitas esculturas contemporâneas costumavam ser exibidas em locais públicos; o roubo não foi um problema, pois as peças eram instantaneamente reconhecíveis. No início do século 21, o valor do metal aumentou tanto que o roubo de esculturas maciças de bronze pelo valor do metal se tornou um problema; escultura no valor de milhões sendo roubada e derretida pelo valor relativamente baixo do metal, uma pequena fração do valor da obra de arte.

Forma

Cultural

Método

Aplicativo

Veja também

Notas

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