Música renascentista - Renaissance music

Um grupo de músicos renascentistas em The Concert (1623) de Gerard van Honthorst

A música da Renascença é tradicionalmente entendida como abrangendo o período de cerca de 1420 a 1600, mais tarde do que a era da Renascença , como é entendida em outras disciplinas. Em vez de partir do 14c ars nova e da notação mensural defendida por Philippe de Vitry (um contemporâneo e amigo de Petrarca ), a música do Trecento foi tratada pela musicologia como uma coda para a música medieval e a nova era datada do surgimento de harmonia triádica e a propagação do ' angloise de contenção ' da Grã-Bretanha para a Escola da Borgonha . Um divisor de águas conveniente para seu fim é a adoção do baixo contínuo no início do período barroco .

O período pode ser subdividido aproximadamente, com um período inicial correspondendo à carreira de Guillaume Du Fay (c. 1397-1474) e ao cultivo do estilo cantilena, um meio dominado pela Escola Franco-Flamenga e as texturas de quatro partes favorecidas por Johannes Ockeghem (1410's ou 20's 1497) e Josquin des Prez (final dos anos 1450 - 1521), e culminando durante a Contra-Reforma no florido contraponto de Palestrina (c. 1525 - 1594) e a Escola Romana .

A música estava cada vez mais livre das restrições medievais, e mais variedade era permitida em amplitude, ritmo, harmonia, forma e notação. Por outro lado, as regras de contraponto tornaram-se mais restritas, principalmente no que diz respeito ao tratamento das dissonâncias . Na Renascença, a música tornou-se um veículo de expressão pessoal. Os compositores encontraram maneiras de tornar a música vocal mais expressiva dos textos que estavam configurando. A música secular absorveu técnicas da música sacra e vice-versa. Formas populares seculares, como a chanson e o madrigal, espalharam-se pela Europa. Os tribunais empregavam músicos virtuosos, tanto cantores quanto instrumentistas. A música também se tornou mais autossuficiente com sua disponibilidade na forma impressa, existindo por si mesma.

Versões precursoras de muitos instrumentos modernos familiares (incluindo violino , violão , alaúde e instrumentos de teclado ) desenvolveram-se em novas formas durante o Renascimento. Esses instrumentos foram modificados para responder à evolução das ideias musicais e apresentaram novas possibilidades para compositores e músicos explorarem. As primeiras formas de instrumentos de sopro e metais modernos, como o fagote e o trombone, também apareceram, estendendo a gama de cores sonoras e aumentando o som dos conjuntos instrumentais. Durante o século XV, o som de tríades completas tornou-se comum e, no final do século XVI, o sistema de modos da igreja começou a se decompor totalmente, dando lugar à tonalidade funcional (o sistema em que as canções e as peças se baseiam no musical " keys "), que dominaria a música artística ocidental pelos próximos três séculos.

Desde a era do Renascimento, a notada música secular e sacra sobrevive em quantidade, incluindo obras vocais e instrumentais e obras vocais / instrumentais mistas. Uma ampla variedade de estilos e gêneros musicais floresceu durante o Renascimento, incluindo missas, motetos, madrigais, canções, canções acompanhadas, danças instrumentais e muitos outros. A partir do final do século 20, numerosos conjuntos de música antiga foram formados. Conjuntos especializados em música da era renascentista oferecem tours de concertos e gravações, usando reproduções modernas de instrumentos históricos e estilos de canto e execução que os musicólogos acreditam ter sido usados ​​durante a época.

Visão geral

Uma das características mais pronunciadas da música artística européia do início do Renascimento era a crescente confiança no intervalo do terceiro e sua inversão, o sexto (na Idade Média , terços e sextos eram considerados dissonâncias, e apenas intervalos perfeitos eram tratados como consonâncias : o perfeito quarta a quinta perfeita , a oitava , eo uníssono ). A polifonia  - o uso de múltiplas linhas melódicas independentes, executadas simultaneamente - tornou-se cada vez mais elaborada ao longo do século XIV, com vozes altamente independentes (tanto na música vocal como na música instrumental). O início do século XV mostrou uma simplificação, com os compositores muitas vezes buscando suavidade nas partes melódicas. Isso foi possível devido a um grande aumento do alcance vocal na música - na Idade Média, o estreito alcance tornava necessário o cruzamento frequente das partes, exigindo, assim, um maior contraste entre elas para distinguir as diferentes partes. As características modais (em oposição ao tonal , também conhecido como "chave musical", uma abordagem desenvolvida na era da música barroca subsequente , c. 1600-1750) características da música renascentista começaram a se desfazer no final do período com o aumento do uso de movimentos de raízes de quintas ou quartas (consulte o " círculo das quintas " para obter detalhes). Um exemplo de progressão de acordes em que as raízes de acordes se movem no intervalo de uma quarta seria a progressão de acordes, na chave de dó maior: "Ré menor / sol maior / dó maior" (todas são tríades; três notas acordes). O movimento do acorde de Ré menor para o acorde de Sol maior é um intervalo de uma quarta perfeita. O movimento do acorde de Sol maior para o acorde de Dó maior também é um intervalo de uma quarta perfeita. Posteriormente, esta se tornou uma das características definidoras da tonalidade durante a era barroca.

As principais características da música renascentista são:

  • Música baseada em modos.
  • Textura mais rica, com quatro ou mais partes melódicas independentes sendo executadas simultaneamente. Essas linhas melódicas entrelaçadas, um estilo chamado polifonia , é uma das características definidoras da música renascentista.
  • Combinando, em vez de contrastar, as linhas melódicas na textura musical.
  • Harmonia que colocou uma preocupação maior no fluxo suave da música e sua progressão de acordes .

O desenvolvimento da polifonia produziu mudanças notáveis ​​nos instrumentos musicais que marcam musicalmente o Renascimento desde a Idade Média. Seu uso incentivou o uso de conjuntos maiores e exigiu conjuntos de instrumentos que se misturassem em toda a extensão vocal.

Fundo

Como nas outras artes, a música do período foi significativamente influenciada pelos desenvolvimentos que definem o período da Idade Moderna : o surgimento do pensamento humanístico ; a recuperação do patrimônio literário e artístico da Grécia e da Roma Antiga ; maior inovação e descoberta; o crescimento das empresas comerciais; a ascensão de uma classe burguesa ; e a Reforma Protestante . Desta sociedade em mudança surgiu uma linguagem musical comum e unificadora, em particular, o estilo polifônico da escola franco-flamenga .

A invenção da imprensa em 1439 tornou mais fácil e barato distribuir música e textos de teoria musical em uma escala geográfica mais ampla e para mais pessoas. Antes da invenção da impressão, a música escrita e os textos de teoria musical tinham que ser copiados à mão, um processo demorado e caro. A demanda por música como entretenimento e como atividade de lazer para amadores instruídos aumentou com o surgimento de uma classe burguesa. A disseminação de cânones , motetos e missas por toda a Europa coincidiu com a unificação da prática polifônica no estilo fluido que culminou na segunda metade do século XVI na obra de compositores como Giovanni Pierluigi da Palestrina , Orlande de Lassus , Thomas Tallis , William Byrd e Tomás Luis de Victoria . A estabilidade política relativa e a prosperidade nos Países Baixos , junto com um sistema florescente de educação musical nas muitas igrejas e catedrais da área, permitiram o treinamento de um grande número de cantores, instrumentistas e compositores. Esses músicos eram muito procurados em toda a Europa, especialmente na Itália, onde igrejas e cortes aristocráticas os contratavam como compositores, intérpretes e professores. Como a imprensa tornou mais fácil a divulgação da música impressa, no final do século 16, a Itália havia absorvido as influências musicais do norte com Veneza , Roma e outras cidades se tornando centros de atividade musical. Isso reverteu a situação de cem anos antes. A ópera , gênero dramático encenado em que os cantores são acompanhados por instrumentos, surgiu nessa época em Florença. A ópera foi desenvolvida como uma tentativa deliberada de ressuscitar a música da Grécia antiga.

Gêneros

As principais formas musicais litúrgicas (baseadas na igreja) que permaneceram em uso durante o período da Renascença foram as missas e os motetos , com alguns outros desenvolvimentos no final da era, especialmente quando os compositores de música sacra começaram a adotar formas musicais seculares (não religiosas) (como o madrigal ) para uso religioso. As missas dos séculos XV e XVI tiveram dois tipos de fontes utilizadas, monofônicas (uma única linha melódica) e polifônicas (múltiplas linhas melódicas independentes), com duas formas principais de elaboração, baseadas na prática do cantus firmus ou, a partir de algum tempo. 1500, o novo estilo de "imitação difusa", em que os compositores escreveriam música em que as diferentes vozes ou partes imitariam os motivos melódicos e / ou rítmicos executados por outras vozes ou partes. Quatro tipos principais de massas foram usados:

As missas eram normalmente intituladas de acordo com a fonte da qual foram emprestadas. Cantus firmus mass usa a mesma melodia monofônica, geralmente extraída do canto e geralmente no tenor e mais frequentemente em valores de nota mais longos do que as outras vozes. Outros gêneros sagrados eram o madrigale spirituale e o laude .

Durante o período, a música secular (não religiosa) teve uma distribuição crescente, com uma grande variedade de formas, mas é preciso ter cuidado para não assumir uma explosão na variedade: como a impressão tornou a música mais amplamente disponível, muito mais sobreviveu desta época do que na era medieval anterior, e provavelmente um rico estoque de música popular do final da Idade Média está perdido. Música secular era música independente de igrejas. Os principais tipos eram o Lied alemão , o frottola italiano , o chanson francês , o madrigal italiano e o villancico espanhol . Outros gêneros vocais seculares incluem caccia , rondeau , virelai , bergerette , balada , musique mesurée , canzonetta , villanella , villotta e a canção de alaúde . Formas mistas como o moteto-chanson e o moteto secular também apareceram.

Puramente música instrumental incluído consorte música para gravadores ou violas e outros instrumentos e dança para diversos ensembles. Os gêneros instrumentais comuns eram tocata , prelúdio , ricercar e canzona . Danças interpretado por conjuntos instrumentais (ou às vezes cantada) incluiu o danse basse (It. Bassadanza ), Tourdion , saltarello , pavane , galliard , allemande , courante , bransle , canarie , Piva e lavolta . Música de muitos gêneros pode ser arranjada para um instrumento solo, como alaúde, vihuela, harpa ou teclado. Esses arranjos eram chamados de intabulações (It. Intavolatura , Ger. Intabulierung ).

No final do período, os primeiros precursores dramáticos da ópera, como a monodia , a comédia madrigal e o intermedio, são ouvidos.

Teoria e notação

Ockeghem, Kyrie "Au travail suis", trecho, mostrando notação mensural branca.

De acordo com Margaret Bent : "A notação renascentista é pouco prescritiva por nossos padrões [modernos]; quando traduzida para a forma moderna, adquire um peso prescritivo que especifica demais e distorce sua abertura original". As composições da Renascença eram notadas apenas em partes individuais; as pontuações eram extremamente raras e as barras de compasso não eram usadas. Os valores das notas eram geralmente maiores do que os usados ​​hoje; a unidade primária da batida era a semibreve , ou nota inteira . Como tem sido o caso desde a Ars Nova (ver música medieval ), pode haver dois ou três destes para cada breve (uma nota dupla inteira), que pode ser considerada equivalente à "medida" moderna, embora era em si um valor de nota e um compasso não. A situação pode ser considerada da seguinte maneira: é a mesma que a regra pela qual na música moderna uma semínima pode ser igual a duas colcheias ou três, que seriam escritas como "tercinas". Pelo mesmo cálculo, poderia haver dois ou três da próxima nota menor, o "minim" (equivalente à "meia nota" moderna) para cada semibreve.

Essas diferentes permutações foram chamadas de "tempus perfeito / imperfeito" no nível da relação breve – semibreve, "prolação perfeita / imperfeita" no nível de semibreve – minim, e existiam em todas as combinações possíveis entre si. Três para um era chamado de "perfeito" e dois para um "imperfeito". Também existiam regras segundo as quais notas únicas podiam ser divididas pela metade ou dobradas de valor ("imperfeitas" ou "alteradas", respectivamente) quando precedidas ou seguidas por outras notas certas. As notas com pontas pretas (como semínimas ) ocorreram com menos frequência. Esse desenvolvimento da notação mensural branca pode ser resultado do aumento do uso de papel (em vez de velino ), já que o papel mais fraco era menos capaz de resistir aos arranhões necessários para preencher cabeçotes de notas sólidos; a notação de tempos anteriores, escrita em pergaminho, era preta. Outras cores e, posteriormente, notas preenchidas, também foram usadas rotineiramente, principalmente para reforçar as mencionadas imperfeições ou alterações e para exigir outras mudanças rítmicas temporárias.

Acidentes (por exemplo, sustenidos, bemóis e naturais adicionados que mudam as notas) nem sempre foram especificados, algo como em certas notações de dedilhado para instrumentos da família de guitarras ( tablaturas ) hoje. No entanto, os músicos da Renascença teriam sido altamente treinados em contraponto diádico e, portanto, possuíam esta e outras informações necessárias para ler uma partitura corretamente, mesmo se os acidentes não estivessem escritos. Como tal, "o que a notação moderna requer [acidentes] teria então sido perfeitamente aparente sem notação para um cantor versado em contraponto. " (Ver musica ficta .) Um cantor interpretaria sua parte imaginando fórmulas cadenciais com outras partes em mente e, ao cantar juntos, os músicos evitariam oitavas paralelas e quintas paralelas ou alterariam suas partes cadenciais à luz das decisões de outros músicos. É por meio de tablaturas contemporâneas para vários instrumentos dedilhados que obtivemos muitas informações sobre quais acidentes foram executados pelos praticantes originais.

Para obter informações sobre teóricos específicos, consulte Johannes Tinctoris , Franchinus Gaffurius , Heinrich Glarean , Pietro Aron , Nicola Vicentino , Tomás de Santa María , Gioseffo Zarlino , Vicente Lusitano , Vincenzo Galilei , Giovanni Artusi , Johannes Nucius e Pietro Cerone .

Compositores - linha do tempo

Orlando Gibbons Michael Praetorius John Cooper (composer) Claudio Monteverdi Thomas Campion Hans Leo Hassler John Dowland Carlo Gesualdo Philippe Rogier Giovanni Gabrieli Thomas Morley Alonso Lobo Luca Marenzio Giovanni de Macque Tomás Luis de Victoria Luzzasco Luzzaschi William Byrd Giaches de Wert Andrea Gabrieli Orlande de Lassus Claude Le Jeune Costanzo Porta Francisco Guerrero (composer) Giovanni Pierluigi da Palestrina Cipriano de Rore Jacob Clemens non Papa Claude Goudimel Pierre de Manchicourt Hans Newsidler Thomas Tallis Christopher Tye Cristóbal de Morales Costanzo Festa John Taverner Adrian Willaert Thomas Crecquillon Nicolas Gombert Clément Janequin Philippe Verdelot Antoine Brumel Antonius Divitis Antoine de Févin Martin Agricola Pierre de La Rue Jean Mouton Heinrich Isaac Josquin des Prez Jacob Obrecht Alexander Agricola Loyset Compère Antoine Busnois Walter Frye Johannes Ockeghem Guillaume Dufay Gilles Binchois John Dunstable Leonel Power Oswald von Wolkenstein

Período inicial (1400-1470)

Os principais compositores da era do início da Renascença também escreveram em um estilo medieval tardio e, como tal, são figuras de transição. Leonel Power (c. 1370s ou 1380s-1445) foi um compositor inglês do final da Idade Média e do início da Renascença. Junto com John Dunstaple , ele foi uma das principais figuras da música inglesa no início do século XV.) Power é o compositor mais bem representado no Old Hall Manuscript , uma das únicas fontes intactas de música inglesa do início do século XV. Power foi um dos primeiros compositores a definir movimentos separados do ordinário da massa que eram tematicamente unificados e destinados a apresentações contíguas. O Manuscrito de Old Hall contém sua missa baseada na antífona mariana , Alma Redemptoris Mater , em que a antífona é enunciada literalmente na voz do tenor em cada movimento, sem ornamentos melódicos. Esta é a única configuração cíclica do ordinário de massa que pode ser atribuída a ele. Ele escreveu ciclos de massa, fragmentos e movimentos únicos e uma variedade de outras obras sagradas.

John Dunstaple (ou Dunstable) (c. 1390–1453) foi um compositor inglês de música polifônica do final da era medieval e primeiros períodos da Renascença. Ele foi um dos mais famosos compositores ativos no início do século 15, um quase contemporâneo do Poder, e teve grande influência, não apenas na Inglaterra, mas no continente, especialmente no estilo em desenvolvimento da Escola da Borgonha . A influência de Dunstaple no vocabulário musical do continente foi enorme, especialmente considerando a relativa escassez de suas obras (atribuíveis). Foi reconhecido por possuir algo nunca antes ouvido na música da Escola da Borgonha : la contenance angloise ("o semblante inglês"), termo usado pelo poeta Martin le Franc em seu Le Champion des Dames. Le Franc acrescentou que o estilo influenciou Dufay e Binchois . Escrevendo algumas décadas depois, por volta de 1476, o compositor e teórico musical flamengo Tinctoris reafirmou a poderosa influência de Dunstaple, enfatizando a "nova arte" que Dunstaple havia inspirado. Tinctoris saudou Dunstaple como o fons et origo do estilo, sua "fonte e origem".

O contorno angloise, embora não definido por Martin le Franc, era provavelmente uma referência ao traço estilístico de Dunstaple de usar harmonia triádica completa (acordes de três notas), junto com uma preferência pelo intervalo da terça . Supondo que ele tivesse estado no continente com o duque de Bedford, Dunstaple teria sido apresentado ao fauxbourdon francês ; pegando emprestado algumas das sonoridades, ele criou harmonias elegantes em sua própria música usando terceiras e sextas (um exemplo de um terceiro intervalo são as notas C e E; um exemplo de um sexto intervalo são as notas C e A). Juntos, esses são vistos como características definidoras da música do início da Renascença. Muitos desses traços podem ter se originado na Inglaterra, criando raízes na Escola da Borgonha por volta de meados do século.

Como numerosas cópias das obras de Dunstaple foram encontradas em manuscritos italianos e alemães, sua fama por toda a Europa deve ter se espalhado. Das obras atribuídas a ele, apenas cerca de cinquenta sobreviveram, entre as quais estão duas massas completas, três seções de massa conectadas, quatorze seções de massa individuais, doze motetos isorítmicos completos e sete configurações de antífonas marianas , como Alma redemptoris Mater e Salve Regina, Mater misericordiae . Dunstaple foi um dos primeiros a compor missas usando uma única melodia como cantus firmus . Um bom exemplo dessa técnica é sua Missa Rex seculorum . Acredita-se que ele escreveu música secular (não religiosa), mas nenhuma canção em vernáculo pode ser atribuída a ele com algum grau de certeza.

Oswald von Wolkenstein (c. 1376–1445) é um dos compositores mais importantes do início do Renascimento alemão. Ele é mais conhecido por suas melodias bem escritas e por usar três temas: viagens, Deus e sexo .

Gilles Binchois (c. 1400–1460) foi um compositor holandês , um dos primeiros membros da escola da Borgonha e um dos três compositores mais famosos do início do século XV. Embora muitas vezes classificado atrás de seus contemporâneos Guillaume Dufay e John Dunstaple por estudiosos contemporâneos, suas obras ainda foram citadas, emprestadas e usadas como material de base após sua morte. Binchois é considerado um excelente melodista, escrevendo versos cuidadosamente modelados, fáceis de cantar e memoráveis. Suas melodias apareceram em cópias décadas após sua morte e foram freqüentemente usadas como fontes para composição de massa por compositores posteriores. A maior parte de sua música, até mesmo sua música sacra, é simples e clara em seus contornos, às vezes até ascética (semelhante a um monge). Seria difícil imaginar um contraste maior entre Binchois e a extrema complexidade da ars subtilior do século anterior (XIV). A maioria de suas canções seculares são rondeaux , que se tornaram a forma de canção mais comum durante o século. Ele raramente escrevia na forma estrófica , e suas melodias geralmente são independentes do esquema de rima dos versos em que são definidas. Binchois escreveu música para a corte, canções seculares de amor e cavalheirismo que atenderam às expectativas e satisfizeram o gosto dos duques de Borgonha que o empregaram, e evidentemente amavam sua música de acordo. Cerca de metade de sua música secular existente é encontrada na Biblioteca Oxford Bodleian.

Guillaume Du Fay (c. 1397–1474) foi um compositor franco-flamengo do início da Renascença. Figura central na Escola da Borgonha , ele foi considerado por seus contemporâneos como o principal compositor da Europa em meados do século XV. Du Fay compôs na maioria das formas comuns do dia, incluindo missas , motetos , Magnificats , hinos , configurações de canto simples em fauxbourdon e antífonas dentro da área da música sacra, e rondeaux , baladas , virelais e alguns outros tipos de chanson dentro o reino da música secular. Nenhuma de suas músicas remanescentes é especificamente instrumental, embora instrumentos certamente tenham sido usados ​​para algumas de suas músicas seculares, especialmente para as partes mais baixas; toda a sua música sacra é vocal. Instrumentos podem ter sido usados ​​para reforçar as vozes em apresentações reais para quase qualquer uma de suas obras. Sete missas completas, 28 movimentos de massa individuais, 15 configurações de canto usadas em adereços de missa, três Magnificats, duas configurações de Benedicamus Domino, 15 configurações de antífonas (seis delas antífonas marianas ), 27 hinos, 22 motetos (13 destes isorítmicos em mais estilo angular e austero do século 14, que deu lugar a partes mais melódicas e sensuais, dominadas pelos agudos, com frases terminando na cadência "abaixo da terceira" na juventude de Du Fay) e 87 canções definitivamente dele sobreviveram.

Parte do cenário de Du Fay da Ave maris stella , em fauxbourdon. A linha superior é uma paráfrase do canto; a linha do meio, designada "fauxbourdon", (não escrita) segue a linha superior, mas exatamente uma quarta perfeita abaixo. A linha inferior costuma, mas nem sempre, um sexto abaixo da linha superior; é embelezado e atinge cadências na oitava. JogarSobre este som 

Muitas das composições de Du Fay eram simples configurações de canto, obviamente projetadas para uso litúrgico, provavelmente como substitutos para o canto sem adornos, e podem ser vistas como harmonizações de canto. Freqüentemente, a harmonização usava uma técnica de escrita paralela conhecida como fauxbourdon , como no exemplo a seguir, um cenário da antífona mariana Ave maris stella . Du Fay pode ter sido o primeiro compositor a usar o termo "fauxbourdon" para este estilo de composição mais simples, proeminente na música litúrgica do século 15 em geral e na escola da Borgonha em particular. A maioria das canções seculares (não religiosas) de Du Fay seguem as formas fixes ( rondeau , balada e virelai), que dominaram a música secular europeia dos séculos XIV e XV. Ele também escreveu um punhado de balato italiano , quase certamente enquanto estava na Itália. Como é o caso de seus motetos, muitas das canções foram compostas para ocasiões específicas e muitas são datáveis, fornecendo informações biográficas úteis. A maioria de suas canções são para três vozes, usando uma textura dominada pela voz mais aguda; as outras duas vozes, sem texto, provavelmente foram tocadas por instrumentos.

Du Fay foi um dos últimos compositores a fazer uso de técnicas estruturais polifônicas da Idade Média tardia, como o isorritmo , e um dos primeiros a empregar as harmonias, fraseados e melodias mais melífluas características do início da Renascença. Suas composições dentro dos gêneros maiores (missas, motetos e canções) são em sua maioria semelhantes entre si; sua fama se deve em grande parte ao que foi percebido como seu controle perfeito das formas em que trabalhava, bem como seu dom para melodias memoráveis ​​e cantáveis. Durante o século 15, ele foi universalmente considerado o maior compositor de seu tempo, uma opinião que sobreviveu em grande parte até os dias de hoje.

Período intermediário (1470-1530)

1611 xilogravura de Josquin des Prez, copiado de um óleo agora perdida pintura feita durante a sua vida

Durante o século XVI, Josquin des Prez ( c.  1450/1455  - 27 de agosto de 1521) gradualmente adquiriu a reputação de maior compositor da época, seu domínio da técnica e expressão universalmente imitado e admirado. Escritores tão diversos como Baldassare Castiglione e Martin Luther escreveram sobre sua reputação e fama.

Período tardio (1530-1600)

San Marco à noite. O interior espaçoso e ressonante foi uma das inspirações para a música da Venetian School.

Em Veneza , de cerca de 1530 até cerca de 1600, desenvolveu-se um impressionante estilo policoral, que deu à Europa algumas das músicas mais grandiosas e sonoras compostas até então, com vários coros de cantores, metais e cordas em diferentes localizações espaciais na Basílica de San Marco di Venezia (ver Venetian School ). Essas múltiplas revoluções se espalharam pela Europa nas décadas seguintes, começando na Alemanha e depois indo para a Espanha, França e Inglaterra um pouco mais tarde, demarcando o início do que hoje conhecemos como a era musical barroca .

A Escola Romana era um grupo de compositores de música predominantemente sacra em Roma, abrangendo o final do Renascimento e o início do Barroco. Muitos dos compositores tinham uma conexão direta com o Vaticano e a capela papal, embora trabalhassem em várias igrejas; estilisticamente, eles são frequentemente contrastados com a Escola Venetian de compositores, um movimento simultâneo que era muito mais progressivo. De longe, o compositor mais famoso da Escola Romana é Giovanni Pierluigi da Palestrina. Embora mais conhecido como um prolífico compositor de missas e motetos, ele também foi um importante madrigalista. Sua capacidade de reunir as necessidades funcionais da Igreja Católica com os estilos musicais predominantes durante o período da Contra-Reforma deu-lhe sua fama duradoura.

O breve mas intenso florescimento do madrigal musical na Inglaterra, principalmente de 1588 a 1627, junto com os compositores que os produziram, é conhecido como Escola Inglesa de Madrigal . Os madrigais ingleses eram a cappella, de estilo predominantemente leve, e geralmente começavam como cópias ou traduções diretas de modelos italianos. A maioria era para três a seis vozes.

Musica reservata é um estilo ou uma prática performática em música vocal a cappella da segunda metade do século XVI, principalmente na Itália e no sul da Alemanha, envolvendo requinte, exclusividade e intensa expressão emocional do texto cantado.

O cultivo da música europeia nas Américas começou no século 16, logo após a chegada dos espanhóis e a conquista do México . Embora tenham um estilo europeu, as obras híbridas exclusivamente mexicanas baseadas na língua mexicana nativa e na prática musical europeia apareceram muito cedo. As práticas musicais na Nova Espanha coincidiram continuamente com as tendências europeias ao longo dos períodos subsequentes da música barroca e clássica. Entre esses compositores do Novo Mundo estavam Hernando Franco , Antonio de Salazar e Manuel de Zumaya .

Além disso, escritores desde 1932 observam o que eles chamam de seconda prattica (uma prática inovadora que envolve o estilo monódico e a liberdade no tratamento da dissonância, ambos justificados pela configuração expressiva dos textos) durante o final do século XVI e início do século XVII.

Maneirismo

No final do século 16, com o encerramento da era renascentista, desenvolveu-se um estilo extremamente maneirista . Na música secular, especialmente no madrigal , havia uma tendência à complexidade e até ao cromatismo extremo (como exemplificado nos madrigais de Luzzaschi , Marenzio e Gesualdo ). O termo maneirismo deriva da história da arte.

Transição para o Barroco

A partir de Florença , tentou-se reviver as formas dramáticas e musicais da Grécia Antiga, por meio da monodia , uma forma de música declamada sobre um simples acompanhamento; um contraste mais extremo com o estilo polifônico anterior seria difícil de encontrar; esta também foi, pelo menos no início, uma tendência secular. Esses músicos eram conhecidos como a Camerata Florentina .

Já observamos alguns dos desenvolvimentos musicais que ajudaram a inaugurar o Barroco , mas para maiores explicações sobre essa transição, ver antífona , concertato , monodia , madrigal e ópera , bem como as obras fornecidas em "Fontes e leituras adicionais. "

Instrumentos

Muitos instrumentos surgiram durante o Renascimento; outros eram variações ou aperfeiçoamentos de instrumentos que existiam anteriormente. Alguns sobreviveram até os dias de hoje; outros desapareceram, apenas para serem recriados a fim de executar músicas da época em instrumentos autênticos. Como nos dias modernos, os instrumentos podem ser classificados como metais, cordas, percussão e sopros.

Os instrumentos medievais na Europa costumavam ser usados ​​isoladamente, freqüentemente acompanhados por um drone, ou ocasionalmente em partes. Pelo menos desde o século 13 até o século 15, houve uma divisão dos instrumentos em haut ( instrumentos altos, estridentes, ao ar livre) e bas (instrumentos mais silenciosos e íntimos). Apenas dois grupos de instrumentos podiam tocar livremente em ambos os tipos de conjuntos: a corneta e sackbut, e o tabor e pandeiro.

No início do século 16, os instrumentos eram considerados menos importantes do que as vozes. Eles eram usados ​​para danças e para acompanhar música vocal. A música instrumental permaneceu subordinada à música vocal, e muito de seu repertório derivou de várias maneiras ou dependeu de modelos vocais.

Órgãos

Vários tipos de órgãos eram comumente usados ​​na Renascença, de grandes órgãos de igreja a pequenos portativos e órgãos de junco chamados régios .

Latão

Os instrumentos de sopro na Renascença eram tradicionalmente tocados por profissionais. Alguns dos instrumentos de sopro mais comuns que foram tocados:

  • Trombeta deslizante : Semelhante ao trombone de hoje, exceto que, em vez de uma seção do corpo deslizar, apenas uma pequena parte do corpo perto do bocal e o próprio bocal fica estacionário. Além disso, o corpo era em forma de S, por isso era bastante pesado, mas era adequado para a música de dança lenta para a qual era mais comumente usado.
  • Cornett : Feito de madeira e tocado como o flauta doce (soprando em uma das pontas e movendo os dedos para cima e para baixo do lado de fora), mas usando um porta-voz como uma trombeta.
  • Trombeta : as primeiras trombetas não tinham válvulas e eram limitadas aos tons presentes na série harmônica . Eles também eram feitos em tamanhos diferentes.
  • Sackbut (às vezes sackbutt ou sagbutt): Um nome diferente para o trombone, que substituiu a trombeta deslizante em meados do século XV.

Cordas

Hurdy-gurdy francês moderno

Como uma família, os cordões eram usados ​​em muitas circunstâncias, tanto sagradas quanto seculares. Alguns membros desta família incluem:

  • Viol : Este instrumento, desenvolvido no século 15, geralmente possui seis cordas. Geralmente era tocado com um arco. Possui qualidades estruturais semelhantes à vihuela depenada espanhola (chamada de viola da mano na Itália); sua principal característica separadora é seu tamanho maior. Isso mudou a postura do músico para apoiá-lo no chão ou entre as pernas de maneira semelhante ao violoncelo. Suas semelhanças com a vihuela eram cortes acentuados na cintura, trastes semelhantes, costas retas, costelas finas e afinação idêntica. Quando tocada desta forma, era por vezes referida como "viola da gamba", para a distinguir das violas tocadas "no braço": viole da braccio , que evoluiu para a família do violino.
  • Lira : Sua construção é semelhante a uma pequena harpa, embora em vez de ser dedilhada, seja dedilhada com uma palheta. Suas cordas variavam em quantidade de quatro, sete e dez, dependendo da época. Foi tocado com a mão direita, enquanto a esquerda silenciava as notas indesejadas. As liras mais recentes foram modificadas para serem tocadas com um arco.
  • Harpa irlandesa : Também chamada de Clàrsach em gaélico escocês ou Cláirseach em irlandês, durante a Idade Média foi o instrumento mais popular da Irlanda e da Escócia. Devido ao seu significado na história da Irlanda, ele é visto até mesmo no rótulo do Guinness e é o símbolo nacional da Irlanda até hoje. Para ser tocado, geralmente é arrancado. Seu tamanho pode variar muito, desde uma harpa que pode ser tocada no colo até uma harpa em tamanho real que é colocada no chão
  • Hurdy-gurdy : (Também conhecido como violino de roda), em que as cordas são tocadas por uma roda pela qual as cordas passam. Sua funcionalidade pode ser comparada à de um violino mecânico, em que seu arco (roda) é girado por uma manivela. Seu som distinto é principalmente por causa de suas "cordas de zumbido", que fornecem um tom constante semelhante em seu som ao da gaita de foles.
  • Gittern e mandore : esses instrumentos foram usados ​​em toda a Europa. Precursores de instrumentos modernos, incluindo bandolim e violão.
  • Lira da Braccio
  • Bandora
  • Cittern
  • Alaúde
  • Orpharion
  • Vihuela
  • Clavicórdio
  • Cravo
  • Virginal

Percussão

Alguns instrumentos de percussão da Renascença incluem o triângulo , a harpa judia, o pandeiro, os sinos, címbala , o rumble-pot e vários tipos de tambores.

  • Pandeiro : O pandeiro é um tambor de moldura. A pele que envolve a moldura é chamada de velino e produz a batida ao bater na superfície com os nós dos dedos, as pontas dos dedos ou a mão. Também pode ser tocado sacudindo o instrumento, permitindo que os jingles ou sinos da pelota do pandeiro (se houver) "clank" e "jingle".
  • Harpa do judeu : um instrumento que produz som usando formas da boca e tentando pronunciar diferentes vogais com a boca. O laço na extremidade dobrada da língua do instrumento é dedilhada em diferentes escalas de vibração, criando tons diferentes.

Woodwinds (aerofones)

Instrumentos de sopro (aerofones) produzem som por meio de uma coluna vibratória de ar dentro do tubo. Os orifícios ao longo do tubo permitem ao jogador controlar o comprimento da coluna de ar e, portanto, o campo. Existem várias maneiras de fazer a coluna de ar vibrar e essas maneiras definem as subcategorias dos instrumentos de sopro. Um jogador pode soprar através de um orifício da boca, como em uma flauta; em uma boquilha com uma única palheta, como em um clarinete ou saxofone moderno; ou uma palheta dupla, como em um oboé ou fagote. Todos os três métodos de produção de tons podem ser encontrados nos instrumentos da Renascença.

  • Shawm : Um típico shawm oriental não tem chave e tem cerca de trinta centímetros de comprimento, com sete orifícios para os dedos e um para o polegar. Os cachimbos também eram mais comumente feitos de madeira e muitos deles tinham entalhes e decorações neles. Foi o instrumento de palheta dupla mais popular do período da Renascença; era comumente usado nas ruas com tambores e trombetas por causa de seu som brilhante, agudo e muitas vezes ensurdecedor. Para tocar o xale, uma pessoa coloca toda a palheta na boca, estufando as bochechas e soprando no cachimbo enquanto respira pelo nariz.
Gravadores renascentistas
  • Tubo de cana : feito de um único pedaço curto de cana com um bocal, quatro ou cinco orifícios para os dedos e palheta feita a partir dela. A palheta é feita cortando-se uma pequena língua, mas deixando a base presa. É o antecessor do saxofone e do clarinete.
  • Hornpipe : igual ao cana, mas com um sino na extremidade.
  • Gaita de foles / gaita de bexiga: Os fiéis acreditam ter sido inventada por pastores que pensavam que usar uma bolsa feita de pele de ovelha ou cabra forneceria pressão de ar para que, ao respirar, o jogador só precisasse apertar a bolsa enfiada embaixo de seus braço para continuar o tom. O cachimbo de boca tem uma peça redonda simples de couro articulada na extremidade do saco do tubo e atua como uma válvula de retenção. A palheta está localizada dentro da boquilha comprida, que teria sido conhecida como bocal se fosse de metal e se a palheta estivesse do lado de fora em vez de dentro.
  • Panpipe : Emprega vários tubos de madeira com uma rolha numa das extremidades e abertos na outra. Cada tubo tem um tamanho diferente (produzindo assim um tom diferente), dando-lhe um alcance de uma oitava e meia. O jogador pode então colocar seus lábios contra o tubo desejado e soprar por ele.
  • Flauta transversal : A flauta transversal é semelhante à flauta moderna, com um orifício na boca perto da extremidade tampada e orifícios para os dedos ao longo do corpo. O jogador sopra pelo orifício da boca e segura a flauta do lado direito ou esquerdo.
  • Gravador : O gravador era um instrumento comum durante o período da Renascença. Em vez de uma palheta, ele usa um porta-voz de apito como sua principal fonte de produção de som. Geralmente é feito com sete orifícios para os dedos e um orifício para o polegar.

Veja também

Referências

Fontes

  • Anon. " Seconda prattica ". Merriam-Webster.com, 2017 (acessado em 13 de setembro de 2017).
  • Anon. " O que há com o nome? ". Site Sackbut.com, sd (acessado em 14 de outubro de 2014).
  • Atlas, Allan W. Renaissance Music . Nova York: WW Norton, 1998. ISBN  0-393-97169-4
  • Baines, Anthony, ed. Instrumentos musicais através dos tempos . Nova York: Walker and Company, 1975.
  • Bent, Margaret. " The Grammar of Early Music: Preconditions for Analysis ". Em Tonal Structures of Early Music , [segunda edição], editado por Cristle Collins Judd. Criticism and Analysis of Early Music 1. New York and London: Garland, 2000. ISBN  978-0-8153-3638-9 , 978-0815323884 Reeditado como ebook 2014. ISBN  978-1-135-70462-9
  • Bent, Margaret. "Força, Leonel". Grove Music Online, editado por Deane Root. Sl: Oxford Music Online, sd (acessado em 23 de junho de 2015).
  • Bessaraboff, Nicholas. Instrumentos musicais europeus antigos , primeira edição. Cambridge, MA: Harvard University Press, 1941.
  • Besseler, Heinrich. 1950. "Die Entstehung der Posaune". Acta Musicologica , 22, fasc. 1–2 (janeiro a junho): 8–35.
  • Bowles, Edmund A. 1954. "Haut e Bas: O Agrupamento de Instrumentos Musicais na Idade Média". Musica Disciplina 8: 115–40.
  • Brown, Howard M. Música na Renascença . Englewood Cliffs, NJ: Prentice Hall, 1976. ISBN  0-13-608497-4
  • J. Peter Burkholder. "Pegando emprestado." Grove Music Online. Oxford Music Online, nd Obtido em 30 de setembro de 2011.
  • Classen, Albrecht. "A irreprimibilidade do sexo ontem e hoje". Em Sexuality in the Middle Ages and Early Modern Times , editado por Albrecht Classen, 44-47. Sl: Walter de Gruyter, 2008. ISBN  978-3-11-020940-2
  • Emmerson, Richard Kenneth e Sandra Clayton-Emmerson. Figuras-chave na Europa Medieval: Uma Enciclopédia . [New York?]: Routledge, 2006. ISBN  978-0-415-97385-4
  • Fenlon, Iain, ed. (1989). O Renascimento: da década de 1470 ao final do século XVI . Homem e música. 2 . Englewood Cliffs, NJ: Prentice Hall. ISBN 978-0-13-773417-7.
  • Fuller, Richard. 2010. Renaissance Music (1450–1600) . GCSE Music Notes, em rpfuller.com (14 de janeiro, acessado em 14 de outubro de 2014).
  • Gleason, Harold e Becker, Warren. Música na Idade Média e Renascença (Music Literature Outlines Series I). Bloomington, IN: Frangipani Press, 1986. ISBN  0-89917-034-X
  • Judd, Cristle Collins, ed. Estruturas tonais da música antiga . Nova York: Garland Publishing, 1998. ISBN  0-8153-2388-3
  • Lockwood, Lewis, Noel O'Regan e Jessie Ann Owens . "Palestrina, Giovanni Pierluigi da." Grove Music Online. Oxford Music Online, nd Obtido em 30 de setembro de 2011.
  • Montagu, Jeremy. "Instrumentos renascentistas". The Oxford Companion to Music , editado por Alison Latham. Oxford Music Online. Recuperado em 30 de setembro de 2011.
  • Munrow, David . Notas para a gravação de Dufay: Misss "Se la face ay pale" . Early Music Consort of London. (1974)
  • Munrow, David. Instrumentos da Idade Média e Renascença . Londres: Oxford University Press, 1976.
  • OED. "Renascença" . Oxford English Dictionary (ed. Online). Imprensa da Universidade de Oxford. (É necessária uma assinatura ou associação a uma instituição participante .)
  • Ongaro, Giulio. Música do Renascimento . Westport, Connecticut: Greenwood Press, 2003.
  • Planchart, Alejandro Enrique (2001). "Du Fay [Dufay; Du Fayt], Guillaume" . Grove Music Online . Oxford, Inglaterra: Oxford University Press . doi : 10.1093 / gmo / 9781561592630.artigo.08268 . (assinatura ou associação à biblioteca pública do Reino Unido necessária)
  • Pryer A. 1983. "Dufay". Em The New Oxford Companion to Music , editado por Arnold.
  • Reese, Gustave (1959). Music in the Renaissance (ed. Revisada). Nova York, Nova York: WW Norton & Company . ISBN 978-0-393-09530-2.
  • Stolba, Marie (1990). O Desenvolvimento da Música Ocidental: Uma História . Dubuque: WC Brown. ISBN 978-0-697-00182-5. Leonel Power (c. 1375-1445) foi um dos dois principais compositores da música inglesa entre 1410 e 1445. O outro foi John Dunstaple.
  • Strunk, Oliver. Leituras de fontes na história da música . Nova York: WW Norton, 1950.
  • Fundação Orpheon, Viena, Áustria

links externos

Performance moderna