Artes performáticas - Performing arts

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A dança é um tipo de arte performática praticada em todo o mundo.

As artes cênicas são artes como música, dança e drama que são representadas para um público. É diferente das artes visuais , que é quando os artistas usam tintas, telas ou vários materiais para criar objetos de arte físicos ou estáticos . As artes cênicas incluem uma variedade de disciplinas que são apresentadas para uma platéia ao vivo, incluindo teatro, música e dança.

Teatro, música, dança e manipulação de objetos e outros tipos de apresentações estão presentes em todas as culturas humanas. A história da música e da dança remonta aos tempos pré-históricos, enquanto as habilidades circenses datam, pelo menos, do Egito Antigo . Muitas artes cênicas são realizadas profissionalmente. A apresentação pode ser em edifícios construídos especificamente, como teatros e óperas, em palcos ao ar livre em festivais, em palcos em tendas como circos e na rua.

Apresentações ao vivo diante de uma platéia são uma forma de entretenimento. O desenvolvimento da gravação de áudio e vídeo tem permitido o consumo privado das artes performativas.

As artes performáticas geralmente buscam expressar as emoções e os sentimentos de alguém.

Performers

Artistas performáticos em Kyoto, Japão

Artistas que participam de artes cênicas diante de um público são chamados de performers. Exemplos disso incluem atores, comediantes, dançarinos, mágicos , artistas de circo , músicos e cantores. As artes cênicas também são apoiadas por trabalhadores em áreas afins, como composição, coreografia e encenação .

Um artista que se destaca em atuação, canto e dança é comumente referido como uma ameaça tripla . Exemplos bem conhecidos de artistas de ameaças triplas históricas incluem Gene Kelly , Fred Astaire , Judy Garland , Sammy Davis Jr. , Beyoncé , Madonna , Jennifer Lopez , Justin Timberlake , Selena Gomez e Lady Gaga .

Performers muitas vezes adaptar a sua aparência , como com trajes e maquiagem , iluminação de palco e som.

Tipos

As artes cênicas podem incluir dança, música, ópera, teatro e teatro musical, mágica , ilusão , mímica , palavra falada , fantoches , artes circenses , arte performática.

Existe também uma forma especializada de artes plásticas, na qual os artistas apresentam suas obras ao vivo para o público. Isso é chamado de arte performática. A maior parte da arte performática também envolve alguma forma de arte plástica, talvez na criação de adereços . A dança foi muitas vezes referida como uma arte plástica durante a era da dança moderna .

Teatro

O teatro é o ramo das artes cênicas que se preocupa em representar histórias diante de um público, usando uma combinação de fala, gesto, música, dança, som e espetáculo. Qualquer um ou mais desses elementos são considerados artes cênicas. Além do estilo de diálogo narrativa padrão de peças de teatro, teatro toma formas tais como peças de teatro, musicais, ópera, ballet, ilusão , mímica , dança clássica indiana , kabuki , peças mummers , teatro de improvisação , comédia, pantomima e não-convencional ou formas contemporâneas como teatro pós-moderno , teatro pós- dramático ou arte performática.

Dança

No contexto das artes cênicas, a dança geralmente se refere ao movimento humano , tipicamente rítmico e à música, usado como uma forma de entretenimento do público em um ambiente performático. As definições do que constitui dança dependem de restrições sociais , culturais , estéticas , artísticas e morais e variam de movimento funcional (como dança folclórica ) a técnicas virtuosas codificadas como balé.

Existe uma outra forma moderna de dança que surgiu nos séculos XIX e XX com o nome de estilo Dança Livre. Essa forma de dança foi estruturada para criar uma personalidade harmoniosa que incluía características como liberdade física e espiritual. Isadora Duncan foi a primeira dançarina a discutir sobre a "mulher do futuro" e desenvolveu um novo vetor de coreografia usando a ideia de Nietzsche de "mente suprema em mente livre".

A dança é um impulso poderoso, mas a arte da dança é aquele impulso canalizado por artistas habilidosos para algo que se torna intensamente expressivo e que pode deliciar os espectadores que não têm vontade de dançar. Esses dois conceitos da arte da dança - dança como um impulso poderoso e dança como uma arte habilmente coreografada praticada em grande parte por poucos profissionais - são as duas ideias de conexão mais importantes que perpassam qualquer consideração do assunto. Na dança, a conexão entre os dois conceitos é mais forte do que em algumas outras artes, e nenhum pode existir sem o outro.

Coreografia é a arte de fazer danças, e quem a pratica é chamado de coreógrafo.

Música

A música é uma forma de arte que combina tom , ritmo e dinâmica para criar som. Pode ser executada com uma variedade de instrumentos e estilos e é dividida em gêneros como folk , jazz , hip hop , pop e rock, etc. Como uma forma de arte, a música pode ocorrer em formatos ao vivo ou gravados e pode ser planejada ou improvisado.

Sófocles , conforme descrito no familjebok de Nordisk .

Como a música é uma arte multiforme, ela se coordena facilmente com as palavras para as canções, assim como os movimentos físicos fazem na dança. Além disso, tem a capacidade de moldar o comportamento humano à medida que impacta nossas emoções.

História

Artes cênicas ocidentais

A partir do século 6 aC, o período clássico da arte performática começou na Grécia , inaugurado por poetas trágicos como Sófocles . Esses poetas escreveram peças que, em alguns casos, incorporavam a dança (ver Eurípides ). O período helenístico deu início ao uso generalizado da comédia.

No entanto, por volta do século 6 dC, as artes cênicas ocidentais foram praticamente encerradas, com o início da Idade das Trevas . Entre o século IX e o século XIV, a arte performática no Ocidente se limitou a encenações históricas religiosas e peças morais , organizadas pela Igreja em comemoração aos dias santos e outros eventos importantes.

Renascimento

No século XV, as artes performativas, juntamente com as artes em geral, viram um renascimento à medida que o Renascimento começou na Itália e se espalhou por toda a Europa, algumas das quais incorporavam dança, as quais eram apresentadas e Domenico da Piacenza creditado com o primeiro uso do termo ballo (em De Arte Saltandi et Choreas Ducendi ) em vez de danza (dança) para seu baletti ou balli . O termo acabou se tornando Ballet . Acredita- se que o primeiro Ballet per se seja o Ballet Comique de la Reine de Balthasar de Beaujoyeulx (1581).

Trupe da Commedia dell'arte em um vagão , de Jan Miel , 1640

Em meados do século 16, a Commedia Dell'arte tornou-se popular na Europa, introduzindo o uso da improvisação . Este período também introduziu a máscara elisabetana , apresentando música, dança e trajes elaborados, bem como companhias teatrais profissionais na Inglaterra. As peças de William Shakespeare no final do século 16 se desenvolveram a partir dessa nova classe de desempenho profissional.

Em 1597, a primeira ópera, Dafne foi apresentada e ao longo do século 17, a ópera rapidamente se tornaria o entretenimento de escolha para a aristocracia na maior parte da Europa e, eventualmente, para um grande número de pessoas que viviam em cidades e vilas por toda a Europa.

Era moderna

A introdução do arco do proscênio na Itália durante o século 17 estabeleceu a forma de teatro tradicional que persiste até hoje. Enquanto isso, na Inglaterra, os puritanos proibiram a atuação, interrompendo as artes cênicas que durou até 1660. Depois disso, as mulheres começaram a aparecer em peças francesas e inglesas. Os franceses introduziram a instrução formal de dança no final do século XVII.

É também nessa época que as primeiras peças foram apresentadas nas colônias americanas .

Durante o século 18, a introdução da popular ópera buffa trouxe a ópera para as massas como uma forma acessível de performance. Mozart 's As Bodas de Fígaro e Don Giovanni são marcos da ópera do século final dos anos 18.

Na virada do século 19, Beethoven e o movimento romântico inauguraram uma nova era que levou primeiro aos espetáculos da grande ópera e depois aos dramas musicais de Giuseppe Verdi e ao Gesamtkunstwerk (obra de arte total) das óperas de Richard Wagner levando diretamente para a música do século XX.

O século 19 foi um período de crescimento das artes cênicas para todas as classes sociais, avanços técnicos como a introdução da luz a gás nos teatros, burlesco , dança de menestrel e teatro de variedades. No balé, as mulheres fazem um grande progresso na arte anteriormente dominada pelos homens.

Isadora Duncan , uma das criadoras da dança livre .

A dança moderna começou no final do século 19 e no início do século 20 em resposta às restrições do balé tradicional.

O "Sistema" de Konstantin Stanislavski revolucionou a atuação no início do século 20 e continua a ter uma grande influência nos atores do palco e da tela até os dias atuais. Tanto o impressionismo quanto o realismo moderno foram apresentados ao palco durante este período.

A chegada de Sergei Diaghilev 's Ballets Russes (1909-1929) revolucionou balé e artes do espectáculo em geral em todo o mundo ocidental, o mais importante através da ênfase de Diaghilev em colaboração, que trouxe coreógrafos, dançarinos, cenógrafos / artistas, compositores e músicos juntos para revitalizar e revolucionar o balé. É extremamente complexo.

Com a invenção do cinema no final do século 19 por Thomas Edison e o crescimento da indústria cinematográfica em Hollywood no início do século 20, o cinema se tornou um meio de atuação dominante ao longo dos séculos 20 e 21.

Rhythm and blues , um fenômeno cultural da América negra, tornou-se proeminente no início do século 20; influenciando uma variedade de estilos musicais populares posteriores internacionalmente.

Na década de 1930, Jean Rosenthal introduziu o que viria a ser a iluminação cênica moderna , mudando a natureza do palco quando o musical da Broadway se tornou um fenômeno nos Estados Unidos.

Pós-guerra

As artes performáticas pós-Segunda Guerra Mundial foram destacadas pelo ressurgimento do balé e da ópera no mundo ocidental.

Teatro de rua moderno em La Chaux-de-Fonds

O pós-modernismo nas artes cênicas dominou em grande medida a década de 1960.

Artes cênicas orientais

Médio Oriente

O primeiro evento teatral registrado data de 2000 aC com as peças de paixão do Egito Antigo . Esta história do deus Osíris era encenada anualmente em festivais por toda a civilização, marcando o conhecido início de uma longa relação entre teatro e religião.

As formas mais populares de teatro no mundo islâmico medieval eram o teatro de fantoches (que incluía fantoches de mão, peças de sombras e produções de marionetes ) e peças de paixão ao vivo conhecidas como ta'ziya , onde os atores reencenam episódios da história muçulmana . Em particular, as peças islâmicas xiitas giravam em torno do shaheed (martírio) dos filhos de Ali , Hasan ibn Ali e Husayn ibn Ali . As peças seculares ao vivo eram conhecidas como akhraja , gravadas na literatura adab medieval , embora fossem menos comuns do que as marionetes e o teatro ta'ziya .

Irã

No Irã, existem outras formas de eventos teatrais, como Naghali ( contação de histórias), ٰ Ru-Howzi , Siah-Bazi , Parde-Khani , Mareke giri .

Índia

Bharatanatyam, uma dança clássica indiana originada em Tamil Nadu
A dança folclórica Gotikua é uma das mais conhecidas apresentações realizadas por todos os grupos de meninos vestidos com trajes femininos indianos Saree

O teatro folclórico e a dramática remontam ao ritualismo religioso dos povos védicos no segundo milênio aC . Este teatro folclórico do passado nebuloso foi misturado com dança, comida, ritualismo, além de uma representação de eventos da vida diária. O último elemento fez dele a origem do teatro clássico dos tempos posteriores. Muitos historiadores, notavelmente DD Kosambi, Debiprasad Chattopadhyaya, Adya Rangacharaya, etc., referiram-se à prevalência do ritualismo entre as tribos indo-arianas em que alguns membros da tribo agiam como se fossem animais selvagens e alguns outros eram os caçadores. Aqueles que agiam como mamíferos como cabras, búfalos, renas, macacos, etc. eram perseguidos por aqueles que desempenhavam o papel de caçadores.

Bharata Muni (fl. Século V a 2 aC) foi um antigo escritor indiano mais conhecido por escrever o Natya Shastra de Bharata , um tratado teórico sobre artes cênicas indianas, incluindo teatro, dança, atuação e música, que foi comparado a Aristóteles é Poética . Bharata é freqüentemente conhecido como o pai das artes teatrais indianas. Sua Natya Shastra parece ser a primeira tentativa de desenvolver a técnica, ou melhor, a arte do drama de forma sistemática. O Natya Shastra nos diz não apenas o que deve ser retratado em um drama, mas como o retrato deve ser feito. O drama, como diz Bharata Muni, é a imitação dos homens e de seus atos ( loka-vritti ). Assim como os homens e seus atos devem ser respeitados no palco, o drama em sânscrito também é conhecido pelo termo roopaka , que significa representação.

O Ramayana e o Mahabharata podem ser considerados as primeiras peças reconhecidas que se originaram na Índia. Essas epopéias inspiraram os primeiros dramaturgos indianos e ainda hoje o fazem. Dramaturgos indianos como Bhāsa no século 2 aC escreveram peças fortemente inspiradas no Ramayana e no Mahabharata .

Kālidāsa, no século 1 aC, é indiscutivelmente considerado o maior dramaturgo da Índia antiga . Três famosas peças românticas escritas por Kālidāsa são o Mālavikāgnimitram ( Mālavikā e Agnimitra ), Vikramōrvaśīyam ( Referente a Vikrama e Urvashi ) e Abhijñānaśākuntala ( O Reconhecimento de Shakuntala ). O último foi inspirado em uma história do Mahabharata e é o mais famoso. Foi o primeiro a ser traduzido para o inglês e o alemão. Em comparação com Bhāsa, que se inspirou fortemente nos épicos, Kālidāsa pode ser considerado um dramaturgo original.

O próximo grande dramaturgo indiano foi Bhavabhuti (c. Século 7). Diz-se que ele escreveu as três peças seguintes: Malati-Madhava , Mahaviracharita e Uttar Ramacharita . Entre esses três, os dois últimos cobrem, entre eles, toda a epopéia do Ramayana . O poderoso imperador indiano Harsha (606-648) é creditado por ter escrito três peças: a comédia Ratnavali , Priyadarsika e o drama budista Nagananda . Muitos outros dramaturgos seguiram durante a Idade Média .

Havia muitas formas de arte performática na parte sul da Índia, Kerala é um estado com diferentes formas de arte como Koodiyattam , Nangyarkoothu , Kathakali , Chakyar koothu , Thirayattam e havia muitos artistas proeminentes como Painkulam Raman Chakyar e outros.

China

Drama de sombras de mãos, China

Há referências a espetáculos teatrais na China já em 1500 aC, durante a dinastia Shang ; frequentemente envolviam música, palhaçadas e exibições acrobáticas.

A dinastia Tang é também conhecida como "The Age of 1000 Entertainments". Durante esta época, o Imperador Xuanzong formou uma escola de atuação conhecida como Crianças do Jardim das Pêras para produzir uma forma de drama que era basicamente musical.

Durante a Dinastia Han, os fantoches de sombra surgiram pela primeira vez como uma forma reconhecida de teatro na China. Havia duas formas distintas de bonecos de sombra, cantonês do sul e pequinês do norte. Os dois estilos foram diferenciados pelo método de confecção dos bonecos e pelo posicionamento das hastes nos bonecos, em oposição ao tipo de jogo realizado pelos bonecos. Ambos os estilos geralmente representavam peças de grande aventura e fantasia, raramente esta forma estilizada de teatro era usada para propaganda política. Os fantoches cantoneses eram os maiores dos dois. Eles foram construídos com couro grosso que criava sombras mais substanciais. A cor simbólica também era muito prevalente; um rosto negro representava honestidade, um vermelho bravura. As hastes usadas para controlar os bonecos cantoneses foram fixadas perpendicularmente às cabeças dos bonecos. Assim, eles não foram vistos pelo público quando a sombra foi criada. Os bonecos de Pequim eram mais delicados e menores. Eles foram criados com couro fino e translúcido, geralmente retirado da barriga de um burro. Eles foram pintados com tintas vibrantes, portanto, projetam uma sombra muito colorida. As hastes finas que controlavam seus movimentos eram presas a uma coleira de couro no pescoço do boneco. As hastes corriam paralelas aos corpos da marionete e então giravam em um ângulo de noventa graus para se conectar ao pescoço. Embora essas hastes fossem visíveis quando a sombra foi projetada, elas foram colocadas fora da sombra do fantoche; assim, eles não interferiram na aparência da figura. As hastes fixadas nos pescoços facilitam o uso de várias cabeças com um corpo. Quando as cabeças não estavam sendo usadas, elas eram armazenadas em um livro de musselina ou caixa forrada de tecido. As cabeças eram sempre removidas à noite. Isso estava de acordo com a velha superstição de que, se deixados intactos, os bonecos ganhariam vida à noite. Alguns titereiros chegaram ao ponto de guardar as cabeças em um livro e os corpos em outro, para reduzir ainda mais a possibilidade de reanimar os bonecos. Diz-se que o teatro de fantoches de sombra atingiu seu ponto mais alto de desenvolvimento artístico no século 11 antes de se tornar uma ferramenta do governo.

Na dinastia Song , havia muitas peças populares envolvendo acrobacias e música. Estes se desenvolveram na dinastia Yuan em uma forma mais sofisticada com uma estrutura de quatro ou cinco atos. O drama Yuan se espalhou pela China e se diversificou em várias formas regionais, a mais conhecida das quais é a Ópera de Pequim, que ainda é popular hoje.

Tailândia

Hanuman em sua carruagem, uma cena do Ramakien em Wat Phra Kaew , Bangkok

Na Tailândia , é uma tradição desde a Idade Média encenar peças de teatro baseadas em enredos extraídos de épicos indianos. Em particular, a versão teatral do épico nacional da Tailândia, Ramakien , uma versão do Ramayana indiano , continua popular na Tailândia até hoje.

Camboja

No Camboja , as inscrições que datam do século 6 dC indicam evidências de dançarinos em um templo local e usando fantoches para peças religiosas. Na antiga capital Angkor Wat , histórias dos épicos indianos Ramayana e Mahabharata foram gravadas nas paredes de templos e palácios. Relevos semelhantes são encontrados em Borobudur, na Indonésia.

Japão

Jogo de kabuki
Desempenho em Kagoshima

Durante o século 14, havia pequenas companhias de atores no Japão que realizavam comédias curtas, às vezes vulgares. O diretor de uma dessas empresas, Kan'ami (1333–1384), tinha um filho, Zeami Motokiyo (1363–1443), considerado um dos melhores atores infantis do Japão. Quando a companhia de Kan'ami se apresentou para Ashikaga Yoshimitsu (1358-1408), o shōgun do Japão, ele implorou a Zeami que tivesse uma educação na corte para suas artes. Depois que Zeami sucedeu a seu pai, ele continuou a se apresentar e a adaptar seu estilo ao que hoje é o Noh . Uma mistura de pantomima e acrobacia vocal, o estilo de teatro Noh se tornou uma das formas mais refinadas de performance teatral do Japão.

O Japão, após um longo período de guerras civis e desordem política, estava unificado e em paz principalmente devido ao shōgun Tokugawa Ieyasu (1600-1668). No entanto, alarmado com o aumento do número de cristãos dentro do país devido aos esforços de proselitismo de missionários cristãos, ele cortou o contato do Japão com a Europa e a China e baniu o cristianismo. Quando a paz veio, um florescimento de influência cultural e a crescente classe mercantil exigiram seu próprio entretenimento. A primeira forma de teatro a florescer foi o Ningyō jōruri (comumente referido como Bunraku ). O fundador e principal contribuinte do Ningyō jōruri, Chikamatsu Monzaemon (1653–1725), transformou sua forma de teatro em uma verdadeira forma de arte. Ningyo Joruri é uma forma altamente estilizado do teatro usando fantoches, hoje cerca de 1 / 3 do tamanho de um ser humano. Os homens que controlam os bonecos treinam a vida inteira para se tornarem mestres titereiros, quando podem então operar a cabeça e o braço direito do boneco e optar por mostrar seus rostos durante a apresentação. Os outros titereiros, controlando os membros menos importantes da marionete, cobrem-se e cobrem o rosto com um terno preto, para sugerir sua invisibilidade. O diálogo é conduzido por uma única pessoa, que usa tons de voz e modos de falar variados para simular diferentes personagens. Chikamatsu escreveu milhares de peças durante sua vida, a maioria das quais ainda são usadas hoje.

O kabuki começou logo após o Bunraku, segundo a lenda uma atriz chamada Okuni, que viveu por volta do final do século XVI. A maior parte do material do kabuki veio do Noh e do Bunraku, e seus movimentos erráticos de dança também são um efeito do Bunraku. No entanto, o kabuki é menos formal e mais distante do que o Noh, mas muito popular entre o público japonês. Os atores são treinados em muitas coisas variadas, incluindo dança, canto, pantomima e até acrobacias. O Kabuki foi executado pela primeira vez por meninas, depois por meninos, e no final do século 16, as companhias de Kabuki eram compostas apenas por homens. Os homens que retrataram mulheres no palco foram treinados especificamente para extrair a essência de uma mulher em seus movimentos e gestos sutis.

História das artes performáticas africanas

História das artes performativas nas Américas

História das artes performativas na Oceania

Veja também

Referências

links externos