Opera - Opera

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La Scala de Milão

A ópera é uma forma de teatro em que a música é um componente fundamental e os papéis dramáticos são assumidos pelos cantores , mas é distinta do teatro musical . Essa "obra" (a tradução literal da palavra italiana "ópera") é normalmente uma colaboração entre um compositor e um libretista e incorpora uma série de artes cênicas , como atuação , cenário , figurino e, às vezes, dança ou balé . A apresentação é normalmente realizada em uma casa de ópera , acompanhada por uma orquestra ou conjunto musical menor , que desde o início do século 19 é liderado por um maestro .

A ópera é uma parte fundamental da tradição da música clássica ocidental . Originalmente entendida como uma peça inteiramente cantada, em contraste com uma peça com canções, a ópera passou a incluir vários gêneros , incluindo alguns que incluem o diálogo falado, como teatro musical , Singspiel e Opéra comique . Na ópera tradicional , os cantores empregam dois estilos de canto: recitativo , um estilo flexionado na fala e árias independentes . O século 19 viu o surgimento do drama musical contínuo .

A ópera se originou na Itália no final do século 16 (com o Dafne quase perdido de Jacopo Peri , produzido em Florença em 1598) especialmente a partir de obras de Claudio Monteverdi , notavelmente L'Orfeo , e logo se espalhou pelo resto da Europa: Heinrich Schütz na Alemanha, Jean-Baptiste Lully na França e Henry Purcell na Inglaterra ajudaram a estabelecer suas tradições nacionais no século XVII. No século 18, a ópera italiana continuou a dominar a maior parte da Europa (exceto a França), atraindo compositores estrangeiros como George Frideric Handel . A ópera séria era a forma de ópera italiana de maior prestígio, até que Christoph Willibald Gluck reagiu contra sua artificialidade com suas óperas de "reforma" na década de 1760. A figura mais famosa da ópera do final do século 18 é Wolfgang Amadeus Mozart , que começou com a ópera séria, mas é mais famosa por suas óperas cômicas italianas , especialmente As Bodas de Fígaro ( Le nozze di Figaro ), Don Giovanni e Così fan tutte , bem como Die Entführung aus dem Serail ( O Rapto do Seraglio ) e A Flauta Mágica ( Die Zauberflöte ), marcos na tradição alemã.

O primeiro terço do século 19 viu o auge do estilo do bel canto , com Gioachino Rossini , Gaetano Donizetti e Vincenzo Bellini criando obras de assinatura desse estilo. Ele também viu o advento da grande ópera tipificada pelas obras de Daniel Auber e Giacomo Meyerbeer , bem como a introdução de Carl Maria von Weber da Romantische Oper (Ópera Romântica Alemã). A metade do século 19 foi uma época de ouro da ópera, liderada e dominada por Giuseppe Verdi na Itália e Richard Wagner na Alemanha. A popularidade da ópera continuou durante a era do verismo na Itália e da ópera francesa contemporânea até Giacomo Puccini e Richard Strauss no início do século XX. Durante o século 19, tradições operísticas paralelas surgiram na Europa Central e Oriental, particularmente na Rússia e na Boêmia . O século 20 viu muitos experimentos com estilos modernos, como atonalidade e serialismo ( Arnold Schoenberg e Alban Berg ), Neoclassicismo ( Igor Stravinsky ) e Minimalismo ( Philip Glass e John Adams ). Com o surgimento da tecnologia de gravação , cantores como Enrico Caruso e Maria Callas tornaram-se conhecidos por um público muito mais amplo que ia além do círculo de fãs de ópera. Desde a invenção do rádio e da televisão, as óperas também eram apresentadas (e escritas para) essas mídias. A partir de 2006, várias casas de ópera importantes começaram a apresentar transmissões de vídeo em alta definição ao vivo de suas apresentações em cinemas de todo o mundo. Desde 2009, apresentações completas podem ser baixadas e transmitidas ao vivo .

Terminologia de operação

As palavras de uma ópera são conhecidas como libreto (literalmente "livrinho"). Alguns compositores, principalmente Wagner, escreveram seus próprios libretos; outros trabalharam em estreita colaboração com seus libretistas, por exemplo, Mozart com Lorenzo Da Ponte . A ópera tradicional, muitas vezes referida como " ópera numérica ", consiste em dois modos de cantar: recitativo , as passagens que guiam a trama cantadas em um estilo projetado para imitar e enfatizar as inflexões da fala, e ária (uma "música" ou canção formal ) em que os personagens expressam suas emoções em um estilo melódico mais estruturado. Frequentemente ocorrem duetos vocais, trios e outros conjuntos, e refrões são usados ​​para comentar a ação. Em algumas formas de ópera, como singspiel , opéra comique , operetta e semi-ópera , o recitativo é geralmente substituído pelo diálogo falado. As passagens melódicas ou semimelódicas que ocorrem no meio de, ou em vez de, recitativo, também são chamadas de arioso . A terminologia dos vários tipos de vozes operáticas é descrita em detalhes abaixo . Tanto no período barroco como no clássico, o recitativo podia aparecer em duas formas básicas, cada uma delas acompanhada por um conjunto instrumental diferente: o secco (seco) recitativo, cantado em ritmo livre ditado pelo acento das palavras, acompanhado apenas do baixo contínuo , que geralmente era um cravo e um violoncelo; ou Accompagnato (também conhecido como strumentato ) em que a orquestra fazia o acompanhamento. Ao longo do século XVIII, as árias foram cada vez mais acompanhadas pela orquestra. No século 19, o Accompagnato havia ganhado a vantagem, a orquestra desempenhou um papel muito maior e Wagner revolucionou a ópera ao abolir quase todas as distinções entre ária e recitativo em sua busca pelo que Wagner chamou de "melodia sem fim". Os compositores subsequentes tenderam a seguir o exemplo de Wagner, embora alguns, como Stravinsky em seu The Rake's Progress, tenham contrariado a tendência. A mudança do papel da orquestra na ópera é descrita com mais detalhes a seguir .

História

Origens

A palavra italiana ópera significa "trabalho", tanto no sentido de trabalho realizado quanto de resultado produzido. A palavra italiana deriva da ópera latina , um substantivo no singular que significa "trabalho" e também o plural do substantivo opus . De acordo com o Oxford English Dictionary , a palavra italiana foi usada pela primeira vez no sentido de "composição na qual poesia, dança e música são combinadas" em 1639; o primeiro uso do inglês registrado neste sentido data de 1648.

Dafne de Jacopo Peri foi a primeira composição considerada ópera, como entendida hoje. Foi escrito por volta de 1597, em grande parte sob a inspiração de um círculo de elite de humanistas florentinos letrados que se reuniram como a " Camerata de 'Bardi ". Significativamente, Dafne foi uma tentativa de reviver o drama grego clássico , parte de um renascimento mais amplo da Antiguidade, característico da Renascença . Os membros da Camerata consideraram que as partes do "coro" dos dramas gregos foram cantadas originalmente, e possivelmente até mesmo o texto inteiro de todos os papéis; a ópera foi concebida como uma forma de "restaurar" essa situação. Dafne, no entanto, está perdido. Uma obra posterior de Peri, Eurídice , datada de 1600, é a primeira partitura de ópera que sobreviveu até os dias atuais. A honra de ser a primeira ópera ainda a ser realizada regularmente, no entanto, vai para Claudio Monteverdi 's L'Orfeo , composta para a corte de Mantua em 1607. O Mantua corte do Gonzaga , os empregadores de Monteverdi, desempenhou um papel significativo na a origem da ópera empregando não apenas cantores da corte do concerto delle donne (até 1598), mas também um dos primeiros "cantores de ópera" reais, Madama Europa .

Ópera italiana

Era barroca

Teatro barroco privado em Český Krumlov

A ópera não permaneceu confinada ao público do tribunal por muito tempo. Em 1637, a ideia de uma "temporada" (muitas vezes durante o carnaval ) de óperas assistidas publicamente apoiadas pela venda de ingressos surgiu em Veneza . Monteverdi mudou-se de Mântua para a cidade e compôs suas últimas óperas, Il ritorno d'Ulisse in patria e L'incoronazione di Poppea , para o teatro veneziano na década de 1640. Seu seguidor mais importante, Francesco Cavalli, ajudou a espalhar a ópera pela Itália. Nessas primeiras óperas barrocas, a ampla comédia foi misturada com elementos trágicos em uma mistura que abalou algumas sensibilidades educadas, desencadeando o primeiro dos muitos movimentos de reforma da ópera, patrocinado pela Academia Arcadiana , que passou a ser associada ao poeta Metastasio , cujos libretos ajudaram cristalizar o gênero da ópera séria , que se tornou a forma principal da ópera italiana até o final do século XVIII. Uma vez que o ideal metastasiano foi firmemente estabelecido, a comédia na ópera da era barroca foi reservada para o que veio a ser chamado de ópera bufa . Antes de tais elementos serem expulsos da ópera séria, muitos libretos apresentavam um enredo cômico se desenrolando separadamente como uma espécie de "ópera dentro da ópera". Uma das razões para isso foi uma tentativa de atrair membros da crescente classe de comerciantes, recentemente ricos, mas ainda não tão cultos quanto a nobreza, para as casas de ópera públicas . Essas tramas separadas foram quase imediatamente ressuscitadas em uma tradição em desenvolvimento separado que derivou em parte da commedia dell'arte , uma tradição de palco improvisada de longa data na Itália. Assim como os intermedi já haviam sido representados entre os atos das peças de teatro, as óperas do novo gênero cômico do intermezzi , que se desenvolveu amplamente em Nápoles nas décadas de 1710 e 1720, foram inicialmente encenadas durante os intervalos da ópera séria. Eles se tornaram tão populares, no entanto, que logo foram oferecidos como produções separadas.

A ópera séria tinha um tom elevado e uma forma altamente estilizada, geralmente consistindo em secco recitativo intercalado com longas árias da capo . Isso proporcionou uma grande oportunidade para o canto virtuoso e, durante a era de ouro da ópera séria, o cantor realmente se tornou a estrela. O papel do herói costumava ser escrito para a aguda voz masculina de castrato , produzida pela castração do cantor antes da puberdade , o que impedia que a laringe de um menino se transformasse na puberdade. Castrati, como Farinelli e Senesino , bem como sopranos como Faustina Bordoni , tornaram-se muito procurados em toda a Europa à medida que a ópera séria dominava os palcos em todos os países, exceto na França. Farinelli foi um dos cantores mais famosos do século XVIII. A ópera italiana estabeleceu o padrão barroco. Os libretos italianos eram a norma, mesmo quando um compositor alemão como Handel se viu compondo nomes como Rinaldo e Giulio Cesare para o público londrino. Os libretos italianos também permaneceram dominantes no período clássico , por exemplo nas óperas de Mozart , que escreveu em Viena perto do fim do século. Os principais compositores italianos de ópera séria incluem Alessandro Scarlatti , Antonio Vivaldi e Nicola Porpora .

Reformas de Gluck e Mozart

Ilustração para a partitura da versão original de Viena de Orfeo ed Euridice

A ópera séria tinha suas fraquezas e críticas. O gosto pelo embelezamento por parte dos cantores soberbamente treinados e o uso do espetáculo como substituto da pureza e unidade dramáticas atraíram ataques. O Ensaio sobre a ópera de Francesco Algarotti (1755) provou ser uma inspiração para as reformas de Christoph Willibald Gluck . Ele defendeu que a opera seria tinha que retornar ao básico e que todos os vários elementos - música (instrumental e vocal), balé e encenação - deveriam ser subservientes ao drama dominante. Em 1765, Melchior Grimm publicou " Poème lyrique ", um artigo influente para a Encyclopédie sobre libretos líricos e de ópera . Vários compositores do período, incluindo Niccolò Jommelli e Tommaso Traetta , tentaram colocar esses ideais em prática. O primeiro a ter sucesso, entretanto, foi Gluck. Gluck se esforçou para alcançar uma "bela simplicidade". Isso é evidente em sua primeira ópera reformista, Orfeo ed Euridice , onde suas melodias vocais não virtuosísticas são apoiadas por harmonias simples e uma presença orquestral mais rica.

As reformas de Gluck tiveram ressonância ao longo da história operística. Weber, Mozart e Wagner, em particular, foram influenciados por seus ideais. Mozart, em muitos aspectos o sucessor de Gluck, combinou um excelente senso de drama, harmonia, melodia e contraponto para escrever uma série de óperas cômicas com libretos de Lorenzo Da Ponte , notavelmente Le nozze di Figaro , Don Giovanni e Così fan tutte , que permanecem entre as óperas mais amadas, populares e conhecidas. Mas a contribuição de Mozart para a ópera séria foi mais mista; com o tempo, ela estava morrendo e, apesar de obras excelentes como Idomeneo e La clemenza di Tito , ele não conseguiria trazer a forma de arte de volta à vida.

Bel canto, Verdi e verismo

Giuseppe Verdi, de Giovanni Boldini , 1886

O movimento da ópera do bel canto floresceu no início do século 19 e é exemplificado pelas óperas de Rossini , Bellini , Donizetti , Pacini , Mercadante e muitos outros. Literalmente "belo canto", a ópera de bel canto deriva da escola italiana de canto estilístico de mesmo nome. As linhas do Bel canto são tipicamente floridas e intrincadas, exigindo agilidade suprema e controle de tom. Exemplos de óperas famosas no estilo do bel canto incluem Il barbiere di Siviglia e La Cenerentola de Rossini , bem como Norma de Bellini , La sonnambula e I puritani e Lucia di Lammermoor de Donizetti , L'elisir d'amore e Don Pasquale .

Após a era do bel canto, um estilo mais direto e contundente foi rapidamente popularizado por Giuseppe Verdi , começando com sua ópera bíblica Nabucco . Esta ópera, e as que viriam na carreira de Verdi, revolucionaram a ópera italiana, transformando-a de mera exibição de fogos de artifício vocais, com as obras de Rossini e Donizetti, para contação de histórias dramáticas. As óperas de Verdi ressoaram com o espírito crescente do nacionalismo italiano na era pós- napoleônica , e ele rapidamente se tornou um ícone do movimento patriótico por uma Itália unificada. No início da década de 1850, Verdi produziu suas três óperas mais populares: Rigoletto , Il trovatore e La traviata . O primeiro deles, Rigoletto , revelou-se o mais ousado e revolucionário. Nele, Verdi confunde a distinção entre ária e recitativo como nunca antes, levando a ópera a ser "uma seqüência interminável de duetos". La traviata também era nova. Conta a história de uma cortesã e é freqüentemente citada como uma das primeiras óperas "realistas", porque, em vez de apresentar grandes reis e figuras da literatura, enfoca as tragédias da vida cotidiana e da sociedade. Depois disso, ele continuou a desenvolver seu estilo, compondo talvez a maior grande ópera francesa , Don Carlos , e encerrando sua carreira com duas obras inspiradas em Shakespeare , Otello e Falstaff , que revelam o quanto a ópera italiana cresceu em sofisticação desde o início do século XIX século. Essas duas obras finais mostraram Verdi em sua orquestração mais magistral, e são incrivelmente influentes e modernas. Em Falstaff , Verdi estabelece o padrão preeminente para a forma e o estilo que dominariam a ópera ao longo do século XX. Em vez de longas melodias suspensas, Falstaff contém muitos pequenos motivos e lemas, que, em vez de serem expandidos, são introduzidos e posteriormente abandonados, apenas para serem trazidos novamente mais tarde. Esses motivos nunca são expandidos, e assim como o público espera que um personagem comece uma longa melodia, um novo personagem fala, introduzindo uma nova frase. Este estilo de ópera dirigiu ópera de Verdi em diante, exercendo uma tremenda influência sobre seus sucessores Giacomo Puccini , Richard Strauss e Benjamin Britten .

Depois de Verdi, o melodrama sentimental "realista" do verismo apareceu na Itália. Este foi um estilo introduzido por Pietro Mascagni 's Cavalleria rusticana e Ruggero Leoncavallo ' s Pagliacci que passou a dominar palcos de ópera do mundo, com obras populares como Giacomo Puccini 's La bohème , Tosca e Madama Butterfly . Posteriormente, compositores italianos, como Berio e Nono , fizeram experiências com o modernismo .

Ópera de língua alemã

A Rainha da Noite em uma produção de 1815 de Die Zauberflöte de Mozart

A primeira ópera alemã foi Dafne , composta por Heinrich Schütz em 1627, mas a partitura musical não sobreviveu. A ópera italiana teve grande influência nos países de língua alemã até o final do século XVIII. No entanto, as formas nativas se desenvolveriam apesar dessa influência. Em 1644, Sigmund Staden produziu o primeiro Singspiel , Seelewig , uma forma popular de ópera em alemão em que o canto se alterna com o diálogo falado. No final do século 17 e início do século 18, o Theatre am Gänsemarkt em Hamburgo apresentava óperas alemãs de Keizer , Telemann e Handel . No entanto, a maioria dos principais compositores alemães da época, incluindo o próprio Handel, bem como Graun , Hasse e mais tarde Gluck , optaram por escrever a maioria de suas óperas em línguas estrangeiras, especialmente em italiano. Em contraste com a ópera italiana, que geralmente era composta para a classe aristocrática, a ópera alemã era geralmente composta para as massas e tendia a apresentar melodias folclóricas simples, e foi somente com a chegada de Mozart que a ópera alemã foi capaz de igualar a sua Contraparte italiana em sofisticação musical. A companhia de teatro de Abel Seyler foi pioneira na ópera em alemão sério na década de 1770, marcando uma ruptura com o entretenimento musical anterior, mais simples.

Richard Wagner

Mozart 's Singspiele , Die Entführung aus dem Serail (1782) e Die Zauberflöte (1791) foram um importante avanço na obtenção de reconhecimento internacional para a ópera alemã. A tradição foi desenvolvida no século 19 por Beethoven com seu Fidelio (1805), inspirado no clima da Revolução Francesa . Carl Maria von Weber estabeleceu a ópera romântica alemã em oposição ao domínio do bel canto italiano . Seu Der Freischütz (1821) mostra seu gênio para criar uma atmosfera sobrenatural. Outros compositores de ópera da época incluem Marschner , Schubert e Lortzing , mas a figura mais significativa foi, sem dúvida, Wagner .

Brünnhilde se joga na pira funerária de Siegfried na
Götterdämmerung de Wagner

Wagner foi um dos compositores mais revolucionários e controversos da história da música. Começando sob a influência de Weber e Meyerbeer , ele gradualmente desenvolveu um novo conceito de ópera como uma Gesamtkunstwerk (uma "obra de arte completa"), uma fusão de música, poesia e pintura. Ele aumentou muito o papel e o poder da orquestra, criando partituras com uma complexa teia de leitmotifs , temas recorrentes frequentemente associados aos personagens e conceitos do drama, dos quais protótipos podem ser ouvidos em suas primeiras óperas, como Der fliegende Holländer , Tannhäuser e Lohengrin ; e ele estava preparado para violar convenções musicais aceitas, como tonalidade , em sua busca por maior expressividade. Em seus dramas musicais maduros, Tristão e Isolda , Die Meistersinger von Nürnberg , Der Ring des Nibelungen e Parsifal , ele aboliu a distinção entre ária e recitativo em favor de um fluxo contínuo de "melodia sem fim". Wagner também trouxe uma nova dimensão filosófica à ópera em suas obras, que geralmente eram baseadas em histórias de lendas germânicas ou arturianas . Finalmente, Wagner construiu sua própria casa de ópera em Bayreuth com parte do patrocínio de Ludwig II da Baviera , exclusivamente dedicado a executar suas próprias obras no estilo que desejava.

A ópera nunca mais seria a mesma depois de Wagner e para muitos compositores seu legado foi um fardo pesado. Por outro lado, Richard Strauss aceitou as idéias wagnerianas, mas as levou em direções totalmente novas, junto com a incorporação da nova forma introduzida por Verdi. Ele ganhou fama pela primeira vez com o escandaloso Salomé e a negra tragédia Elektra , em que a tonalidade foi levada ao limite. Em seguida, Strauss mudou de rumo em seu maior sucesso, Der Rosenkavalier , onde Mozart e as valsas vienenses se tornaram uma influência tão importante quanto Wagner. Strauss continuou a produzir um corpo altamente variado de obras operísticas, muitas vezes com libretos do poeta Hugo von Hofmannsthal . Outros compositores que fizeram contribuições individuais para a ópera alemã no início do século 20 incluem Alexander von Zemlinsky , Erich Korngold , Franz Schreker , Paul Hindemith , Kurt Weill e o italiano Ferruccio Busoni . As inovações operísticas de Arnold Schoenberg e seus sucessores são discutidas na seção sobre modernismo .

Durante o final do século 19, o compositor austríaco Johann Strauss II , um admirador dos franceses -language operetas compostas por Jacques Offenbach , compôs várias operetas de língua alemã, o mais famoso dos quais era Die Fledermaus . No entanto, em vez de copiar o estilo de Offenbach, as operetas de Strauss II tinham um sabor distintamente vienense .

Ópera francesa

Uma apresentação da ópera Armide de Lully na Salle du Palais-Royal em 1761

Em rivalidade com as produções de ópera italianas importadas, uma tradição francesa separada foi fundada pelo italiano Jean-Baptiste Lully na corte do rei Luís XIV . Apesar de sua origem estrangeira, Lully estabeleceu uma Academia de Música e monopolizou a ópera francesa a partir de 1672. Começando com Cadmus et Hermione , Lully e seu libretista Quinault criaram a tragédie en musique , uma forma em que a música dance e a escrita coral eram particularmente proeminentes. As óperas de Lully também mostram uma preocupação com o recitativo expressivo que condiz com os contornos da língua francesa. No século 18, o sucessor mais importante de Lully foi Jean-Philippe Rameau , que compôs cinco tragédies en musique , bem como inúmeras obras em outros gêneros, como opéra-ballet , todos notáveis ​​por sua rica orquestração e ousadia harmônica. Apesar da popularidade da ópera séria italiana em grande parte da Europa durante o período barroco, a ópera italiana nunca ganhou muito espaço na França, onde sua própria tradição operística nacional era mais popular. Após a morte de Rameau, o alemão Gluck foi persuadido a produzir seis óperas para o palco parisiense na década de 1770. Eles mostram a influência de Rameau, mas simplificados e com maior foco no drama. Ao mesmo tempo, em meados do século 18, outro gênero estava ganhando popularidade na França: a opéra comique . Era o equivalente ao singspiel alemão , onde árias se alternavam com o diálogo falado. Exemplos notáveis ​​neste estilo foram produzidos por Monsigny , Philidor e, acima de tudo, Grétry . Durante o período revolucionário e napoleônico , compositores como Étienne Méhul , Luigi Cherubini e Gaspare Spontini , seguidores de Gluck, trouxeram uma nova seriedade ao gênero, que nunca foi totalmente "cômico" em qualquer caso. Outro fenômeno desse período foi a "ópera de propaganda" que celebrava os sucessos revolucionários, por exemplo , Le triomphe de la République de Gossec (1793).

Na década de 1820, a influência Gluckian na França tinha dado lugar a um gosto para italiana do bel canto , especialmente após a chegada de Rossini , em Paris . Guillaume Tell de Rossini ajudou a fundar o novo gênero da grande ópera , uma forma cujo expoente mais famoso foi outro estrangeiro, Giacomo Meyerbeer . As obras de Meyerbeer, como Les Huguenots , enfatizaram o canto virtuoso e extraordinários efeitos de palco. Lighter opéra comique também teve um tremendo sucesso nas mãos de Boïeldieu , Auber , Hérold e Adam . Nesse clima, as óperas do compositor francês Hector Berlioz lutaram para ser ouvidas. A obra-prima épica de Berlioz, Les Troyens , o ápice da tradição Gluckiana, não teve uma apresentação completa por quase cem anos.

Na segunda metade do século 19, Jacques Offenbach criou opereta com obras espirituosas e cínicas como Orphée aux enfers , bem como a ópera Les Contes d'Hoffmann ; Charles Gounod teve um grande sucesso com Fausto ; e Georges Bizet compôs Carmen , que, depois que o público aprendeu a aceitar sua mistura de romantismo e realismo, se tornou a mais popular de todas as óperas comiques. Jules Massenet , Camille Saint-Saëns e Léo Delibes todas compuseram obras que ainda fazem parte do repertório padrão, a exemplo de Manon de Massenet , Samson et Dalila de Saint-Saëns e Lakmé de Delibes . Suas óperas formaram outro gênero, a Opera Lyrique, combinando ópera comique e grande ópera. É menos grandioso do que a grande ópera, mas sem o diálogo falado da ópera comique. Ao mesmo tempo, a influência de Richard Wagner foi sentida como um desafio à tradição francesa. Muitos críticos franceses rejeitaram furiosamente os dramas musicais de Wagner, enquanto muitos compositores franceses os imitaram de perto com sucesso variável. Talvez a resposta mais interessante tenha vindo de Claude Debussy . Como nas obras de Wagner, a orquestra desempenha um papel principal na ópera única de Debussy, Pelléas et Mélisande (1902) e não há árias reais, apenas recitativas. Mas o drama é sutil, enigmático e completamente não wagneriano.

Outros nomes notáveis ​​do século 20 incluem Ravel , Dukas , Roussel , Honegger e Milhaud . Francis Poulenc é um dos poucos compositores do pós-guerra de qualquer nacionalidade cujas óperas (que incluem Dialogues des Carmélites ) ganharam espaço no repertório internacional. O longo drama sagrado de Olivier Messiaen , Saint François d'Assise (1983), também atraiu a atenção generalizada.

Ópera em inglês

Na Inglaterra, o antecedente da ópera foi o gabarito do século XVII . Esta foi uma sequência que veio no final de uma peça. Era frequentemente difamatório e escandaloso e consistia principalmente em diálogos com música arranjada a partir de melodias populares. Nesse sentido, os gabaritos antecipam as baladas óperas do século XVIII. Ao mesmo tempo, a máscara francesa estava ganhando força na corte inglesa, com um esplendor ainda mais luxuoso e um cenário altamente realista do que antes. Inigo Jones se tornou o designer por excelência dessas produções, e esse estilo dominaria o palco inglês por três séculos. Essas máscaras continham canções e danças. Em Ben Jonson 's amantes Feito Homens (1617), 'toda a masque foi cantada à maneira italiana, stilo recitativo'. A abordagem da Comunidade Inglesa fechou os teatros e interrompeu quaisquer desenvolvimentos que possam ter levado ao estabelecimento da ópera inglesa. No entanto, em 1656, o dramaturgo Sir William Davenant produziu O Cerco de Rodes . Como seu teatro não tinha licença para produzir drama, ele pediu a vários dos principais compositores ( Lawes , Cooke , Locke , Coleman e Hudson ) que musicassem partes dele. Este sucesso foi seguido por A Crueldade dos Espanhóis no Peru (1658) e A História de Sir Francis Drake (1659). Essas peças foram incentivadas por Oliver Cromwell porque eram críticas à Espanha. Com a Restauração inglesa , músicos estrangeiros (especialmente franceses) foram bem-vindos de volta. Em 1673, Thomas Shadwell 's Psyche , inspirado na' comédie-ballet 'de 1671 com o mesmo nome, produzida por Molière e Jean-Baptiste Lully . William Davenant produziu The Tempest no mesmo ano, que foi a primeira adaptação musical de uma peça de Shakespeare (composta por Locke e Johnson). Por volta de 1683, John Blow compôs Venus and Adonis , muitas vezes considerada a primeira verdadeira ópera em inglês.

O sucessor imediato de Blow foi o mais conhecido Henry Purcell . Apesar do sucesso de sua obra-prima Dido e Enéias (1689), em que a ação é promovida pelo uso de recitativos de estilo italiano, muitos dos melhores trabalhos de Purcell não estavam envolvidos na composição de óperas típicas, mas em vez disso, ele geralmente trabalhava dentro as restrições do formato de semi-ópera , em que cenas e máscaras isoladas estão contidas na estrutura de uma peça falada, como Shakespeare em A rainha das fadas de Purcell (1692) e Beaumont e Fletcher em A profetisa (1690) e Bonduca (1696) ) Os personagens principais da peça tendem a não se envolver nas cenas musicais, o que significa que Purcell raramente foi capaz de desenvolver seus personagens através da música. Apesar desses obstáculos, seu objetivo (e o de seu colaborador John Dryden ) era estabelecer uma ópera séria na Inglaterra, mas essas esperanças terminaram com a morte prematura de Purcell aos 36 anos.

Depois de Purcell, a popularidade da ópera na Inglaterra diminuiu por várias décadas. Um interesse renovado pela ópera ocorreu na década de 1730, que é amplamente atribuído a Thomas Arne , tanto por suas próprias composições quanto por alertar Handel para as possibilidades comerciais de obras de grande escala em inglês. Arne foi o primeiro compositor inglês a experimentar óperas cômicas cantadas em estilo italiano, com seu maior sucesso sendo Thomas e Sally em 1760. Sua ópera Artaxerxes (1762) foi a primeira tentativa de definir uma ópera séria completa em inglês e foi um grande sucesso, segurando o palco até a década de 1830. Embora Arne imitasse muitos elementos da ópera italiana, ele foi talvez o único compositor inglês na época que foi capaz de ir além das influências italianas e criar sua própria voz única e distintamente inglesa. Sua ópera balada modernizada, Love in a Village (1762), deu início à moda da ópera pastiche que durou até o século XIX. Charles Burney escreveu que Arne apresentou "uma melodia leve, arejada, original e agradável, totalmente diferente daquela de Purcell ou Handel, que todos os compositores ingleses haviam pilhado ou imitado".

O Mikado (litografia)

Além de Arne, a outra força dominante na ópera inglesa nessa época era George Frideric Handel , cujas séries de ópera encheram os palcos operísticos de Londres por décadas e influenciaram a maioria dos compositores locais, como John Frederick Lampe , que escreveu usando modelos italianos. Essa situação continuou ao longo dos séculos 18 e 19, inclusive na obra de Michael William Balfe , e as óperas dos grandes compositores italianos, bem como as de Mozart, Beethoven e Meyerbeer, continuaram a dominar o cenário musical na Inglaterra.

As únicas exceções foram óperas balada , como John Gay 's ópera do mendigo (1728), musicais burlesques , europeus operetas , e no final da era vitoriana óperas leves , nomeadamente o Savoy Óperas de WS Gilbert e Arthur Sullivan , todos os quais tipos de musical os entretenimentos frequentemente falsificavam as convenções operísticas. Sullivan escreveu apenas uma grande ópera, Ivanhoe (seguindo os esforços de uma série de jovens compositores ingleses começando por volta de 1876), mas afirmou que mesmo suas óperas leves constituíam parte de uma escola de ópera "inglesa", destinada a suplantar as operetas francesas ( geralmente executado em traduções ruins) que dominou o palco de Londres de meados do século 19 até a década de 1870. O Daily Telegraph de Londres concordou, descrevendo The Yeomen of the Guard como "uma ópera inglesa genuína, precursora de muitas outras, esperemos, e possivelmente significativa de um avanço em direção a um palco lírico nacional". Sullivan produziu algumas óperas leves na década de 1890 que eram de natureza mais séria do que as da série G&S, incluindo Haddon Hall e The Beauty Stone , mas Ivanhoe (que teve 155 apresentações consecutivas, usando elencos alternados - um recorde até La da Broadway bohème ) sobrevive como sua única grande ópera .

No século 20, a ópera inglesa começou a afirmar mais independência, com obras de Ralph Vaughan Williams e em particular de Benjamin Britten , que em uma série de obras que permanecem no repertório padrão até hoje, revelou um excelente talento para a dramática e musicalidade soberba. Mais recentemente, Sir Harrison Birtwistle emergiu como um dos compositores contemporâneos mais importantes da Grã-Bretanha, desde sua primeira ópera Punch and Judy até seu mais recente sucesso de crítica em O Minotauro . Na primeira década do século 21, o libretista de uma das primeiras óperas de Birtwistle, Michael Nyman , concentrou-se na composição de óperas, incluindo Facing Goya , Man and Boy: Dada e Love Counts . Hoje, compositores como Thomas Adès continuam a exportar ópera inglesa para o exterior.

Também no século 20, compositores americanos como George Gershwin ( Porgy and Bess ), Scott Joplin ( Treemonisha ), Leonard Bernstein ( Cândido ), Gian Carlo Menotti , Douglas Moore e Carlisle Floyd começaram a contribuir com óperas em inglês com toques de estilos musicais populares. Eles foram seguidos por compositores como Philip Glass ( Einstein na praia ), Mark Adamo , John Corigliano ( Os fantasmas de Versalhes ), Robert Moran , John Adams ( Nixon na China ), André Previn e Jake Heggie . Muitos compositores de ópera contemporâneos do século 21 surgiram, como Missy Mazzoli , Kevin Puts , Tom Cipullo , Huang Ruo , David T. Little , Terence Blanchard , Jennifer Higdon , Tobias Picker , Michael Ching e Ricky Ian Gordon .

Ópera russa

A ópera foi trazida para a Rússia na década de 1730 pelas trupes operísticas italianas e logo se tornou uma parte importante do entretenimento da corte imperial russa e da aristocracia . Muitos compositores estrangeiros como Baldassare Galuppi , Giovanni Paisiello , Giuseppe Sarti e Domenico Cimarosa (bem como vários outros) foram convidados para a Rússia para compor novas óperas, principalmente na língua italiana . Simultaneamente, alguns músicos domésticos como Maksym Berezovsky e Dmitry Bortniansky foram enviados ao exterior para aprender a escrever óperas. A primeira ópera escrita em russo foi Tsefal i Prokris , do compositor italiano Francesco Araja (1755). O desenvolvimento da ópera em língua russa foi apoiado pelos compositores russos Vasily Pashkevich , Yevstigney Fomin e Alexey Verstovsky .

No entanto, o verdadeiro nascimento da ópera russa veio com Mikhail Glinka e suas duas grandes óperas, A Life for the Tsar (1836) e Ruslan e Lyudmila (1842). Depois dele, durante o século 19 na Rússia, foram escritas obras-primas operísticas como Rusalka e The Stone Guest de Alexander Dargomyzhsky , Boris Godunov e Khovanshchina de Modest Mussorgsky , Príncipe Igor de Alexander Borodin , Eugene Onegin e A Rainha de Espadas de Pyotr Tchaikovsky e A donzela da neve e Sadko, de Nikolai Rimsky-Korsakov . Esses desenvolvimentos refletiram o crescimento do nacionalismo russo em todo o espectro artístico, como parte do movimento eslavofilismo mais geral .

No século 20, as tradições da ópera russa foram desenvolvidas por muitos compositores, incluindo Sergei Rachmaninoff em suas obras O Cavaleiro miserável e Francesca da Rimini , Igor Stravinsky em Le Rossignol , Mavra , Oedipus rex e The Rake's Progress , Sergei Prokofiev em The Gambler , O Amor por Três Laranjas , O Anjo de Fogo , Noivado em um Monastério e Guerra e Paz ; bem como Dmitri Shostakovich em The Nose e Lady Macbeth do distrito de Mtsensk , Edison Denisov em L'écume des jours , e Alfred Schnittke em Life with an Idiot e Historia von D. Johann Fausten .

Ópera checa

Os compositores tchecos também desenvolveram um próspero movimento de ópera nacional próprio no século 19, começando com Bedřich Smetana , que escreveu oito óperas, incluindo a internacionalmente popular The Bartered Bride . As oito óperas de Smetana criaram a base do repertório da ópera tcheca, mas dessas apenas A noiva trocada é apresentada regularmente fora da terra natal do compositor. Depois de chegar a Viena em 1892 e Londres em 1895, rapidamente se tornou parte do repertório de todas as grandes companhias de ópera em todo o mundo.

As nove óperas de Antonín Dvořák , exceto a primeira, têm libretos em tcheco e visavam transmitir o espírito nacional tcheco, assim como algumas de suas obras corais. De longe, a ópera de maior sucesso é Rusalka, que contém a conhecida ária "Měsíčku na nebi hlubokém" ("Canção à Lua"); é tocado em palcos de ópera contemporânea freqüentemente fora da República Tcheca . Isso se deve à sua invenção e libreto desiguais, e talvez também às suas exigências de encenação - Os jacobinos , Armida , Vanda e Dimitrij precisam de palcos grandes o suficiente para retratar exércitos invasores.

Partitura de
A noiva trocada de Smetana

Leoš Janáček ganhou reconhecimento internacional no século 20 por seus trabalhos inovadores. Suas últimas obras maduras incorporam seus estudos anteriores de música folclórica nacional em uma síntese moderna e altamente original, evidente pela primeira vez na ópera Jenůfa , que foi estreada em 1904 em Brno . O sucesso de Jenůfa (frequentemente chamada de " ópera nacional da Morávia ") em Praga em 1916 deu a Janáček acesso aos grandes palcos de ópera do mundo. As últimas obras de Janáček são as mais celebradas. Incluem óperas como Káťa Kabanová e A Raposinha Astuta , a Sinfonietta e a Missa Glagolítica .

Outras óperas nacionais

A Espanha também produziu sua própria forma distinta de ópera, conhecida como zarzuela , que teve duas flores separadas: uma de meados do século 17 a meados do século 18 e outra que começou por volta de 1850. Durante o final do século 18 até meados de No século 19, a ópera italiana era imensamente popular na Espanha, suplantando a forma nativa.

Na Europa Oriental russa, várias óperas nacionais começaram a surgir. A ópera ucraniana foi desenvolvida por Semen Hulak-Artemovsky (1813–1873), cuja obra mais famosa Zaporozhets za Dunayem (Um cossaco além do Danúbio) é regularmente apresentada em todo o mundo. Outros compositores de ópera ucranianos incluem Mykola Lysenko ( Taras Bulba e Natalka Poltavka ), Heorhiy Maiboroda e Yuliy Meitus . Na virada do século, um movimento de ópera nacional distinto também começou a surgir na Geórgia sob a liderança de Zacharia Paliashvili , que fundiu canções e histórias folclóricas locais com temas clássicos românticos do século XIX .

Ferenc Erkel , o pai da ópera húngara

A figura chave da ópera nacional húngara no século 19 foi Ferenc Erkel , cujas obras trataram principalmente de temas históricos. Entre suas óperas mais representadas estão Hunyadi László e Bánk bán . O famoso moderno ópera mais Hungarian é Béla Bartók de Castelo do Duque Barba Azul .

A ópera Straszny Dwór de Stanisław Moniuszko (em inglês, The Haunted Manor ) (1861-64) representa um pico da ópera nacional polonesa no século XIX . No século 20, outras óperas criadas por compositores poloneses incluíam King Roger de Karol Szymanowski e Ubu Rex de Krzysztof Penderecki .

A primeira ópera conhecida da Turquia ( Império Otomano ) foi Arshak II , que foi uma ópera armênia composta por um compositor armênio Tigran Chukhajian em 1868 e parcialmente executada em 1873. Foi totalmente encenada em 1945 na Armênia.

Os primeiros anos da União Soviética viram o surgimento de novas óperas nacionais, como a Koroğlu (1937) do compositor azerbaijano Uzeyir Hajibeyov . A primeira ópera quirguiz , Ai-Churek , estreou em Moscou, no Teatro Bolshoi, em 26 de maio de 1939, durante a Década da Arte do Quirguistão. Foi composta por Vladimir Vlasov , Abdylas Maldybaev e Vladimir Fere . O libreto foi escrito por Joomart Bokonbaev, Jusup Turusbekov e Kybanychbek Malikov. A ópera é baseada no épico heróico do Quirguistão, Manas .

No Irã, a ópera ganhou mais atenção após a introdução da música clássica ocidental no final do século XIX. No entanto, demorou até meados do século 20 para os compositores iranianos começarem a vivenciar o campo, especialmente porque a construção do Salão Roudaki em 1967 tornou possível a encenação de uma grande variedade de obras para o palco. Talvez a ópera iraniana mais famosa seja Rostam e Sohrab, de Loris Tjeknavorian, estreada apenas no início dos anos 2000.

A ópera clássica contemporânea chinesa , uma forma em língua chinesa de ópera de estilo ocidental que é distinta da ópera chinesa tradicional, teve óperas que datam de The White Haired Girl em 1945.

Na América Latina, a ópera começou como resultado da colonização europeia. A primeira ópera escrita nas Américas foi La púrpura de la rosa , de Tomás de Torrejón y Velasco , embora Partenope , do mexicano Manuel de Zumaya , tenha sido a primeira ópera escrita por um compositor nascido na América Latina (música agora perdida). A primeira ópera brasileira com libreto em português foi A Noite de São João , de Elias Álvares Lobo . No entanto, Antônio Carlos Gomes é geralmente considerado o mais destacado compositor brasileiro, tendo relativo sucesso na Itália com suas óperas de temática brasileira com libretos italianos, como Il Guarany . A ópera na Argentina se desenvolveu no século 20 após a inauguração do Teatro Colón em Buenos Aires - com a ópera Aurora , de Ettore Panizza , sendo fortemente influenciada pela tradição italiana, devido à imigração. Outros compositores importantes da Argentina incluem Felipe Boero e Alberto Ginastera .

Tendências contemporâneas, recentes e modernistas

Modernismo

Talvez a manifestação estilística mais óbvia do modernismo na ópera seja o desenvolvimento da atonalidade . O afastamento da tonalidade tradicional na ópera começou com Richard Wagner , e em particular com o acorde Tristan . Compositores como Richard Strauss , Claude Debussy , Giacomo Puccini , Paul Hindemith , Benjamin Britten e Hans Pfitzner levaram a harmonia wagneriana mais longe com um uso mais extremo do cromatismo e maior uso da dissonância. Outro aspecto da ópera modernista é a mudança das melodias longas e suspensas para lemas curtos e rápidos, conforme ilustrado pela primeira vez por Giuseppe Verdi em seu Falstaff . Compositores como Strauss, Britten, Shostakovich e Stravinsky adotaram e expandiram este estilo.

Arnold Schoenberg em 1917; retrato de Egon Schiele

O modernismo operístico realmente começou nas óperas de dois compositores vienenses, Arnold Schoenberg e seu aluno Alban Berg , ambos compositores e defensores da atonalidade e seu desenvolvimento posterior (conforme elaborado por Schoenberg), a dodecafonia . Os primeiros trabalhos musical-dramáticos de Schoenberg, Erwartung (1909, estreado em 1924) e Die glückliche Hand exibem um uso intenso de harmonia cromática e dissonância em geral. Schoenberg também ocasionalmente usava Sprechstimme .

As duas óperas do aluno de Schoenberg, Alban Berg, Wozzeck (1925) e Lulu (incompleto em sua morte em 1935) compartilham muitas das mesmas características descritas acima, embora Berg tenha combinado sua interpretação altamente pessoal da técnica dodecafônica de Schoenberg com passagens melódicas de uma natureza mais tradicionalmente tonal (de caráter bastante mahleriano), o que talvez explique parcialmente por que suas óperas permaneceram no repertório padrão, apesar de sua música e enredos controversos. As teorias de Schoenberg influenciaram (direta ou indiretamente) um número significativo de compositores de ópera desde então, mesmo que eles próprios não componham usando suas técnicas.

Stravinsky em 1921

Os compositores assim influenciados incluem o inglês Benjamin Britten , o alemão Hans Werner Henze e o russo Dmitri Shostakovich . ( Philip Glass também faz uso da atonalidade, embora seu estilo seja geralmente descrito como minimalista , geralmente considerado como outro desenvolvimento do século XX.)

No entanto, o uso da atonalidade pelo modernismo operístico também gerou uma reação na forma de neoclassicismo . Um dos primeiros líderes desse movimento foi Ferruccio Busoni , que em 1913 escreveu o libreto de sua ópera Arlecchino numérica neoclássica (executada pela primeira vez em 1917). Também na vanguarda estava o russo Igor Stravinsky . Depois de compor músicas para os balés Petrushka (1911) e A Sagração da Primavera (1913), produzidos por Diaghilev , Stravinsky voltou-se para o neoclassicismo, um desenvolvimento que culminou em sua ópera-oratório Oedipus Rex (1927). Stravinsky já havia se afastado das tendências modernistas de seus primeiros balés para produzir obras em pequena escala que não se qualificam totalmente como ópera, mas certamente contêm muitos elementos operísticos, incluindo Renard (1916: "um burlesco em música e dança") e The Soldier's Tale (1918: "para ser lido, tocado e dançado"; em ambos os casos as descrições e instruções são do compositor). No último, os atores declamam porções da fala em um ritmo especificado sobre o acompanhamento instrumental, peculiarmente semelhante ao gênero alemão mais antigo do melodrama . Bem depois de suas obras inspiradas em Rimsky-Korsakov, The Nightingale (1914) e Mavra (1922), Stravinsky continuou a ignorar a técnica serialista e acabou escrevendo uma ópera de números diatônicos no estilo do século XVIII , The Rake's Progress (1951). Sua resistência ao serialismo (uma atitude que ele reverteu após a morte de Schoenberg) provou ser uma inspiração para muitos outros compositores.

Outras tendências

Uma tendência comum ao longo do século 20, tanto na ópera quanto no repertório orquestral geral, é o uso de orquestras menores como medida de corte de custos; as grandes orquestras da era romântica com enormes seções de cordas, harpas múltiplas, trompas extras e instrumentos de percussão exóticos não eram mais viáveis. À medida que o patrocínio das artes pelo governo e pelo setor privado diminuiu ao longo do século 20, novos trabalhos eram frequentemente encomendados e executados com orçamentos menores, muitas vezes resultando em obras do tamanho de uma câmara e em óperas curtas de um ato. Muitas das óperas de Benjamin Britten são pontuadas por apenas 13 instrumentistas; A realização de Little Women em dois atos de Mark Adamo é marcada para 18 instrumentistas.

Outra característica da ópera do final do século 20 é o surgimento de óperas históricas contemporâneas, em contraste com a tradição de basear as óperas em histórias mais distantes, a recontagem de histórias ou peças de ficção contemporâneas, ou em mitos ou lendas. The Death of Klinghoffer , Nixon in China e Doctor Atomic de John Adams , Dead Man Walking de Jake Heggie e Anna Nicole de Mark-Anthony Turnage exemplificam a dramatização no palco de eventos na memória viva recente, onde personagens retratados na ópera estavam vivos no momento da apresentação de estreia.

O Metropolitan Opera nos Estados Unidos (também conhecido como Met) relatou em 2011 que a idade média de seu público era de 60 anos. Muitas companhias de ópera tentaram atrair um público mais jovem para interromper a tendência cada vez maior de audiências grisalhas para a música clássica desde as últimas décadas do século 20. Os esforços resultaram na redução da idade média da audiência do Met para 58 em 2018, a idade média na Ópera Estatal de Berlim foi relatada como 54, e a Ópera de Paris relatou uma idade média de 48.

As empresas menores nos Estados Unidos têm uma existência mais frágil e geralmente dependem de uma "colcha de retalhos" de apoio de governos estaduais e locais, empresas locais e arrecadação de fundos. No entanto, algumas empresas menores encontraram maneiras de atrair novos públicos. Além das transmissões de espetáculos de ópera no rádio e na televisão, que tiveram algum sucesso na conquista de novos públicos, as transmissões de apresentações ao vivo em cinemas mostraram o potencial de atingir novos públicos.

De musicais de volta à ópera

No final dos anos 1930, alguns musicais começaram a ser escritos com uma estrutura mais operística. Essas obras incluem conjuntos polifônicos complexos e refletem os desenvolvimentos musicais de sua época. Porgy and Bess (1935), influenciado pelos estilos de jazz, e Candide (1956), com suas passagens líricas arrebatadoras e paródias farsesca de ópera, ambos estrearam na Broadway, mas passaram a ser aceitos como parte do repertório de ópera. Musicais populares como Show Boat , West Side Story , Brigadoon , Sweeney Todd , Passion , Evita , The Light in the Piazza , O Fantasma da Ópera e outros contam histórias dramáticas por meio de música complexa e, na década de 2010, às vezes são vistos em casas de ópera . The Most Happy Fella (1952) é quase operístico e foi revivido pela Ópera da Cidade de Nova York . Outros musicais influenciados pelo rock , como Tommy (1969) e Jesus Christ Superstar (1971), Les Misérables (1980), Rent (1996), Spring Awakening (2006) e Natasha, Pierre & The Great Comet of 1812 (2012) empregam várias convenções operísticas, como por meio da composição , recitativo em vez de diálogo e leitmotifs .

Aprimoramento acústico na ópera

Um tipo sutil de reforço eletrônico de som denominado aprimoramento acústico é usado em algumas salas de concerto e teatros modernos onde óperas são executadas. Embora nenhuma das principais casas de ópera "... use reforço de som tradicional, no estilo da Broadway, em que a maioria, senão todos os cantores, são equipados com microfones de rádio mixados a uma série de alto-falantes sem graça espalhados por todo o teatro", muitos usam um reforço de som sistema para aprimoramento acústico e para reforço sutil de vozes fora do palco, cantores infantis, diálogos no palco e efeitos sonoros (por exemplo, sinos de igreja em Tosca ou efeitos de trovão em óperas wagnerianas).

Vozes operísticas

A técnica vocal operística evoluiu, em um tempo anterior à amplificação eletrônica, para permitir que os cantores produzissem volume suficiente para serem ouvidos em uma orquestra, sem que os instrumentistas tivessem que comprometer substancialmente seu volume.

Classificações vocais

Os cantores e as funções que desempenham são classificados por tipo de voz , com base na tessitura , agilidade, potência e timbre de suas vozes. Cantores masculinos podem ser classificados por extensão vocal como baixo , baixo-barítono , barítono , baritenor , tenor e contratenor , e cantoras femininas como contralto , mezzo-soprano e soprano . (Os homens às vezes cantam nas faixas vocais "femininas", caso em que são denominados sopranista ou contratenor . O contratenor é comumente encontrado na ópera, às vezes cantando partes escritas para castrati - homens neutralizados em uma idade jovem especificamente para dar-lhes um canto superior faixa.) Os cantores são então classificados por tamanho - por exemplo, uma soprano pode ser descrita como uma soprano lírica, coloratura , soubrette , spinto ou soprano dramática. Esses termos, embora não descrevam completamente uma voz cantada, associam a voz do cantor aos papéis mais adequados às características vocais do cantor.

Ainda outra subclassificação pode ser feita de acordo com as habilidades ou requisitos de atuação, por exemplo, o basso buffo, que muitas vezes deve ser um especialista em patter , além de um ator cômico. Isso é realizado em detalhes no sistema Fach dos países de língua alemã, onde historicamente a ópera e o drama falado eram frequentemente representados pela mesma companhia de repertório .

A voz de um determinado cantor pode mudar drasticamente ao longo de sua vida, raramente atingindo a maturidade vocal até a terceira década, e às vezes não até a meia-idade. Dois tipos de vozes francesas, premiere dugazon e deuxieme dugazon , foram nomeados após sucessivos estágios na carreira de Louise-Rosalie Lefebvre (Mme. Dugazon). Outros termos originários do sistema de elenco de estrelas dos teatros parisienses são baryton-martin e soprano falcon .

Uso histórico de partes de voz

O que se segue é apenas uma breve visão geral. Para os artigos principais, veja soprano , mezzo-soprano , contralto , tenor , barítono , baixo , contratenor e castrato .

A voz soprano tem sido tipicamente usada como a voz de escolha da protagonista feminina da ópera desde a segunda metade do século XVIII. Antigamente, era comum essa parte ser cantada por qualquer voz feminina, ou mesmo um castrato . A ênfase atual em um amplo alcance vocal foi principalmente uma invenção do período clássico . Antes disso, o virtuosismo vocal, e não o alcance, era a prioridade, com as partes de soprano raramente se estendendo acima de um agudo ( Handel , por exemplo, escreveu apenas um papel estendendo-se a um agudo), embora o castrato Farinelli fosse acusado de possuir um top D (sua gama inferior também foi extraordinária, estendendo-se até o tenor C). A mezzo-soprano, um termo de origem relativamente recente, também tem um grande repertório, que vai desde a protagonista feminina em Dido e Enéias de Purcell até papéis de peso pesado como Brangäne em Tristão e Isolda de Wagner (ambos os papéis às vezes são cantados por sopranos; há bastante movimento entre esses dois tipos de voz). Para o verdadeiro contralto, o leque de peças é mais limitado, o que deu origem à piada interna de que os contraltos só cantam papéis de "bruxa, cadela e calça ". Nos últimos anos, muitos dos "papéis de calças" da era barroca, originalmente escritos para mulheres, e aqueles originalmente cantados por castrati, foram transferidos para contratenores.

À voz do tenor, desde a era clássica em diante, tradicionalmente foi atribuído o papel de protagonista masculino. Muitos dos papéis de tenor mais desafiadores do repertório foram escritos durante a era do bel canto , como a sequência de Donizetti de 9 dó acima do dó médio durante La fille du régiment . Com Wagner, veio uma ênfase no peso vocal para seus papéis de protagonista, com esta categoria vocal descrita como Heldentenor ; essa voz heróica teve sua contraparte mais italiana em papéis como Calaf em Turandot de Puccini . Os baixos têm uma longa história na ópera, tendo sido usados ​​na ópera séria em papéis coadjuvantes e, às vezes, para alívio cômico (além de contrastar com a preponderância de vozes agudas nesse gênero). O repertório do baixo é amplo e variado, estendendo-se da comédia de Leporello em Don Giovanni à nobreza de Wotan no Ciclo do Anel de Wagner e ao conflituoso Rei Phillip de Don Carlos de Verdi . Entre o baixo e o tenor está o barítono, que também varia em peso, digamos, de Guglielmo em Così fan tutte de Mozart a Posa em Don Carlos de Verdi ; a designação atual "barítono" não era padrão até meados do século XIX.

Cantores famosos

O castrato Senesino , c. 1720

As primeiras apresentações de ópera eram muito raras para que os cantores ganhassem a vida exclusivamente com o estilo, mas com o nascimento da ópera comercial em meados do século 17, começaram a surgir artistas profissionais. O papel do herói masculino era normalmente confiado a um castrato e, no século 18, quando a ópera italiana era apresentada em toda a Europa, os principais castrati que possuíam um virtuosismo vocal extraordinário, como Senesino e Farinelli , tornaram-se estrelas internacionais. A carreira da primeira grande estrela feminina (ou prima donna ), Anna Renzi , data de meados do século XVII. No século 18, várias sopranos italianas ganharam renome internacional e muitas vezes se envolveram em rivalidades ferozes, como foi o caso de Faustina Bordoni e Francesca Cuzzoni , que começaram a brigar durante a apresentação de uma ópera de Handel. Os franceses não gostavam de castrati, preferindo que seus heróis masculinos fossem cantados por um haute-contre (um alto tenor), do qual Joseph Legros (1739-1793) era um exemplo importante.

Embora o patrocínio da ópera tenha diminuído no século passado em favor de outras artes e mídia (como musicais, cinema, rádio, televisão e gravações), a mídia de massa e o advento da gravação apoiaram a popularidade de muitos cantores famosos, incluindo Maria Callas , Enrico Caruso , Amelita Galli-Curci , Kirsten Flagstad , Juan Arvizu , Nestor Mesta Chayres , Mario Del Monaco , Renata Tebaldi , Risë Stevens , Alfredo Kraus , Franco Corelli , Montserrat Caballé , Joan Sutherland , Birgit Nilsson , Nellie Melba , Rosa Ponselle , Benia , Jussi Björling , Feodor Chaliapin , Cecilia Bartoli , Renée Fleming , Marilyn Horne , Bryn Terfel e " Os Três Tenores " ( Luciano Pavarotti , Plácido Domingo e José Carreras ).

Mudando o papel da orquestra

Antes de 1700, as óperas italianas usavam uma pequena orquestra de cordas , mas raramente tocava para acompanhar os cantores. Os solos de ópera durante esse período eram acompanhados pelo grupo de baixo contínuo , que consistia no cravo , "instrumentos dedilhados" como alaúde e um contrabaixo. A orquestra de cordas normalmente só tocava quando o cantor não estava cantando, como durante as "... entradas e saídas de um cantor, entre números vocais, [ou] para [acompanhar] dança". Outro papel da orquestra durante este período foi tocar um ritornello orquestral para marcar o final do solo de um cantor. Durante o início dos anos 1700, alguns compositores começaram a usar a orquestra de cordas para marcar certas árias ou recitativos "... como especiais"; em 1720, a maioria das árias era acompanhada por uma orquestra. Compositores de ópera como Domenico Sarro , Leonardo Vinci , Giambattista Pergolesi , Leonardo Leo e Johann Adolf Hasse adicionaram novos instrumentos à orquestra de ópera e deram aos instrumentos novos papéis. Eles adicionaram instrumentos de sopro às cordas e usaram instrumentos orquestrais para tocar solos instrumentais, como uma forma de marcar certas árias como especiais.

Orquestra de ópera alemã do início dos anos 1950

A orquestra também forneceu uma abertura instrumental antes de os cantores subirem ao palco desde 1600. Peri 's Euridice abre com uma breve instrumental ritornello e Monteverdi ' s L'Orfeo (1607) abre com uma tocata , neste caso, uma fanfarra para silenciado trombetas . A abertura francesa encontrada nas óperas de Jean-Baptiste Lully consiste em uma introdução lenta em um "ritmo pontilhado" marcado, seguida por um movimento animado em estilo fugato . A abertura era frequentemente seguida por uma série de melodias dançantes antes de a cortina subir. Este estilo abertura também foi usado em Inglês ópera, mais notavelmente em Henry Purcell 's Dido e Aeneas . Handel também usa a forma da abertura francesa em algumas de suas óperas italianas, como Giulio Cesare .

Na Itália, uma forma distinta chamada "abertura" surgiu na década de 1680 e se estabeleceu principalmente através das óperas de Alessandro Scarlatti , e se espalhou por toda a Europa, suplantando a forma francesa como abertura operística padrão em meados do século XVIII. Ele usa três movimentos geralmente homofônicos : rápido-lento-rápido. O movimento de abertura era normalmente em métrica dupla e em tom maior; o movimento lento nos exemplos anteriores era curto e poderia ser em tons contrastantes; o movimento de conclusão era semelhante a uma dança, na maioria das vezes com ritmos de gigue ou minueto , e voltava ao tom da seção de abertura. Conforme a forma evoluiu, o primeiro movimento pode incorporar elementos semelhantes a fanfarras e assumir o padrão da chamada "forma sonatina" ( forma sonata sem uma seção de desenvolvimento), e a seção lenta tornou-se mais extensa e lírica.

Na ópera italiana depois de 1800, a "abertura" ficou conhecida como sinfonia . Fisher também observa que o termo Sinfonia avanti l'opera (literalmente, a "sinfonia antes da ópera") era "um termo antigo para uma sinfonia usada para iniciar uma ópera, isto é, como uma abertura em oposição a uma que servia para começar uma ópera posterior seção da obra ". Na ópera do século 19, em algumas óperas, a abertura, Vorspiel , Einleitung , Introdução, ou qualquer outra coisa que possa ser chamada, era a porção da música que ocorre antes de a cortina subir; uma forma específica e rígida não era mais necessária para a abertura.

O papel da orquestra no acompanhamento dos cantores mudou ao longo do século XIX, com a transição do estilo clássico para a era romântica. Em geral, as orquestras ficaram maiores, novos instrumentos foram adicionados, como instrumentos de percussão adicionais (por exemplo, bumbo, pratos, caixa de bateria, etc.). A orquestração de peças de orquestra também se desenvolveu ao longo do século XIX. Nas óperas wagnerianas, a vanguarda da orquestra ia além da abertura. Em óperas wagnerianas como o Ciclo do Anel , a orquestra freqüentemente tocava os temas musicais recorrentes ou leitmotifs , um papel que deu um destaque à orquestra que "... elevou seu status ao de uma prima donna ". As óperas de Wagner foram pontuadas com amplitude e complexidade sem precedentes, adicionando mais instrumentos de sopro e tamanhos de conjuntos enormes: de fato, sua partitura para Das Rheingold pede seis harpas . Em Wagner e na obra de compositores subsequentes, como Benjamin Britten, a orquestra "frequentemente comunica fatos sobre a história que excedem os níveis de consciência dos personagens nela contidos". Como resultado, os críticos começaram a considerar a orquestra desempenhando um papel análogo ao de um narrador literário. "

À medida que o papel da orquestra e de outros conjuntos instrumentais mudou ao longo da história da ópera, também mudou o papel de conduzir os músicos. Na era barroca, os músicos eram geralmente dirigidos pelo cravo, embora se saiba que o compositor francês Lully regeu com uma longa equipe. Nos anos 1800, durante o período clássico, o primeiro violinista, também conhecido como o concertino , conduzia a orquestra sentado. Com o tempo, alguns diretores começaram a se levantar e fazer gestos com as mãos e os braços para liderar os artistas. Eventualmente, essa função de diretor musical passou a ser chamada de maestro , e um pódio foi usado para tornar mais fácil para todos os músicos vê-lo. Na época em que as óperas wagnerianas foram introduzidas, a complexidade das obras e as enormes orquestras usadas para tocá-las deram ao maestro um papel cada vez mais importante. Os maestros de ópera modernos desempenham um papel desafiador: eles devem dirigir a orquestra no fosso da orquestra e os cantores no palco.

Problemas de idioma e tradução

Desde os dias de Handel e Mozart, muitos compositores preferiram o italiano como a língua para o libreto de suas óperas. Da era Bel Canto a Verdi, os compositores às vezes supervisionavam versões de suas óperas em italiano e francês. Por causa disso, óperas como Lucia di Lammermoor ou Don Carlos são hoje consideradas canônicas em suas versões francesa e italiana.

Até meados da década de 1950, era aceitável produzir óperas em traduções, mesmo que estas não tivessem sido autorizadas pelo compositor ou pelos libretistas originais. Por exemplo, as casas de ópera na Itália costumavam encenar Wagner em italiano. Após a Segunda Guerra Mundial, os estudos sobre ópera melhoraram, os artistas voltaram a se concentrar nas versões originais e as traduções caíram em desgraça. O conhecimento das línguas europeias, especialmente italiano, francês e alemão, é hoje uma parte importante da formação de cantores profissionais. “A maior parte do treinamento operístico está na lingüística e na musicalidade”, explica a meio-soprano Dolora Zajick . "[Eu tenho que entender] não apenas o que estou cantando, mas o que todo mundo está cantando. Eu canto italiano, tcheco, russo, francês, alemão, inglês."

Na década de 1980, as legendas (às vezes chamadas de legendas ) começaram a aparecer. Embora as legendas tenham sido inicialmente condenadas quase que universalmente como uma distração, hoje muitas casas de ópera oferecem legendas, geralmente projetadas acima do arco do proscênio do teatro , ou telas individuais nas quais os espectadores podem escolher entre mais de um idioma. As transmissões de TV geralmente incluem legendas, mesmo se destinadas a um público que conhece bem o idioma (por exemplo, uma transmissão RAI de uma ópera italiana). Essas legendas têm como alvo não apenas os deficientes auditivos, mas também o público em geral, uma vez que um discurso cantado é muito mais difícil de entender do que um falado - mesmo para os ouvidos de falantes nativos. As legendas em um ou mais idiomas tornaram-se padrão em transmissões de ópera, simulações e edições de DVD.

Hoje, as óperas raramente são executadas em tradução. As exceções incluem a English National Opera , a Opera Theatre de Saint Louis , a Opera Theatre de Pittsburgh e a Opera South East, que favorecem as traduções para o inglês. Outra exceção são as produções de ópera destinadas a um público jovem, como Hansel e Gretel de Humperdinck e algumas produções de A Flauta Mágica de Mozart .

Financiamento

Cantores de ópera suecos em uma homenagem a Kjerstin Dellert e ao Ulriksdal Palace Theatre no jubileu de 40 anos em 2016 de seu financiamento, renovação e reabertura subsequente

Fora dos Estados Unidos, e especialmente na Europa, a maioria dos teatros de ópera recebe subsídios públicos dos contribuintes. Em Milão, Itália, 60% do orçamento anual do La Scala de € 115 milhões é proveniente de vendas de ingressos e doações privadas, com os 40% restantes provenientes de fundos públicos. Em 2005, o La Scala recebeu 25% do subsídio estatal total da Itália de € 464 milhões para as artes cênicas. No Reino Unido, o Arts Council England fornece fundos para a Opera North , a Royal Opera House , a Welsh National Opera e a English National Opera . Entre 2012 e 2015, essas quatro companhias de ópera, juntamente com o English National Ballet , Birmingham Royal Ballet e Northern Ballet, representaram 22% dos fundos do portfólio nacional do Arts Council. Durante esse período, o Conselho realizou uma análise de seu financiamento para grandes companhias de ópera e balé, estabelecendo recomendações e metas para as empresas cumprirem antes das decisões de financiamento de 2015-2018. Em fevereiro de 2015, as preocupações com o plano de negócios do English National Opera levaram o Arts Council a colocá-lo "sob regime de financiamento especial" no que o The Independent denominou "a etapa sem precedentes" de ameaçar retirar o financiamento público se as preocupações do conselho não fossem atendidas até 2017. O financiamento público europeu para a ópera levou a uma disparidade entre o número de casas de ópera durante todo o ano na Europa e nos Estados Unidos. Por exemplo, "a Alemanha tem cerca de 80 casas de ópera durante todo o ano [em 2004], enquanto os Estados Unidos, com mais de três vezes a população, não têm nenhuma. Mesmo o Met tem apenas uma temporada de sete meses."

Televisão, cinema e Internet

Um marco para a transmissão de ópera nos Estados Unidos foi alcançado em 24 de dezembro de 1951, com a transmissão ao vivo de Amahl and the Night Visitors , uma ópera em um ato de Gian Carlo Menotti . Foi a primeira ópera composta especificamente para a televisão na América. Outro marco ocorreu na Itália em 1992, quando Tosca foi transmitido ao vivo de suas configurações romanas originais e horários do dia: o primeiro ato veio da Igreja de Sant'Andrea della Valle, do século 16, ao meio-dia de sábado; o Palazzo Farnese do século 16 foi o cenário para o segundo às 20h15; e no domingo, às 6h, o terceiro ato foi transmitido do Castel Sant'Angelo. A produção foi transmitida via satélite para 105 países.

Grandes companhias de ópera começaram a apresentar suas apresentações em cinemas locais nos Estados Unidos e em muitos outros países. O Metropolitan Opera deu início a uma série de transmissões de vídeo de alta definição ao vivo para cinemas de todo o mundo em 2006. Em 2007, as apresentações do Met foram exibidas em mais de 424 teatros em 350 cidades dos Estados Unidos. La bohème foi para 671 telas em todo o mundo. O San Francisco Opera começou as transmissões de vídeo pré-gravadas em março de 2008. Em junho de 2008, aproximadamente 125 cinemas em 117 cidades dos Estados Unidos realizavam as exibições. As transmissões de ópera de vídeo HD são apresentadas através dos mesmos projetores de cinema digital HD usados ​​para os principais filmes de Hollywood . Casas de ópera e festivais europeus , incluindo a Royal Opera em Londres, o La Scala em Milão, o Festival de Salzburgo , o La Fenice em Veneza e o Maggio Musicale em Florença, também transmitiram suas produções para teatros em cidades de todo o mundo desde 2006, incluindo 90 cidades nos E.U.A

O surgimento da Internet também afetou a maneira como o público consome ópera. Em 2009, o British Glyndebourne Festival Opera ofereceu pela primeira vez um download de vídeo digital online de sua produção completa de 2007 de Tristan und Isolde . Na temporada de 2013, o festival transmitiu todas as seis produções online. Em julho de 2012, a primeira ópera comunitária online foi estreada no Festival de Ópera de Savonlinna . Intitulado Livre Arbítrio , foi criado por membros do grupo da Internet Opera By You. Seus 400 membros de 43 países escreveram o libreto, compuseram a música e projetaram os cenários e figurinos usando a plataforma da web Wreckamovie . O Savonlinna Opera Festival forneceu solistas profissionais, um coro de 80 membros, uma orquestra sinfônica e o maquinário de palco. Foi apresentada ao vivo no festival e transmitida ao vivo pela internet.

Veja também

Referências

Notas

Origens

Leitura adicional

links externos