New Hollywood - New Hollywood

Nova hollywood
Anos ativos Meados da década de 1960 ao início da década de 1980
País Estados Unidos
Influências
Influenciado

A Nova Hollywood , também conhecida como New Wave americana ou às vezes chamada de Hollywood Renaissance , refere-se a um movimento na história do cinema americano de meados dos anos 1960 ao início dos anos 1980, quando uma nova geração de jovens cineastas ganhou destaque nos Estados Unidos Estados. Eles influenciaram os tipos de filmes produzidos, sua produção e marketing, e a forma como os grandes estúdios abordavam a produção de filmes. Nos filmes da Nova Hollywood, o diretor de cinema , ao invés do estúdio, assumiu um papel autoral fundamental. A definição de "Nova Hollywood" varia de acordo com o autor, sendo que alguns a definem como um movimento e outros como um período. A extensão do período também é objeto de debate, assim como sua integridade, pois alguns autores, como Thomas Schatz, argumentam que a Nova Hollywood é composta por vários movimentos diferentes. Os filmes realizados neste movimento são estilisticamente caracterizados pelo fato de sua narrativa frequentemente se desviar fortemente das normas clássicas . Após o fim do sistema de estúdio e a ascensão da televisão, o sucesso comercial dos filmes diminuiu.

Filmes de sucesso do início da era Nova Hollywood incluem Bonnie e Clyde , A Graduação , A Noite dos Mortos-Vivos , The Wild Bunch e Easy Rider , enquanto filmes que falharam nas bilheterias, incluindo Heaven's Gate e One from the Heart marcaram o fim de a era.

História

Fundo

Após o Caso Paramount (que encerrou as reservas em bloco e a propriedade de cadeias de teatro por estúdios de cinema) e o advento da televisão (onde John Frankenheimer , Paddy Chayefsky e Sidney Lumet trabalharam em seus primeiros anos), ambos os quais enfraqueceram gravemente o sistema de estúdio tradicional , Os estúdios de Hollywood inicialmente usaram o espetáculo para manter a lucratividade. Technicolor desenvolveu um uso muito mais difundido, enquanto processos widescreen e melhorias técnicas, como CinemaScope , som estéreo e outros, como 3-D , foram inventados para reter a audiência cada vez menor e competir com a televisão. No entanto, eles geralmente não tiveram sucesso em aumentar os lucros. Em 1957, a revista Life chamou a década de 1950 de "a década horrível" para Hollywood.

A década de 1950 e o início da década de 1960 viram uma Hollywood dominada por musicais, épicos históricos e outros filmes que se beneficiaram das telas maiores, enquadramento mais amplo e som aprimorado. Portanto, já em 1957, a época foi apelidada de "Nova Hollywood". No entanto, a participação do público continuou a diminuir e atingiu níveis assustadoramente baixos em meados da década de 1960. Vários fracassos caros, incluindo Tora! Tora! Tora! e Olá, Dolly! , e as tentativas fracassadas de replicar o sucesso de The Sound of Music , colocaram grande pressão sobre os estúdios.

Na época em que a geração baby boomer estava amadurecendo na década de 1960, a " Velha Hollywood " estava perdendo dinheiro rapidamente; os estúdios não tinham certeza de como reagir às mudanças demográficas do público. A mudança no mercado durante o período foi de um público de meia-idade com ensino médio em meados da década de 1960 para um grupo demográfico mais jovem e rico com ensino superior: em meados da década de 1970, 76% de todos os cinéfilos tinham menos de 30 anos , 64% dos quais tinham feito faculdade. Filmes europeus , tanto de arte quanto comerciais (especialmente a Commedia all'italiana , a New Wave francesa , o Spaghetti Western ) e o cinema japonês estavam fazendo sucesso nos Estados Unidos - o enorme mercado de jovens insatisfeitos parecia encontrar relevância e significado artístico em filmes como Antonioni 's Explosão , com a sua estrutura narrativa oblíqua e fêmea nudez frontal completa.

O desespero sentido pelos estúdios durante esse período de retração econômica, e após as perdas com os caros fracassos do cinema, levou à inovação e à tomada de riscos, permitindo maior controle por diretores e produtores mais jovens. Portanto, na tentativa de capturar aquele público que encontrou uma conexão com os "filmes de arte" da Europa, os estúdios contrataram uma série de jovens cineastas (alguns dos quais foram orientados pelo "Rei dos B" Roger Corman, enquanto outros como o célebre cineasta Vilmos Zsigmond trabalhou para diretores de filmes B menos conhecidos como Ray Dennis Steckler , conhecido pelo filme de 1963 As criaturas incrivelmente estranhas que pararam de viver e se tornaram zumbis misturados ) e permitiu que eles fizessem seus filmes com relativamente pouco controle do estúdio. Isso, junto com a quebra do Código de Produção em 1966 e o ​​novo sistema de classificação em 1968 (refletindo a crescente segmentação do mercado), definiu o cenário para a Nova Hollywood.

Bonnie e Clyde

Um filme definidor da geração da Nova Hollywood foi Bonnie e Clyde (1967).

Produzido e estrelado por Warren Beatty e dirigido por Arthur Penn , sua combinação de violência gráfica e humor, bem como seu tema de juventude glamorosa e insatisfeita, fez sucesso com o público. O filme ganhou o Oscar de Melhor Atriz Coadjuvante ( Estelle Parsons ) e Melhor Fotografia .

Quando Jack L. Warner , então CEO da Warner Bros. , viu pela primeira vez um corte bruto de Bonnie e Clyde no verão de 1967, ele odiou. Os executivos de distribuição da Warner Brothers concordaram, dando ao filme uma estréia discreta e lançamento limitado. A estratégia deles pareceu justificada quando Bosley Crowther , crítico de cinema mediano do The New York Times , deu ao filme uma crítica contundente. "É uma peça barata de comédia pastelão careca", escreveu ele, "que trata as depredações horríveis daquele par desprezível e idiota como se fossem tão divertidas e brincalhonas quanto os cutups da era do jazz em Thoroughly Modern Millie ... "Outras notícias, incluindo as das revistas Time e Newsweek , foram igualmente desdenhosas.

Seu retrato da violência e ambigüidade em relação aos valores morais, e seu final surpreendente, dividiu os críticos. Após uma das críticas negativas, a revista Time recebeu cartas de fãs do filme e, de acordo com o jornalista Peter Biskind , o impacto da crítica Pauline Kael em sua crítica positiva do filme (outubro de 1967, New Yorker ) levou outros críticos a segui-la conduzir e reavaliar o filme (notavelmente Newsweek e Time ). Kael chamou a atenção para a inocência dos personagens do filme e o mérito artístico do contraste disso com a violência do filme: “Em certo sentido, é a ausência de sadismo - é a violência sem sadismo - que joga o audiência desequilibrada em Bonnie e Clyde . A brutalidade que surge dessa inocência é muito mais chocante do que as brutalidades calculadas de assassinos cruéis. " Kael também observou a reação do público ao clímax violento do filme e o potencial de empatia com a gangue de criminosos em termos de sua ingenuidade e inocência, refletindo uma mudança nas expectativas do cinema americano.

Matéria de capa da revista Time em dezembro de 1967, celebrou o filme e a inovação no cinema New Wave americano. Este influente artigo de Stefan Kanfer afirmou que Bonnie e Clyde representavam um "Novo Cinema" por meio de suas linhas de gênero borradas e desconsiderando aspectos respeitados da trama e da motivação, e que "Tanto na concepção quanto na execução, Bonnie e Clyde são um divisor de águas, o tipo que sinaliza um novo estilo, uma nova tendência. " Biskind afirma que esta crítica e reviravolta por alguns críticos permitiu que o filme fosse relançado, provando assim seu sucesso comercial e refletindo o movimento em direção à Nova Hollywood. O impacto deste filme é importante para entender o resto da New Wave americana, bem como as condições que foram necessárias para isso.

Esses sucessos iniciais pavimentaram o caminho para o estúdio abrir mão do controle quase total para esses jovens cineastas inovadores. Em meados da década de 1970, filmes originais idiossincráticos e surpreendentes, como Paper Moon , Dog Day Afternoon , Chinatown e Taxi Driver, entre outros, tiveram enorme sucesso comercial e de crítica. Esses sucessos dos membros do New Hollywood levaram cada um deles a fazer exigências cada vez mais extravagantes, tanto no estúdio quanto, eventualmente, no público.

Características

Esta nova geração de cineastas de Hollywood era o mais importante, do ponto de vista dos estúdios, jovem, portanto capaz de atingir o público jovem que estava perdendo. Este grupo de jovens cineastas - atores , escritores e diretores - apelidado de "Nova Hollywood" pela imprensa, mudou brevemente o negócio do sistema de Hollywood dirigido por produtores do passado.

Todd Berliner escreveu sobre as práticas narrativas incomuns do período. A década de 1970, diz Berliner, marca a transformação formal mais significativa de Hollywood desde a conversão para o filme sonoro e é o período definidor que separa os modos de contar histórias da era do estúdio e da Hollywood contemporânea. Os novos filmes de Hollywood se desviam das normas narrativas clássicas mais do que os filmes de Hollywood de qualquer outra era ou movimento. Seus dispositivos narrativos e estilísticos ameaçam inviabilizar uma narração direta. Berliner argumenta que cinco princípios governam as estratégias narrativas características dos filmes de Hollywood dos anos 1970:

  • Os filmes dos anos setenta mostram uma tendência perversa de integrar, em formas incidentais narrativas, informações de história e dispositivos estilísticos contraproducentes para os propósitos narrativos evidentes e essenciais dos filmes.
  • Os cineastas de Hollywood da década de 1970 muitas vezes situam suas práticas cinematográficas entre as da Hollywood clássica e as do cinema de arte europeu e asiático.
  • Os filmes dos anos setenta provocam respostas do espectador mais incertas e desconfortáveis ​​do que as do cinema mais típico de Hollywood.
  • As narrativas dos anos 1970 colocam uma ênfase incomum na indecisão, especialmente no momento do clímax ou nos epílogos, quando os filmes mais convencionais de Hollywood se ocupam em amarrar pontas soltas.
  • O cinema dos anos setenta atrapalha a linearidade e o ímpeto da narrativa e esgota seu potencial para gerar suspense e emoção.

Thomas Schatz aponta para outra diferença com a Idade de Ouro de Hollywood, que trata da relação entre personagens e enredo. Ele argumenta que o enredo nos filmes clássicos de Hollywood (e em alguns dos filmes anteriores da Nova Hollywood, como O Poderoso Chefão ) "tendia a emergir mais organicamente em função dos impulsos, desejos, motivações e objetivos dos personagens centrais". No entanto, a partir de meados da década de 1970, ele aponta para uma tendência de que "personagens se tornam funções de enredo".

Durante o auge do sistema de estúdio, os filmes eram feitos quase que exclusivamente em estúdios isolados. O conteúdo dos filmes era limitado pelo Código de Produção Cinematográfica e, embora os cineastas da era dourada encontrassem brechas em suas regras, a discussão de mais conteúdo tabu por meio do filme foi efetivamente evitada. A mudança para um "novo realismo" foi possível quando o sistema de classificação de filmes da Motion Picture Association of America foi introduzido e a filmagem em locações se tornou mais viável. A cidade de Nova York era o local favorito para esse novo conjunto de cineastas devido à sua 'atmosfera corajosa.

Por causa dos avanços na tecnologia de filme (por exemplo, a câmera Panavision Panaflex , lançada em 1972), os cineastas da Nova Hollywood puderam filmar filmes de 35 mm em exteriores com relativa facilidade. Como a filmagem em locações era mais barata (não é necessário construir conjuntos), os cineastas da Nova Hollywood rapidamente desenvolveram o gosto pela filmagem em locações, resultando em uma abordagem mais naturalista da filmagem, especialmente quando comparada à abordagem estilizada dos musicais clássicos de Hollywood e espetáculos feitos para competir com televisão durante os anos 1950 e início dos anos 1960. Os documentários de DA Pennebaker , Maysles Brothers e Frederick Wiseman, entre outros, também influenciaram os cineastas dessa época.

No entanto, na edição de Nova Hollywood, os cineastas aderiram ao realismo de maneira mais liberal do que a maioria de seus predecessores clássicos de Hollywood, muitas vezes usando a edição para fins artísticos e não apenas para a continuidade, uma prática inspirada por filmes de arte europeus e diretores clássicos de Hollywood, como DW Griffith e Alfred Hitchcock . Filmes com edição heterodoxo incluído Easy Rider ' uso s de cortes de salto (influenciado pelas obras de experimental colagem cineasta Bruce Conner ) prenunciar o clímax do filme, bem como os usos mais sutis, tais como aqueles para refletir o sentimento de frustração em Bonnie e Clyde , a subjetividade do protagonista em The Graduate e a passagem do tempo no famoso corte de jogo de 2001: Uma Odisséia no Espaço . Também influentes foram os trabalhos dos cineastas experimentais Arthur Lipsett , Bruce Baillie e Kenneth Anger com suas combinações de música e imagens e cada um foi citado por George Lucas e Martin Scorsese como influências.

O fim do código de produção permitiu que os filmes da Nova Hollywood apresentassem temas políticos antiestabelecidos, o uso de música rock e a liberdade sexual considerada "contra-cultural" pelos estúdios. O movimento jovem dos anos 1960 transformou anti-heróis como Bonnie e Clyde e Cool Hand Luke em ídolos da cultura pop, e a revista Life chamou os personagens de Easy Rider de "parte do mito fundamental central para a contracultura do final dos anos 1960". O Easy Rider também afetou a maneira como os estúdios procuravam atingir o mercado jovem. O sucesso de Midnight Cowboy , apesar da classificação X, evidenciou o interesse por temas polêmicos na época e também mostrou a fragilidade do sistema de classificação e segmentação do público.

Interpretações sobre a definição do movimento

Para Peter Biskind, a nova onda foi prenunciada por Bonnie e Clyde e começou para valer com Easy Rider . O livro Easy Riders, Raging Bulls de Biskind argumenta que o movimento de Nova Hollywood marcou uma mudança significativa em direção a trabalhos inovadores e produzidos de forma independente por uma nova onda de diretores, mas que essa mudança começou a se reverter quando o sucesso comercial de Tubarão e Guerra nas Estrelas levou ao realização pelos estúdios da importância dos sucessos de bilheteria, publicidade e controle sobre a produção.

Escrevendo em 1968, a crítica Pauline Kael argumentou que a importância de The Graduate estava em seu significado social em relação a um novo público jovem e no papel da mídia de massa, ao invés de quaisquer aspectos artísticos. Kael argumentou que os estudantes universitários que se identificavam com The Graduate não eram muito diferentes do público que se identificava com personagens de dramas da década anterior.

John Belton aponta para a mudança demográfica para públicos ainda mais jovens e conservadores em meados dos anos 1970 (50% com idade entre 12 e 20 anos) e a mudança para temas menos politicamente subversivos no cinema convencional, como fez Thomas Schatz, que considerou meados da década de 1970 como o declínio do movimento do cinema de arte como uma força significativa da indústria com seu pico em 1974-75 com Nashville e Chinatown .

Geoff King vê o período como um movimento provisório no cinema americano onde uma conjunção de forças levou a uma medida de liberdade na produção de filmes, enquanto Todd Berliner afirma que o cinema dos anos setenta resiste à eficiência e harmonia que normalmente caracterizam o cinema clássico de Hollywood e testa os limites do clássico de Hollywood modelo.

Segundo o autor e crítico de cinema Charles Taylor ( estreia na quarta-feira em um teatro ou drive-in perto de você ), ele afirmou que "os anos 1970 continuam sendo o terceiro - e, até o momento, o último - grande período do cinema americano".

Crítica

The New Hollywood não deixou de receber críticas, como em um artigo do Los Angeles Times , o crítico de cinema Manohla Dargis descreveu-o como a "era tranquila" da produção cinematográfica da década que "foi menos revolução do que os negócios normais, com exagero rebelde". Ela também apontou em seu artigo no NY Times , seus entusiastas insistindo que era "quando os filmes americanos cresceram (ou pelo menos estrelaram atrizes malvestidas); quando os diretores faziam o que queriam (ou pelo menos eram transformados em marcas); quando a criatividade imperava ( ou pelo menos correu gloriosamente enlouquecido, embora muitas vezes com o dinheiro do estúdio). "

Esta era do cinema americano também foi criticada por sua excessiva decadência e contratempos no set.

Até mesmo Spielberg, que co-dirigiu / co-produziu Twilight Zone: The Movie em 1983 com John Landis , ficou tão enojado com a maneira como este último lidou com o acidente mortal de helicóptero que resultou na morte do ator Vic Morrow e dos atores mirins Myca Dinh Le e Renee Shin-Yi Chen, ele encerrou sua amizade e pediu publicamente o fim desta era. Quando abordado pela imprensa sobre o acidente, ele afirmou "Nenhum filme vale a pena morrer. Acho que as pessoas estão se levantando muito mais agora, do que nunca, para os produtores e diretores que pedem demais. Se algo não é seguro, é o direito e a responsabilidade de cada ator ou membro da equipe de gritar 'Corta!'

Legado

Os filmes de Steven Spielberg , Brian De Palma , Martin Scorsese e Francis Ford Coppola influenciaram os filmes do gênero Poliziotteschi na Itália e, uma década depois, o movimento Cinéma du look na França.

American Eccentric Cinema foi enquadrado como influenciado por esta época. Ambas as tradições têm temas e narrativas semelhantes de existencialismo e da necessidade de interação humana. The New Hollywood enfoca os elementos mais sombrios da humanidade e da sociedade dentro do contexto do sonho americano de meados dos anos 1960 ao início dos anos 1980. com temas que refletiam questões socioculturais e eram centrados em torno da potencial falta de sentido de perseguir o sonho americano como geração após geração motivada a possuí-lo. Em comparação, American Eccentric Cinema não tem um contexto distinto, seus filmes mostram personagens que são muito individuais e suas preocupações são muito distintas de suas próprias personalidades.

Os bastidores de alguns dos filmes dessa época ( O Exorcista , Twilight Zone: The Movie e The Omen ) também foram os temas da docuseries Cursed Films .

Lista de figuras selecionadas importantes e notáveis ​​do movimento

Atores

Diretores

Outros

Lista de filmes selecionados importantes e notáveis

A seguir está uma lista cronológica de filmes notáveis ​​que geralmente são considerados produções da "Nova Hollywood".

Veja também

Referências

Bibliografia

links externos