Moda nativa americana - Native American fashion

Colete quilled
Ribbonwork por Ardina Moore
Bordado maia, Dzibalchen, Campeche, México
Camisa ojíbua de veludo com brilhantes, Wisconsin

A moda indígena americana (também conhecida como moda indígena americana ) engloba o design e a criação de roupas e acessórios de moda de alta costura pelos povos indígenas das Américas . Os designers indígenas frequentemente incorporam motivos e materiais habituais em suas obras de arte vestíveis, fornecendo uma base para a criação de itens para a alta costura e os mercados de moda internacionais. Seus desenhos podem resultar de técnicas como beadwork , quillwork , couro e artes têxteis , como tecelagem, entrelaçamento e tufagem. Em alguns casos, entretanto, eles optam por não incluir nenhum material associado a culturas indígenas.

Nos Estados Unidos, de acordo com a Lei de Artes e Ofícios Indianos de 1990 , para se qualificarem como designers nativos americanos, os artistas devem estar inscritos em uma tribo reconhecida estadual ou federal ou ser certificados por um conselho tribal específico. No Canadá, não há leis específicas para proteger a iconografia e as artes tradicionais das Primeiras Nações , embora duas marcas registradas , "igloo tag" e "Genuine Cowichan Approved", tenham sido registradas para proteger os povos Inuit e os designs de roupas das Tribos Cowichan . Na América Latina, a legislação é esparsa, mas alguns países ou estados individuais em países com grande população indígena aprovaram leis para proteger a herança e o design indígena.

Quando os designers nativos americanos entraram pela primeira vez na indústria da moda moderna na década de 1950, eles adotaram uma abordagem pan-indiana . Ao selecionar motivos e iconografia facilmente identificados como parte da cultura indígena, eles foram capazes de obter aceitação e desenvolver uma participação de mercado com os compradores tradicionais. À medida que o campo dos designers nativos na alta moda se expandia, os designers individuais se afastaram do pan-indianismo, expressando sua identidade individual, fosse ou não baseada em sua herança tribal tradicional. Muitos pegaram temas tradicionais e os incorporaram em seus trabalhos, enquanto outros pegaram roupas específicas e as atualizaram para a estética contemporânea mudando decotes, comprimentos de mangas, bainhas e outras características.

A controvérsia surgiu sobre a apropriação indébita ou uso impróprio do patrimônio cultural por designers não-nativos. O uso respeitoso de imagens por designers convencionais que não são indígenas pode ajudar a expandir a apreciação das culturas nativas, mas o plágio de design ou uso de malapropos reforça os estereótipos negativos e estimula a controvérsia. Da mesma forma, a utilização de artesanato pode expandir a consciência se os designers forem recompensados ​​de forma justa por seu trabalho e receberem crédito por suas contribuições. Controvérsias contemporâneas estimularam ações coletivas e legislativas para proteger os designs e a herança cultural dos designers indígenas.

História

Roupas históricas de povos indígenas americanos foram coletadas e exibidas por curadores dos principais museus, com foco em trajes anteriores ao século 20. Em grande parte, essas coleções não levaram em consideração a mudança nas tendências do vestuário entre os povos indígenas, provocada por políticas de assimilação ou pelo acesso a treinamento em alfaiataria e têxteis produzidos industrialmente. No entanto, os museus com foco nos indígenas têm apresentado exposições de moda indígena contemporânea. Por exemplo, a exposição "Native Fashion Now" do Museu Nacional do Índio Americano na cidade de Nova York em 2017 apresentou a finalista do Project Runway Patricia Michaels e o Museu de Artes e Cultura Indígena de Santa Fé realizou exposições já em 2007 sobre costura indígena e Instituto de Lloyd Kiva, fundador da American Indian Arts New .

Enquanto os povos indígenas sempre produziram roupas, até o século XX as roupas que eles faziam eram para uso pessoal ou cerimonial. No entanto, as políticas de assimilação forçada ao longo do século XIX e início do século XX se concentraram na erradicação da cultura nativa americana, incluindo a observância religiosa, a linguagem e outras práticas tradicionais. Mais tarde, políticas como a Lei de Reorganização Indígena de 1934 mudou a estratégia para a educação dos povos indígenas, encorajando-os a se reconectar com suas culturas, incluindo a criação de roupas tradicionais.

Em 1942, o antropólogo americano Frederic H. Douglas procurou destacar a beleza da moda indígena americana apresentando um desfile de moda com peças feitas por índios americanos entre 1830 e 1950. Durante a mesma década, Lloyd Kiva New , um Cherokee formado do Art Institute of Chicago começou a percorrer a Europa e os Estados Unidos com as linhas de roupas e acessórios que ele havia desenhado, usando tecidos tecidos à mão e tingidos e artesanato em couro . Em 1945, New abriu um estúdio em Scottsdale, Arizona , com apoio financeiro de Douglas, que inicialmente focava em cintos, chapéus e bolsas. Influenciado por bolsas de remédios Navajo , suas bolsas, decoradas com metais trabalhados à mão, tornaram-se uma especialidade. Reconhecendo a necessidade de reduzir os custos de mão-de-obra, ele começou a combinar o trabalho da máquina com o artesanato e instituiu um programa de aprendizagem para atender às crescentes demandas de produção e, ao mesmo tempo, direcionar seus projetos para o mercado de alta escala.

Obtendo cobertura de revistas nacionais como Harper's Bazaar e The New Yorker , New começou a vender suas bolsas no Elizabeth Arden Salon e na Neiman Marcus . Expandindo-se para roupas com foco em cortes clássicos e designs simples usando materiais de qualidade, a New incorporou tecidos Cherokee tecidos, bordados e prata em uma linha de casacos e vestidos para ternos femininos e masculinos, capitalizando no mercado de roupas de luxo que surgiu depois Segunda Guerra Mundial . "Southwestern chic" tornou-se uma tendência nacional no início dos anos 1950. Em 1951, New foi o único estilista nativo americano a participar do Atlantic City International Fashion Show, ganhando reconhecimento nacional. Ele começou a consultar artistas e incorporou tecidos serigrafados usando motivos nativos, como desenhos de cestaria Pima , padrões de cerâmica Hopi , elementos Navajo e Zuni yei , inspirados em uma variedade de estéticas tribais. Tal como aconteceu com os designers que o seguiram, seus símbolos sagrados e iconografia foram modificados para se tornarem secularizados.

Para encorajar outros artistas indígenas a entrar no design de moda e salvaguardar as tradições culturais que ele temia que pudessem se perder, em 1959 New voltou sua atenção para a educação, patrocinando um projeto de design de verão, conhecido como Southwest Indian Arts Project. O projeto experimental acabou resultando na fundação por New e outros artistas do Institute of American Indian Arts (IAIA) em 1962. O objetivo da escola era fornecer uma educação que fomentasse o orgulho pela herança indígena dos alunos e apresentasse o desenvolvimento de habilidades destinadas a melhorar suas oportunidades econômicas. New ensinou um curso de têxteis impressos com foco em técnicas de tingimento, e Azalea Thorpe (Cherokee) ensinou tecelagem. Josephine Myers-Wapp ( Comanche ) foi contratada para instruir os alunos nas técnicas tradicionais de confecção de vestimentas e acessórios, criando as bases para a apreciação estética das tradições tribais. Ela ensinou os alunos a usar materiais tradicionais, como penas, couro e conchas, e métodos, incluindo beadwork, ribbonwork e tecelagem para criar roupas. Em 1965, a IAIA apresentava desfiles de moda locais e, em três anos, os alunos começaram a exibir seus trabalhos em outros locais no Arizona, Novo México, Texas e Nova York. Em dez anos, a reputação dos programas de design têxtil da escola ganhou aclamação internacional.

Gilberto Ortiz em 2015.
Gilberto Ortiz em 2015.

No México, antes de 1950, muitas comunidades indígenas foram isoladas e produziram suas próprias roupas tradicionais. À medida que as estradas melhoraram e as pessoas começaram a se mudar do campo para as cidades, muitos deixaram de lado suas roupas tradicionais para se misturar com seus novos vizinhos cosmopolitas. Em 1965, Gilberto Ortiz ( Mixtec ) mudou-se de San Andrés Lagunas , Oaxaca, para a Cidade do México e começou a se formar como alfaiate com o empresário alemão José Schroeder. Adquirindo o estilo tradicional europeu, seu primeiro grande cliente foi o ícone do cinema, María Félix . Em 1978, Ortiz deixou a Schroeder e se associou ao empresário italiano Edmundo Calanchini. Ele projetou principalmente para empresários e políticos até 1997, quando abriu sua própria loja voltada especificamente para o mercado de alta costura. Em 2006, por sugestão de seu cliente Juan Gabriel , Ortiz lançou sua própria marca, Gioros , sigla que usa as duas primeiras letras de cada um de seus nomes, Gilberto Ortiz Osorio. Em 2012, foi eleito um dos três maiores alfaiates do mundo pela empresa têxtil Scabal . Normalmente Ortiz produz roupas de estilo clássico usando tecidos de alta qualidade, mas sua última oferta em 2017 incluía jeans masculinos e femininos.

Na década de 1960, Frankie Welch (autodenominado descendente oriental Cherokee) começou a trabalhar como consultor de moda para a elite de Washington. Depois de comprar produtos feitos por terceiros para seus clientes, ela decidiu aproveitar o relacionamento que havia construído e abriu uma loja em 1963 na Rua Cameron 305, na Cidade Velha . Mais conhecida por lenços, como seu design de silabário Cherokee , ela forneceu acessórios às primeiras-damas Pat Nixon , Betty Ford , Rosalynn Carter e Nancy Reagan . Welch também criou vestidos para as primeiras-damas, incluindo um vestido de brocado de 1974 para Betty Ford, que fez parte da turnê 2016 Native Fashion Now . O vestido de seda verde, que ela também desenhou para a Ford, está em exibição no Smithsonian 's First Ladies 'Hall, no National Museum of American History .

Durante a década de 1970, outros designers nativos americanos começaram a fazer seu nome durante os movimentos indígenas e naturais , como Jewel Gilham ( Blackfeet ) e Remonia Jacobsen ( Otoe - Iowa ). Gilham atendia mulheres trabalhadoras, desenhando terninhos e vestidos longos feitos de tecidos de poliéster com inserções de feltro representando figuras geométricas e motivos nativos. O trabalho de Jacobsen apresentou vestidos largos com técnicas decorativas, como fitas bordadas no estilo Otoe e Iowa, apliques inspirados nas tradições Seminole , leggings de pele de gamo estampados em designs Kiowa, bem como influências de silhuetas decorativas Pueblo e Sioux. Alimentado pelo movimento dos direitos civis e indígenas americanos , os consumidores contraculturais encontraram apelo no trabalho de Gilham e Jacobsen. Além disso, sua moda fomentou uma unidade pan-indiana na busca por poder político por meio da auto-expressão.

1975 a 1990

Quando Josephine Wapp se aposentou em 1975, Sandy Fife Wilson ( Muscogee ) assumiu a instrução de seu curso de técnicas tradicionais e ofereceu "Design de moda tradicional e contemporâneo" para incluir as tendências da moda atuais. Os alunos de Fife formaram o grupo Full Moon Fashions e começaram a almejar mulheres não nativas como potenciais compradores de seus produtos. Em 1982, quando Wendy Ponca ( Osage ) assumiu os cursos de design de moda da IAIA, ela os renomeou como artes de fibra de acordo com outros currículos universitários credenciados, oferecendo três níveis de instrução. Ela fundou o Grupo de Moda Waves of the Earth e exigiu que seus alunos participassem dos desfiles da IAIA, dando-lhes a oportunidade de mostrar suas criações e descobrir como comercializar seus trabalhos. Ponca mudou a direção da moda indígena ao permitir que os designers determinassem se seus trabalhos incluiriam influências e mídia tradicionais. Ela ensinou-lhes design de roupas, integridade estrutural e teoria das cores, mas permitiu que os alunos interpretassem como usavam as aulas. A abordagem de Ponca foi ignorar as demandas de fazer os designs se encaixarem nas definições estereotipadas da identidade indígena. Em vez disso, ela incentivou a criatividade e a inovação, como utilizar mylar , um material da era espacial para criar designs que refletissem a conexão dos Osage com o céu.

O desfile do Mercado Indígena de Santa Fé , apresentado por quase duas décadas pelo especialista em moda Jeri Ah-be-hill ( Kiowa ), rapidamente se tornou mais um espaço para mostrar o trabalho dos alunos, usando o corpo como espaço para exibir os designs, em vez de galerias. Native Uprising , inicialmente chamado Native Influx, foi fundada na década de 1980 como uma associação colaborativa de artistas indígenas, designers e modelos, que eram ex-alunos da IAIA, com o propósito expresso de construir um movimento de design de moda nativo contemporâneo e permitir que os membros lucrem com seus desfiles de moda. Com New como conselheiro e Ponca como coordenador, o grupo incluiu muitos membros que se destacaram na moda, por exemplo Marcus Amerman ( Choctaw ), que atuou como encenador e RoseMary Diaz ( Santa Clara Pueblo ), que se formou em design de moda e redação criativa, antes de passar a escrever sobre moda.

Em 1981, Margaret Wood ( Navajo / Seminole ) do Arizona, conhecida pelo design de moda e também por suas colchas , publicou Native American Fashion: Modern Adaptations of Traditional Designs . O livro foi o primeiro tratamento da moda indígena contemporânea e continua sendo o único tratamento aprofundado do assunto. Também na década de 1980, designers indígenas como Luanne Belcourt ( Chippewa-Cree ) e Myrtle Raining Bird (Chippewa-Cree) operaram sua empresa Sitting Eagles , comercializando roupas sob medida em sua reserva para compradores sofisticados. Jeanette Ferrara ( Isleta Pueblo ) abriu um estúdio de design conhecido por casacos e coletes que incorporam algodão, lã e veludo, e Ardina Moore ( Quapaw - Osage ) fundou Buffalo Sun em Oklahoma em 1983. Geraldine Sherman ( Lakota ) projetado para comerciantes não-nativos e a antropóloga Helene Hagan para produzir roupas com a iconografia dos índios americanos. Hagan os comercializou, enfatizando seu significado espiritual e simbólico.

Jeri Ah-be-hill no Mercado Indígena de Santa Fé 2014. Demonstração do diferencial em trajes de dança e moda experimental.

Profissional de saúde e designer de moda, Marjorie Bear Don't Walk ( Chippewa - Salish ) projetou alta costura de ponta para mulheres que trabalham e exibiu sua moda com técnicas de apliques em conferências. Ela administrava um negócio de mala direta , permitindo que os clientes lhe fornecessem seus materiais preferidos, que ela então trabalhava em seus projetos. Em 1984, Selina Curley ( Apache -Navajo) fundou uma empresa de design, Traditions by Selina, com o objetivo de preservar as tradições de sua herança. Seus designs típicos são baseados no vestido de acampamento Apache com uma saia larga na altura do tornozelo e mangas compridas.

O Wheelwright Museum of the American Indian , localizado em Santa Fé, Novo México, sediou Talking Threads: Contemporary Native American Fashions em 1986. A exposição apresentou designs de Joyce Begay-Foss (Navajo), Loretta Tah-Martin ( Apache - Ponca ) e Michelle Tsosie Naranjo (Santa Clara-Navajo- Laguna Pueblo- Missão), entre outros. No ano seguinte, o Red Earth Festival foi estabelecido em Oklahoma City , exibindo criações do designer não-nativo Michael Kors , junto com Phyllis Fife (Muscogee), para demonstrar que as roupas nativas faziam parte da moda dominante. Fife fazia parte de um grupo de designers nativos conhecido como Fashion Drums of Red Earth , que fizeram do desfile de moda do Red Earth Festival um evento anual, demonstrando que as roupas nativas podem ser usadas todos os dias e não apenas como trajes cerimoniais. Também em 1987, Patta Joest (Choctaw) estabeleceu sua empresa Patta LT com a marca Dancing Rabbit , para criar roupas de alta costura, produzindo peças contemporâneas com elementos de design da herança tribal de Southeastern Woodland . Eles incluíram vestidos de lágrima Cherokee e coletes retalhos Seminole , incorporando recursos como bordados no estilo Plains Tribes . Sua linha também incluía sutiãs e lingerie inovadores , bem como saias em vassoura .

O Indian Arts and Crafts Act de 1990 foi aprovado pelo Congresso dos Estados Unidos . Ele especificou que para os artistas comercializarem seus trabalhos como Nativos Americanos, eles devem estar inscritos em uma tribo reconhecida estadual ou federal ou ser certificados por um conselho tribal como um membro e devem divulgar sua tribo afiliada. A lei teve como objetivo reduzir a apropriação indébita de designs nativos americanos por não-nativos que desejam capitalizar no mercado indígena. Para os indígenas americanos, seus símbolos, como o cocar, têm propriedades cerimoniais e sagradas. O uso impróprio de tais objetos, como o uso da Next Top Model 2014 do cocar para modelos não-nativos e seu uso em Dallas pela Chanel para seu show Métiers d'Art , eram ocorrências muito frequentes. Embora a lei tornasse ilegal a venda de itens por pessoas não afiliadas como membros da tribo, pouco poderia ser feito quando desenhos, símbolos ou nomes fossem usurpados. A lei, escrita para proteger as tribos e suas culturas como um todo, não abrange os indivíduos, fazendo com que não haja proteção para os trabalhos dos estilistas. Como parte de sua tradição tribal, os símbolos de várias tribos não são normalmente marcas registradas , mas uma exceção é o nome "Navajo", que foi legalmente registrado em 1943.

Logo após a mudança para a lei dos EUA, o debate público no Canadá sobre a proteção dos direitos de propriedade intelectual tornou-se um tópico da mídia. Não há leis canadenses que protejam especificamente contra apropriação cultural. O governo utiliza acordos internacionais para defender sua responsabilidade fiduciária para com as Primeiras Nações. Como nos Estados Unidos, as leis cobrem as comunidades como um todo e não os direitos autorais individuais e é difícil para os povos indígenas evitar a apropriação indevida de seus nomes e símbolos. A maioria das proteções existentes visa proteger os direitos econômicos, e não os patrimoniais. Em dois casos, as marcas registradas foram obtidas para proteger os artistas nativos. Desde 1959, a "etiqueta iglu" pode ser usada apenas por inuítes para proteger suas obras. O Cowichan Band Council registrou "Genuine Cowichan Approved" como uma marca especificamente para designs de roupas.

1991-2010

A década de 1990 viu uma divisão nos estilos de design de moda dos nativos americanos, com um grupo buscando silhuetas simples com transições suaves e definidas entre as linhas de tecido, enquanto o outro grupo se concentrou na alta costura indígena de vanguarda . Entre aqueles que preferiam o clássico e limpo estavam Betty David ( Spokane ), conhecida por seus casacos de corte ; Dorothy Grant ( Haida ), que estudou na Helen Lefeaux School of Fashion Design de Vancouver e cujo trabalho inclui imagens da flora e da fauna do noroeste do Pacífico , arte em formas e designs de cestaria; e Penny Singer (Navajo), que acrescentou imagens fotográficas em tecido às suas tradicionais camisas masculinas e femininas e acessórios decorados com miçangas e fitas decoradas. Virgil Ortiz ( Cochiti Pueblo ) e Grant foram os primeiros estilistas nativos americanos a expor em um evento em Manhattan. Eles realizaram um desfile juntos na Mercedes-Benz New York Fashion Week em 2009, embora o trabalho de Ortiz seja geralmente conhecido como mais moderno e conhecido por incorporar cores, formas e símbolos da cerâmica em seu design de moda. Angela DeMontigny (Chippewa-Cree- Métis ) do sudoeste de Ontário , uma designer canadense da Primeira Nação, também seguiu as linhas tradicionais clássicas, com elementos ousados ​​baseados inicialmente em roupas de couro e camurça antes de se ramificar em joias e acessórios.

Em 1991, D'Arcy J. Moses ( Pehdzeh Ki ), cujas cores ousadas e designs de castor e outras peles eram comercializados em lojas de varejo de luxo como Holt Renfrew , Neiman Marcus e Saks Fifth Avenue , assinou um contrato com o Fur Council do Canadá para ajudá-los a melhorar sua imagem, atraindo a raiva de ativistas anti-peles . Embora o contrato fornecesse uma renda estável, a polêmica criou uma distração de seu trabalho. Outros designers indígenas da época incluem a mestre tecelã Margaret Roach Wheeler ( Choctaw - Chickasaw ), que fez mestrado em arte na Pittsburg State University no Kansas, sob a tutela de Marjorie Schick ; Sean McCormick (Métis), que começou a projetar calçados no início dos anos 1990 e em 2008, lançou o Manitobah Mukluks ; e Virginia Yazzie Ballenger (Navajo), estilista do Novo México, mais conhecida por sua "saia de vassoura canelada e blusa de veludo combinando". Aresta LaRusso fundou a Deerwater Design em Flagstaff em 1994 com itens feitos de seda tradicional ou tecidos de lã e pele de veado ou alce. Para atualizar seus padrões contemporâneos, ela usou couro de zebra e impala, decorado com miçangas, franjas e prata.

Wendy Ponca, uma das líderes do grupo de vanguarda, deixou a IAIA em 1993. Depois de ser substituída por Pearl Sunrise (Navajo), uma notável tecelã, o currículo de moda da IAIA foi eliminado em 1995, embora o ímpeto para trabalhos de alta moda produzido por designers nativos estava crescendo. Entre os alunos de Ponca na IAIA na década de 1990 estavam os designers Pilar Agoyo ( Ohkay Owingeh Pueblo - Cochiti Pueblo - Kewa Pueblo ), que trabalhou como figurinista para vários filmes, incluindo Indiana Jones e o Reino da Caveira de Cristal (2008) e Os Vingadores ( 2012), e Patricia Michaels ( Taos Pueblo ), que conquistou o segundo lugar na 11ª temporada do Project Runway . Sua jaqueta feminina intitulada "Texto resistido: Proibida a invasão do chefe de guerra Taos". ganhou o prêmio de Melhor da Classe na categoria de têxteis no Mercado Indiano de Santa Fé em 2010. Outra estudante de Ponca, Brenda Wahnee ( Comanche ), desenvolveu sua própria linha Com-N-Acha , apresentando designs inovadores . Seus trabalhos foram apresentados em 2003 na festa do Grammy Fest. Tazbah Gaussoin (Picuris Pueblo -Navajo), Consuelo Pascual (Navajo- Maya ) e Rose Bean Simpson (Santa Clara Pueblo) foram outros alunos de Ponca que começaram a fazer seu nome nos círculos da moda na década de 1990.

Desde 1995, o Festival Aborígene Canadense (CANAB) tem sediado um desfile de moda de designers das Primeiras Nações . Dave Jones ( Garden River Ojibwe ), começou a produzir um desfile de moda anual para o Canadian Aboriginal Music Awards (CAMA) em 2001. Em 2008, o CANAB Festival apresentava seis desfiles de moda, bem como estandes para designers exibirem seus produtos. Em 1998, o Denver Art Museum sediou um desfile de moda, Indian Chic, apresentando as obras de Dorothy Grant, Wendy Ponca e Margaret Roach Wheeler. Foi a primeira vez que um grande museu exibiu obras de sua coleção de vestimentas indígenas, rotulando-as de "moda". Outros designers nativos dos anos 2000 incluem Orlando Dugi (Navajo), Dallin Maybee ( Northern Arapaho - Seneca ), Connie Gaussoin (Navajo- Picuris Pueblo ), o estilo de rua de Douglas Miles of Apache Skateboards ( San Carlos Apache - Akimel O'odham ) e os sapatos personalizados de Louie Gong ( Nooksack - Squamish ). Dugi é autodidata em moda, aprendendo a costurar, medir e criar padrões a partir de recursos online. Jamie Okuma ( Luiseño - Shoshone-Bannock ), outro artista autodidata, tornou-se a pessoa mais jovem a ganhar a fita Best of Show no Mercado Indígena de Santa Fé em 2000.

A partir da virada do século 21, houve um ressurgimento na América Latina de designs indígenas. A tendência tem sido fazer parceria com comunidades indígenas de artesãos para criar tecidos para designers não nativos. Em muitos países, a herança indígena é vista como parte da identidade nacional e havia pouco reconhecimento de que os elementos de design usados ​​e modificados por designers não indígenas eram parte da propriedade intelectual das comunidades indígenas. Os designers costumavam usar sobras de tecidos ou recortar bordados em uma peça de roupa para usar em outra. Imitações de designs indígenas foram encomendadas nos mercados de trabalho da Ásia. Depois de 2010, a tendência começou a mudar com o reconhecimento lento de que os designs e designers indígenas originais deveriam ser respeitados. Um inovador nesse período foi Franklin Janeta ( Puruhá ), de Riobamba , Equador, que começou a trabalhar como bordador ainda criança e, em 2000, abriu a Vispu, loja para comercializar seus desenhos. Modificando os estilos de roupas tradicionais, ele alterou componentes como decotes e comprimento das mangas para criar modas mais contemporâneas. Na mesma época, Eliana Paco Paredes ( aimará ), da Bolívia, começou a desenhar modas baseadas nos trajes tradicionais dos cholitas , utilizando tecidos de lã ou aguayo , mas fundindo-os com renda ou seda e decorando-os com strass e lantejoulas. Em 2016, após apresentar seus trabalhos na Bolivian Fashion Week, foi convidada a participar da New York Fashion Week.

Em 2005, a IAIA com o apoio da Fundação WK Kellogg , patrocinou a Tribal Fusions , como um empreendimento de moda intercultural, reunindo designers da África com Marcus Amerman, Dorothy Grant, Patricia Michaels e Virginia Yazzie Ballenger para o desfile anual de moda em Santa Fe Indian Market. Foi uma oportunidade única para designers de diversas populações indígenas compartilharem projetos e métodos de capacitação econômica. Em 2009, Jessica Metcalfe ( Chippewa ), uma acadêmica que obteve seu doutorado na Universidade do Arizona, criou um blog de moda chamado "Beyond Buckskin". Metcalfe usou o blog para promover designers nativos americanos, para falar sobre como eles se encaixam na cultura popular e também para responsabilizar as empresas quando tentassem se apropriar da cultura nativa. No ano seguinte, Patricia Michaels formou a UNRESERVED Alliance , em uma tentativa de garantir que estilistas nativos americanos estivessem representados na New York Fashion Week . Da mesma forma que Native Uprising, fundado duas décadas antes, o coletivo de designers buscou, por meio da colaboração, melhorar a inclusão de artistas indígenas.

2011 e além

Desfile de moda do mercado indiano de Santa Fé 2014

Como os designers nativos americanos reconheceram que o marketing apenas para os povos indígenas limitava a sustentabilidade de seus negócios, eles criaram cada vez mais roupas que são derivadas de sua herança cultural, mas foram adaptadas para apelar a uma estética mais ampla. Os primeiros designers tendiam a abordar a moda de uma perspectiva pan-indiana, mas os designers indígenas contemporâneos muitas vezes "permanecem dentro do reino de suas próprias técnicas tradicionais de roupas tribais ou regionais". Em 2012, Kelly Holmes ( Cheyenne River Lakota ), uma ex-modelo, fundou a Native Max , "a primeira revista de moda nativa americana". Jessica Metcalf ( Turtle Mountain Chippewa ), que escreveu o blog "Beyond Buckskin", abriu uma butique de moda em Gardena, Dakota do Norte , naquele mesmo ano. Metcalfe, junto com o fotógrafo Anthony Thosh Collins e a designer Bethany Yellowtail ( Northern Cheyenne - Crow ), criaram uma compilação de moda chamada Beyond Buckskin Lookbook, que ela diz ser a "primeira compilação de moda nativa moderna produzida exclusivamente pela Natives".

No Equador , Lucía Guillín ( Puruhá ) lançou Churandy apresentando os estilos de vestimenta das comunidades indígenas andinas com modificações contemporâneas em 2012. Suas linhas de roupas se expandiram para incluir blusas, jaquetas e shorts com padrões de bordado e cores típicas da região. No mesmo ano, Sisa Morocho (Puruhá) também lançou sua empresa de design Sumak Churay em Quito , após estudar moda no Instituto Ana MacAulife. A morte de seu pai a levou a deixar o negócio de chapéus da família e se ramificar por conta própria. Usando motivos da cultura Puruhá e adornando-os com miçangas, bordados e lantejoulas em tecidos de cores vivas, ela primeiro vendeu blusas e depois ficou conhecida pelos vestidos. Em 2015, Morocho conseguiu abrir uma segunda loja com seus designs em Riobamba. Em 2013, Victoria Kakuktinniq (Inuit) fundou a Victoria's Arctic Fashion para comercializar seus designs. Ela cria artigos de pele e couro para roupas de inverno, incluindo tiaras, jaquetas, luvas e parkas , usando pele de foca e decorada com punhos de raposa e bordados. Em 2015, Kakuktinniq ganhou o prêmio Business of the Year da feira anual Nunavut.

A designer italiana Ermenegildo Zegna abriu um instituto de moda em 2016, no bairro de Azcapotzalco , na Cidade do México, com o objetivo de ensinar técnicas de design para mulheres indígenas. Os alunos inscritos eram membros das etnias Mazahua , Nahua , Otomí , Purépecha , Triqui e Tzeltal . O treinamento que as mulheres receberam se concentrou em técnicas de alfaiataria ao invés de elementos de design nativos, em um esforço para permitir que as mulheres passassem do artesanato para o mercado de alta costura. Nesse mesmo ano, Nala Peter (Inuit) começou a confeccionar sutiãs e calcinhas de pele de foca por sugestão do seu parceiro, comercializando-os online e foi convidada a participar na exposição Floe Edge: Arte Contemporânea e Colaborações em Nunavut . Outra expositora da mostra foi Nicole Camphaug (Inuit), que desenha calçados com pele de foca e pele de foca e vampiros.

Em 2016, uma importante exposição itinerante, "Native Fashion Now", que viajou para locais como o Peabody Essex Museum em Salem, Massachusetts , o Philbrook Museum of Art em Tulsa, Oklahoma , o Portland Art Museum em Oregon e o Smithsonian 's Museu Nacional do Índio Americano em Manhattan , destaca a moda contemporânea dos índios americanos. Apresentando designs de 75 estilistas de todo o Canadá e dos Estados Unidos, a exposição apresentou uma variedade de estilos e designs de diversas culturas, como Alano Edzerza ( Tahltan Nation ), Maya Stewart (Chickasaw-Muscogee-Choctaw) e Bethany Yellowtail (Northern Cheyenne-Crow), entre outros. Becki Bitternose (George Gordon), que desenha jaquetas e casacos com mantas Pendleton, foi destaque na New York Fashion Week 2016.

Desfile de moda contemporânea de nativos americanos no mercado indiano de Santa Fé 2015.
Desfile de moda contemporânea de nativos americanos no mercado indiano de Santa Fé 2015.

Vancouver sediou sua primeira Semana da Moda Indígena em 2017 com designs de vários designers das Primeiras Nações, incluindo Sho Sho Esquiro ( Kaska Dena -Cree), conhecido por vestidos elaboradamente decorados, aprimorados com pele, cauda de castor, pele de salmão, penas e conchas combinadas com ouro aparar; Evan Ducharme (Métis), cujo trabalho foca no design sustentável e ecológico e incorpora elementos Métis como cintos com nós baseados em técnicas de redes de pesca; Jeneen Frei Njootli ( Vuntut Gwitchin ), que apresentou uma coleção com design inovador que incorpora peles e peles; Autum Jules ( Tlingit ), conhecida por seu uso de texturas e cores para refletir a conexão entre as pessoas e a terra; Tyler-Alan Jacobs , ( Squamish ) cujos designs refletem sua identidade como um artista de dois espíritos ; e Alano Edzerza ( Tahltan ), conhecido como um artista multimídia cujo trabalho incorpora em suas vestes imagens serigrafadas da iconografia indígena. Jill Setah ( Yunesit'in ) participou do evento de Vancouver, após ter apresentado seus trabalhos tanto na Oxford Fashion Week quanto na Paris Fashion Week . Tishynah Buffalo ( George Gordon ), que mora em Alberta , Canadá, foi convidada a participar da London Fashion Week em 2017, para mostrar seus designs inovadores que costumam usar cobertores Pendleton e são decorados com miçangas e padrões florais Cree. Helen Oro , ( Pelican Lake ), que desenha acessórios de moda, também participou do evento. Oro, que descobriu que as contas cerimoniais restringem, adiciona bordados a óculos, faixas para a cabeça, saltos e cria peças de joalheria.

Designers de moda nativos americanos notáveis

Tammy Beauvais - desenhou a capa dada a Michelle Obama por Sophie Grégoire-Trudeau .

Tishynah Buffalo - incorpora designs Cree

Eliana Paco Paredes - estilista aimará

Controvérsia

A mulher à esquerda está usando um "Vestido Squaw".
A mulher à esquerda está usando um "Vestido Squaw".

Empresas e indivíduos não-nativos tentaram usar motivos e nomes nativos americanos em seus designs de roupas. Já na década de 1940, os designers anglo-americanos nos Estados Unidos desenvolveram um tipo de vestidos de uma ou duas peças chamados de " vestidos de squaw ". Essas roupas foram baseadas em saias mexicanas e navajo e vestidos de acampamento apache ocidentais. Os vestidos, também conhecidos como Fiesta, Kachina, Tohono ou Patio Dresses "representavam tanto a feminilidade idealizada quanto a americanidade por causa de suas origens nativas americanas". Esses vestidos, apropriando-se conscientemente dos estilos indígenas, foram considerados a "sensação da moda" da época, segundo o Arizona Daily Star . O estilo Navajo que influenciou a criação dos Vestidos Squaw foi em si uma adaptação dos estilos europeus pelas mulheres Navajo. O corpete de um vestido Squaw foi inspirado nos estilos Apache ocidental e Tohono O'odham. Os vestidos Squaw foram populares nos Estados Unidos por cerca de 20 anos. O "designer" original do vestido Squaw foi Dolores Gonzales de Tucson, Arizona. A própria Gonzales disse sobre seus vestidos: "Não fui eu que os desenhei; eu os levantei. As mulheres indianas já os usavam". Outras pessoas envolvidas na promoção e trabalho nos designs incluíram os designers Cele Peterson e George Fine .

A Urban Outfitters criou uma coleção em 2011 chamada "Navajo", apresentando roupas íntimas, chapéus e outros itens com arte baseada em tapetes Navajo tradicionais . A Nação Navajo respondeu emitindo um cessar e desistir do uso da palavra "Navajo". A banda pop No Doubt lançou um vídeo de 2012 com imagens estereotipadas da fronteira americana e acabou retirando o vídeo e pedindo desculpas. Victoria's Secret vestiu uma modelo com um biquíni "inspirado nos nativos" e um cocar de guerra gigante em seu desfile de moda no mesmo ano. Victoria's Secret foi novamente acusada de apropriação cultural em seu desfile de 2017, que apresentou trajes inspirados na moda tradicional indígena.

Em 2017, o designer parisiense Christian Louboutin foi criticado por pagar aos artesãos maias yucatecas apenas 238 pesos (cerca de US $ 13) cada um por bolsas que ele vendeu por cerca de US $ 28.000 (equivalente a US $ 1.550). A polêmica começou quando ativistas chamaram Louboutin por explorar os artesãos. Ele pagou por todo o seu material e pagou aos trabalhadores 478 pesos por dia por 6 horas de trabalho, que se compara ao salário médio mexicano na região de 80 pesos por 8 horas de trabalho por dia. Os artesãos ficaram gratos pelo trabalho e pelo dinheiro que receberam, mas a empresa de Louboutin retirou a página que anunciava as sacolas de seu site. No mesmo ano, a empresa têxtil peruana Kuna retirou uma coleção após reclamações de que a empresa havia se apropriado indevidamente de designs kené do povo Shipibo-Conibo . A polêmica motivou a congressista Tania Pariona Tarqui a apresentar uma legislação para proteger o patrimônio cultural e os símbolos das comunidades indígenas no Peru.

Outra questão em relação à moda indígena americana é a representação estereotipada das roupas dos povos indígenas nas representações da mídia de massa. Os nativos americanos são retratados com mais frequência em contextos históricos usando roupas tradicionais.

Veja também

Referências

Citações

Bibliografia