Artes visuais por povos indígenas das Américas - Visual arts by indigenous peoples of the Americas

Artes visuais por povos indígenas das Américas
Máscara Torta do Bico do Céu, Kwakwakaʼwakw , século 19
Dresden Codex , Maya, por volta do século 11 ou 12
Principais áreas culturais das Américas pré-colombianas:      Ártico      Noroeste      Aridoamérica      Mesoamérica      Isthmo-      Caribe colombiano      Amazônia      Andes . Este mapa não mostra a Groenlândia, que faz parte da área cultural do Ártico.

As artes visuais dos povos indígenas das Américas abrangem as práticas artísticas visuais dos povos indígenas das Américas desde os tempos antigos até o presente. Isso inclui obras da América do Sul e da América do Norte , que inclui a América Central e a Groenlândia . Os Yupiit siberianos , que têm grande sobreposição cultural com os Yupiit nativos do Alasca , também estão incluídos.

As artes visuais indígenas americanas incluem artes portáteis, como pintura, cestaria, têxteis ou fotografia, bem como obras monumentais, como arquitetura , land art , escultura pública ou murais. Algumas formas de arte indígenas coincidem com formas de arte ocidentais ; no entanto, alguns, como a pena de porco-espinho ou a mordida de casca de bétula, são exclusivos das Américas.

A arte indígena das Américas foi colecionada por europeus desde o contato sustentado em 1492 e juntou coleções em gabinetes de curiosidades e primeiros museus. Os museus de arte ocidentais mais conservadores classificaram a arte indígena das Américas dentro das artes da África, Oceania e Américas, com obras de arte pré- contato classificadas como arte pré-colombiana , um termo que às vezes se refere apenas à arte pré-contato de povos indígenas da América Latina . Acadêmicos e aliados nativos estão se esforçando para que a arte indígena seja compreendida e interpretada a partir de perspectivas indígenas.

Estágio lítico e arcaico

Na América do Norte, o estágio Lítico ou período Paleo-Indiano é definido como aproximadamente 18.000–8000 aC. O período de cerca de 8.000-800 aC é geralmente referido como o período arcaico . Embora as pessoas desse período trabalhassem com uma ampla variedade de materiais, os materiais perecíveis, como fibras vegetais ou peles, raramente haviam sido preservados ao longo dos milênios. Os povos indígenas criaram estandarte , ponta de projétil , estilos de redução lítica e pinturas rupestres pictográficas, algumas das quais sobreviveram até o presente.

Pertencente ao estágio lítico, a arte mais antiga conhecida nas Américas é um osso de megafauna esculpido , possivelmente de um mamute, gravado com um perfil de mamute ou mastodonte ambulante que data de 11.000 aC. O osso foi encontrado no início do século 21 perto de Vero Beach, Flórida , em uma área onde ossos humanos ( homem Vero ) foram encontrados em associação com animais extintos do pleistoceno no início do século 20. O osso está muito mineralizado para ser datado, mas a escultura foi autenticada como tendo sido feita antes de o osso se mineralizar. A correção anatômica do entalhe e a pesada mineralização do osso indicam que o entalhe foi feito enquanto mamutes e / ou mastodontes ainda viviam na área, há mais de 10.000 anos.

O mais antigo objeto pintado conhecido na América do Norte é a Caveira Cooper Bison de aproximadamente 8.050 AC. A arte da era lítica na América do Sul inclui pinturas rupestres da cultura de Monte Alegre criadas na Caverna da Pedra Pintada que datam de 9250 a 8550 aC. A caverna Guitarrero, no Peru, tem os primeiros tecidos conhecidos na América do Sul, datando de 8.000 a.C.

O sudoeste dos Estados Unidos e certas regiões dos Andes apresentam a maior concentração de pictogramas (imagens pintadas) e petróglifos (imagens esculpidas) desse período. Tanto os pictogramas quanto os petróglifos são conhecidos como arte rupestre .

América do Norte

ártico

Os Yup'ik do Alasca têm uma longa tradição de esculpir máscaras para uso em rituais xamânicos . Os povos indígenas do Ártico canadense produziram objetos que poderiam ser classificados como arte desde a época da cultura Dorset . Enquanto as esculturas de morsa de marfim de Dorset eram principalmente xamânicas, a arte do povo Thule que as substituiu por volta de 1000 dC tinha um caráter mais decorativo. Com o contato europeu, iniciou-se o período histórico da arte Inuit. Nesse período, que atingiu seu apogeu no final do século 19, artesãos Inuit criaram lembranças para as tripulações de navios baleeiros e exploradores. Exemplos comuns incluem placas de cribbage . A arte Inuit moderna começou no final dos anos 1940, quando com o incentivo do governo canadense, eles começaram a produzir gravuras e esculturas em serpentina para venda no sul. Os Inuit da Groenlândia têm uma tradição têxtil única, envolvendo costura de pele, peles e apliques de pequenos pedaços de órgãos de mamíferos marinhos tingidos em desenhos de mosaico, chamados avittat . As mulheres criam colares de miçangas de rede elaborados. Eles têm uma forte tradição de confecção de máscaras e também são conhecidos por uma forma de arte chamada tupilaq ou um "objeto de espírito maligno". As práticas tradicionais de criação de arte prosperam no Ammassalik . Marfim de cachalote continua a ser um meio valioso para esculpir.

Subártico

As culturas do interior do Alasca e do Canadá que vivem ao sul do Círculo Polar Ártico são povos subárticos . Embora os humanos tenham vivido na região por muito mais tempo, a arte subártica mais antiga conhecida é um local de petróglifos no noroeste de Ontário , datado de 5.000 aC. Caribou e, em menor medida , alces , são recursos importantes, fornecendo peles, chifres, tendões e outros materiais artísticos. Pena de porco- espinho embeleza peles e casca de bétula. Após o contato europeu com a influência das Freiras Cinzentas , tufos de cabelo de alce e contas de vidro floral tornaram-se populares através do Subártico.

Costa noroeste

A arte dos Haida , Tlingit , Heiltsuk , Tsimshian e outras tribos menores que vivem nas áreas costeiras do estado de Washington , Oregon e British Columbia , é caracterizada por um vocabulário estilístico extremamente complexo expresso principalmente por meio da escultura em madeira. Exemplos famosos incluem totens , máscaras de transformação e canoas. Além da marcenaria, a pintura bidimensional e as joias gravadas em prata, ouro e cobre tornaram-se importantes após o contato com os europeus.

Florestas Orientais

Bosques do Nordeste

As culturas das Florestas Orientais , ou simplesmente florestas, habitaram as regiões da América do Norte a leste do Rio Mississippi, pelo menos desde 2500 aC. Embora houvesse muitas culturas regionalmente distintas, o comércio entre eles era comum e eles compartilhavam a prática de enterrar seus mortos em montes de terra, o que preservou uma grande quantidade de sua arte. Por causa dessa característica, as culturas são conhecidas coletivamente como os construtores do monte .

O período da floresta (1000 aC - 1000 dC) é dividido em períodos inicial, médio e tardio e consistia em culturas que dependiam principalmente da caça e coleta para sua subsistência. Cerâmica feita pela cultura Deptford (2500 AC-100 DC) são as primeiras evidências de uma tradição artística nesta região. A cultura Adena é outro exemplo conhecido de uma cultura primitiva da floresta. Eles esculpiram tabuletas de pedra com desenhos zoomórficos , criaram cerâmicas e criaram trajes com peles de animais e chifres para rituais cerimoniais. O marisco era o principal alimento de sua dieta, e conchas gravadas foram encontradas em seus túmulos.

O período de Middle Woodland foi dominado por culturas da tradição Hopewell (200–500). Sua arte abrangia uma grande variedade de joias e esculturas em pedra, madeira e até mesmo osso humano.

O período Late Woodland (500-1000 EC) viu um declínio no comércio e no tamanho dos assentamentos, e a criação de arte também diminuiu.

Do século 12 em diante, os Haudenosaunee e as tribos costeiras próximas criaram wampum de conchas e cordas; esses eram dispositivos mnemônicos , moeda e registros de tratados.

Os iroqueses esculpem máscaras faciais para rituais de cura, mas os representantes tradicionais das tribos, o Grande Conselho dos Haudenosaunee , têm certeza de que essas máscaras não estão à venda ou exibição pública. O mesmo pode ser dito para as máscaras da Iroquois Corn Husk Society.

Uma escultora de belas artes de meados do século XIX foi Edmonia Lewis (afro-americana / ojíbua). Duas de suas obras são mantidas pelo Museu de Newark .

Os povos nativos da Floresta do Nordeste continuaram a fazer artes visuais ao longo dos séculos 20 e 21. Um desses artistas é Sharol Graves, cujas serigrafias foram exibidas no Museu Nacional do Índio Americano . Graves também é o ilustrador de The People Shall Continue da Lee & Low Books .

Southeastern Woodlands

A cultura Poverty Point habitou partes do estado de Louisiana de 2000 a 1000 AC durante o período Arcaico . Muitos objetos escavados em locais de Poverty Point foram feitos de materiais originários de lugares distantes, incluindo pontas de projéteis de pedra lascada e ferramentas, prumos de pedra do solo, gorgetes e vasos, e contas de conchas e pedras. As ferramentas de pedra encontradas em Poverty Point foram feitas de matérias-primas originadas nas montanhas relativamente próximas de Ouachita e Ozark e nos vales muito mais distantes dos rios Ohio e Tennessee . Os navios eram feitos de pedra - sabão que vinha do sopé dos Apalaches do Alabama e da Geórgia . Objetos modestos de argila modelados à mão ocorrem em uma variedade de formas, incluindo estatuetas antropomórficas e bolas de cozinha.

A cultura do Mississippi floresceu no que hoje é o meio - oeste , leste e sudeste dos Estados Unidos de aproximadamente 800 a 1500 dC, variando regionalmente. Depois de adotar a agricultura do milho, a cultura do Mississippi tornou-se totalmente agrária, em oposição à caça e coleta suplementada pela agricultura de meio período praticada por culturas florestais anteriores. Eles construíram montes de plataforma maiores e mais complexos do que os de seus predecessores, e finalizaram e desenvolveram técnicas de cerâmica mais avançadas, normalmente usando a casca do mexilhão terrestre como agente de têmpera . Muitos estavam envolvidos com o Complexo Cerimonial do Sudeste , uma rede religiosa e comercial pan-regional e pan-linguística. A maioria das informações conhecidas sobre o SECC é derivada do exame das elaboradas obras de arte deixadas por seus participantes, incluindo cerâmica , gorgets e xícaras de conchas, estátuas de pedra , placas de cobre repoussé como o Wulfing cache , placas Rogan e Long-narized masquetes de deus . Na época do contato europeu, as sociedades do Mississippi já estavam passando por severo estresse social e, com as convulsões políticas e doenças introduzidas pelos europeus, muitas sociedades entraram em colapso e deixaram de praticar um estilo de vida do Mississippi, com exceções notáveis ​​sendo a cultura Plaquemine Natchez e Taensa relacionada povos. Outras tribos descendentes de culturas do Mississippi incluem Caddo , Choctaw , Muscogee Creek , Wichita e muitos outros povos do sudeste.

Um grande número de artefatos de madeira pré-colombianos foi encontrado na Flórida. Embora os artefatos de madeira mais antigos tenham até 10.000 anos, os objetos de madeira esculpidos e pintados são conhecidos apenas nos últimos 2.000 anos. Efígies de animais e máscaras faciais foram encontradas em vários locais na Flórida. Efígies de animais datando de 200 a 600 anos foram encontradas em um lago mortuário em Fort Center , no lado oeste do Lago Okeechobee . Particularmente impressionante é a escultura de uma águia com 66 cm de altura.

Mais de 1.000 objetos de madeira esculpidos e pintados, incluindo máscaras, placas, placas e efígies, foram escavados em 1896 em Key Marco , no sudoeste da Flórida . Eles foram descritos como uma das melhores artes pré-históricas dos nativos americanos na América do Norte. Os objetos não são bem datados, mas podem pertencer ao primeiro milênio da era atual. Missionários espanhóis descreveram máscaras e efígies semelhantes em uso pelos Calusa no final do século 17 e no antigo local de Tequesta no rio Miami em 1743, embora nenhum exemplo de objetos Calusa do período histórico tenha sobrevivido. Um estilo de efígie do sul da Flórida é conhecido por esculturas em madeira e osso de vários locais nas áreas de cultura de Belle Glade , Caloosahatchee e Glades .

Os Seminoles são mais conhecidos por suas criações têxteis, especialmente roupas de patchwork. A fabricação de bonecas é outra arte notável.

O Oeste

Ótimos planos

As tribos viveram nas Grandes Planícies por milhares de anos. As primeiras culturas das planícies são comumente divididas em quatro períodos: Paleoíndio (pelo menos c. 10.000–4000 aC), Planícies arcaicas (c. 4000-250 aC), Floresta das planícies (c. 250 aC - 950 dC), Vila das planícies (c. 950-1850 CE). O mais antigo objeto pintado conhecido na América do Norte foi encontrado nas planícies do sul, o Cooper Bison Skull , encontrado em Oklahoma e datado de 10.900-10.200 AC. É pintado com um zigue-zague vermelho.

No período de Plains Village, as culturas da área se estabeleceram em grupos fechados de casas retangulares e milho cultivado . Várias diferenças regionais surgiram, incluindo Southern Plains, Central Plains, Oneota e Middle Missouri. As tribos eram tanto caçadores nômades quanto fazendeiros semi-nômades. Durante o período de Plains Coalescent (contato com 1400 europeus), alguma mudança, possivelmente seca, causou a migração em massa da população para a região de Eastern Woodlands, e as Grandes Planícies foram esparsamente povoadas até que a pressão dos colonos americanos levou as tribos para a área novamente.

O advento do cavalo revolucionou as culturas de muitas tribos históricas das planícies. A cultura do cavalo permitiu que as tribos vivessem uma existência completamente nômade, caçando búfalos. As roupas de couro de búfalo eram decoradas com bordados de penas de porco - espinho e contas - conchas de dentário e dentes de alce eram materiais valiosos. Mais tarde, moedas e contas de vidro adquiridas no comércio foram incorporadas à arte das planícies. O beadwork Plains floresceu nos tempos contemporâneos.

O búfalo era o material preferido para a pintura de peles nas planícies . Homens pintaram narrativas, desenhos pictóricos registrando façanhas ou visões pessoais. Eles também pintaram calendários históricos pictográficos conhecidos como Contagens de Inverno . As mulheres pintavam desenhos geométricos em túnicas bronzeadas e parfleches de couro cru , que às vezes serviam como mapas.

Durante a Era da Reserva do final do século 19, os rebanhos de búfalos foram sistematicamente destruídos por caçadores não nativos. Devido à escassez de peles, os artistas de Plains adotaram novas superfícies de pintura, como musselina ou papel, dando origem à arte Ledger , assim chamada pelos onipresentes livros contábeis usados ​​pelos artistas de Plains.

Grande Bacia e Platô

Desde o período arcaico, a região do planalto, também conhecida como Intermontaine e parte superior da Grande Bacia , tinha sido um centro de comércio. Os povos do planalto se estabeleceram tradicionalmente perto dos principais sistemas fluviais. Por causa disso, sua arte carrega influências de outras regiões - das costas do noroeste do Pacífico e das Grandes Planícies. As mulheres Nez Perce , Yakama , Umatilla e Cayuse tecem cascas de milho retangulares planas ou bolsas de cânhamo , que são decoradas com "desenhos geométricos ousados" em bordados falsos. Os beadworkers do platô são conhecidos por suas bordas de contorno e seus elaborados trajes de cavalo.

As tribos da Grande Bacia têm uma tradição sofisticada de fazer cestos, como exemplificado por Dat So La Lee / Louisa Keyser ( Washoe ), Lucy Telles , Carrie Bethel e Nellie Charlie . Depois de serem deslocados de suas terras por colonos não nativos, Washoe tecia cestas para o mercado de commodities, especialmente de 1895 a 1935. Paiute , Shoshone e cestos Washoe são conhecidos por suas cestas que incorporam miçangas na superfície e por cestas impermeáveis.

Califórnia

Os nativos americanos na Califórnia têm uma tradição de artes de cestaria primorosamente detalhadas . No final do século 19, as cestas californianas feitas por artistas de Cahuilla , Chumash , Pomo , Miwok , Hupa e muitas outras tribos se tornaram populares entre colecionadores, museus e turistas. Isso resultou em grande inovação na forma das cestas. Muitas peças por cesteiros nativo americano de todas as partes da Califórnia estão em coleções de museus, como o Museu Peabody de Arqueologia e Etnologia na Universidade de Harvard , o Museu do sudoeste , eo Smithsonian Institution Museu Nacional do Índio Americano .

A Califórnia possui um grande número de pictogramas e pinturas rupestres petróglifos . Uma das maiores densidades de petróglifos na América do Norte, pelo povo Coso , está nos grandes e pequenos cânions de petróglifos no distrito de arte rupestre de Coso, no norte do deserto de Mojave, na Califórnia.

Os pictogramas mais elaborados dos Estados Unidos são considerados a arte rupestre do povo Chumash , encontrados em pinturas rupestres nos atuais condados de Santa Bárbara , Ventura e San Luis Obispo . A pintura da caverna Chumash inclui exemplos no Parque Histórico Estadual Chumash Painted Cave e Burro Flats Painted Cave .

Sudoeste

No sudoeste dos Estados Unidos, numerosos pictogramas e pinturas rupestres foram criados. A cultura Fremont e os Puebloans Ancestrais e criações de tribos posteriores, no estilo Barrier Canyon e outros, são vistos atualmente no Buckhorn Draw Pictograph Panel e no Horseshoe Canyon , entre outros locais. Os petróglifos desses artistas e da cultura Mogollon estão representados no Monumento Nacional dos Dinossauros e no Jornal Rock .

Os Puebloans Ancestrais , ou Anasazi, (1000 AC-700 DC) são os ancestrais das tribos Pueblo de hoje . Sua cultura se formou no sudoeste americano, depois que o cultivo do milho foi introduzido no México por volta de 1200 aC. Os habitantes desta região desenvolveram um estilo de vida agrário, cultivando alimentos, cabaças de armazenamento e algodão com técnicas de irrigação ou xeriscape . Eles viviam em cidades sedentárias, então a cerâmica, usada para armazenar água e grãos, era onipresente.

Por centenas de anos, Ancestral Pueblo criou utilitários grayware e cerâmica preto sobre branco e, ocasionalmente, cerâmica laranja ou vermelha. Em tempos históricos, os Hopi criaram ollas , tigelas de massa e tigelas de comida de diferentes tamanhos para uso diário, mas também fizeram canecas cerimoniais mais elaboradas, jarras, conchas, potes de sementes e outros recipientes para uso ritual, e estes geralmente tinham acabamento polido superfícies e decoradas com desenhos pintados de preto. Na virada do século 20, o oleiro Hopi Nampeyo famoso reviveu a cerâmica no estilo Sikyátki , originada na Primeira Mesa nos séculos 14 a 17.

A arquitetura do sudoeste inclui moradias em penhascos , assentamentos de vários andares esculpidos em rocha viva ; casas de cova ; e pueblos de adobe e arenito . Um dos maiores e mais elaborados assentamentos antigos é o Chaco Canyon, no Novo México , que inclui 15 grandes complexos de arenito e madeira. Eles são conectados por uma rede de estradas. A construção do maior desses assentamentos, Pueblo Bonito , começou 1080 anos antes do presente . Pueblo Bonito contém mais de 800 quartos.

Turquesa , azeviche e concha de ostra espinhosa têm sido tradicionalmente usadas por Ancestral Pueblo para joias, e eles desenvolveram técnicas sofisticadas de incrustação séculos atrás.

Por volta de 200 dC, a cultura Hohokam se desenvolveu no Arizona. Eles são os ancestrais das tribos Tohono O'odham e Akimel O'odham ou Pima. Os Mimbres , um subgrupo da cultura Mogollon , são especialmente notáveis ​​pelas pinturas narrativas em sua cerâmica.

No último milênio, os povos Athabaskan emigraram do norte do Canadá para o sudoeste. Isso inclui o Navajo e o Apache . A pintura com areia é um aspecto das cerimônias de cura Navajo que inspirou uma forma de arte. Os navajos aprenderam a tecer em teares verticais com os pueblos e a tecer cobertores que foram avidamente coletados pelas tribos da Grande Bacia e das Planícies nos séculos XVIII e XIX. Após a introdução da ferrovia na década de 1880, os cobertores importados tornaram-se abundantes e baratos, então os tecelões Navajo passaram a produzir tapetes para o comércio.

Na década de 1850, os navajos adotaram a ourivesaria dos mexicanos. Atsidi Sani (Old Smith) foi o primeiro ourives Navajo, mas ele tinha muitos alunos, e a tecnologia rapidamente se espalhou para as tribos vizinhas. Hoje, milhares de artistas produzem joias de prata com turquesa. Os hopis são famosos por seus trabalhos em prata sobreposta e entalhes em madeira de algodão. Os artistas Zuni são admirados por suas joias de trabalho em grupo, exibindo designs em turquesa, bem como suas elaboradas incrustações de pedra pictórica em prata.

Mesoamérica e América Central

Mapa da região cultural mesoamericana.

O desenvolvimento cultural da antiga Mesoamérica foi geralmente dividido ao longo do leste e oeste. A cultura maia estável era mais dominante no leste, especialmente na Península de Yucatán, enquanto no oeste ocorriam desenvolvimentos mais variados em sub-regiões. Estes incluíram mexicano ocidental (1000–1), Teotihuacan (1–500), Mixtec (1000–1200) e asteca (1200–1521).

As civilizações da América Central geralmente viviam nas regiões ao sul do México moderno, embora houvesse alguma sobreposição.

Mesoamérica

A Mesoamérica foi o lar das seguintes culturas, entre outras:

Olmeca

Os olmecas (1500-400 aC), que viveram na costa do golfo, foram a primeira civilização a se desenvolver totalmente na Mesoamérica. Sua cultura foi a primeira a desenvolver muitos traços que permaneceram constantes na Mesoamérica até os últimos dias dos astecas: um calendário astronômico complexo, a prática ritual de um jogo de bola e a ereção de estelas para comemorar vitórias ou outros eventos importantes.

As criações artísticas mais famosas dos olmecas são cabeças colossais de basalto , que se acredita serem retratos de governantes erguidos para anunciar seu grande poder. Os olmecas também esculpiram estatuetas votivas que enterraram sob o chão de suas casas por razões desconhecidas. Estes eram na maioria das vezes modelados em terracota, mas também ocasionalmente esculpidos em jade ou serpentina .

Teotihuacan

Teotihuacan foi uma cidade construída no Vale do México , contendo algumas das maiores estruturas piramidais construídas nas Américas pré-colombianas . Fundada por volta de 200 AC, a cidade caiu entre os séculos 7 e 8 EC. Teotihuacan possui vários murais bem preservados .

Cultura Veracruz Clássica

Em seu livro de 1957 sobre arte mesoamericana, Miguel Covarrubias fala das "magníficas figuras ocas de Remojadas, com rostos expressivos, em posturas majestosas e usando uma parafernália elaborada indicada por elementos de argila adicionados".

Zapoteca

"O Deus Morcego era uma das divindades importantes dos Maias, muitos elementos de cuja religião eram compartilhados também pelos Zapotecas . O Deus Morcego em particular é conhecido por ter sido reverenciado também pelos Zapotecas ... Ele era especialmente associado .. . com o submundo. " Um importante centro zapoteca era Monte Albán , na atual Oaxaca , México. Os períodos de Monte Albán são divididos em I, II e III, que variam de 200 aC a 600 dC.

Maia

A civilização maia ocupou o sul do México , toda a Guatemala e Belize e as partes ocidentais de Honduras e El Salvador .

Tolteca

Mixtec

Totonac

Huastec

asteca

América Central e "área intermediária"

Grande Chiriqui

Grande Nicoya Os povos antigos da Península de Nicoya, na atual Costa Rica, tradicionalmente esculpiam pássaros em jade , que eram usados ​​para enfeites fúnebres. Por volta de 500 dC os ornamentos de ouro substituíram o jade, possivelmente devido ao esgotamento dos recursos de jade.

Caribenho

Sul Americano

As civilizações nativas desenvolveram-se mais na região andina , onde se dividem grosso modo em civilizações do norte dos Andes, na atual Colômbia e Equador, e nas civilizações do sul dos Andes, no atual Peru e Chilé .

Tribos de caçadores-coletores em toda a floresta amazônica do Brasil também desenvolveram tradições artísticas envolvendo tatuagens e pinturas corporais. Por causa de sua distância, essas tribos e sua arte não foram estudadas tão profundamente quanto as culturas andinas, e muitas até permanecem isoladas .

Área Isthmo-Colombiana

A área Isthmo-colombiana inclui alguns países da América Central (como Costa Rica e Panamá ) e alguns países da América do Sul próximos a eles (como a Colômbia ).

San Agustín

Calima

Tolima

Gran Coclé

Artefatos de culturas desconhecidas do Panamá

Diquis

Artefatos de culturas desconhecidas da Costa Rica

Nariño

Quimbaya

Muisca

Zenú

Tairona

Artefatos de culturas desconhecidas da Colômbia

Região Andina

Valdivia

Chavín

Paracas

Nasca

Moche

Recuay

Tolita

Wari

Lambayeque / Sican

Tiwanaku

Capulí

Império chimú

Chancay

Inca

Amazonia

Tradicionalmente limitado no acesso a pedras e metais, os povos indígenas amazônicos se destacam em trabalho de penas, pintura, têxteis e cerâmica. Caverna da Pedra Pintada (Cave of the Rock pintado) no Pará Estado do Brasil abriga a arte mais antiga firmemente datado nas Américas - pinturas rupestres que datam de 11.000 anos. A caverna também é o local da cerâmica mais antiga das Américas, de 5.000 aC.

A Ilha do Marajó , na foz do rio Amazonas, foi um grande centro de tradições cerâmicas já em 1000 dC e continua a produzir cerâmica hoje, caracterizada por bases de cor creme pintadas com desenhos geométricos lineares de vermelho, preto e branco deslizes .

Com acesso a uma ampla gama de espécies de pássaros nativos, os povos indígenas amazônicos se destacam no trabalho com penas, criando cocares de cores brilhantes, joias, roupas e leques. Asas de besouro iridescentes são incorporadas a brincos e outras joias. A tecelagem e a cestaria também prosperam na Amazônia, conforme observado entre os Urarina do Peru.

Moderno e contemporâneo

Aula de desenho na Phoenix Indian School, 1900

O início da arte contemporânea nativa americana

Identificar a hora exata do surgimento da arte nativa "moderna" e contemporânea é problemático. No passado, os historiadores da arte ocidentais consideravam o uso da mídia de arte ocidental ou a exibição na arena internacional da arte como critérios para a história da arte "moderna" dos nativos americanos. A história da arte dos nativos americanos é uma disciplina acadêmica nova e altamente contestada, e essas referências eurocêntricas são cada vez menos seguidas hoje. Muitos meios considerados apropriados para a arte de cavalete foram empregados por artistas nativos durante séculos, como escultura em pedra e madeira e pintura mural. Artistas ancestrais Pueblo pintaram com têmpera em tecido de algodão, pelo menos 800 anos atrás. Certos artistas nativos usaram materiais de arte não indígenas assim que eles se tornaram disponíveis. Por exemplo, o artista texano Fernando de Alva Cortés Ixtlilxóchitl pintou com tinta e aquarela sobre papel no final do século XVI. Encadernados no Codex Ixtlilxóchitl, esses retratos de líderes históricos do Texas são reproduzidos com sombreamento, modelagem e precisão anatômica. A Escola de Cuzco do Peru apresentou pintores de cavalete Quechua nos séculos XVII e XVIII. Os primeiros gabinetes de curiosidades no século 16, precursores dos museus modernos, apresentavam arte nativa americana.

A noção de que as belas-artes não podem ser funcionais não ganhou aceitação generalizada no mundo da arte nativa americana, como evidenciado pela alta estima e valor colocado em tapetes, cobertores, cestaria, armas e outros itens utilitários em exposições de arte nativa americana. Uma dicotomia entre belas artes e artesanato não é comumente encontrada na arte nativa contemporânea. Por exemplo, a Cherokee Nation homenageia seus maiores artistas como Tesouros Vivos, incluindo fabricantes de sapos e peixes , cortadores de sílex e tecelões de cestas , ao lado de escultores, pintores e artistas têxteis. O historiador da arte Dawn Ades escreve: "Longe de serem inferiores, ou puramente decorativos, artesanatos como os têxteis ou a cerâmica, sempre tiveram a possibilidade de ser os portadores de conhecimentos vitais, crenças e mitos."

Mercados de arte reconhecíveis entre nativos e não-nativos surgiram após o contato, mas os anos 1820-1840 foram uma época altamente prolífica. No noroeste do Pacífico e na região dos Grandes Lagos, as tribos dependentes do comércio de peles em rápida diminuição adotaram a produção artística como meio de apoio financeiro. Um movimento de pintura conhecido como Escola Realista Iroquois surgiu entre os Haudenosaunee em Nova York na década de 1820, liderado pelos irmãos David e Dennis Cusick .

Escultora africana-ojíbua, Edmonia Lewis manteve um estúdio em Roma, Itália, e esculpiu escultores de mármore neoclássico das décadas de 1860 a 1880. Sua mãe pertencia ao bando Mississauga da Reserva Indígena Credit River . Lewis exibiu amplamente, e uma prova de sua popularidade durante sua própria época foi que o presidente Ulysses S. Grant a encarregou de esculpir seu retrato em 1877.

O artista Ho-Chunk , Angel De Cora, foi o artista nativo americano mais conhecido antes da Primeira Guerra Mundial. Ela foi levada de sua reserva e família para o Instituto Hampton , onde começou seu longo treinamento formal em arte. Ativa no movimento Arts and Crafts , De Cora exibiu suas pinturas e design amplamente e livros ilustrados de autores nativos. Ela se esforçou para ser tribalmente específica em seu trabalho e foi revolucionária ao retratar os índios em roupas contemporâneas do início do século XX. Ela ensinou arte para jovens estudantes nativos na Carlisle Indian Industrial School e foi uma defensora declarada da arte como um meio para os nativos americanos manterem o orgulho cultural, enquanto encontravam um lugar na sociedade tradicional.

The Kiowa Six , um grupo de pintores Kiowa de Oklahoma, teve sucesso internacional quando seu mentor, Oscar Jacobson , mostrou suas pinturas na Primeira Exposição Internacional de Arte em Praga, Tchecoslováquia em 1928. Eles também participaram da Bienal de Veneza de 1932 , onde sua arte A exibição, de acordo com Dorothy Dunn , "foi aclamada a exibição mais popular entre todas as exibições ricas e variadas reunidas".

O Mercado Indígena de Santa Fé começou em 1922. John Collier tornou-se Comissário de Assuntos Indígenas em 1933 e temporariamente reverteu as políticas assimilacionistas da BIA, encorajando as artes e a cultura dos índios americanos. Nessa época, as exibições de arte nativa americana e o mercado de arte aumentaram, ganhando um público mais amplo. Nas décadas de 1920 e 1930, os movimentos de arte indigenista floresceram no Peru , Equador , Bolívia e México , principalmente com os movimentos muralistas mexicanos .

Cestaria

Cesta Yahgan tradicional , tecida por Abuela Cristina Calderón , Chile, foto de Jim Cadwell

A cestaria é uma das formas de arte mais antigas e difundidas nas Américas. De cestos de grama marinha enrolada em Nunavut a cestos de casca de árvore em Tierra del Fuego, os artistas nativos tecem cestos de uma ampla variedade de materiais. Normalmente as cestas são feitas de fibras vegetais, mas Tohono O'odham é conhecido por suas cestas de crina de cavalo e os artistas Inupiaq tecem cestas de barbatanas , placas de filtragem de certas baleias. Grand Traverse Band Kelly Church , Wasco-Wishram Pat Gold e Eastern Band Cherokee Joel Queen tecem cestas de folhas ou arame de cobre, e Mi'kmaq - a artista conceitual Onondaga Gail Tremblay tece cestas nos padrões tradicionais de fantasia de suas tribos em filmes expostos . A cestaria pode assumir várias formas. A artista haida Lisa Telford usa casca de cedro para tecer tanto cestas funcionais tradicionais quanto vestidos de noite de cedro bonitos, mas pouco práticos, e sapatos de salto alto.

Uma variedade de gramíneas nativas fornece material para as cestas do Ártico, assim como as barbatanas, que são um desenvolvimento do século XX. Os cestos de barbatana são tipicamente enfeitados com esculturas de marfim de morsa. A casca do cedro é frequentemente usada em cestos costeiros do noroeste. Ao longo dos Grandes Lagos e do nordeste, freixo preto e erva-doce são tecidos em um trabalho extravagante, apresentando pontas de "porco-espinho" ou decorados como morangos. Os cestos de casca de árvore são tradicionais para recolher frutos silvestres. O rivercano é o material preferido no sudeste, e os chitimachas são considerados os melhores tecelões de rivercano. Em Oklahoma, o rivercane é valorizado, mas raro, então as cestas são normalmente feitas de madressilva ou esculturas de borracha. As cestas em espiral são populares no sudoeste e os Hopi e Apache, em particular, são conhecidos por placas de cestaria em espiral ilustradas. Os Tohono O'odham são bem conhecidos por suas proezas na cestaria, e evidenciado pelo sucesso de Annie Antone e Terrol Dew Johnson .

Cesta espiralada Kumeyaay , Celestine Lachapa de Inajo, final do século 19

As tribos da Califórnia e da Grande Bacia são consideradas alguns dos melhores tecelões de cestos do mundo. Juncus é um material comum no sul da Califórnia, enquanto juncus, salgueiro, redbud e garra do diabo também são usados. Os tecelões de cestos Pomo são conhecidos por tecer 60-100 pontos por polegada e seus cestos redondos e enrolados adornados com topetes de codorna, penas, abalone e discos de concha são conhecidos como "cestos de tesouro". Três das mais célebres cestarias californianas foram Elsie Allen (Pomo), Laura Somersal ( Wappo ) e a falecida curandeira Pomo- Patwin , Mabel McKay , conhecida por sua biografia, Weaving the Dream . Louisa Keyser foi uma tecelã de cestos Washoe altamente influente .

Bonés femininos de cestaria Yurok, norte da Califórnia

Uma técnica complexa chamada "tecido duplo", que envolve tecer continuamente uma superfície interna e externa, é compartilhada pelas tribos Choctaw , Cherokee, Chitimacha, Tarahumara e venezuelana. Mike Dart , Cherokee Nation , é um praticante contemporâneo desta técnica. Os Tarahumara, ou Raramuri, de Copper Canyon , no México, costumam tecer com agulhas de pinheiro e sotol . No Panamá , os povos Embera-Wounaan são famosos por seus cestos de palmeira chunga pictórica , conhecidos como hösig di , coloridos com um espectro completo de corantes naturais .

Mulher Embera vendendo cestos em espiral, Panamá

Os cestos ianomâmis da Amazônia venezuelana pintam suas bandejas de tecido e carregam cestas com desenhos geométricos em carvão e sobre uma baga vermelha. Enquanto na maioria das tribos os cestos costumam ser mulheres, entre a tribo Waura no Brasil, os homens tecem cestos. Eles tecem uma ampla variedade de estilos, mas os maiores são chamados de mayaku , que podem ter 60 centímetros de largura e apresentam tramas justas com uma impressionante variedade de designs.

Hoje, a cestaria freqüentemente leva ao ativismo ambiental. A pulverização indiscriminada de pesticidas é prejudicial à saúde dos cestos. O freixo negro , usado por tecelões de cestos de Michigan a Maine, está ameaçado pela broca do freixo esmeralda . A tecelã de cestos Kelly Church organizou duas conferências sobre a ameaça e ensina as crianças a colher sementes de cinza negra. Muitas plantas nativas usadas pelos tecelões de cestos estão ameaçadas de extinção. Rivercane só cresce em 2% de seu território original. A tecelã de cestos Cherokee e etnobotânica, Shawna Cain está trabalhando com sua tribo para formar a Sociedade de Plantas Nativas Cherokee. O tecelão de cestas Tohono O'odham Terrol Dew Johnson , conhecido por seu uso experimental de cabaças, beargrass e outras plantas do deserto, se interessou por plantas nativas e fundou a Tohono O'odham Community Action, que fornece alimentos tradicionais do deserto para sua tribo.

Beadwork

Exemplos de trabalhos de contas nativos americanos contemporâneos

Beadwork é uma forma de arte essencialmente nativa americana, mas ironicamente usa contas importadas da Europa e da Ásia. As contas de vidro são usadas há quase cinco séculos nas Américas. Hoje, uma grande variedade de estilos de beading floresce.

Nos Grandes Lagos, as freiras ursulinas introduziram padrões florais às tribos, que rapidamente os aplicaram em trabalhos com miçangas. As tribos dos Grandes Lagos são conhecidas por suas bolsas de bandoleira, que podem levar um ano inteiro para serem concluídas. Durante o século 20, as tribos do planalto, como os Nez Perce, aperfeiçoaram o trabalho com contas de contorno, em que as linhas das contas são costuradas para enfatizar as imagens pictóricas. As tribos das planícies são mestras beaders, e hoje os trajes de dança para homens e mulheres apresentam uma variedade de estilos de bordados. Enquanto as tribos das planícies e do planalto são conhecidas por suas armadilhas para cavalos, as tribos subárticas, como o Dene, oferecem luxuosos cobertores florais para cães. As tribos orientais têm uma estética de miçangas completamente diferente , e as tribos Innu , Mi'kmaq , Penobscot e Haudenosaunee são conhecidas por motivos de rolos simétricos em contas brancas, chamados de "curva dupla". Os iroqueses também são conhecidos por contas em relevo, nas quais as cordas esticadas forçam as contas a saltar da superfície, criando um baixo-relevo. Tammy Rahr (Cayuga) é uma praticante contemporânea desse estilo. Os artistas Zuni desenvolveram uma tradição de esculturas tridimensionais com contas.

Artista de contas Huichol, foto de Mario Jareda Beivide

Os índios Huichol de Jalisco e Nayarit , no México, têm uma abordagem totalmente única para trabalhos com contas. Eles aderem contas, uma a uma, a uma superfície, como madeira ou uma cabaça, com uma mistura de resina e cera de abelha.

A maioria dos trabalhos de contas nativos é criada para uso tribal, mas os beadworkers também criam trabalhos conceituais para o mundo da arte. Richard Aitson ( Kiowa - Apache ) tem um público indiano e não indiano por seu trabalho e é conhecido por seus berços totalmente revestidos de miçangas . Outra beadworker Kiowa, Teri Greeves ganhou homenagens por seu beadwork, que integra conscientemente motivos tradicionais e contemporâneos, como bailarinos com contas em cano alto Converse. Greeves também cobre pele de veado e explora questões como guerra ou direitos de voto dos nativos americanos.

Marcus Amerman , Choctaw , um dos mais célebres artistas de contas da atualidade, foi o pioneiro de um movimento de retratos de contas altamente realistas. Suas imagens variam de líderes nativos do século 19 a ícones pop como Janet Jackson e Brooke Shields.

Roger Amerman, irmão de Marcus, e Martha Berry , Cherokee , efetivamente reviveram o trabalho com contas do sudeste, um estilo que se perdeu devido à remoção forçada das tribos para o Território Indígena. Seu trabalho com contas geralmente apresenta contornos de contas brancas, um eco das contas de concha ou pérolas que as tribos do sudeste usavam antes do contato.

Jamie Okuma ( Luiseño - Shoshone - Bannock ) ganhou os principais prêmios com suas bonecas de contas, que podem incluir famílias inteiras ou cavalos e cavaleiros, todos com trajes completos de contas. As contas venezianas antigas que ela usa podem ser tão pequenas quanto 22 °, do tamanho de um grão de sal. Juanita Growing Thunder Fogarty , Rhonda Holy Bear e Charlene Holy Bear também são proeminentes fabricantes de bonecas com miçangas.

A popularidade generalizada das contas de vidro não significa que a fabricação de contas aborígene está morta. Talvez a conta nativa mais famosa seja wampum , um tubo cilíndrico de quahog ou concha de búzio. Ambas as conchas produzem contas brancas, mas apenas partes do quahog produzem púrpura. Eles são cerimonial e politicamente importantes para uma série de tribos da Floresta do Nordeste . Elizabeth James Perry ( Aquinnah Wampanoag - Banda Oriental Cherokee ) cria joias wampum hoje, incluindo cintos wampum.

Cerâmica

Frasco de cerâmica Mata Ortiz de Jorge Quintana, 2002. Exibido no Museum of Man, San Diego, Califórnia .

A cerâmica tem sido criada nas Américas nos últimos 8.000 anos, como evidenciado pela cerâmica encontrada na Caverna da Pedra Pintada, no coração da Amazônia brasileira. A Ilha de Marajó no Brasil continua sendo um grande centro de arte cerâmica hoje. No México, a cerâmica Mata Ortiz continua a antiga tradição das Casas Grandes de cerâmica policromada. Juan Quezada é um dos maiores ceramistas da Mata Ortiz.

No Sudeste, a tribo Catawba é conhecida por sua cerâmica mosqueada em tons de bege e preto. A cerâmica da banda oriental Cherokees tem influências Catawba. Em Oklahoma, os Cherokees perderam suas tradições de cerâmica até serem revividos por Anna Belle Sixkiller Mitchell. A tradição de séculos de cerâmica da tribo Caddo morreu no início do século 20, mas foi efetivamente revivida por Jereldine Redcorn .

Os pueblos são particularmente conhecidos por suas tradições de cerâmica. Nampeyo (c. 1860 - 1942) foi uma ceramista Hopi que colaborou com antropólogos para reviver formas e desenhos de cerâmica tradicionais, e muitos de seus parentes são ceramistas de sucesso hoje. Maria e Julian Martinez , ambos San Ildefonso Pueblo, reviveram a tradição de blackware de sua tribo no início do século XX. Julian inventou um estilo blackware fosco brilhante pelo qual sua tribo ainda é conhecida hoje. Lucy Lewis (1898–1992), de Acoma Pueblo, ganhou reconhecimento por suas cerâmicas em preto e branco em meados do século XX. Cochiti Pueblo era conhecido por suas estatuetas grotescas na virada do século 20, e estas foram revividas por Virgil Ortiz. A ceramista Cochiti Helen Cordero (1915–1994) inventou as figuras do contador de histórias , que apresentam uma figura grande e única de um ancião sentado contando histórias para grupos de figuras menores.

Embora os ceramistas do norte não sejam tão conhecidos quanto seus equivalentes do sul, as artes cerâmicas se estendem ao norte até o Ártico. A ceramista Inuit Makituk Pingwartok de Cape Dorset usa uma roda de oleiro para criar suas cerâmicas vencedoras.

Hoje, os ceramistas nativos contemporâneos criam uma ampla variedade de cerâmicas, desde cerâmicas funcionais a monumentais esculturas de cerâmica. Roxanne Swentzell, de Santa Clara Pueblo, é uma das principais ceramistas das Américas. Ela cria figuras construídas com bobinas e carregadas de emoção que comentam sobre a sociedade contemporânea. Nora Naranjo-Morse , também de Santa Clara Pueblo, é mundialmente conhecida por suas figuras individuais e também pelas instalações conceituais de cerâmica. Diego Romero, de Cochiti Pueblo, é conhecido por suas tigelas de cerâmica, pintadas com cenas satíricas que combinam imagens do povo indígena ancestral, grego e da cultura pop. Centenas de outros artistas de cerâmica contemporâneos nativos estão levando a cerâmica em novas direções.

Jóia

Arte performática

Arte da performance por Wayne Gaussoin ( Picuris ), Museum of Contemporary Native Art

A arte performática é uma nova forma de arte, surgindo na década de 1960 e, portanto, não carrega a bagagem cultural de muitos outros gêneros de arte. A arte performática pode se basear em tradições de contar histórias, bem como em música e dança, e geralmente inclui elementos de instalação, vídeo, filme e design têxtil. Rebecca Belmore , uma artista performática canadense Ojibway , representou seu país na prestigiosa Bienal de Veneza . James Luna , um artista performático luiseño - mexicano , também participou da Bienal de Veneza em 2005, representando o Museu Nacional do Índio Americano .

A performance permite que os artistas confrontem seu público diretamente, desafiem estereótipos antigos e levantem questões atuais, muitas vezes de uma maneira emocionalmente carregada. “As pessoas apenas uivam em seus assentos, e há gritos e vaias ou assobios, continuando na platéia”, diz Rebecca Belmore sobre a resposta ao seu trabalho. Ela criou performances para chamar a atenção para a violência e muitos assassinatos não resolvidos de mulheres das Primeiras Nações. Tanto Belmore quanto Luna criam trajes e adereços elaborados, muitas vezes bizarros, para suas performances e movem-se através de uma variedade de personagens. Por exemplo, um personagem recorrente de Luna é o tio Jimmy, um veterano deficiente que critica a ganância e a apatia em sua reserva.

Por outro lado, Marcus Amerman , um artista performático Choctaw , mantém um papel consistente do Homem Búfalo, cuja ironia e comentário social surgem das situações estranhas em que ele se encontra, por exemplo, um filme de James Bond ou perdido em um labirinto do deserto . Jeff Marley, Cherokee , parte da tradição da " dança booger " para criar intervenções subversivas, porém humorísticas, que levam a história e o lugar em consideração.

Erica Lord , Inupiaq - Athabaskan , explora sua identidade mestiça e conflitos sobre as ideias de casa por meio de sua arte performática. Em suas palavras, "Para sustentar um eu genuíno, crio um mundo no qual mudo para me tornar uma ou todas as minhas múltiplas visões de eu". Ela tem frases bronzeadas em sua pele, vestiu disfarces multiculturais e de gênero cruzado e incorporou canções, que vão desde o canto inupiaque na garganta até rimas infantis racistas em seu trabalho.

Uma cooperativa anarco -feminista boliviana , Mujeres Creando ou "Mulheres Criando", apresenta muitos artistas indígenas. Eles criam apresentações públicas ou teatro de rua para chamar a atenção para questões dos direitos das mulheres, povos indígenas e lésbicas, bem como questões anti-pobreza. Julieta Paredes, María Galindo e Mónica Mendoza são sócias fundadoras.

A arte performática permitiu que os nativos americanos tivessem acesso ao mundo da arte internacional, e Rebecca Belmore menciona que seu público não é nativo; no entanto, o público nativo americano também responde a esse gênero. Bringing It All Back Home, uma colaboração cinematográfica de 1997 entre James Luna e Chris Eyre , documenta a primeira apresentação de Luna em sua própria casa, a Reserva Indígena La Jolla. Luna descreve a experiência como "provavelmente o momento mais assustador da minha vida como artista ... representar para os membros da minha reserva no salão tribal."

Fotografia

Martín Chambi (Peru), foto de um homem em Machu Picchu , publicada em Terra Inca. Explorações nas Terras Altas do Peru , 1922
Lee Marmon (Laguna Pueblo, 1925–2021), ao lado de sua fotografia mais famosa, "White Man's Mocassins"

Os nativos americanos abraçaram a fotografia no século XIX. Alguns até possuíam seus próprios estúdios de fotografia, como Benjamin Haldane (1874-1941), Tsimshian de Metlakatla Village na Ilha Annette, Alasca , Jennie Ross Cobb ( Cherokee Nation , 1881-1959) de Park Hill, Oklahoma , e Richard Throssel ( Cree , 1882–1933) de Montana . Suas primeiras fotografias contrastam fortemente com as imagens romantizadas de Edward Curtis e outros contemporâneos. Uma bolsa de estudos de Mique'l Askren (Tsimshian / Tlingit) sobre as fotografias de BA Haldane analisou as funções que as fotografias de Haldane serviram para sua comunidade: como marcadores de sucesso por ter retratos formais no estilo anglo, e como marcadores da continuidade do potlatching e cerimoniais tradicionais, tirando fotos com trajes cerimoniais. Esta segunda categoria é particularmente significativa porque o uso de trajes cerimoniais foi contra a lei no Canadá entre 1885 e 1951.

Martín Chambi ( Quechua , 1891–1973), fotógrafo do Peru, foi um dos fotógrafos indígenas pioneiros da América do Sul. Peter Pitseolak ( Inuk , 1902–1973), de Cape Dorset, Nunavut , documentou a vida inuíte em meados do século 20 ao lidar com os desafios apresentados pelo clima rigoroso e condições extremas de luz do Ártico canadense. Ele mesmo revelou seu filme em seu iglu, e algumas de suas fotos foram tiradas por lamparinas a óleo. Seguindo os passos dos primeiros fotógrafos amadores de Kiowa Parker McKenzie (1897–1999) e Nettie Odlety McKenzie (1897–1978), Horace Poolaw ( Kiowa , 1906–1984) tirou mais de 2.000 imagens de seus vizinhos e parentes em Western Oklahoma da década de 1920 avante. Jean Fredericks ( Hopi , 1906–1990) negociou cuidadosamente as visões culturais Hopi em relação à fotografia e não ofereceu seus retratos de pessoas Hopi para venda ao público.

Hoje, inúmeros nativos são fotógrafos de arte profissionais; no entanto, a aceitação do gênero encontrou desafios. Hulleah Tsinhnahjinnie ( Navajo / Muscogee / Seminole ) não apenas estabeleceu uma carreira de sucesso com seu próprio trabalho, ela também defendeu todo o campo da fotografia nativa americana. Ela fez a curadoria de shows e organizou conferências no Museu CN Gorman na UC Davis apresentando fotógrafos nativos americanos. Tsinhnahjinnie escreveu o livro Nosso povo, nossa terra, nossas imagens: fotógrafos indígenas internacionais. Fotógrafos nativos aplicaram suas habilidades nas áreas de videografia de arte, fotocolagem, fotografia digital e arte digital.

Gravura

Embora seja amplamente especulado que as antigas tábuas de pedra de Adena foram usadas para impressão, não se sabe muito sobre a gravura americana aborígene . Artistas nativos do século 20 pegaram emprestadas técnicas do Japão e da Europa, como xilogravura , linogravura , serigrafia , monotipagem e outras práticas.

A gravura floresceu principalmente entre as comunidades inuítes . O canadense europeu James Houston criou um programa de artes gráficas em Cape Dorset, Nunavut, em 1957. Houston ensinou aos escultores de pedra Inuit locais como criar gravuras a partir de blocos de pedra e estênceis. Ele pediu a artistas locais que desenhassem e a loja gerou impressões de edição limitada, com base no sistema de oficina ukiyo-e do Japão. Gráficas cooperativas também foram estabelecidas em comunidades próximas, incluindo Baker Lake , Puvirnituq , Holman e Pangnirtung . Essas lojas fizeram experiências com água - forte , gravura , litografia e serigrafia. As lojas produziam catálogos anuais anunciando suas coleções. Pássaros e animais locais, seres espirituais e cenas de caça são os assuntos mais populares, mas são de natureza alegórica. Os fundos tendem a ser mínimos e a perspectiva é mista. Um dos mais proeminentes artistas de Cape Dorset é Kenojuak Ashevak (nascido em 1927), que recebeu muitas comissões públicas e dois títulos de doutorado honorário. Outros gravadores e artistas gráficos Inuit proeminentes incluem Parr , Osuitok Ipeelee , Germaine Arnaktauyok , Pitseolak Ashoona , Tivi Etok , Helen Kalvak , Jessie Oonark , Kananginak Pootoogook , Pudlo Pudlat , Irene Avaalaaqiaq Tiktaalaq e Simon Tookoome . O impressor inuit Andrew Qappik desenhou o brasão de Nunavut .

Muitos pintores nativos transformaram suas pinturas em impressões de belas artes. O artista de Potawatomi , Woody Crumbo, criou telas e gravuras ousadas em meados do século 20 que combinavam o estilo Bacone tradicional e plano com influências Art Déco . O pintor de Kiowa - Caddo - Choctaw , TC Cannon, viajou ao Japão para estudar a impressão de blocos de madeira em impressoras master.

No Chile, o gravador mapuche Santos Chávez (1934-2001) foi um dos artistas mais celebrados de seu país - com mais de 85 exposições individuais durante sua vida.

Melanie Yazzie ( Navajo ), Linda Lomahaftewa ( Hopi - Choctaw ), Fritz Scholder e Debora Iyall ( Cowlitz ) construíram carreiras de sucesso com sua impressão e passaram a ensinar a próxima geração de impressores. O artista Walla Walla , James Lavadour, fundou o Crow's Shadow Institute of the Arts na Reserva de Umatilla em Oregon em 1992. Crow's Shadow possui um estúdio de gravura de última geração e oferece oficinas, espaço para exposições e residências de gravura para artistas nativos, em que eles combinam artistas visitantes com impressoras mestres.

Escultura

Para a vida em todas as direções , Roxanne Swentzell ( Santa Clara Pueblo ), bronze, NMAI

Os nativos americanos criaram esculturas, tanto monumentais quanto pequenas, por milênios. As esculturas de pedra são onipresentes nas Américas, na forma de estelas , trajes de inuksuit e estátuas. A escultura em pedra de alabastro é popular entre as tribos ocidentais, onde a escultura em catlinita é tradicional nas Planícies do Norte e a escultura em fetiche é tradicional no sudoeste, especialmente entre os Zuni . Os Taíno de Porto Rico e da República Dominicana são conhecidos por seus zemis - esculturas sagradas de pedra de três pontas.

Artistas inuítes esculpem com marfim de morsa, chifres de caribu, ossos, pedra-sabão, serpentinita e argilita. Eles geralmente representam a fauna local e os humanos envolvidos em atividades de caça ou cerimoniais.

Edmonia Lewis pavimentou o caminho para que artistas nativos americanos esculpissem nas tradições convencionais usando materiais não-nativos. Allan Houser ( Warms Springs Chiricahua Apache ) tornou-se um dos escultores nativos mais proeminentes do século XX. Embora tenha trabalhado em madeira e pedra, Houser é mais conhecido por seus escultores de bronze monumentais, tanto representacionais quanto abstratos. Houser influenciou uma geração de escultores nativos ao lecionar no Institute of American Indian Arts . Seus dois filhos, Phillip e Bob Haozous, são escultores hoje. Roxanne Swentzell ( Santa Clara Pueblo ) é conhecida por suas esculturas expressivas, figurativas e de cerâmica, mas também se ramificou na fundição de bronze, e seu trabalho está permanentemente exposto no Museu Nacional do Índio Americano .

As tribos da costa noroeste são conhecidas por sua escultura em madeira - mais famosa por seus totens monumentais que exibem o brasão do clã. Durante o século 19 e início do século 20, esta forma de arte foi ameaçada, mas foi efetivamente revivida. Os escultores de totem Kwakwaka'wakw como Charlie James, Mungo Martin , Ellen Neel e Willie Seaweed mantiveram a arte viva e também esculpiram máscaras, móveis, caixas de madeira dobrada e joias. Os escultores haidas incluem Charles Edenshaw , Bill Reid e Robert Davidson . Além de trabalhar com madeira, Haida trabalha também com argilita . Os designs tradicionais de linhas se traduzem bem em escultura de vidro, que é cada vez mais popular graças aos esforços de artistas contemporâneos de vidro como Preston Singletary ( Tlingit ), Susan Point ( Coast Salish ) e Marvin Oliver ( Quinault / Isleta Pueblo ).

No Sudeste, a escultura em madeira domina a escultura. Willard Stone , de ascendência Cherokee, exibida internacionalmente em meados do século XX. Amanda Crowe ( Eastern Band Cherokee ) estudou escultura no Art Institute of Chicago e voltou à sua reserva para ensinar mais de 2.000 alunos de escultura em madeira ao longo de um período de 40 anos, garantindo que a escultura prosperasse como uma forma de arte na fronteira de Qualla.

Têxteis

Lorena Lemunguier Quezada ( Mapuche ) com duas de suas tecelagens na Bienal de Arte Indígena, Santiago, Chile .
Faixa Kaqchikel Maya, Santa Catarina Palopó , Guatemala, c. 2006-07

Fibras que datam de 10.000 anos atrás foram descobertas na caverna Guitarrero, no Peru. Algodão e lã de alpaca, lhamas e vicunhas foram tecidos em tecidos elaborados por milhares de anos nos Andes e ainda são partes importantes da cultura quíchua e aimará hoje. Coroma, na província de Antonio Quijarro , Bolívia , é um importante centro de produção têxtil cerimonial. Um ancião aimará de Coroma disse: "Nossas tecelagens sagradas são expressões de nossa filosofia e a base de nossa organização social ... As tecelagens sagradas também são importantes para diferenciar uma comunidade, ou grupo étnico, de um grupo vizinho ... "

Mulher Kuna com molas, Ilhas San Blas , Panamá .

Membros da tribo Kuna do Panamá e da Colômbia são famosos por seus molas , painéis de algodão com elaborados desenhos geométricos criados por uma técnica de aplique reverso . Os designs se originaram de designs tradicionais de pinturas de pele, mas hoje exibem uma ampla gama de influências, incluindo a cultura pop . Dois painéis de mola formam uma blusa, mas quando uma mulher Kuna se cansa de uma blusa, ela pode desmontá-la e vender as molas para colecionadores de arte.

As mulheres maias tecem algodão com teares de alça traseira há séculos, criando itens como huipils ou blusas tradicionais. Os elaborados têxteis maias apresentavam representações de animais, plantas e figuras da história oral. A organização em grupos de tecelagem ajudou as mulheres maias a ganhar mais dinheiro por seu trabalho e a expandir muito o alcance dos têxteis maias no mundo.

As costureiras seminolas, ao obter acesso às máquinas de costura no final do século 19 e no início do século 20, inventaram uma elaborada tradição de patchwork de apliques. O patchwork seminole, pelo qual a tribo é conhecida hoje, floresceu em plena floração na década de 1920.

As tribos dos Grandes Lagos e Pradarias são conhecidas por suas fitas , encontradas em roupas e cobertores. Tiras de fitas de seda são cortadas e aplicadas em camadas, criando designs definidos pelo espaço negativo. As cores e designs podem refletir o clã ou sexo de quem o usa. Powwow e outros trajes de dança dessas tribos costumam apresentar fitas. Essas tribos também são conhecidas por suas faixas tecidas a dedo .

Pueblo homens tecem com algodão em teares verticais. Seus mantas e faixas são normalmente feitos para uso cerimonial para a comunidade, não para colecionadores externos.

Xale seminole patchwork feito por Susie Cypress da Reserva Indígena Big Cypress , c. Década de 1980

Os tapetes Navajo são tecidos por mulheres Navajo de ovelhas Navajo-Churro ou lã comercial. Os designs podem ser pictóricos ou abstratos, baseados em designs tradicionais Navajo, espanhóis, orientais ou persas. Os tecelões Navajo do século 20 incluem Clara Sherman e Hosteen Klah , que co-fundaram o Wheelwright Museum of the American Indian .

Em 1973, o Departamento de Estudos Navajo do Diné College em Many Farms, Arizona , queria determinar quanto tempo levaria para um tecelão Navajo criar um tapete ou cobertor da tosquia de ovelhas para o mercado. O estudo determinou que o tempo total foi de 345 horas. Dessas 345 horas, o especialista tecelão Navajo precisava de: 45 horas para tosar as ovelhas e processar a lã; 24 horas para fiar a ; 60 horas para preparar o corante e tingir a lã; 215 horas para tecer a peça; e apenas uma hora para vender o item em sua loja.

Os têxteis consuetudinários dos povos da costa noroeste que usam materiais e técnicas não ocidentais estão passando por um renascimento dramático. A tecelagem Chilkat e a tecelagem Ravenstail são consideradas algumas das técnicas de tecelagem mais difíceis do mundo. Uma única manta Chilkat pode levar um ano inteiro para ser tecida. Em ambas as técnicas, lã de cachorro, cabra montesa ou ovelha e casca de cedro triturada são combinados para criar tecidos com desenhos curvilíneos de linhas curvas . A tecelã tlingit Jennie Thlunaut (1982–1986) foi fundamental neste renascimento.

Artistas têxteis experimentais do século 21 incluem Lorena Lemunguier Quezada , uma tecelã mapuche do Chile, e Martha Gradolf ( Winnebago ), cujo trabalho é abertamente de natureza política. Valencia, Joseph e Ramona Sakiestewa ( Hopi ) e Melissa Cody ( Navajo ) exploram a abstração não representacional e usam materiais experimentais em sua tecelagem.

Sensibilidade cultural e repatriação

Como na maioria das culturas, os povos indígenas criam algumas obras que devem ser usadas apenas em cerimônias sagradas e privadas. Muitos objetos sagrados ou itens que contêm remédios podem ser vistos ou tocados por certos indivíduos com conhecimento especializado. Muitos Pueblo e Hopi katsina figuras ( Tihu em Hopi e Kokko em Zuni ) e regalia katsinam não são destinadas a ser visto por pessoas que não receberam instrução sobre isso katsina particular. Muitas instituições não as exibem publicamente por respeito aos tabus tribais.

Os rolos de casca de bétula de Midewiwin são considerados culturalmente muito sensíveis para exibição pública, assim como pacotes de remédios , certos cachimbos sagrados e bolsas de cachimbo e outras ferramentas de curandeiros .

A pintura com areia Navajo é um componente para cerimônias de cura, mas a pintura com areia pode ser transformada em arte permanente, que pode ser vendida a não-nativos, desde que não haja pessoas sagradas retratadas. Várias tribos proíbem a fotografia de muitas cerimônias sagradas, como costumava ser o caso em muitas culturas ocidentais. Como vários dos primeiros fotógrafos infringiram as leis locais, fotos de cerimônias delicadas estão em circulação, mas as tribos preferem que não sejam exibidas. O mesmo pode ser dito para fotografias ou esboços do conteúdo do pacote de remédios.

Dois líderes Mohawk processaram um museu, tentando remover uma máscara da False Face Society ou Ga: goh: sah de uma exposição porque "era um objeto de medicamento destinado a ser visto apenas por membros da comunidade e que sua exibição pública causaria danos irreparáveis ​​aos Mohawk. " O Grande Conselho de Haudenosaunee determinou que tais máscaras não estão à venda ou exibição pública, nem são máscaras da Sociedade de Husk de Milho.

Tribos e indivíduos dentro das tribos nem sempre concordam sobre o que é ou não apropriado exibir ao público. Muitas instituições não exibem trajes de dança fantasma . A pedido dos líderes tribais, o Museu do Brooklyn está entre aqueles que não exibem os escudos do guerreiro das Planícies ou "artefatos imbuídos do poder do guerreiro". Muitas tribos não querem bens ou itens associados a sepulturas, como urnas funerárias, em museus, e muitos gostariam que os bens associados a sepulturas fossem reenterrados. O processo é frequentemente facilitado nos Estados Unidos sob a Lei de Proteção e Repatriação de Túmulos dos Nativos Americanos (NAGPRA). No Canadá, a repatriação é negociada entre as tribos e museus ou por meio de leis de reivindicação de terras. Em situações internacionais, as instituições nem sempre são legalmente obrigadas a repatriar itens culturais indígenas para seu local de origem; alguns museus o fazem voluntariamente, como aconteceu com a decisão da Universidade de Yale de devolver 5.000 artefatos e restos humanos a Cusco, no Peru .

Representação de museu

As artes indígenas americanas têm uma relação longa e complicada com a representação em museus desde o início do século XX. Em 1931, A Exposição de Artes Tribais Indígenas foi a primeira mostra em grande escala que exibiu arte indígena. Sua representação em museus se tornou mais comum no final dos anos 1900 como uma reação ao Movimento dos Direitos Civis. Com a tendência crescente de representação na atmosfera política, as vozes das minorias também ganharam mais representação nos museus.

Embora a arte indígena estivesse sendo exibida, as escolhas da curadoria sobre como exibir seus trabalhos nem sempre foram feitas com a melhor das intenções. Por exemplo, peças de arte e artefatos nativos americanos costumavam ser mostrados ao lado de ossos de dinossauros, o que implica que eles são um povo do passado e não existem ou são irrelevantes no mundo de hoje. Os restos mortais de nativos americanos estavam em exibição em museus até 1960.

Embora muitos ainda não vissem a arte nativa americana como parte do mainstream no ano de 1992, desde então tem havido um grande aumento no volume e na qualidade da arte e dos artistas nativos, bem como de exposições e locais, e curadores individuais . Líderes como o diretor do Museu Nacional do Índio Americano insistem que a representação dos índios americanos seja feita de uma perspectiva de primeira mão. O estabelecimento de museus como o Museu Heard e o Museu Nacional do Índio Americano , os quais focalizaram focos especificamente nas artes nativas americanas, possibilitou que um grande número de artistas nativos exibisse e desenvolvesse seu trabalho. Por cinco meses a partir de outubro de 2017, três obras de arte nativas americanas selecionadas da coleção Charles and Valerie Diker para serem exibidas na American Wing no Metropolitan Museum of Art .

A representação de artistas indígenas em museus exige grande responsabilidade de curadores e instituições museológicas. O Indian Arts and Crafts Act de 1990 proíbe artistas não indígenas de se exibirem como artistas nativos americanos. Instituições e curadores trabalham discutindo quem representar, por que estão sendo escolhidos, como é a arte indígena e qual é seu propósito. Os museus, como instituições educacionais, dão luz a culturas e narrativas que de outra forma não seriam vistas; eles fornecem um holofote necessário e quem eles escolhem para representar é fundamental para a história dos artistas representados e da cultura.

Veja também

Citações

Referências

Em geral

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Leitura adicional

links externos