teoria musical -Music theory

Jubal , Pitágoras e Filolau engajados em investigações teóricas, em uma xilogravura de Franchinus Gaffurius , Theorica musicæ (1492)

A teoria musical é o estudo das práticas e possibilidades da música . O Oxford Companion to Music descreve três usos inter-relacionados do termo "teoria musical": O primeiro são os " rudimentos ", que são necessários para entender a notação musical ( assinaturas de clave , assinaturas de compasso e notação rítmica ); a segunda é aprender as opiniões dos estudiosos sobre música desde a antiguidade até o presente; o terceiro é um subtópico da musicologia que "busca definir processos e princípios gerais na música". A abordagem musicológica da teoria difere da análise musical "na medida em que toma como ponto de partida não o trabalho ou performance individual, mas os materiais fundamentais a partir dos quais é construído".

A teoria musical frequentemente se preocupa em descrever como músicos e compositores fazem música, incluindo sistemas de afinação e métodos de composição, entre outros tópicos. Por causa da concepção cada vez maior do que constitui a música , uma definição mais inclusiva poderia ser a consideração de qualquer fenômeno sonoro, incluindo o silêncio. Esta não é uma diretriz absoluta, no entanto; por exemplo, o estudo da "música" no currículo universitário de artes liberais do Quadrivium , que era comum na Europa medieval , era um sistema abstrato de proporções que era cuidadosamente estudado à distância da prática musical real. Mas esta disciplina medieval tornou-se a base para sistemas de afinação nos séculos posteriores e é geralmente incluída nos estudos modernos sobre a história da teoria musical.

A teoria musical como disciplina prática abrange os métodos e conceitos que os compositores e outros músicos usam na criação e execução de música. O desenvolvimento, a preservação e a transmissão da teoria musical nesse sentido podem ser encontrados nas tradições musicais orais e escritas, nos instrumentos musicais e em outros artefatos . Por exemplo, instrumentos antigos de sítios pré-históricos ao redor do mundo revelam detalhes sobre a música que produziram e potencialmente algo da teoria musical que pode ter sido usada por seus criadores. Em culturas antigas e vivas ao redor do mundo, as profundas e longas raízes da teoria musical são visíveis nos instrumentos, nas tradições orais e na produção musical atual. Muitas culturas também consideram a teoria musical de maneiras mais formais, como tratados escritos e notação musical. As tradições práticas e acadêmicas se sobrepõem, já que muitos tratados práticos sobre música se colocam dentro de uma tradição de outros tratados, que são citados regularmente, assim como os escritos acadêmicos citam pesquisas anteriores.

Na academia moderna, a teoria musical é um subcampo da musicologia , o estudo mais amplo das culturas musicais e da história. Etimologicamente , teoria musical , é um ato de contemplação da música, da palavra grega θεωρία, que significa olhar, contemplar; uma contemplação, especulação, teoria; uma visão, um espetáculo. Como tal, muitas vezes se preocupa com aspectos musicais abstratos, como afinação e sistemas tonais, escalas , consonância e dissonância e relações rítmicas. Além disso, há também um corpo de teoria sobre aspectos práticos, como criação ou execução de música, orquestração , ornamentação , improvisação e produção de som eletrônico . Uma pessoa que pesquisa ou ensina teoria musical é um teórico da música. O estudo universitário, geralmente no nível de mestrado ou doutorado , é necessário para lecionar como um teórico da música em uma universidade dos EUA ou do Canadá. Os métodos de análise incluem matemática, análise gráfica e, especialmente, análise possibilitada pela notação musical ocidental. Métodos comparativos, descritivos, estatísticos e outros também são usados. Os livros didáticos de teoria musical , especialmente nos Estados Unidos da América, geralmente incluem elementos de acústica musical , considerações sobre notação musical e técnicas de composição tonal ( harmonia e contraponto ), entre outros tópicos.

História

Pré-história

Instrumentos pré-históricos preservados, artefatos e representações posteriores de performance em obras de arte podem dar pistas sobre a estrutura dos sistemas de altura em culturas pré-históricas. Veja, por exemplo , flautas paleolíticas , Gǔdí e flauta Anasazi .

Antiguidade

Mesopotâmia

Várias tábuas de argila sumérias e acadianas sobreviventes incluem informações musicais de natureza teórica, principalmente listas de intervalos e afinações . O estudioso Sam Mirelman relata que o mais antigo desses textos data de antes de 1500 aC, um milênio antes das evidências sobreviventes de qualquer outra cultura de pensamento musical comparável. Além disso, "Todos os textos mesopotâmicos [sobre música] são unidos pelo uso de uma terminologia para música que, de acordo com a datação aproximada dos textos, foi usada por mais de 1.000 anos."

China

Grande parte da história e teoria da música chinesa permanece incerta.

A teoria chinesa começa com os números, sendo os principais números musicais doze, cinco e oito. Doze refere-se ao número de notas nas quais as escalas podem ser construídas. O Lüshi chunqiu de cerca de 239 aC lembra a lenda de Ling Lun . Por ordem do Imperador Amarelo , Ling Lun coletou doze pedaços de bambu com nós grossos e uniformes. Soprando um deles como um cachimbo, ele achou seu som agradável e o chamou de huangzhong , o "sino amarelo". Ele então ouviu fênix cantando. A fênix masculina e feminina cantaram seis tons cada. Ling Lun cortou suas flautas de bambu para combinar com as notas das fênix, produzindo doze flautas de campo em dois conjuntos: seis da fênix masculina e seis da fêmea: estes foram chamados de lülü ou mais tarde shierlü .

Além dos aspectos técnicos e estruturais, a teoria da música chinesa antiga também discute tópicos como a natureza e as funções da música. O Yueji ("Registro de música", séculos 1 e 2 aC), por exemplo, manifesta as teorias morais confucionistas de compreensão da música em seu contexto social. Estudadas e implementadas por oficiais eruditos confucionistas [...], essas teorias ajudaram a formar um confucionismo musical que ofuscou, mas não apagou abordagens rivais. Isso inclui a afirmação de Mozi (c. 468 – c. 376 aC) de que a música desperdiçava recursos humanos e materiais, e a afirmação de Laozi de que a maior música não tinha sons. [...] Mesmo a música do qin cítara , um gênero intimamente associado aos oficiais eruditos confucionistas, inclui muitas obras com referências taoístas , como Tianfeng huanpei ("Brisa Celestial e Sons de Pingentes de Jade").

Índia

O Samaveda e o Yajurveda (c. 1200 – 1000 aC) estão entre os primeiros testemunhos da música indiana, mas não contêm nenhuma teoria propriamente dita. O Natya Shastra , escrito entre 200 AC e 200 EC, discute intervalos ( Śrutis ), escalas ( Grāmas ), consonâncias e dissonâncias, classes de estrutura melódica ( Mūrchanās , modos?), tipos melódicos ( Jātis ), instrumentos, etc.

Grécia

Os primeiros escritos gregos preservados sobre teoria musical incluem dois tipos de obras:

  • manuais técnicos que descrevem o sistema musical grego, incluindo notação, escalas, consonância e dissonância, ritmo e tipos de composições musicais
  • tratados sobre a maneira pela qual a música revela padrões universais de ordem que conduzem aos mais altos níveis de conhecimento e compreensão.

Vários nomes de teóricos são conhecidos antes dessas obras, incluindo Pitágoras (c. 570 – c. 495 aC), Filolau (c. 470 – c. 385 aC), Arquitas (428–347 aC) e outros.

As obras do primeiro tipo (manuais técnicos) incluem

  • Divisão Anônima (erroneamente atribuída a Euclides ) do Cânon , Κατατομή κανόνος, século IV-III aC.
  • Theon de Esmirna , Sobre a matemática útil para a compreensão de Platão , Τωv κατά τό μαθηματικόν χρησίμων είς τήν Πλάτωνος άνάγνωσις, 115–140 EC.
  • Nicômaco de Gerasa , Manual de Harmônicos , Άρμονικόν έγχειρίδιον, 100–150 EC
  • Cleonides , Introdução aos Harmônicos , Είσαγωγή άρμονική, século II EC.
  • Gaudentius , Introdução Harmônica , Άρμονική είσαγωγή, 3d ou 4º século EC.
  • Bacchius Geron, Introdução à Arte da Música , Είσαγωγή τέχνης μουσικής, século IV dC ou posterior.
  • Alypius , Introdução à Música , Είσαγωγή μουσική, 4º-5º século EC.

Mais tratados filosóficos do segundo tipo incluem

  • Aristoxeno , Elementos Harmônicos , Άρμονικά στοιχεία, 375/360 – depois de 320 AC.
  • Aristoxeno , Elementos Rítmicos , Ρυθμικά στοιχεία.
  • Cláudio Ptolomeu , Harmonics , Άρμονικά, 127–148 EC.
  • Porphyrius , On Ptolomeu's Harmônicos , Είς τά άρμονικά Πτολεμαίον ύπόμνημα, 232/3–c. 305 EC.

pós-clássico

China

O instrumento pipa carregava consigo uma teoria dos modos musicais que posteriormente levou à teoria Sui e Tang de 84 modos musicais.

Países árabes / países persas

Os teóricos da música árabe medieval incluem:

  • Abū Yūsuf Ya'qūb al-Kindi († Bagdá, 873 EC), que usa as primeiras doze letras do alfabeto para descrever os doze trastes em cinco cordas do oud , produzindo uma escala cromática de 25 graus.
  • [Yaḥyā ibn] al- Munajjim (Bagdá, 856–912), autor de Risāla fī al-mūsīqī ("Tratado sobre música", MS GB-Lbl Oriental 2361) que descreve uma afinação pitagórica do oud e um sistema de oito modos talvez inspirado por Ishaq al-Mawsili (767–850).
  • Abū n-Nașr Muḥammad al-Fārābi (Pérsia, 872? – Damas, 950 ou 951 EC), autor de Kitab al-Musiqa al-Kabir ("O Grande Livro de Música").
  • 'Ali ibn al-Husayn ul-Isfahānī (897–967), conhecido como Abu al-Faraj al-Isfahani , autor de Kitāb al-Aghānī ("O Livro das Canções").
  • Abū 'Alī al-Ḥusayn ibn ʿAbd-Allāh ibn Sīnā, conhecido como Avicena (c. 980 – 1037), cuja contribuição para a teoria musical consiste principalmente no capítulo 12 da seção matemática de seu Kitab Al-Shifa (" O Livro de Cura ").
  • al-Ḥasan ibn Aḥmad ibn 'Ali al-Kātib, autor de Kamāl adab al Ghinā' ("A Perfeição do Conhecimento Musical"), copiado em 1225 (Istambul, Museu Topkapi, Ms 1727).
  • Safi al-Din al-Urmawi (1216–1294 EC), autor do Kitabu al-Adwār ("Tratado dos ciclos musicais") e ar-Risālah aš-Šarafiyyah ("Epístola a Šaraf").
  • Mubārak Šāh, comentarista do Kitāb al-Adwār de Safi al-Din ( Museu Britânico , Ms 823).
  • Anon. LXI, Comentário anônimo sobre Kitāb al-Adwār de Safi al-Din .
  • Shams al-dῑn al-Saydᾱwῑ Al-Dhahabῑ (século XIV dC (?)), teórico da música. Autor de Urjῡza fi'l-mῡsῑqᾱ ("Um poema didático sobre música").

Europa

O tratado latino De Institutione Musica do filósofo romano Boethius (escrito por volta de 500, traduzido como Fundamentos da Música ) foi uma pedra de toque para outros escritos sobre música na Europa medieval. Boécio representou a autoridade clássica em música durante a Idade Média, já que os escritos gregos nos quais ele baseou seu trabalho não foram lidos ou traduzidos por europeus posteriores até o século XV. Este tratado cuidadosamente mantém distância da prática musical real, concentrando-se principalmente nas proporções matemáticas envolvidas nos sistemas de afinação e no caráter moral de modos particulares. Vários séculos depois, começaram a aparecer tratados que tratavam da composição real de peças musicais na tradição do cantochão . No final do século IX, Hucbald trabalhou no sentido de uma notação de altura mais precisa para os neumas usados ​​para registrar o cantochão.

Guido d'Arezzo ' escreveu uma carta a Miguel de Pomposa em 1028, intitulada Epistola de ignoto cantu , na qual introduziu a prática de usar sílabas para descrever notas e intervalos. Esta foi a fonte da solmização hexacordal que seria usada até o final da Idade Média. Guido também escreveu sobre as qualidades emocionais dos modos, a estrutura da frase do cantochão, o significado temporal dos neumas, etc.; seus capítulos sobre polifonia "chegam mais perto de descrever e ilustrar a música real do que qualquer relato anterior" na tradição ocidental.

Durante o século XIII, um novo sistema rítmico chamado notação mensural surgiu de um método anterior e mais limitado de notação de ritmos em termos de padrões repetitivos fixos, os chamados modos rítmicos, que foram desenvolvidos na França por volta de 1200. a notação mensural foi descrita e codificada pela primeira vez no tratado Ars cantus mensurabilis ("A arte do canto medido") de Franco de Colônia (c. 1280). A notação mensural usava diferentes formas de notas para especificar diferentes durações, permitindo que os escribas capturassem ritmos que variavam em vez de repetir o mesmo padrão fixo; é uma notação proporcional, no sentido de que o valor de cada nota é igual a duas ou três vezes o valor mais curto, ou metade ou um terço do valor mais longo. Esta mesma notação, transformada através de várias extensões e melhorias durante o Renascimento, forma a base para a notação rítmica na música clássica europeia de hoje.

Moderno

Países do Oriente Médio e Ásia Central

  • Bāqiyā Nāyinῑ (Uzbequistão, século XVII EC), autor uzbeque e teórico da música. Autor de Zamzama e wahdat-i-mῡsῑqῑ ("O Canto da Unidade na Música").
  • Barão François Rodolphe d'Erlanger (Tunis, Tunísia, 1910–1932 dC), musicólogo francês. Autor de La musique arabe e Ta'rῑkh al-mῡsῑqᾱ al-arabiyya wa-usῡluha wa-tatawwurᾱtuha ("Uma história da música árabe, seus princípios e seu desenvolvimento")

D'Erlanger divulga que a escala musical árabe é derivada da escala musical grega e que a música árabe está ligada a certas características da cultura árabe, como a astrologia.

Europa

  • Renascimento
  • Barroco
  • 1750–1900
    • À medida que a influência musical ocidental se espalhou pelo mundo em 1800, os músicos adotaram a teoria ocidental como um padrão internacional - mas outras tradições teóricas, tanto nas tradições textuais quanto nas orais, permanecem em uso. Por exemplo, as longas e ricas tradições musicais exclusivas das culturas antigas e atuais da África são principalmente orais, mas descrevem formas específicas, gêneros, práticas de performance, afinações e outros aspectos da teoria musical.
    • A música da harpa sagrada usa um tipo diferente de escala e teoria na prática. A música centra-se no solfejo "fa, sol, la" na escala musical. A Harpa Sagrada também emprega uma notação diferente envolvendo "notas de forma", ou notas que são moldadas para corresponder a uma certa sílaba de solfejo na escala musical. A música da Harpa Sagrada e sua teoria musical originaram-se com o reverendo Thomas Symmes em 1720, onde ele desenvolveu um sistema para "cantar por nota" para ajudar os membros de sua igreja com precisão de notas.

Contemporâneo

Fundamentos da música

A música é composta de fenômenos auditivos ; a "teoria musical" considera como esses fenômenos se aplicam à música. A teoria musical considera melodia, ritmo, contraponto, harmonia, forma, sistemas tonais, escalas, afinação, intervalos, consonância, dissonância, proporções duracionais, acústica de sistemas de altura, composição, performance, orquestração, ornamentação, improvisação, produção de som eletrônico, etc. .

Tom

C médio (261,626 Hz)

O tom é o mais baixo ou mais alto de um tom , por exemplo, a diferença entre o dó médio e um dó mais alto. A frequência das ondas sonoras que produzem um tom pode ser medida com precisão, mas a percepção do tom é mais complexa porque notas únicas de fontes naturais são geralmente uma mistura complexa de muitas frequências. Assim, os teóricos geralmente descrevem o tom como uma sensação subjetiva, em vez de uma medida objetiva do som.

Frequentemente, frequências específicas recebem nomes de letras. Hoje, a maioria das orquestras atribui concerto A (o A acima do meio C no piano) para a frequência de 440 Hz. Essa atribuição é um tanto arbitrária; por exemplo, na França de 1859, o mesmo Lá foi sintonizado em 435 Hz. Tais diferenças podem ter um efeito perceptível no timbre de instrumentos e outros fenômenos. Assim, na performance historicamente informada de música antiga, a afinação é muitas vezes ajustada para coincidir com a afinação usada no período em que foi escrita. Além disso, muitas culturas não tentam padronizar o tom, muitas vezes considerando que deve ser permitido variar dependendo do gênero, estilo, humor, etc.

A diferença de altura entre duas notas é chamada de intervalo . O intervalo mais básico é o uníssono , que são simplesmente duas notas do mesmo tom. O intervalo de oitava é duas alturas que são o dobro ou a metade da frequência uma da outra. As características únicas das oitavas deram origem ao conceito de classe de notas : alturas do mesmo nome de letra que ocorrem em oitavas diferentes podem ser agrupadas em uma única "classe" ignorando a diferença na oitava. Por exemplo, um dó agudo e um dó grave são membros da mesma classe de notas - a classe que contém todos os dós.

Os sistemas de afinação musical , ou temperamentos, determinam o tamanho preciso dos intervalos. Os sistemas de afinação variam amplamente dentro e entre as culturas do mundo. Na cultura ocidental , há muito tempo existem vários sistemas de afinação concorrentes, todos com qualidades diferentes. Internacionalmente, o sistema conhecido como temperamento igual é mais comumente usado hoje porque é considerado o compromisso mais satisfatório que permite que instrumentos de afinação fixa (por exemplo, o piano) soem afinados de forma aceitável em todas as teclas.

Escalas e modos

Um padrão de tons inteiros e semitons no modo Jônico ou escala maior em C

As notas podem ser arranjadas em uma variedade de escalas e modos . A teoria musical ocidental geralmente divide a oitava em uma série de doze notas, chamada de escala cromática , dentro da qual o intervalo entre tons adjacentes é chamado de meio tom ou semitom . Selecionar tons deste conjunto de 12 e organizá-los em padrões de semitons e tons inteiros cria outras escalas.

As escalas mais comumente encontradas são a maior de sete tons , a menor harmônica , a menor melódica e a menor natural . Outros exemplos de escalas são a escala octatônica e a escala pentatônica ou de cinco tons, comum na música folk e no blues . As culturas não ocidentais costumam usar escalas que não correspondem a uma divisão de doze tons igualmente dividida da oitava. Por exemplo, os sistemas musicais clássicos otomanos, persas, indianos e árabes costumam fazer uso de múltiplos de quartos de tom (metade do tamanho de um semitom, como o nome indica), por exemplo, em segundos 'neutros' (três quartos de tom ) ou ' neutro ' terças (sete quartos de tom) - eles normalmente não usam o próprio quarto de tom como um intervalo direto.

Na notação ocidental tradicional, a escala usada para uma composição é geralmente indicada por uma armadura de clave no início para designar as alturas que compõem essa escala. À medida que a música avança, os tons usados ​​podem mudar e introduzir uma escala diferente. A música pode ser transposta de uma escala para outra para vários propósitos, muitas vezes para acomodar o alcance de um vocalista. Essa transposição aumenta ou diminui a faixa de altura geral, mas preserva as relações intervalares da escala original. Por exemplo, a transposição do tom de dó maior para ré maior aumenta todos os tons da escala de dó maior igualmente em um tom inteiro . Uma vez que as relações de intervalo permanecem inalteradas, a transposição pode passar despercebida por um ouvinte, no entanto, outras qualidades podem mudar visivelmente porque a transposição altera a relação da faixa geral de altura em comparação com a faixa dos instrumentos ou vozes que executam a música. Isso geralmente afeta o som geral da música, além de ter implicações técnicas para os artistas.

A inter-relação das tonalidades mais comumente usadas na música tonal ocidental é convenientemente mostrada pelo círculo de quintas . Às vezes, assinaturas de clave exclusivas também são criadas para uma composição específica. Durante o período barroco, as associações emocionais com tonalidades específicas, conhecidas como a doutrina das afeições , eram um tópico importante na teoria musical, mas as cores tonais únicas das tonalidades que deram origem a essa doutrina foram amplamente apagadas com a adoção do temperamento igual. No entanto, muitos músicos continuam a sentir que certas tonalidades são mais apropriadas para certas emoções do que outras. A teoria da música clássica indiana continua a associar fortemente tons com estados emocionais, horas do dia e outros conceitos extramusicais e, notavelmente, não emprega temperamento igual.

Consonância e dissonância

uma consonância
Oitava perfeita , um intervalo consonantal
uma dissonância
Segunda menor , um intervalo dissonante

Consonância e dissonância são qualidades subjetivas da sonoridade de intervalos que variam amplamente em diferentes culturas e ao longo dos tempos. Consonância (ou concordância) é a qualidade de um intervalo ou acorde que parece estável e completo em si mesmo. A dissonância (ou discórdia) é o oposto, pois parece incompleta e "quer" resolver para um intervalo consonantal. Intervalos dissonantes parecem colidir. Intervalos consonantais parecem soar confortáveis ​​juntos. Comumente, quartas, quintas e oitavas justas e todas as terças e sextas maiores e menores são consideradas consoantes. Todos os outros são dissonantes em maior ou menor grau.

O contexto e muitos outros aspectos podem afetar a aparente dissonância e consonância. Por exemplo, em um prelúdio de Debussy, uma segunda maior pode soar estável e consonante, enquanto o mesmo intervalo pode soar dissonante em uma fuga de Bach. Na era da prática comum , a quarta perfeita é considerada dissonante quando não é apoiada por uma terça ou quinta inferior. Desde o início do século 20, o conceito de Arnold Schoenberg de dissonância "emancipada", em que intervalos tradicionalmente dissonantes podem ser tratados como consonâncias "mais altas" e mais remotas, tornou-se mais amplamente aceito.

Ritmo

Níveis métricos : nível de batida mostrado no meio com níveis de divisão acima e vários níveis abaixo

O ritmo é produzido pelo arranjo sequencial de sons e silêncios no tempo. O medidor mede a música em agrupamentos de pulso regulares, chamados de compassos ou compassos . A fórmula de compasso ou fórmula de compasso especifica quantas batidas há em um compasso e qual valor da nota escrita é contado ou sentido como uma única batida.

Através do aumento da ênfase, ou variações na duração ou articulação, determinados tons podem ser acentuados. Existem convenções na maioria das tradições musicais para acentuação regular e hierárquica de batidas para reforçar um determinado metro. Ritmos sincopados contradizem essas convenções ao acentuar partes inesperadas da batida. Tocar ritmos simultâneos em mais de uma fórmula de compasso é chamado de polirritmia .

Nos últimos anos, ritmo e métrica tornaram-se uma importante área de pesquisa entre os estudiosos da música. Os mais citados desses estudiosos recentes são Maury Yeston , Fred Lerdahl e Ray Jackendoff , Jonathan Kramer e Justin London.

Melodia

Uma melodia é um grupo de sons musicais em uma sucessão ou arranjo agradável que normalmente se move em direção a um clímax de tensão e depois se resolve em um estado de repouso. Como a melodia é um aspecto tão proeminente em tantas músicas, sua construção e outras qualidades são o principal interesse da teoria musical.

Os elementos básicos da melodia são altura, duração, ritmo e andamento. Os tons de uma melodia geralmente são extraídos de sistemas de afinação, como escalas ou modos . A melodia pode consistir, em grau crescente, da figura, motivo, semi-frase, frase antecedente e conseqüente, e período ou frase. O período pode ser considerado a melodia completa, no entanto, alguns exemplos combinam dois períodos ou usam outras combinações de constituintes para criar melodias de forma maior.

Acorde

Um acorde, na música, é qualquer conjunto harmônico de três ou mais notas que são ouvidas como se estivessem soando simultaneamente . Na verdade, eles não precisam ser tocados juntos: arpejos e acordes quebrados podem, para muitos propósitos práticos e teóricos, constituir acordes. Acordes e sequências de acordes são frequentemente usados ​​na música moderna ocidental, africana e oceânica, embora estejam ausentes na música de muitas outras partes do mundo.

Os acordes encontrados com mais frequência são as tríades , assim chamadas porque consistem em três notas distintas: outras notas podem ser adicionadas para dar acordes de sétima , acordes estendidos ou acordes de tons adicionados . Os acordes mais comuns são as tríades maiores e menores e depois as tríades aumentadas e diminutas . As descrições maior , menor , aumentada e diminuída são algumas vezes referidas coletivamente como qualidade cordal . Os acordes também são comumente classificados por sua nota tônica - assim, por exemplo, o acorde C maior pode ser descrito como uma tríade de qualidade maior construída na nota C . Os acordes também podem ser classificados por inversão , a ordem em que as notas são empilhadas.

Uma série de acordes é chamada de progressão de acordes . Embora qualquer acorde possa, em princípio, ser seguido por qualquer outro acorde, certos padrões de acordes foram aceitos como estabelecendo o tom na harmonia de prática comum . Para descrever isso, os acordes são numerados, usando algarismos romanos (a partir da nota-chave), de acordo com sua função diatônica . Formas comuns de notação ou representação de acordes na música ocidental, além da notação de pauta convencional, incluem algarismos romanos , baixo cifrado (muito usado na era barroca ), letras de acordes (às vezes usadas na musicologia moderna ) e vários sistemas de gráficos de acordes normalmente encontrados na folhas de chumbo usadas na música popular para estabelecer a sequência de acordes para que o músico possa tocar acordes de acompanhamento ou improvisar um solo.

Harmonia

Quartetos de barbearia , como este grupo da Marinha dos EUA, cantam peças de 4 partes, compostas por uma linha melódica (normalmente a segunda voz mais alta, chamada de "líder") e 3 partes harmônicas.

Na música, a harmonia é o uso de tons simultâneos ( tons , notas ) ou acordes . O estudo da harmonia envolve acordes e sua construção e progressões de acordes e os princípios de conexão que os regem. Muitas vezes diz-se que a harmonia se refere ao aspecto "vertical" da música, distinto da linha melódica , ou ao aspecto "horizontal". O contraponto , que se refere ao entrelaçamento de linhas melódicas, e a polifonia , que se refere à relação de vozes separadas e independentes, às vezes é distinguido da harmonia.

Na harmonia popular e jazzística , os acordes são nomeados por sua tônica mais vários termos e caracteres que indicam suas qualidades. Por exemplo, uma partitura pode indicar acordes como Dó maior, Ré menor e Sol dominante com sétima. Em muitos tipos de música, principalmente barroco, romântico, moderno e jazz, os acordes são frequentemente aumentados com "tensões". Uma tensão é um membro de acorde adicional que cria um intervalo relativamente dissonante em relação ao baixo. Faz parte de um acorde, mas não é uma das notas do acorde (1 3 5 7). Normalmente, no período de prática comum clássica , um acorde dissonante (acorde com tensão) "resolve" em um acorde consonantal. A harmonização geralmente soa agradável ao ouvido quando há um equilíbrio entre os sons consoantes e dissonantes. Em palavras simples, isso ocorre quando há um equilíbrio entre momentos "tensos" e "relaxados".

Timbre

Espectrograma do primeiro segundo de um acorde E9 tocado em uma guitarra Fender Stratocaster com captadores silenciosos. Abaixo está o áudio do acorde E9:

Timbre, às vezes chamado de "cor" ou "cor de tom", é o principal fenômeno que nos permite distinguir um instrumento de outro quando ambos tocam no mesmo tom e volume, uma qualidade de uma voz ou instrumento frequentemente descrita em termos como brilhante , maçante, estridente, etc. É de considerável interesse na teoria musical, especialmente porque é um componente da música que ainda não possui nomenclatura padronizada. Foi chamado de "... a categoria multidimensional da cesta de lixo do psicoacústico para tudo que não pode ser rotulado como altura ou volume", mas pode ser descrito e analisado com precisão pela análise de Fourier e outros métodos porque resulta da combinação de todas as frequências sonoras , envelopes de ataque e liberação e outras qualidades que um tom compreende.

O timbre é determinado principalmente por duas coisas: (1) o equilíbrio relativo dos harmônicos produzidos por um determinado instrumento devido à sua construção (por exemplo, forma, material) e (2) o envelope do som (incluindo mudanças na estrutura harmônica ao longo do tempo). . O timbre varia amplamente entre diferentes instrumentos, vozes e, em menor grau, entre instrumentos do mesmo tipo devido a variações em sua construção e, significativamente, na técnica do intérprete. O timbre da maioria dos instrumentos pode ser alterado pelo emprego de diferentes técnicas durante a execução. Por exemplo, o timbre de um trompete muda quando uma surdina é inserida no sino, o músico muda sua embocadura ou volume.

Uma voz pode mudar seu timbre pela maneira como o intérprete manipula seu aparelho vocal (por exemplo, o formato da cavidade vocal ou da boca). A notação musical freqüentemente especifica alterações no timbre por mudanças na técnica de sonorização, volume, sotaque e outros meios. Estes são indicados de forma variada por instrução simbólica e verbal. Por exemplo, a palavra dolce (docemente) indica um timbre não específico, mas comumente entendido como suave e "doce". Sul tasto instrui um tocador de cordas a se curvar perto ou sobre o braço para produzir um som menos brilhante. Cuivre instrui um tocador de metais a produzir um som forçado e estridente de metais. Símbolos de acento como marcato (^) e indicações dinâmicas ( pp ) também podem indicar mudanças no timbre.

Dinâmica

Ilustração de grampos de cabelo em notação musical

Na música, " dinâmica " normalmente se refere a variações de intensidade ou volume, que podem ser medidas por físicos e engenheiros de áudio em decibéis ou phons . Na notação musical, porém, a dinâmica não é tratada como valores absolutos, mas sim relativos. Por serem geralmente medidos subjetivamente, existem fatores além da amplitude que afetam o desempenho ou a percepção da intensidade, como timbre, vibrato e articulação.

As indicações convencionais de dinâmica são abreviações de palavras italianas como forte ( f ) para alto e piano ( p ) para suave. Essas duas notações básicas são modificadas por indicações, incluindo mezzo piano ( mp ) para moderadamente suave (literalmente "meio suave") e mezzo forte ( mf ) para moderadamente alto, sforzando ou sforzato ( sfz ) para um ataque crescente ou "empurrado", ou fortepiano ( fp ) para um ataque alto com uma diminuição repentina para um nível suave. A extensão total dessas marcações geralmente varia de um pianissississimo quase inaudível ( pppp ) a um fortissississimo ( ffff ) o mais alto possível .

Maiores extremos de pppppp e fffff e nuances como p+ ou più piano são algumas vezes encontrados. Outros sistemas de indicação de volume também são usados ​​tanto na notação quanto na análise: dB (decibéis), escalas numéricas, notas coloridas ou de tamanhos diferentes, palavras em idiomas diferentes do italiano e símbolos como aqueles para aumentar progressivamente o volume (crescendo) ou diminuir o volume ( diminuendo ou decrescendo ), muitas vezes chamados de " grampos de cabelo " quando indicados com linhas divergentes ou convergentes, conforme mostrado no gráfico acima.

Articulação

Exemplos de marcas de articulação. Da esquerda para a direita: staccato , staccatissimo , martellato , acento , tenuto .

Articulação é a maneira como o músico soa as notas. Por exemplo, staccato é o encurtamento da duração em comparação com o valor da nota escrita, o legato executa as notas em uma sequência suavemente unida sem separação. A articulação é muitas vezes descrita em vez de quantificada, portanto, há espaço para interpretar como executar precisamente cada articulação.

Por exemplo, staccato é muitas vezes referido como "separado" ou "separado" em vez de ter uma quantidade definida ou numerada para reduzir a duração notada. Os violinistas usam uma variedade de técnicas para executar diferentes qualidades de staccato. A maneira pela qual um intérprete decide executar uma determinada articulação geralmente é baseada no contexto da peça ou frase, mas muitos símbolos de articulação e instruções verbais dependem do instrumento e do período musical (por exemplo, viola, sopro; clássico, barroco; etc. ).

Existe um conjunto de articulações que a maioria dos instrumentos e vozes realizam em comum. Eles são - do longo ao curto: legato (suave, conectado); tenuto (pressionado ou tocado até a duração total da notação); marcato (acentuado e destacado); staccato ("separados", "separados"); martelé (fortemente acentuado ou "martelado"). Muitos deles podem ser combinados para criar certas articulações "intermediárias". Por exemplo, portato é a combinação de tenuto e staccato . Alguns instrumentos têm métodos únicos para produzir sons, como spiccato para cordas de arco, onde o arco rebate na corda.

Textura

Introdução à " Washington Post March " de Sousa , mm. 1–7 apresenta duplicação de oitava e uma textura homorrítmica

Na música, a textura é como os materiais melódicos , rítmicos e harmônicos são combinados em uma composição , determinando assim a qualidade geral do som em uma peça. A textura é freqüentemente descrita em relação à densidade, ou espessura, e alcance , ou largura, entre os tons mais baixos e mais altos, em termos relativos, bem como mais especificamente distinguidos de acordo com o número de vozes, ou partes, e a relação entre essas vozes. . Por exemplo, uma textura espessa contém muitas "camadas" de instrumentos. Uma dessas camadas pode ser uma seção de cordas ou outro latão.

A espessura também é afetada pelo número e pela riqueza dos instrumentos que tocam a peça. A espessura varia de leve a grossa. Uma peça levemente texturizada terá pontuação leve e esparsa. Uma peça com textura densa ou pesada será marcada para muitos instrumentos. A textura de uma peça pode ser afetada pelo número e caráter das partes tocadas ao mesmo tempo, pelo timbre dos instrumentos ou vozes que tocam essas partes e pela harmonia, andamento e ritmos usados. Os tipos categorizados por número e relação de partes são analisados ​​e determinados por meio da rotulagem de elementos texturais primários: melodia primária, melodia secundária, melodia paralela de suporte, suporte estático, suporte harmônico, suporte rítmico e suporte harmônico e rítmico.

Os tipos comuns incluíam textura monofônica (uma única voz melódica, como uma peça para soprano solo ou flauta solo), textura bifônica (duas vozes melódicas, como um duo para fagote e flauta em que o fagote toca uma nota de drone e a flauta toca a melodia), textura polifônica e textura homofônica (acordes que acompanham uma melodia).

Forma ou estrutura

Um cânone musical . A Encyclopaedia Britannica chama de "cânone" tanto uma técnica de composição quanto uma forma musical.

O termo forma musical (ou arquitetura musical) refere-se à estrutura ou plano geral de uma peça musical e descreve o layout de uma composição dividida em seções. Na décima edição de The Oxford Companion to Music , Percy Scholes define a forma musical como "uma série de estratégias destinadas a encontrar um meio-termo bem-sucedido entre os extremos opostos de repetição ininterrupta e alteração ininterrupta". De acordo com Richard Middleton , a forma musical é "a forma ou estrutura da obra". Ele a descreve por diferença: a distância percorrida a partir de uma repetição ; sendo esta última a menor diferença. A diferença é quantitativa e qualitativa: até que ponto e de que tipo é diferente. Em muitos casos, a forma depende de declaração e reafirmação , unidade e variedade, contraste e conexão.

Expressão

Um violinista tocando

A expressão musical é a arte de tocar ou cantar música com comunicação emocional. Os elementos da música que compõem a expressão incluem indicações dinâmicas, como forte ou piano, fraseado , diferentes qualidades de timbre e articulação, cor, intensidade, energia e emoção. Todos esses dispositivos podem ser incorporados pelo performer. Um artista visa provocar respostas de sentimento simpático no público e excitar, acalmar ou influenciar as respostas físicas e emocionais do público. Às vezes, pensa-se que a expressão musical é produzida por uma combinação de outros parâmetros e, às vezes, é descrita como uma qualidade transcendente que é mais do que a soma de quantidades mensuráveis, como tom ou duração.

A expressão nos instrumentos pode estar intimamente relacionada ao papel da respiração no canto e à habilidade natural da voz de expressar sentimentos, sentimentos e emoções profundas. Se isso pode ser categorizado de alguma forma é talvez o domínio dos acadêmicos, que veem a expressão como um elemento da performance musical que incorpora uma emoção consistentemente reconhecível , idealmente causando uma resposta emocional simpática em seus ouvintes. O conteúdo emocional da expressão musical é distinto do conteúdo emocional de sons específicos (por exemplo, um 'bang' surpreendentemente alto) e de associações aprendidas (por exemplo, um hino nacional ), mas raramente pode ser completamente separado de seu contexto.

Os componentes da expressão musical continuam sendo objeto de extensa e não resolvida disputa.

Notação

A notação musical é a representação escrita ou simbolizada da música. Isso é mais frequentemente alcançado pelo uso de símbolos gráficos comumente compreendidos e instruções verbais escritas e suas abreviações. Existem muitos sistemas de notação musical de diferentes culturas e diferentes épocas. A notação ocidental tradicional evoluiu durante a Idade Média e continua sendo uma área de experimentação e inovação. Nos anos 2000, os formatos de arquivo de computador também se tornaram importantes. A linguagem falada e os sinais manuais também são usados ​​para representar simbolicamente a música, principalmente no ensino.

Na notação musical ocidental padrão, os tons são representados graficamente por símbolos (notas) colocados em uma pauta ou pautas, o eixo vertical correspondendo ao tom e o eixo horizontal correspondendo ao tempo. Nota formas de cabeça, hastes, bandeiras, laços e pontos são usados ​​para indicar a duração. Símbolos adicionais indicam tonalidades, dinâmicas, acentos, pausas, etc. Instruções verbais do regente costumam ser usadas para indicar tempo, técnica e outros aspectos.

Na música ocidental, uma variedade de diferentes sistemas de notação musical é usada. Na música clássica ocidental, os maestros usam partituras impressas que mostram todas as partes dos instrumentos e os membros da orquestra leem as partes com suas linhas musicais escritas. Em estilos populares de música, muito menos da música pode ser notada. Uma banda de rock pode entrar em uma sessão de gravação com apenas um gráfico de acordes manuscrito indicando a progressão de acordes da música usando nomes de acordes (por exemplo, C maior, D menor, G7, etc.). Todas as aberturas de acordes, ritmos e figuras de acompanhamento são improvisadas pelos membros da banda.

Como disciplina acadêmica

O estudo acadêmico da teoria musical no século XX tem vários subcampos diferentes, cada um dos quais tem uma perspectiva diferente sobre quais são os principais fenômenos de interesse e os métodos mais úteis para investigação.

Análise

Normalmente um determinado trabalho é analisado por mais de uma pessoa e análises diferentes ou divergentes são feitas. Por exemplo, os dois primeiros compassos do prelúdio de Pelléas et Melisande de Claude Debussy são analisados ​​de forma diferente por Leibowitz, Laloy, van Appledorn e Christ. Leibowitz analisa esta sucessão harmonicamente como D menor:I–VII–V, ignorando o movimento melódico, Laloy analisa a sucessão como D:I–V, vendo o G no segundo compasso como um ornamento, e tanto van Appledorn quanto Christ analisam a sucessão como D:I-VII. Jogar 

A análise musical é a tentativa de responder à pergunta como essa música funciona? O método empregado para responder a essa pergunta, e exatamente o que se quer dizer com a pergunta, difere de analista para analista e de acordo com o propósito da análise. De acordo com Ian Bent , "a análise, como uma busca por direito próprio, veio a ser estabelecida apenas no final do século 19; seu surgimento como abordagem e método pode ser rastreado até a década de 1750. No entanto, existia como uma ferramenta acadêmica , ainda que auxiliar, a partir da Idade Média ." Adolf Bernhard Marx foi influente na formalização de conceitos sobre composição e compreensão musical na segunda metade do século XIX. O princípio da análise tem sido criticado de várias maneiras, especialmente por compositores, como a afirmação de Edgard Varèse de que "explicar por meio [da análise] é decompor, mutilar o espírito de uma obra".

A análise schenkeriana é um método de análise musical da música tonal baseado nas teorias de Heinrich Schenker (1868–1935). O objetivo de uma análise schenkeriana é interpretar a estrutura subjacente de uma obra tonal e ajudar a ler a partitura de acordo com essa estrutura. Os princípios básicos da teoria podem ser vistos como uma forma de definir a tonalidade na música. Uma análise schenkeriana de uma passagem de música mostra relações hierárquicas entre suas alturas e tira conclusões sobre a estrutura da passagem a partir dessa hierarquia. A análise faz uso de uma forma simbólica especializada de notação musical que Schenker desenvolveu para demonstrar várias técnicas de elaboração . O conceito mais fundamental da teoria da tonalidade de Schenker pode ser o de espaço tonal . Os intervalos entre as notas da tríade tônica formam um espaço tonal que é preenchido por notas passageiras e vizinhas, produzindo novas tríades e novos espaços tonais, abertos para ulteriores elaborações até atingir a superfície da obra (a partitura).

Embora o próprio Schenker costume apresentar suas análises na direção generativa, partindo da estrutura fundamental ( Ursatz ) para chegar à partitura, a prática da análise schenkeriana mais frequentemente é redutora, partindo da partitura e mostrando como ela pode ser reduzida à sua estrutura fundamental . O gráfico do Ursatz é arrítmico, assim como um exercício de cantus firmus de contraponto estrito. Mesmo em níveis intermediários da redução, a notação rítmica (cabeças de notas abertas e fechadas, feixes e bandeiras) mostra não o ritmo, mas as relações hierárquicas entre os eventos de altura. A análise schenkeriana é subjetiva . Não há nenhum procedimento mecânico envolvido e a análise reflete as intuições musicais do analista. A análise representa uma forma de ouvir (e ler) uma peça musical.

A teoria transformacional é um ramo da teoria musical desenvolvido por David Lewin na década de 1980 e formalmente introduzido em seu trabalho de 1987, Generalized Musical Intervals and Transformations . A teoria, que modela as transformações musicais como elementos de um grupo matemático , pode ser usada para analisar tanto a música tonal quanto atonal . O objetivo da teoria transformacional é mudar o foco dos objetos musicais — como o " acorde de dó maior " ou o "acorde de sol maior" — para as relações entre objetos. Assim, em vez de dizer que um acorde de dó maior é seguido por um sol maior, um teórico transformacional poderia dizer que o primeiro acorde foi "transformado" no segundo pela "operação dominante" . (Simbolicamente, pode-se escrever "Dominante (dó maior) = sol maior.") Enquanto a teoria tradicional dos conjuntos musicais se concentra na composição de objetos musicais, a teoria transformacional se concentra nos intervalos ou tipos de movimento musical que podem ocorrer. De acordo com a descrição de Lewin dessa mudança de ênfase, "[A atitude transformacional] não pede alguma medida observada de extensão entre 'pontos' reificados; em vez disso, pergunta: 'Se eu estou em s e desejo chegar a t, que característica gesto devo realizar para chegar lá?'"

Percepção e cognição musical

A psicologia da música ou a psicologia da música pode ser considerada como um ramo da psicologia e da musicologia . Visa explicar e compreender o comportamento e a experiência musical , incluindo os processos pelos quais a música é percebida, criada, respondida e incorporada à vida cotidiana. A psicologia da música moderna é principalmente empírica ; seu conhecimento tende a avançar com base em interpretações de dados coletados por observação sistemática e interação com participantes humanos . A psicologia da música é um campo de pesquisa com relevância prática para muitas áreas, incluindo performance musical , composição , educação , crítica e terapia , bem como investigações de aptidão humana , habilidade, inteligência , criatividade e comportamento social .

A psicologia da música pode lançar luz sobre aspectos não psicológicos da musicologia e da prática musical. Por exemplo, contribui para a teoria musical por meio de investigações da percepção e modelagem computacional de estruturas musicais como melodia , harmonia , tonalidade , ritmo , métrica e forma . A pesquisa em história da música pode se beneficiar do estudo sistemático da história da sintaxe musical ou de análises psicológicas de compositores e composições em relação às respostas perceptivas, afetivas e sociais à sua música. A etnomusicologia pode se beneficiar de abordagens psicológicas para o estudo da cognição musical em diferentes culturas .

Gênero e técnica

Um trio de piano clássico é um grupo que toca música de câmara , incluindo sonatas . O termo "piano trio" também se refere a obras compostas para tal grupo.

Um gênero musical é uma categoria convencional que identifica algumas peças musicais como pertencentes a uma tradição compartilhada ou a um conjunto de convenções. Deve ser distinguido de forma musical e estilo musical , embora na prática esses termos às vezes sejam usados ​​de forma intercambiável.

A música pode ser dividida em diferentes gêneros de muitas maneiras diferentes. A natureza artística da música significa que essas classificações são muitas vezes subjetivas e controversas, e alguns gêneros podem se sobrepor. Existem até definições acadêmicas variadas do próprio termo gênero . Em seu livro Form in Tonal Music , Douglass M. Green distingue entre gênero e forma . Ele lista madrigal , motet , canzona , ricercar e dança como exemplos de gêneros do período renascentista . Para esclarecer ainda mais o significado de gênero , Green escreve: "A Op. 61 de Beethoven e a Op. 64 de Mendelssohn são idênticas em gênero - ambas são concertos para violino - mas diferentes na forma. No entanto, o Rondo para Piano de Mozart, K. 511, e o Agnus Dei de sua missa, K. 317 são bastante diferentes em gênero, mas são semelhantes em forma. Alguns, como Peter van der Merwe , tratam os termos gênero e estilo da mesma forma, dizendo que gênero deve ser definido como peças musicais que vieram do mesmo estilo ou "linguagem musical básica".

Outros, como Allan F. Moore, afirmam que gênero e estilo são dois termos separados e que características secundárias, como o assunto, também podem diferenciar os gêneros. Um gênero ou subgênero musical também pode ser definido pelas técnicas musicais , pelo estilo, pelo contexto cultural e pelo conteúdo e espírito dos temas. Às vezes, a origem geográfica é usada para identificar um gênero musical, embora uma única categoria geográfica geralmente inclua uma ampla variedade de subgêneros. Timothy Laurie argumenta que "desde o início dos anos 1980, o gênero passou de um subconjunto de estudos de música popular para uma estrutura quase onipresente para constituir e avaliar objetos de pesquisa musical".

Técnica musical é a habilidade de músicos instrumentais e vocais de exercer o controle ideal de seus instrumentos ou cordas vocais para produzir efeitos musicais precisos. O aprimoramento da técnica geralmente envolve a prática de exercícios que melhoram a sensibilidade muscular e a agilidade. Para melhorar a técnica, os músicos costumam praticar padrões fundamentais de notas, como as escalas natural , menor , maior e cromática , tríades menores e maiores , sétimas dominantes e diminutas , padrões de fórmula e arpejos . Por exemplo, tríades e sétimas ensinam a tocar acordes com precisão e velocidade. As escalas ensinam como passar rápida e graciosamente de uma nota para outra (geralmente por passo). Os arpejos ensinam como tocar acordes quebrados em intervalos maiores. Muitos desses componentes da música são encontrados em composições, por exemplo, uma escala é um elemento muito comum em composições clássicas e românticas.

Heinrich Schenker argumentou que a "característica mais marcante e distinta" da técnica musical é a repetição . Obras conhecidas como études (que significa "estudo") também são freqüentemente usadas para o aprimoramento da técnica.

Matemática

Os teóricos da música às vezes usam a matemática para entender a música e, embora a música não tenha fundamento axiomático na matemática moderna, a matemática é "a base do som" e o próprio som "em seus aspectos musicais ... exibe uma notável variedade de propriedades numéricas", simplesmente porque a própria natureza "é incrivelmente matemática". A tentativa de estruturar e comunicar novas formas de compor e ouvir música levou a aplicações musicais da teoria dos conjuntos , álgebra abstrata e teoria dos números . Alguns compositores incorporaram a proporção áurea e os números de Fibonacci em seus trabalhos. Há uma longa história de análise das relações entre música e matemática. Embora se saiba que os antigos chineses, egípcios e mesopotâmicos estudaram os princípios matemáticos do som, os pitagóricos (em particular Filolau e Arquitas ) da Grécia antiga foram os primeiros pesquisadores conhecidos a investigar a expressão de escalas musicais em termos de proporções numéricas .

Os primeiros 16 harmônicos, seus nomes e frequências, mostrando a natureza exponencial da oitava e a natureza fracionária simples dos harmônicos fora da oitava

Na era moderna, a teoria dos conjuntos musicais usa a linguagem da teoria matemática dos conjuntos de forma elementar para organizar objetos musicais e descrever suas relações. Para analisar a estrutura de uma peça de música (normalmente atonal) usando a teoria dos conjuntos musicais, geralmente se começa com um conjunto de tons, que podem formar motivos ou acordes. Aplicando operações simples como transposição e inversão , pode-se descobrir estruturas profundas na música. Operações como transposição e inversão são chamadas de isometrias porque preservam os intervalos entre os tons em um conjunto. Expandindo os métodos da teoria dos conjuntos musicais, alguns teóricos usaram a álgebra abstrata para analisar a música. Por exemplo, as classes de notas em uma oitava igualmente temperada formam um grupo abeliano com 12 elementos. É possível descrever apenas a entonação em termos de um grupo abeliano livre .

Composição serial e teoria dos conjuntos

Linha de tons da Lyric Suite de Alban Berg , movimento I

Na teoria musical, o serialismo é um método ou técnica de composição que utiliza uma série de valores para manipular diferentes elementos musicais . O serialismo começou principalmente com a técnica dodecafônica de Arnold Schoenberg , embora seus contemporâneos também estivessem trabalhando para estabelecer o serialismo como um exemplo de pensamento pós-tonal . A técnica de doze tons ordena as doze notas da escala cromática , formando uma linha ou série e fornecendo uma base unificadora para a melodia , harmonia , progressões estruturais e variações de uma composição . Outros tipos de serialismo também trabalham com conjuntos , coleções de objetos, mas não necessariamente com séries de ordem fixa, e estendem a técnica a outras dimensões musicais (muitas vezes chamadas de " parâmetros "), como duração , dinâmica e timbre . A ideia de serialismo também é aplicada de várias maneiras nas artes visuais, design e arquitetura

"Serialismo integral" ou "serialismo total" é o uso de séries para aspectos como duração, dinâmica e registro, bem como tom. Outros termos, usados ​​especialmente na Europa para distinguir a música serial pós-Segunda Guerra Mundial da música dodecafônica e suas extensões americanas, são "serialismo geral" e "serialismo múltiplo".

A teoria dos conjuntos musicais fornece conceitos para categorizar objetos musicais e descrever suas relações. Muitas das noções foram elaboradas pela primeira vez por Howard Hanson (1960) em conexão com a música tonal e, em seguida, principalmente desenvolvidas em conexão com a música atonal por teóricos como Allen Forte (1973), com base no trabalho na teoria dodecafônica de Milton Babbitt. . Os conceitos da teoria dos conjuntos são muito gerais e podem ser aplicados a estilos tonais e atonais em qualquer sistema de afinação igualmente temperado e, até certo ponto, de forma mais geral do que isso.

Um ramo da teoria dos conjuntos musicais lida com coleções (conjuntos e permutações) de notas e classes de notas (teoria dos conjuntos de classes de notas), que podem ser ordenadas ou desordenadas e podem ser relacionadas por operações musicais como transposição , inversão e complementação . Os métodos da teoria dos conjuntos musicais às vezes também são aplicados à análise do ritmo.

semiótica musical

Semioticista Roman Jakobson

A semiologia da música ( semiótica ) é o estudo dos signos que pertencem à música em vários níveis. Seguindo Roman Jakobson , Kofi Agawu adota a ideia de que a semiose musical é introversiva ou extroversiva – isto é, signos musicais dentro e fora de um texto. "Tópicos", ou várias convenções musicais (como trompas, formas de dança e estilos), foram tratados sugestivamente por Agawu, entre outros. A noção de gesto está começando a desempenhar um grande papel na investigação musico-semiótica.

"Há fortes argumentos de que a música habita um reino semiológico que, tanto no nível ontogenético quanto no filogenético , tem prioridade de desenvolvimento sobre a linguagem verbal."

Escritores sobre semiologia musical incluem Kofi Agawu (sobre teoria tópica, Heinrich Schenker , Robert Hatten (sobre tópico, gesto), Raymond Monelle (sobre tópico, significado musical), Jean-Jacques Nattiez (sobre análise taxonômica introvertida e aplicações etnomusicológicas), Anthony Newcomb (na narratividade) e Eero Tarasti (geralmente considerado o fundador da semiótica musical).

Roland Barthes , ele próprio um semiótico e pianista amador habilidoso, escreveu sobre música em Image-Music-Text, The Responsibilities of Form e Eiffel Tower, embora não considerasse a música um sistema semiótico.

Os signos, significados na música, acontecem essencialmente através das conotações dos sons, e através da construção social, apropriação e amplificação de determinados significados associados a essas conotações. A obra de Philip Tagg ( Ten Little Tunes , Fernando the Flute , Music's Meanings ) fornece uma das análises mais completas e sistemáticas da relação entre estruturas musicais e conotações na música ocidental e especialmente popular, televisão e cinema. O trabalho de Leonard B. Meyer em Style and Music teoriza a relação entre ideologias e estruturas musicais e os fenômenos de mudança de estilo, e enfoca o romantismo como um estudo de caso.

Educação e carreiras

O teórico da música da Universidade de Columbia, Pat Carpenter, em uma foto sem data

A teoria musical no sentido prático faz parte da educação em conservatórios e escolas de música há séculos, mas o status que a teoria musical tem atualmente dentro das instituições acadêmicas é relativamente recente. Na década de 1970, poucas universidades tinham programas dedicados à teoria musical, muitos teóricos da música haviam se formado como compositores ou historiadores, e havia uma crença entre os teóricos de que o ensino da teoria da música era inadequado e que o assunto não era devidamente reconhecido como uma disciplina acadêmica. no seu direito. Um número crescente de estudiosos começou a promover a ideia de que a teoria musical deveria ser ensinada por teóricos, e não por compositores, intérpretes ou historiadores da música. Isso levou à fundação da Society for Music Theory nos Estados Unidos em 1977. Na Europa, a francesa Société d'Analyse musicale foi fundada em 1985. Ela convocou a Primeira Conferência Européia de Análise Musical para 1989, que resultou na fundação da Société belge d'Analyse musicale na Bélgica e do Gruppo analisi e teoria musicale na Itália no mesmo ano, da Society for Music Analysis no Reino Unido em 1991, da Vereniging voor Muziektheorie na Holanda em 1999 e da Gesellschaft für Musiktheorie na Alemanha em 2000. Posteriormente, seguiram-se a Sociedade Russa de Teoria Musical em 2013, a Sociedade Polaca de Análise Musical em 2015 e a Sociedad de Análisis y Teoría Musical em Espanha em 2020, e outras estão em construção. Essas sociedades coordenam a publicação de bolsas de estudo em teoria musical e apóiam o desenvolvimento profissional de pesquisadores de teoria musical.

Como parte de seu treinamento inicial, os teóricos da música geralmente completam um B.Mus ou um BA em música (ou um campo relacionado) e, em muitos casos, um MA em teoria musical. Alguns indivíduos se inscrevem diretamente do bacharelado para o doutorado e, nesses casos, podem não receber o mestrado. música e fora da música (por exemplo, um aluno pode se inscrever com um B.Mus e um mestrado em composição musical ou filosofia da música).

A maioria dos teóricos da música trabalha como instrutores, palestrantes ou professores em faculdades, universidades ou conservatórios . O mercado de trabalho para cargos de professor efetivo é muito competitivo: com uma média de cerca de 25 cargos efetivos anunciados por ano na última década, 80 a 100 doutorados são produzidos a cada ano (de acordo com a Pesquisa de Doutorados Obtidos) que competem não apenas uns com os outros por esses cargos, mas também com candidatos a emprego que receberam doutorado em anos anteriores e que ainda estão procurando um emprego estável. Os candidatos devem possuir um PhD completo ou grau equivalente (ou esperar receber um dentro de um ano após a contratação - chamado de "ABD", para o estágio "All But Dissertation" ) e (para cargos mais altos) ter um forte histórico de publicação em revistas revisadas por pares. Alguns teóricos da música com doutorado só conseguem encontrar posições inseguras como palestrantes de sessão . As funções de um teórico musical são as mesmas de um professor de qualquer outra disciplina de humanidades: ministrar aulas de graduação e/ou pós-graduação nesta área de especialização e, em muitos casos, alguns cursos gerais (como Apreciação Musical ou Introdução à Música Teoria), conduzir pesquisas nesta área de especialização, publicar artigos de pesquisa em periódicos revisados ​​por pares, escrever capítulos de livros, livros ou livros didáticos, viajar para conferências para apresentar artigos e aprender sobre pesquisas na área e, se o programa incluir um graduado escola, orientando alunos de mestrado e doutorado e orientando-os na elaboração de suas teses e dissertações. Alguns professores de teoria musical podem assumir altos cargos administrativos em sua instituição, como Reitor ou Presidente da Escola de Música.

Veja também

Notas

Referências

Fontes

Leitura adicional

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