Méret Oppenheim - Méret Oppenheim

Méret Oppenheim
Méret Oppenheim self-portrait.jpg
Negativo de raio-x do crânio de Meret Oppenheim, 1964
Nascer
Meret Elisabeth Oppenheim

( 06/10/1913 )6 de outubro de 1913
Faleceu 15 de novembro de 1985 (1985-11-15)(com 72 anos)
Basel , Suíça
Educação Académie de la Grande Chaumière , Escola de Artes e Ofícios de Basel
Conhecido por Pintura , escultura , poesia
Trabalho notável
Objeto: Breakfast in Fur (1936)
My Nurse (1936)
Giacometti's Ear (1933)
Movimento Surrealismo , conceitualismo
Prêmios Prêmio de Arte da Cidade de Basel

Meret (ou Méret) Elisabeth Oppenheim (6 de outubro de 1913 - 15 de novembro de 1985) foi uma artista e fotógrafa surrealista suíça nascida na Alemanha .

Vida pregressa

Meret Oppenheim nasceu em 6 de outubro de 1913 em Berlim. Ela foi nomeada em homenagem a Meretlein, uma criança selvagem que vive na floresta, do romance Green Henry de Gottfried Keller. Oppenheim tinha dois irmãos, uma irmã Kristin (nascida em 1915) e um irmão Burkhard (nascido em 1919). Seu pai, um médico judeu-alemão, foi convocado para o exército com a eclosão da guerra em 1914. Consequentemente, Oppenheim e sua mãe, que era suíça, mudaram-se para morar com os avós maternos de Oppenheim em Delémont, Suíça. Na Suíça, Oppenheim foi exposto a uma infinidade de arte e artistas desde tenra idade. Oppenheim também foi inspirada por sua tia, Ruth Wenger, especialmente pela devoção de Wenger à arte e seu estilo de vida moderno. Durante o final da década de 1920, Oppenheim foi ainda mais exposto a diferentes obras de arte ligadas ao Modernismo, Expressionismo, Fauvismo e Cubismo.

Em 1928, Oppenheim conheceu os escritos de Carl Jung por meio de seu pai e foi inspirada a registrar seus sonhos. Oppenheim estava interessado na abordagem analítica de Jung, particularmente em sua teoria do animus-anima . Ao longo de sua vida, Oppenheim analisou cuidadosamente seus próprios sonhos e os transcreveu em detalhes em seus escritos. Ela tentou usá-los ao abordar "questões fundamentais da vida". Da mesma forma, Oppenheim usou iconografia e motivos dos arquétipos de Jung em seu trabalho ao longo dos anos; os motivos típicos usados ​​por Oppenheim incluem espirais e cobras. Oppenheim renunciou ao termo "arte feminina" e adotou a criatividade andrógina ideal de Jung em sua arte, na qual os aspectos masculino e feminino funcionavam simultaneamente.

A obra de Paul Klee , foco de uma retrospectiva no Kunsthalle Basel em 1929, proporcionou outra forte influência em Oppenheim, despertando-a para as possibilidades da abstração.

Em maio de 1932, aos 18 anos, Oppenheim mudou-se de Basel, na Suíça para Paris, e esporadicamente frequentou a Académie de la Grande Chaumière para estudar pintura. Seu primeiro estúdio foi um quarto de hotel no Montparnasse Hotel, em Paris. Nessa época ela produziu principalmente pinturas e desenhos. Em 1933, Oppenheim conheceu Hans Arp e Alberto Giacometti . Depois de visitar seu estúdio e ver seu trabalho, Arp e Giacometti a convidaram para participar da exposição surrealista no “Salon des Surindépendants”, realizada em Paris entre 27 de outubro e 26 de novembro. Oppenheim mais tarde conheceu André Breton e começou a participar de reuniões no Café de la Place Blanche com o círculo surrealista. Ela impressionou os surrealistas com seu comportamento desinibido. Pouco depois de começar a frequentar reuniões regulares com Breton e outros conhecidos, o círculo de Oppenheim foi acompanhado por outros artistas surrealistas, como Marcel Duchamp, Max Ernst e Man Ray. A abordagem conceitual defendida por Marcel Duchamp , Max Ernst e Francis Picabia tornou-se importante para seu trabalho.

Carreira

Em 1936, Meret Oppenheim teve sua primeira exposição individual em Basel , Suíça, na Galerie Schulthess . Ela continuou a contribuir para exposições surrealistas até 1960. Muitas de suas peças consistiam em objetos do cotidiano arranjados para aludir à sexualidade feminina e à exploração feminina pelo sexo oposto. As pinturas de Oppenheim se concentraram nos mesmos temas. Sua abundante força de caráter e sua autoconfiança informaram cada obra que ela criou, transmitindo um certo confronto confortável com a vida e a morte. Sua originalidade e audácia a estabeleceram como uma figura importante no movimento surrealista. Em Oppenheim: Object, ela foi descrita como tendo corporificado e "personificado o ideal do surrealismo masculino de 'femme-enfant'.

Em 1937, Oppenheim voltou a Basel e isso marcou o início de seu bloco artístico. Ela lutou depois que encontrou o sucesso e se preocupou com seu desenvolvimento como artista. Oppenheim geralmente trabalhava em rajadas espontâneas e às vezes destruía seu trabalho. Oppenheim deu um hiato em sua carreira artística em 1939, após uma exposição na Galerie René Drouin iniciada por Rene Drouin em Paris . Na exposição, ela foi apresentada ao lado de vários artistas, incluindo Leonor Fini e Max Ernst . Ela não compartilhou nenhuma arte com o público novamente até os anos 1950. Oppenheim então voltou ao seu "estilo original" e baseou suas novas obras em esboços antigos e em trabalhos e criações anteriores.

A obra de arte mais conhecida de Oppenheim é Object (Le Déjeuner en fourrure) [Object (Breakfast in Fur)] (1936). O objeto de Oppenheim consiste em uma xícara de chá, pires e colher que ela cobriu com pele de uma gazela chinesa. A pele representa uma mulher rica; a xícara, oca mas redonda, pode evocar a genitália feminina; a colher, com sua forma fálica, erotiza ainda mais o objeto peludo. Incentivado originalmente por uma conversa que Oppenheim teve com Pablo Picasso e sua amante Dora Maar no café Deux Magots sobre uma pulseira de pele que ela estava usando, Oppenheim criou Object para liberar o pires, colher e xícara de chá de suas funções originais de objetos de consumo. Os telespectadores são, portanto, capazes de sentir emoções de alegria e maravilhar-se ao observar o objeto, ao mesmo tempo em que questionam a funcionalidade de cada um de seus componentes. O título da obra de arte, desenvolvido por Breton, foi inspirado no romance Venus in Furs de Leopold Sacher-Masoch e em Dejeuner sur l'herbe, de Edouard Manet . Durante o mesmo ano de sua criação, Object foi comprado por Alfred Barr para a coleção do Museu de Arte Moderna de Nova York e foi incluído na primeira exposição surrealista do museu intitulada Arte Fantástica: Dada e Surrealismo . Oppenheim estava disposto a vender suas obras de arte por mil francos, mas Barr apenas lhe ofereceu US $ 50 e ela aceitou. Esta foi a primeira obra de arte surrealista adquirida pelo museu, e Oppenheim ficou conhecida como a primeira-dama do MoMA.

O Objeto de Oppenheim seria uma das principais forças que levaram à sua longa crise artística devido ao seu aumento vertiginoso em popularidade após ser exibida por Barr em Nova York. Embora tenha trazido a Oppenheim uma grande fama, Object reforçou a crença do público de que Oppenheim só praticava o surrealismo, o que ela achava que dificultava sua liberdade de expressão artística e exploração de outros estilos artísticos. Na verdade, Object se tornou tão conhecido que muitos equívocos sobre Oppenheim e sua arte foram criados por causa disso. Por exemplo, muitos acreditavam incorretamente que Oppenheim criava principalmente objetos de pele. Sendo conhecido como o artista de Object , Oppenheim foi limitado ao Surrealismo pela expectativa do público, uma conexão que ela estava tentando evitar. Décadas depois, em 1972, ela comentou artisticamente sobre o domínio de sua carreira ao produzir uma série de " souvenirs " de Le Déjeuner en fourrure . O objeto também foi amplamente interpretado através de uma lente freudiana e foi visto em um sentido simbólico como uma referência sexual feminina.

Ao longo de sua vida, Oppenheim esteve disposta a posar para fotógrafos. Sua sessão de fotos mais popular com Man Ray retrata profundamente sua postura pessoal sobre a feminilidade. Ao contrário da discrição sobre o sexo de Le Déjeuner ' criador s, as fotografias fornecido um monumento inconfundível de sua feminilidade e um testemunho de sua relutância para expô-lo.

Em 1937, Oppenheim retornou a Basel, treinando como conservadora de arte para garantir sua estabilidade financeira. Isso marcou o início de uma crise criativa que durou até 1954. Embora ela mantivesse algum contato com seus amigos em Paris, ela criou muito pouco e destruiu ou não conseguiu terminar muito do que criou. Em Basel, ela se tornou membro do Gruppe 33 e participou de suas exposições coletivas, em 1945, no Kunstmuseum Basel .

Oppenheim começou a trabalhar como conservador de arte em 1944, durante um episódio depressivo de dezoito anos. Oppenheim era conhecida por lutar contra sua consciência da opressão das mulheres na sociedade. Oppenheim também sofreu impacto quando seu pai teve que fugir para a Suíça antes da Segunda Guerra Mundial devido ao sobrenome judeu; suas credenciais e formação como médico também foram desacreditadas, deixando-o desempregado. Como resultado, Oppenheim precisava fazer a conservação para alívio financeiro e emocional. Ela viu as obras que produziu nesta época de sua vida como imaginativas e “projeções de sua fantasia.

Oppenheim manteve um estúdio em Berna desde 1954 e viveu lá permanentemente de 1967 até sua morte.

Na década de 1950, Oppenheim tornou-se amigo de Arnold Rudlinger, o diretor do Kunsthall Bern. Os diversos programas e exposições no Kunstall Bern colocaram Oppenheim em um ambiente artístico estimulante que a permitiu explorar as tendências internacionais da arte enquanto trabalhava ao lado de Dieter Roth, Daniel Spoerri e Markus Raetz.

Em 1956, Oppenheim os figurinos e máscaras para Daniel Spoerri ‘produção de s Picasso ‘play s Le Désir Attrape par la fila em Berna. Ela e a artista Lilly Keller foram escolhidas como cortinas. Três anos depois, em 1959, ela organizou um Banquete de Primavera (Le Festin) em Berna para alguns amigos, no qual a comida era servida no corpo de uma mulher nua. A mostra causa polêmica, com Oppenheim acusado de tratar o corpo feminino como um objeto a ser devorado. Com a permissão de Oppenheim, Andre Breton encenou a performance no final daquele ano na abertura da Exposition inteRnatiOnale du Surrealisme (EROS), na Galerie Cordier em Paris. Fora de seu ambiente íntimo original, a performance foi excessivamente provocativa e Oppenheim sentiu que sua intenção original para o trabalho estava perdida. Oppenheim sentiu que o surrealismo mudou após a Segunda Guerra Mundial e ela nunca mais expôs com os surrealistas.

Na década de 1960, Oppenheim se distanciou dos surrealistas. Ela sentia que pertencia à geração do pós-guerra, que era mais jovem. Oppenheim foi notavelmente "fiel a si mesma" e empreendeu novos tópicos em seu trabalho com "uma nova linguagem pictórica". Apesar disso, Oppenheim nunca teve seus próprios alunos, mas às vezes era mentora de artistas mais jovens. Em 1968, Oppenheim teve uma exposição individual na Galerie Martin Krebs em Berna.

Em 1982, Oppenheim ganhou o Prêmio de Arte de Berlim e foi destaque na exposição documenta 7 de Rudi Fuchs . Neste ano, Meret Oppenheim: Desafio na Face da Liberdade foi publicado, e ela foi contratada para fazer uma fonte pública pela comissão de arte de Berlim. Sua fonte foi lançada em 1983 e teve críticas mistas. Devido ao fato de acender à noite, os jornais a chamaram de "farol" e "monstruosidade". Eventualmente, ficou coberto de algas e musgo, permitindo ao público aceitá-lo. Em 1983, Oppenheim também participou de uma exposição itinerante através do Instituto Goethe na Itália. Em 1984, ela fez uma exposição individual no Kunsthalle Bern, na Suíça, junto com o Musee d'Art Moderne em Paris, França. Assim, Oppenheim foi uma das únicas “artistas femininas de sua geração a ser reconhecida internacionalmente enquanto estava viva”.

Oppenheim e Surrealismo

Depois que Oppenheim se mudou para Paris, seus primeiros contatos foram Alberto Giacommetti e Hans Arp. Ela foi então apresentada a Marcel Duchamp e Man Ray, e em 1936 foi convidada a expor seu trabalho em uma mostra no Museu de Arte Moderna de Nova York. Suas pinturas foram colocadas lado a lado com aquelas nas cenas de arte de Paris e Nova York, incluindo Salvador Dalí e Giacommetti. Após a exibição de Object Man Ray ungiu Oppenheim como "a 'musa' do Surrealismo."

Oppenheim se encaixava com os surrealistas porque buscava "aceitação e aprovação para a maneira como estava vivendo sua vida". Ela era cética em relação a qualquer ideologia concreta, e o surrealismo permitiu que ela experimentasse dentro de sua arte. Isso fica evidente em sua pintura Figura sentada com dedos encolhidos , que foi descrita como "assexuada, sem traços, sem lugar ... um retrato da atitude de seu criador".

Oppenheim experimentou diversos estilos ao longo de sua carreira, inclusive enquanto se identificava como surrealista. Ela experimentou o “surrealismo verístico” e teve uma qualidade de abertura que permitiu que seu trabalho mantivesse a relevância. Ao contrário de outros surrealistas que viam os sonhos como uma forma de desbloquear o subconsciente, Oppenheim usou a pintura e seus sonhos como uma “analogia para suas (o subconsciente ') formas. Da mesma forma, Oppenheim usou símbolos versáteis, parcialmente influenciados por Carl Jung, que forneciam mistério e ambigüidade. Da mesma forma, ao contrário de outros surrealistas, Oppenheim usou símbolos com um “impacto fluido e mutável” e produziu obras que eram coesas por meio de ideias frequentes e organizadas, em vez de linguagem formal. Para direcionar os espectadores ao seu significado, ela estrategicamente intitulava seus trabalhos.

No entanto, o Objeto de Oppenheim persiste como um exemplo de “fetichismo surrealista”, pois sua função segue sua forma; o pelo do copo torna-o não funcional.

Exposições

Em 1936, no início de sua carreira, Oppenheim foi incluída em duas importantes exposições surrealistas fora de Paris: The International Surreallist Exhibition , New Burlington Galleries , London and Fantastic Art Dada Surrealism , The Museum of Modern Art, Nova York.

Em 1943, o trabalho de Oppenheim foi incluído na mostra de Peggy Guggenheim , Exhibition by 31 Women na galeria Art of This Century, em Nova York.

A primeira retrospectiva de Oppenheim foi hospedada pelo Moderna Museet Stockholm em 1967. Na Suíça, sua primeira retrospectiva foi realizada no Museum der Stadt, Solothurn (1974) e viajou para o Kunstmuseum Winterthur e Wilhelm-Lehmbruck Museum , Duisberg, Alemanha em 1975.

Em 1996, o Solomon R. Guggenheim Museum montou a primeira grande mostra de museu de Oppenheim nos Estados Unidos, numa época em que o interesse renovado por seu trabalho, especialmente entre jovens artistas, já havia começado na Europa. Em 2013, uma retrospectiva abrangente do trabalho de Oppenheim foi inaugurada no Martin-Gropius-Bau em Berlim, reunindo pinturas, esboços, esculturas, máscaras, roupas, móveis e joias do artista. Os credores incluíam o cantor David Bowie , o magnata do varejo suíço e negociante de arte Ursula Hauser, e o magnata holandês de diamantes Sylvio Perlstein .

Reconhecimento

Oppenheim recebeu o Prêmio de Arte da Cidade de Basel  [ de ] em 16 de janeiro de 1975. Em seu discurso de aceitação, Oppenheim cunhou a frase "A liberdade não é dada a você - você tem que aceitá-la." Em 1982, três anos antes de sua morte, ela recebeu o Berliner Kunstpreis de 1982 .

Em 2019, Basel inaugurou uma praça, estrada, fonte e um prédio de apartamentos alto (por Herzog & de Meuron ), todos com o nome de Oppenheim no centro da cidade. A grande fonte apresenta sua escultura Spirale (der Gang der Natur) .

Legado

Oppenheim tem sido considerada uma figura de “identificação feminista” pelo movimento feminista e um modelo para as gerações mais jovens devido à sua “atitude sócio-crítica e emancipatória”. Em 1975, Oppenheim fez um discurso na “apresentação de Basler Kuntpreis” e pediu diretamente às mulheres “que demonstrassem à sociedade a invalidade dos tabus, adotando modos de vida não convencionais” e utilizassem seu intelecto como uma força criativa sem medo.

Oppenheim, que morreu em 1985, aos 72 anos, manteve anotações cuidadosas sobre de quais patronos e colegas ela gostava e onde seus trabalhos foram parar. Ela ditou quais de seus escritos deveriam ser publicados e quando, e há lacunas intrigantes, já que ela destruiu parte do material. O arquivo e muitas obras de arte foram confiados a instituições em Berna, incluindo o Museu de Belas Artes e a Biblioteca Nacional.

Levy Galerie, fundada em 1970 pelo residente de Hamburgo Thomas Levy, representa a propriedade de Meret Oppenheim, em estreita colaboração com a família do artista.

Em 6 de outubro de 2017, o Google celebrou seu 104º aniversário com um Google Doodle .

Em 2018, Oppenheim foi tema de um pequeno documentário de Cheri Gaulke , Gloria's Call .

Referências

Fontes

  • Chadwick, Whitney. "Oppenheim, Meret." Grove Art Online. Oxford Art Online. [2]
  • Oppenheim, Méret. "Meret Oppenheim: além da xícara de chá." Nova York, 1996. Print.

Leitura adicional

  • Kleiner, Fred S .; Mamiya, Christian J. (2005). A arte de Gardner através dos tempos (12ª ed.). EUA: Thompson Learning Co., pp. 999–1000.
  • Slatkin, Wendy (2001). Mulheres Artistas na História (4ª ed.). EUA: Pearson Education. pp. 203–204.
  • Meret Oppenheim: Retrospectiva . Hatje Cantz. 2013Com fotografias de Heinrich Helfenstein. Traduzido do alemão por Catherine Schelbert.
  • Oppenheim, Meret (1988). Meret Oppenheim: New York . Nova York: Kent Fine Art .
  • Galerie Krinzinger (1997). «Meret Oppenheim: eine andere Retrospektive. Uma retrospectiva diferente . Graphische Kunstanstalt - Otto Sares, Viena. ISBN 3-900683-02-6.

links externos