Escultura japonesa - Japanese sculpture

Tamonten em Tōdai-ji , Wood, período Edo

A escultura do Japão começou a partir da figura de argila. No final do longo período Neolítico Jōmon , alguns vasos de cerâmica eram " contornados por chamas" com extensões extravagantes na borda que só podem ser chamadas de esculturais, e figuras de cerâmica dogū muito estilizadas foram produzidas , muitos com os olhos "óculos de neve" característicos. Durante o período Kofun do século 3 ao 6 dC, figuras de terracota haniwa de humanos e animais em um estilo simplista foram erguidas do lado de fora de tumbas importantes. A chegada do budismo no século 6 trouxe consigo tradições sofisticadas em escultura, estilos chineses mediados pela Coréia. O Hōryū-ji do século 7 e seu conteúdo sobreviveram mais intactos do que qualquer templo budista do Leste Asiático de sua data, com obras incluindo uma Trindade Shaka de 623 em bronze, mostrando o Buda histórico ladeado por dois bodhisattvas e também os Reis Guardiões dos Quatro direções .

Diz- se que Jōchō é um dos maiores escultores budistas não apenas no período Heian, mas também na história das estátuas budistas no Japão. Jōchō redefiniu a forma do corpo das estátuas de Buda ao aperfeiçoar a técnica de "yosegi zukuri" (寄 木造 り), que é uma combinação de várias madeiras. A expressão pacífica e a figura graciosa da estátua de Buda que ele fez completou um estilo japonês de escultura de estátuas de Buda chamado "Jōchō yō" (estilo Jōchō, 定 朝 様) e determinou o estilo das estátuas budistas japonesas do período posterior. Sua conquista elevou dramaticamente o status social de busshi (escultor budista) no Japão.

No período Kamakura , o clã Minamoto estabeleceu o shogunato Kamakura e a classe samurai virtualmente governou o Japão pela primeira vez. Os sucessores de Jocho, escultores da escola Kei de estátuas budistas, criaram estátuas realistas e dinâmicas para se adequar ao gosto do samurai, e a escultura budista japonesa atingiu seu auge. Unkei , Kaikei e Tankei eram famosos, e eles fizeram muitas novas estátuas de Buda em muitos templos como Kofuku-ji , onde muitas estátuas de Buda foram perdidas em guerras e incêndios.

Quase todas as grandes esculturas subsequentes no Japão eram budistas, com alguns equivalentes xintoístas , e depois que o budismo entrou em declínio no Japão no século 15, a escultura monumental tornou-se uma decoração arquitetônica em grande parte e menos significativa. No entanto, o trabalho escultural nas artes decorativas foi desenvolvido a um nível notável de realização técnica e refinamento em pequenos objetos como inro e netsuke em muitos materiais e tosogu de metal ou suportes de espada japoneses . No século XIX existiam indústrias de exportação de pequenas esculturas em bronze de extremo virtuosismo, estatuetas de marfim e porcelana e outros tipos de pequenas esculturas, com ênfase crescente no domínio técnico.

História

Arte antiga

Dogū , ou estatueta no final do período Jōmon

O interesse pela arte antiga é ver uma ampla ascendência e espontaneidade e buscar produzir uma arte semelhante em suas próprias obras. Em todos os casos, descobriu-se que exemplos de arte antiga possuem características idênticas às artes modernas; e as antigas figuras de barro japoneses conhecidos como Dogu (土偶) e haniwa (埴輪) há excepções a esta regra.

Nenhum estudioso foi capaz de determinar com exatidão quando os humanos se mudaram para o arquipélago japonês. Foram esses primeiros habitantes que desenvolveram a primeira arte nativa japonesa em cerâmica rústica e em estranhas figuras de argila chamadas dogū, que provavelmente são fetiches de alguma natureza religiosa. Alguns podem ter sido usados ​​em ritos de fertilidade e alguns em exorcismo ou outras formas de ritual.

As figuras dogū são impressionantes em seu simbolismo elaborado e misterioso; e há uma sensação de força e paixão nas linhas fortemente gravadas e redemoinhos com que as figuras são decoradas.

A lenda, conforme registrada no Nihon Shoki (Crônicas do Japão), que é uma história antiga do Japão compilada em 720, afirma que Thaniwa foi ordenada na época da morte de uma imperatriz pelo imperador que lamentou o costume de servos e empregadas do falecido seguindo seu mestre na morte, e ordenou que figuras de barro fossem moldadas e colocadas ao redor do túmulo kofun ao invés do sacrifício de seres vivos. Os estudiosos duvidam da autenticidade dessa história e afirmam que os cachimbos cilíndricos lisos de argila foram as primeiras formas haniwa e que foram usados ​​como estacas para manter a terra do túmulo no lugar. Mais tarde, esses haniwa cilíndricos lisos passaram a ser decorados e a assumir várias formas, incluindo formas de casas e animais domésticos, bem como de seres humanos. Eles foram encontrados dispostos em um círculo ao redor do monte, emprestando crédito à teoria dos estudiosos. No entanto, as figuras haniwa sem dúvida passaram a assumir algum tipo de simbolismo religioso mais tarde, além de seu propósito prático original como estacas.

Períodos Asuka e Hakuho

Tríade Shakyamuni em Horyuji por Tori Busshi

A emergência japonesa de seu período de artes primitivas nativas foi instigada principalmente pela introdução do budismo do continente asiático em meados do século VI. Junto com a nova religião, artistas qualificados e artesãos da China vieram ao Japão para construir seus templos e ídolos escultóricos, e para transmitir técnicas artísticas aos artesãos nativos.

Os primeiros exemplos de arte budista podem ser vistos no esplendor acumulado no templo Horyū-ji do século 7 em Nara , cujos próprios edifícios, definidos em um padrão prescrito com salão principal, campanário, pagodes e outros edifícios fechados dentro de um corredor coberto que circunda, retêm uma aura da era antiga, junto com os inúmeros tesouros de arte preservados em seus salões.

Nara e seus arredores contêm a grande maioria dos tesouros da nação do período inicial da arte budista, conhecido na história da arte como o período Asuka. A escultura deste período mostra, como quase todas as esculturas subsequentes, a influência da arte continental. O notável escultor de Asuka, Tori Busshi, seguiu o estilo da escultura de North Wei e estabeleceu o que veio a ser conhecido como a escola de escultura Tori. Exemplos notáveis ​​de obras de Tori são a Tríade Sakyamuni que são os principais ícones do Salão Dourado do templo Horyū-ji e o Boddhisatva Kannon do Salão Yumedono do mesmo templo, também conhecido como Guze Kannon.

Algumas das esculturas budistas mais importantes pertencem ao período da arte Hakuho que se seguiu , quando a escultura passou a mostrar predominantemente a influência Tang . O ar místico e irreal do estilo Tori anterior foi substituído por uma pose suave e flexível e uma beleza quase sensual, mais à maneira do Maitreya, com olhos estreitos e longos e feições afeminadas gentis que, apesar de seu ar de devaneio, têm sobre eles. uma acessibilidade íntima. A indiferença da escultura anterior de Asuka é suavizada para uma forma mais nativa; e deve-se ver neles um compromisso entre o ideal divino e o ideal humano.

Esculturas representativas deste período são o belo templo Sho Kannon de Yakushiji e o Yumatagae Kannon de Horyū-ji, ambos mostrando a plenitude da carne arredondada dentro das dobras convencionais das roupas, refletindo em suas características artísticas da arte Gupta são transmitidas para Japonês por meio de Tang.

Período Nara

Asura, 733, Kōfuku-ji

Em 710-793, escultores japoneses aprenderam o alto estilo Tang e produziram um estilo "escultura Tenpyō", que mostra rosto realista, volume sólido maciço, cortinas naturais e representação delicada de sentimento. O imperador Shōmu encomendou o colossal Buda Vairocana de bronze dourado no templo Tōdai-ji e concluído em 752. Embora a estátua tenha sido destruída duas vezes e reparada, a pequena parte original sobreviveu. Entre muitas obras originais, o Asura no templo Kōfukuji é atraente, que é uma estátua de laca seca e mostra uma representação delicada do sentimento. Os quatro guardiões em Kaidanin: uma divisão do templo Tōdai-ji são uma obra-prima, que são estátuas de argila. Uma fábrica oficial nacional Zō Tōdai-ji shi ("Escritório para construir o Templo Tōdai-ji") produziu muitas esculturas budistas por divisão do trabalho para Tōdai-ji e outros templos oficiais e templos para novidades. A fábrica fazia esculturas em bronze dourado, laca seca, argila, terracota, repousee, pedra e prata. Geralmente os escultores são seculares e têm status e salário oficial. Alguns ateliers privados ofereciam ícones budistas às pessoas, e alguns monges os faziam eles próprios.

Período Heian

Taishakuten Śakra , 839, Tō-ji

Com a mudança da capital imperial de Nara para Kyoto em 794, os grandes templos não se mudaram para Kyoto. O governo alimentou um novo budismo esotérico importado da China Tang. A fábrica oficial Zo Tōdai-ji shi foi fechada em 789. Escultores demitidos trabalharam sob o patrocínio de grandes templos em Nara, novos templos da seita esotérica, a corte e as novidades. Os escultores obtiveram o status de clérigos do templo, fossem ou não membros da ordem. A madeira se tornou o meio principal. No estilo, o período Heian foi dividido em dois: o período Heian inicial e o posterior. No início do período Heian (794 a cerca de meados do século 10), as estátuas do budismo esotérico floresceram. Kūkai , Saichō e outros membros das embaixadas imperiais do Japão para a China importaram o estilo alto para o posterior estilo Tang. Os corpos das estátuas foram esculpidos em blocos únicos de madeira e parecem imponentes, maciços e pesados ​​quando comparados às obras do período de Nara. Seus membros grossos e características faciais severas, quase taciturnas, imbuem-nos com uma sensação de mistério sombrio e inspiram admiração em quem vê, de acordo com o sigilo dos ritos budistas esotéricos. Cortinas pesadamente esculpidas, nas quais dobras arredondadas se alternam com dobras bem recortadas, são típicas da época. Entre as divindades esotéricas do budismo, os japoneses gostam de Acala e produziram enormes imagens de Acala .

No período Heian posterior (de meados do século 10 ao século 12), a sofisticação da cultura da corte e a popularidade da Adoração Amida deram origem a um novo estilo: traços suaves, calmos e refinados com proporções mais atenuadas. Escultores japonizaram rostos de imagens. O líder da seita Terra Pura (Adoração Amida), Genshin, e seu trabalho Ōjōyōshū influenciaram muitas esculturas. A obra-prima é o Buda Amida em Byōdō-in em Uji , do mestre Jōchō . Ele estabeleceu um cânone de escultura budista. Ele era chamado de especialista na técnica yosegi zukuri: os escultores também começaram a trabalhar com vários blocos de madeira. Essa técnica possibilitou a produção de mestres em ateliês com aprendizes. Na escola, um neto de Jōchō abriu um ateliê que trabalhava com a Corte Imperial em Kyoto. Na escola  [ ja ] uma disciplina de Jōchō , também estabeleceu Sanjyō-Atlier em Kyoto.

Período Kamakura

Este período Kamakura é considerado a "era renascentista da escultura japonesa". As esculturas da escola Kei lideraram essa tendência; eles são descendentes de Jōchō . Eles estabeleceram um novo estilo de escultura budista baseado no realismo, incorporando elementos do estilo Tenpyo do período Nara, bem como a técnica yosegi-zukuri estabelecida por Jocho no período Heian. Suas esculturas são caracterizadas por expressões afiadas e severas, corpos musculosos e tridimensionais e posturas e roupas que expressam movimento, e eles conseguiram expressar suas emoções, sentimentos tridimensionais e movimentos mais do que antes. Esse realismo refletia os gostos dos samurais , que governaram efetivamente o Japão desde o período Kamakura e se tornaram novos patronos das esculturas budistas. Do outro lado, as esculturas de argila, laca seca, relevo e terracota não reviveram. Eles usaram principalmente madeira e às vezes bronze.

A escola Kei criou raízes na cidade de Nara , que era a antiga capital (710-793), e funcionou em grandes templos em Nara. No período Kamakura, o tribunal de Kyoto e o governo militar do shogunato Kamakura reconstruíram grandes templos queimados nas guerras do final do século 12. Muitas esculturas foram reparadas e muitos edifícios foram reconstruídos ou reparados. O caráter "renascentista" se reflete no projeto.

Entre os escultores da escola Kei, Unkei é o mais famoso. Entre suas obras, um par de colossais Kongō-rikishi em Tōdai-ji são os mais famosos, e as estátuas em forma de retrato de sacerdotes indianos em Kōfuku-ji são obras-primas elaboradas. Unkei teve seis filhos escultores e seu trabalho também foi imbuído do novo humanismo. Tankei , o filho mais velho e um escultor brilhante, tornou-se o chefe do estúdio. Kōshō, o quarto filho, produziu uma escultura notável do professor budista japonês do século 10 Kuya (903–972). Kaikei era um colaborador da Unkei. Ele era um devoto adepto da seita Terra Pura . Ele trabalhou com o padre Chōgen (1121-1206), o diretor do projeto de reconstrução Tōdai-ji. Muitas de suas figuras são mais idealizadas do que as de Unkei e seus filhos, e são caracterizadas por uma superfície lindamente acabada, ricamente decorada com pigmentos e ouro. Mais de 40 de suas obras sobreviveram, muitas das quais são assinadas por ele. Seu trabalho mais importante é Amitabha Triad of Ono Jōdo-ji (1195).

Uma das artes budistas mais notáveis ​​do período foi a estátua de Buda consagrada em Sanjūsangen-dō consistindo em 1.032 estátuas produzidas por escultores de estátuas budistas da escola Kei, na escola e na escola. A 1 imagem principal Senju Kannon no centro, a circundante 1001 Senju Kannon, os 28 atendentes de Senju Kannon, Fūjin e Raijin criam um espaço solene e todas as estátuas de Buda são designadas como Tesouros Nacionais.

Os escultores também trabalharam para o shogunato Kamakura e outros clãs militares. Eles produziram esculturas budistas e retratos para eles. O colossal bronze Amitabha Buddha em Kamakura Kōtoku-in foi feito em 1252. Todas as classes da sociedade contribuíram com fundos para fazer este bronze colossal. Esse patrocínio aumentou e às vezes substituiu o antigo patrocínio de homens ricos e poderosos.

Período Muromachi e período Sengoku

Śākyamuni saindo das montanhas. Séculos 15 a 16. Museu Nacional de Nara

As esculturas budistas diminuíram em quantidade e qualidade. O novo Zen Budismo reprovou as imagens de Buda. Grandes templos das antigas seitas foram deprimidos durante as guerras civis. Esculturas de retratos de mestres zen se tornaram um novo gênero durante este período. A arte de esculpir máscaras para o teatro Noh floresceu e se aprimorou entre os séculos XV e XVII.

Período Edo

Escultura de um Chōnin aposentado como budista leigo .
Período Edo , por volta de 1700.

A reconstrução de templos budistas queimados nas guerras civis exigia escultores. As novas esculturas foram em sua maioria esculpidas de forma conservadora em madeira e dourado ou policromadas. Eles geralmente carecem de poder artístico. No entanto, alguns escultores monge budistas produziram imagens de madeira não pintadas e rudemente talhadas. Enkū (1632-1695) e Mokujiki (1718-1810) são representativos. Eles viajaram pelo Japão e produziram obras enormes para fins missionários e cerimoniais. Seus estilos arcaicos e espirituais foram reavaliados no século XX. A arte de esculpir máscaras para Noh também continuou a produzir trabalhos melhores no século XVII.

No período Edo, a urbanização progrediu em várias partes do Japão e a cultura dos habitantes da cidade desenvolveu-se muito. Nesse período, o inro e o netsuke se tornaram populares como acessórios masculinos. Netsuke são elaborados entalhes de madeira e marfim, e principalmente animais e criaturas imaginárias eram o assunto. Como o netsuke é pequeno e fácil de coletar, ainda existem muitos colecionadores.

Durante este período, muitas esculturas foram anexadas aos edifícios dos santuários xintoístas construídos no estilo Gongen-zukuri .

Meiji ao período moderno

Haneakarutama , o rei dragão, oferece uma joia das marés a Susano'o . 1881 ou mais tarde, Coleção Khalili de Arte Japonesa

No final do século 19, o shogunato Tokugawa entregou o controle do Japão ao imperador , e o Japão rapidamente se modernizou e aboliu a classe samurai , e as roupas japonesas começaram a ser ocidentalizadas. Como resultado, artesãos que faziam espadas , armaduras , netsuke , kiseru , inro e móveis japoneses perderam clientes, mas com o apoio do novo governo, começaram a fazer esculturas de metal, marfim e madeira extremamente elaboradas, que depois exportaram para o Estados Unidos e Europa. Durante as eras Meiji e Taishō , a escultura japonesa progrediu da produção de objetos devocionais para objetos decorativos e, eventualmente, para belas-artes. Exposições internacionais trouxeram o bronze fundido japonês a um novo público estrangeiro, atraindo muitos elogios. A história do armamento de samurai equipou metalúrgicos japoneses para criar acabamentos metálicos em uma ampla gama de cores. Combinando e terminando cobre, prata e ouro em diferentes proporções, eles criaram ligas especializadas, incluindo shakudō e shibuichi . Com essa variedade de ligas e acabamentos, um artista poderia dar a impressão de uma decoração colorida.

O estímulo das formas de arte ocidentais devolveu a escultura à cena artística japonesa e introduziu o molde de gesso, a escultura heróica ao ar livre e o conceito de escultura da escola de Paris como uma "forma de arte". Essas ideias adotadas no Japão durante o final do século 19, juntamente com o retorno do patrocínio do estado, escultura rejuvenescida.

Em 1868, o novo governo proibiu o sincretismo tradicional do xintoísmo e do budismo e ordenou que separassem os templos budistas dos santuários xintoístas a fim de estabelecer um governo centralizado pelo imperador, que era o sacerdote supremo do xintoísmo. Em resposta a esta situação, alguns sacerdotes xintoístas começaram a destruir templos budistas. Okakura Tenshin e outros trabalharam arduamente em atividades políticas para proteger a arte budista, e o governo declarou que protegeria o budismo. A destruição parou por volta de 1874, mas muitas estátuas budistas preciosas foram perdidas.

Arte contemporânea

Após a Segunda Guerra Mundial , os escultores se afastaram da escola figurativa francesa de Rodin e Maillol em direção a formas e materiais modernos e vanguardistas , às vezes em escala enorme. Uma profusão de materiais e técnicas caracterizou essas novas esculturas experimentais, que também absorveram as idéias da arte internacional "op" ( ilusão de ótica ) e "pop" ( motivo popular ). Vários artistas inovadores eram escultores e pintores ou gravadores, suas novas teorias ultrapassando as fronteiras materiais.

Na década de 1970, as idéias de colocação contextual de objetos naturais de pedra, madeira, bambu e papel nas relações com as pessoas e seu ambiente foram incorporadas na escola mono-ha . Os artistas mono-ha enfatizaram a materialidade como o aspecto mais importante da arte e puseram fim ao anti- formalismo que dominou a vanguarda nas duas décadas anteriores. Esse foco nas relações entre objetos e pessoas era onipresente em todo o mundo das artes e levou a uma valorização crescente das qualidades "japonesas" no ambiente e a um retorno aos princípios e formas artísticas nativas. Entre esses preceitos estavam a reverência pela natureza e vários conceitos budistas, que foram usados ​​por arquitetos para tratar problemas de tempo e espaço. A ideologia ocidental foi cuidadosamente reexaminada e muito foi rejeitado quando os artistas se voltaram para seu próprio ambiente - tanto interno quanto externo - em busca de sustento e inspiração. Do final dos anos 1970 até o final dos anos 1980, os artistas começaram a criar uma nova arte vital, que era contemporânea e asiática em fontes e expressão, mas ainda fazia parte da cena internacional. Esses artistas se concentraram em projetar seu próprio individualismo e estilos nacionais, em vez de adaptar ou sintetizar exclusivamente as idéias ocidentais.

A escultura ao ar livre, que ganhou destaque com o advento do Museu ao Ar Livre de Hakone em 1969, foi amplamente utilizada na década de 1980. As cidades sustentavam enormes esculturas ao ar livre para parques e praças, e grandes arquitetos planejavam esculturas em seus prédios e layouts urbanos. Museus e exposições ao ar livre cresceram, enfatizando a localização natural da escultura no ambiente. Como a pedra de escultura dura não é nativa do Japão, a maioria das peças externas foi criada em aço inoxidável, plástico ou alumínio para construções de máquinas de "tensão e compressão" de aço com superfície espelhada ou para formas ultramodernas elegantes de alumínio polido. A forte influência da alta tecnologia moderna sobre os artistas resultou na experimentação com, formulários de tração cinéticos, como arcos flexíveis e "INFO- ambientais esculturas" utilizando luzes. Os componentes de vídeo e a videoarte desenvolveram-se rapidamente do final dos anos 1970 até os anos 1980. Os novos escultores experimentais japoneses poderiam ser entendidos como trabalhando com ideias budistas de permeabilidade e regeneração na estruturação de suas formas, em contraste com a concepção ocidental geral de escultura como algo com contornos finitos e permanentes.

Na década de 1980, a madeira e os materiais naturais foram usados ​​com destaque por muitos escultores, que agora começaram a colocar suas obras em pátios internos e espaços fechados. Além disso, um sentimento japonês de movimento rítmico, capturado em formas recorrentes como um "movimento gestual sistemático", foi usado por artistas consagrados como Kyubei Kiyomizu e Hidetoshi Nagasawa e pela geração mais jovem liderada por Shigeo Toya.

Veja também

Referências

  • Japão  Este artigo incorpora  material de domínio público a partir da Biblioteca de Estudos Congresso País website http://lcweb2.loc.gov/frd/cs/ .
  • Aproxime-se da cultura japonesa , Kokusai Bunka Shinkokai, The Japan Times
  • Earle, Joe (1999). Esplendores de Meiji: tesouros do Japão imperial: obras-primas da coleção Khalili . St. Petersburg, Flórida: Broughton International Inc. ISBN 1874780137. OCLC  42476594 .

Notas

  1. ^ Subperíodo médio de Jomon arquivado em 25/05/2009 na Máquina Wayback , Museu de História da Prefeitura de Niigata, acessado em 15 de agosto de 2012.
  2. ^ Paine & Soper, 30–31.
  3. ^ Kotobank, Jōchō. O Asahi Shimbun .
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  9. ^ Guth, Christine ME (2004). "Takamura Kōun e Takamura Kōtarō: Sobre ser um escultor" . In Takeuchi, Melinda (ed.). O Artista como Profissional no Japão . Stanford University Press. p. 152. ISBN 978-0-8047-4355-6.
  10. ^ Earle 1999 , p. 64
  11. ^ Earle 1999 , p. 66
  12. ^ Kotobank, Shinbutsu-bunri. O Asahi Shimbun.

Leitura adicional

links externos