Arte japonesa - Japanese art

Arte japonesa
Cena do Genji Monogatari Emaki , período Heian , início do século 12 ( Tesouro Nacional )

A arte japonesa cobre uma ampla gama de estilos de arte e mídia, incluindo cerâmica antiga , escultura , pintura a tinta e caligrafia em seda e papel, pinturas ukiyo-e e gravuras em xilogravura , cerâmica, origami e, mais recentemente, mangá e anime , que são quadrinhos e animações que apresentam um estilo distinto de desenho animado . Tem uma longa história, desde o início da habitação humana no Japão, em algum momento do 10º milênio aC, até o país atual.

O Japão foi sujeito a invasões repentinas de novas idéias seguidas por longos períodos de contato mínimo com o mundo exterior. Com o tempo, os japoneses desenvolveram a capacidade de absorver, imitar e finalmente assimilar os elementos da cultura estrangeira que complementavam suas preferências estéticas. A mais antiga arte complexa no Japão foi produzida nos séculos 7 e 8 em conexão com o budismo . No século 9, quando os japoneses começaram a se afastar da China e desenvolver formas indígenas de expressão, as artes seculares tornaram-se cada vez mais importantes; até o final do século 15, as artes religiosas e seculares floresceram. Após a Guerra Ōnin (1467-1477), o Japão entrou em um período de ruptura política, social e econômica que durou mais de um século. No estado que surgiu sob a liderança do xogunato Tokugawa , a religião organizada desempenhou um papel muito menos importante na vida das pessoas, e as artes que sobreviveram eram principalmente seculares. O período Meiji (1868-1912) viu um influxo abrupto de estilos ocidentais, que continuaram a ser importantes.

A pintura é a expressão artística preferida no Japão, praticada por amadores e profissionais. Até os tempos modernos, os japoneses escreviam com um pincel em vez de uma caneta , e sua familiaridade com as técnicas do pincel os tornou particularmente sensíveis aos valores e à estética da pintura. Com o surgimento da cultura popular no período Edo , um estilo de xilogravura tornou-se uma forma importante e suas técnicas foram aprimoradas para produzir estampas coloridas. Os japoneses, neste período, encontraram a escultura um meio muito menos simpático para a expressão artística; a maioria das grandes esculturas japonesas está associada à religião , e o uso do meio diminuiu com a importância cada vez menor do budismo tradicional.

A cerâmica japonesa está entre as melhores do mundo e inclui os primeiros artefatos japoneses conhecidos; A porcelana de exportação japonesa tem sido uma grande indústria em vários pontos. A laca japonesa também é uma das principais artes e ofícios do mundo, e as obras lindamente decoradas com maki-e foram exportadas para a Europa e China, permanecendo como importantes exportações até o século XIX. Na arquitetura , as preferências japonesas por materiais naturais e uma interação de espaço interior e exterior são claramente expressas.

História da arte japonesa

Vaso Jōmon do meio; por volta de 3000-2000 AC

Arte Jōmon

Os primeiros colonos do Japão foram os Jōmon pessoas (c 10.500 -.. C 300 aC), nomeado para o cabo de marcas que decoravam as superfícies dos seus vasos de barro, foram nômades caçadores-coletores que mais tarde praticados organizados agricultura e construíram cidades com populações de centenas, senão milhares. Eles construíram casas simples de madeira e palha colocadas em fossos de terra rasos para fornecer o calor do solo. Eles criaram vasos de armazenamento de cerâmica ricamente decorados , estatuetas de argila chamadas dogū e joias de cristal.

Período Jōmon inicial

Durante o início do período Jōmon (5000-2500 aC), aldeias começaram a ser descobertas e objetos comuns do dia-a-dia foram encontrados, como potes de cerâmica feitos para ferver água. Os vasos encontrados nessa época tinham fundos planos e desenhos elaborados feitos de materiais como o bambu. Além disso, outra descoberta importante foram as primeiras estatuetas de Jōmon, que podem ter sido usadas como objetos de fertilidade devido aos seios e quadris inchados que exibiam.

Período Jōmon médio

Jar; período de Jomon do meio ao final; Século 35 a 11 a.C.

O período Jōmon médio (2500-1500 aC), contrastou com o período Jōmon inicial de muitas maneiras. Essas pessoas se tornaram menos nômades e começaram a se estabelecer em aldeias. Eles criaram ferramentas úteis que eram capazes de processar os alimentos que coletavam e caçavam, o que tornava a vida mais fácil para eles. Através das inúmeras cerâmicas esteticamente agradáveis ​​que foram encontradas nesta época, é evidente que estas pessoas tinham uma economia estável e mais tempo livre para estabelecer belas peças. Além disso, os povos do período Jōmon Médio diferiam de seus ancestrais anteriores porque desenvolveram vasos de acordo com sua função, por exemplo, eles produziram potes para armazenar itens. As decorações nesses vasos começaram a se tornar mais realistas, ao contrário das primeiras cerâmicas Jōmon. De modo geral, a produção de obras não só aumentou nesse período, mas esses indivíduos as tornaram mais decorativas e naturalistas.

Período Jōmon tardio e final

Estatueta de Dogū do site Ebisuda de Ōsaki , prefeitura de Miyagi (1000-400 AC)

Durante o período Jōmon Tardio e Final (1500-300 AC), o tempo começou a ficar mais frio, forçando-os a se afastar das montanhas. A principal fonte de alimento nessa época eram os peixes, o que os fez melhorar seus suprimentos e ferramentas de pesca. Esse avanço foi uma conquista muito importante durante esse tempo. Além disso, o número de vasos aumentou muito, o que poderia possivelmente concluir que cada casa tinha sua própria estatueta exibida neles. Embora vários vasos tenham sido encontrados durante o Período Jōmon Tardio e Final, essas peças foram encontradas danificadas, o que pode indicar que elas eram usadas para rituais. Além disso, as estatuetas também foram encontradas e caracterizadas por seus corpos carnudos e olhos parecidos com óculos de proteção.

Estatuetas Dogū

Dogū ("figura de barro") são pequenas estatuetas humanóides e animais feitas durante a parte posterior do período Jōmon . Eles foram feitos em todo o Japão, exceto Okinawa . Alguns estudiosos teorizam que os dogū agiam como efígies de pessoas, que manifestavam algum tipo de magia simpática . Dogū são feitos de argila e são pequenos, normalmente com 10 a 30 cm de altura. A maioria das estatuetas parecem ter modelos femininos e têm olhos grandes, cinturas pequenas e quadris largos. Eles são considerados por muitos como representantes das deusas. Muitas têm abdomens grandes associados à gravidez, sugerindo que os Jomon as consideravam deusas - mães .

Arte yayoi

A próxima onda de imigrantes foi o povo Yayoi , batizado em homenagem ao distrito de Tóquio onde os vestígios de seus primeiros assentamentos foram encontrados. Essas pessoas, chegando ao Japão por volta de 300 aC, trouxeram seus conhecimentos sobre o cultivo de arroz em áreas úmidas, a manufatura de armas de cobre e sinos de bronze ( dōtaku ) e cerâmicas movidas a forno .

Arte Kofun

Tumba do Imperador Nintoku localizada em Sakai, Japão. A tumba em forma de buraco de fechadura tem 486 m de comprimento, 305 m de largura na parte inferior e 245 m de diâmetro.

O terceiro estágio da pré-história japonesa, o período Kofun (c. 300 - 710 DC), representa uma modificação da cultura Yayoi , atribuível ao desenvolvimento interno ou à força externa. Este período é mais notável por sua cultura de tumbas e outros artefatos, como espelhos de bronze e esculturas de argila chamadas haniwa, que foram erguidas fora dessas tumbas. Ao longo do período Kofun, as características dessas tumbas evoluíram de tumbas menores erguidas no topo de colinas e cumes para tumbas muito maiores construídas em terreno plano. A maior tumba do Japão, a tumba do Imperador Nintoku , abriga 46 túmulos e tem a forma de um buraco de fechadura, uma característica distinta encontrada nas tumbas Kofun posteriores.

Arte de Asuka e Nara

Um jarro com cabeça de dragão com padrão de Pégaso incisado, bronze dourado com prata, período Asuka, século 7, antigos tesouros do Templo Horyu-ji

Durante os períodos Asuka e Nara , assim chamados porque a sede do governo japonês estava localizada no Vale Asuka de 542 a 645 e na cidade de Nara até 784, o primeiro influxo significativo da cultura continental asiática ocorreu no Japão.

A transmissão do budismo forneceu o ímpeto inicial para os contatos entre a China e o Japão. Os japoneses reconheceram as facetas da cultura chinesa que poderiam ser proveitosamente incorporadas à sua: um sistema para converter ideias e sons em escrita; historiografia ; teorias complexas de governo, como uma burocracia eficaz ; e, o mais importante para as artes, novas tecnologias, novas técnicas de construção, métodos mais avançados de fundição em bronze e novas técnicas e meios de pintura.

Ao longo dos séculos 7 e 8, no entanto, o foco principal nos contatos entre o Japão e o continente asiático foi o desenvolvimento do budismo. Nem todos os estudiosos concordam com as datas significativas e os nomes apropriados a serem aplicados a vários períodos de tempo entre 552, a data oficial da introdução do budismo no Japão, e 784, quando a capital japonesa foi transferida de Nara. As designações mais comuns são o período Suiko, 552-645; o período Hakuhō , 645-710, e o período Tenpyō, 710-784.

As primeiras esculturas japonesas do Buda datam dos séculos VI e VII. Em última análise, eles derivam da arte greco-budista de Gandhara dos séculos I ao III dC , caracterizada por padrões de vestimenta fluidos e renderizações realistas, sobre os quais traços artísticos chineses foram sobrepostos. Depois que a arte budista chinesa de Wei do norte se infiltrou na península coreana, ícones budistas foram trazidos para o Japão por vários grupos de imigrantes. Particularmente, a forma semi-sentada de Maitreya foi adaptada em um estilo de arte da Grécia Antiga altamente desenvolvido que foi transmitido ao Japão como evidenciado pelo Kōryū-ji Miroku Bosatsu e as estátuas Chūgū-ji Siddhartha . Muitos historiadores retratam a Coreia como um mero transmissor do budismo. Os Três Reinos, e particularmente Baekje, foram instrumentais como agentes ativos na introdução e formação de uma tradição budista no Japão em 538 ou 552. Eles ilustram o ponto final da transmissão da arte pela Rota da Seda durante os primeiros séculos de nossa era. Outros exemplos podem ser encontrados no desenvolvimento da iconografia do Deus do Vento Fūjin japonês , os guardiões Niō e os padrões florais quase clássicos nas decorações dos templos.

As primeiras estruturas budistas ainda existentes no Japão e os edifícios de madeira mais antigos no Extremo Oriente são encontrados no Hōryū-ji, a sudoeste de Nara. Construído no início do século 7 como o templo privado do príncipe herdeiro Shōtoku , consiste em 41 edifícios independentes. Os mais importantes, o salão de adoração principal, ou Kondō (Salão Dourado) e Gojū-no-tō ( Pagode de cinco andares ), ficam no centro de uma área aberta cercada por um claustro coberto. O Kondō , no estilo dos salões de adoração chineses , é uma estrutura de dois andares construída com postes e vigas, coroada por uma irimoya , ou telhado de duas águas de telhas de cerâmica.

Dentro do Kondō , em uma grande plataforma retangular, estão algumas das esculturas mais importantes do período. A imagem central é uma Trindade Shaka (623), o Buda histórico ladeado por dois bodhisattvas , escultura fundida em bronze pelo escultor Tori Busshi (floresceu no início do século VII) em homenagem ao recém-falecido Príncipe Shōtoku. Nos quatro cantos da plataforma estão os Reis Guardiões das Quatro Direções , esculpidos em madeira por volta de 650. Também instalado em Hōryū-ji está o Santuário Tamamushi , uma réplica de madeira de um Kondō , que é colocado em uma base alta de madeira que é decorado com pinturas figurais executadas em meio de pigmentos minerais misturados com laca.

A construção de templos no século 8 foi focada em torno do Tōdai-ji em Nara. Construído como a sede de uma rede de templos em cada uma das províncias, o Tōdaiji é o complexo religioso mais ambicioso erguido nos primeiros séculos de adoração budista no Japão. Apropriadamente, o Buda de 16,2 m (53 pés) (completado 752) consagrado no salão principal do Buda, ou Daibutsuden , é um Buda Rushana , a figura que representa a essência do estado de Buda, assim como o Tōdaiji representava o centro de patrocínio imperial Budismo e sua disseminação por todo o Japão. Apenas alguns fragmentos da estátua original sobreviveram, e o salão atual e o Buda central são reconstruções do período Edo .

Aglomerados ao redor do Daibutsuden em uma encosta levemente inclinada estão vários salões secundários: o Hokke-dō (Salão do Lotus Sutra), com sua imagem principal, o Fukukenjaku Kannon (不 空 羂 索 観 音 立 像, o bodhisattva mais popular), feito de laca (pano embebido em laca e moldado sobre uma armadura de madeira); o Kaidanin (戒壇 院, Sala de Ordenação) com suas magníficas estátuas de argila dos Quatro Reis Guardiões ; e o armazém, chamado Shōsōin . Esta última estrutura é de grande importância como esconderijo da história da arte, pois nela estão armazenados os utensílios que foram usados ​​na cerimônia de dedicação do templo em 752, o ritual de abrir os olhos para a imagem de Rushana, bem como documentos governamentais e muitos seculares. objetos pertencentes à família imperial.

Acredita-se que choukin (ou chōkin ), a arte da gravura ou escultura em metal , tenha começado no período Nara.

Arte heian

Taizokai (reino do útero) Mandala em um pergaminho de seda, século 9 dC
Taishakuten Śakra , 839, Tō-ji

Em 794 a capital do Japão foi oficialmente transferida para Heian-kyō (atual Kyoto ), onde permaneceu até 1868. O termo período Heian refere-se aos anos entre 794 e 1185, quando o shogunato Kamakura foi estabelecido no final do Guerra Genpei . O período é dividido em início de Heian e final de Heian, ou era Fujiwara , a data principal sendo 894, o ano em que as embaixadas imperiais na China foram oficialmente descontinuadas.

Arte Heian primitiva: em reação à crescente riqueza e poder do budismo organizado em Nara, o sacerdote Kūkai (mais conhecido por seu título póstumo Kōbō Daishi, 774-835) viajou para a China para estudar Shingon , uma forma de budismo Vajrayana , que ele introduzidos no Japão em 806. No cerne da adoração Shingon estão as mandalas , diagramas do universo espiritual, que então começaram a influenciar o design dos templos. A arquitetura budista japonesa também adotou a estupa , originalmente uma forma arquitetônica indiana , em seu pagode de estilo chinês.

Os templos erguidos para esta nova seita foram construídos nas montanhas, longe da Corte e dos leigos na capital. A topografia irregular desses locais forçou os arquitetos japoneses a repensar os problemas da construção de templos e, ao fazê-lo, a escolher elementos de design mais indígenas. Os telhados de casca de cipreste substituíram os de cerâmica, pranchas de madeira foram usadas em vez de pisos de barro e uma área de adoração separada para os leigos foi adicionada em frente ao santuário principal.

O templo que melhor reflete o espírito dos primeiros templos de Heian Shingon é o Murō-ji (início do século IX), situado no fundo de um bosque de ciprestes em uma montanha a sudeste de Nara. A imagem de madeira (também do início do século IX) de Shakyamuni , o Buda "histórico", consagrada em um edifício secundário no Murō-ji , é típica da escultura de Heian inicial, com seu corpo pesado coberto por dobras grossas de cortinas esculpidas no estilo honpa-shiki (onda ondulante) e sua expressão facial austera e retraída.

Arte Fujiwara: No período Fujiwara , o Budismo Terra Pura , que oferecia salvação fácil por meio da crença em Amida (o Buda do Paraíso Ocidental), tornou-se popular. Esse período leva o nome da família Fujiwara , então a mais poderosa do país, que governou como regentes pelo imperador, tornando-se, com efeito, ditadores civis. Ao mesmo tempo, a nobreza de Kyoto desenvolveu uma sociedade devotada a elegantes buscas estéticas. Seu mundo era tão seguro e bonito que eles não podiam conceber o Paraíso como sendo muito diferente. Eles criaram uma nova forma de salão de Buda, o salão Amida, que mistura o secular com o religioso e abriga uma ou mais imagens de Buda em uma estrutura que lembra as mansões da nobreza.

Byōdō-in Phoenix Hall, Uji, Kyoto

O Hō-ō-dō (Phoenix Hall, concluído em 1053) do Byōdō-in , um templo em Uji a sudeste de Kyoto, é o exemplo dos corredores Fujiwara Amida. Consiste em uma estrutura retangular principal flanqueada por dois corredores em forma de L e um corredor de cauda, ​​situado na beira de um grande lago artificial. No interior, uma única imagem dourada de Amida (c. 1053) está instalada em uma plataforma alta. A escultura Amida foi executada por Jōchō , que usou um novo cânone de proporções e uma nova técnica ( yosegi ), em que várias peças de madeira são esculpidas como conchas e unidas por dentro. Aplicadas às paredes do salão estão pequenas esculturas em relevo de celestiais, o anfitrião que se acredita ter acompanhado Amida quando ele desceu do Paraíso Ocidental para reunir as almas dos crentes no momento da morte e transportá-los em flores de lótus para o Paraíso. As pinturas Raigō nas portas de madeira do Hō-ō-dō, representando a Descida do Buda Amida, são um dos primeiros exemplos de Yamato-e , pintura de estilo japonês, e contêm representações da paisagem ao redor de Kyoto.

E-maki : No último século do período Heian, o rolo de mão narrativo ilustrado horizontal, conhecido como e-maki (絵 巻, lit. "rolo de imagem"), veio à tona. Datado de cerca de 1130, o Genji Monogatari Emaki , um famoso conto ilustrado de Genji representa o mais antigo rolo de mão yamato-e sobrevivente e um dos pontos altos da pintura japonesa. Escrito sobre o ano 1000 por Murasaki Shikibu , uma dama de companhia da Imperatriz Shōshi , o romance trata da vida e dos amores de Genji e do mundo da corte de Heian após sua morte. Os artistas do século 12 da versão e-maki criaram um sistema de convenções pictóricas que transmitem visualmente o conteúdo emocional de cada cena. Na segunda metade do século, um estilo diferente e mais vivo de ilustração narrativa contínua tornou-se popular. O Ban Dainagon Ekotoba (final do século 12), um pergaminho que trata de uma intriga na corte, enfatiza as figuras em movimento ativo representadas em pinceladas executadas rapidamente e cores finas, mas vibrantes.

E-maki também serve como alguns dos primeiros e maiores exemplos dos estilos de pintura otoko-e ("pinturas de homens") e onna-e ("pinturas de mulheres"). Existem muitas diferenças sutis entre os dois estilos, apelando para as preferências estéticas dos gêneros. Mas talvez mais facilmente perceptíveis sejam as diferenças de assunto. Onna-e , sintetizado pelo rolo de mão Conto de Genji, normalmente lida com a vida na corte, especialmente as damas da corte, e com temas românticos. Otoko-e freqüentemente registrava eventos históricos, particularmente batalhas. O Cerco ao Palácio Sanjō (1160), retratado na seção "Ataque noturno ao palácio Sanjō" do rolo de mão Heiji Monogatari é um exemplo famoso desse estilo.

Arte Kamakura

Relicário de bronze dourado com orifícios (kondō sukashibari sharitō)

Em 1180, uma guerra eclodiu entre os dois clãs guerreiros mais poderosos: os Taira e os Minamoto ; cinco anos depois, o Minamoto saiu vitorioso e estabeleceu uma sede de governo de fato na vila costeira de Kamakura , onde permaneceu até 1333. Com a mudança do poder da nobreza para a classe guerreira, as artes tiveram que satisfazer um novo público: homens devotados às habilidades da guerra, sacerdotes comprometidos em tornar o budismo disponível para plebeus analfabetos e conservadores, a nobreza e alguns membros do sacerdócio que lamentavam o declínio do poder da corte. Assim, o realismo, uma tendência popularizadora e um renascimento clássico caracterizam a arte do período Kamakura . No período Kamakura, Kyoto e Nara permaneceram os centros de produção artística e alta cultura.

Detalhe de Muchaku em Kōfuku-ji , Nara por Unkei

Escultura: a escola de escultores Kei , particularmente Unkei , criou um estilo de escultura novo e mais realista. As duas imagens do guardião Niō (1203) no Grande Portão Sul do Tōdai-ji em Nara ilustram o estilo supra-realista dinâmico de Unkei. As imagens, com cerca de 8 m de altura, foram esculpidas em vários blocos em um período de cerca de três meses, um feito indicativo de um sistema desenvolvido de estúdio de artesãos trabalhando sob a direção de um mestre escultor. As esculturas de madeira policromada de Unkei (1208, Kōfuku-ji , Nara) de dois sábios indianos, Muchaku e Seshin , os lendários fundadores da seita Hossō , estão entre as obras realistas mais realizadas do período; conforme renderizados por Unkei, são imagens notavelmente individualizadas e verossímeis. Uma das obras mais famosas deste período é uma Tríade Amitabha (concluída em 1195), em Jōdo-ji em Ono , criada por Kaikei , o sucessor de Unkei.

Caligrafia e pintura: O Kegon Engi Emaki , a história ilustrada da fundação da seita Kegon , é um excelente exemplo da tendência popularizadora da pintura Kamakura. A seita Kegon, uma das mais importantes no período Nara, passou por tempos difíceis durante a ascensão das seitas da Terra Pura . Após a Guerra de Genpei (1180–1185), o sacerdote Myōe de Kōzan-ji procurou reviver a seita e também fornecer um refúgio para as mulheres viúvas pela guerra. As esposas de samurais foram desencorajadas a aprender mais do que um sistema silabário para transcrever sons e idéias (ver kana ), e a maioria era incapaz de ler textos que empregassem ideogramas chineses ( kanji ).

Assim, o Kegon Engi Emaki combina trechos de texto, escritos com no máximo sílabas de fácil leitura, e ilustrações que apresentam o diálogo entre personagens escritos ao lado dos locutores, técnica comparável às histórias em quadrinhos contemporâneas. O enredo do e-maki , a vida dos dois sacerdotes coreanos que fundaram a seita Kegon, é rápido e repleto de feitos fantásticos, como uma viagem ao palácio do Rei do Oceano e uma história pungente de mãe.

Uma obra em uma veia mais conservadora é a versão ilustrada do diário de Murasaki Shikibu . Versões e-maki de seu romance continuaram a ser produzidas, mas a nobreza, sintonizada com o novo interesse pelo realismo, mas nostálgica pelos dias passados ​​de riqueza e poder, reviveu e ilustrou o diário para recuperar o esplendor da época da autora. Uma das passagens mais bonitas ilustra o episódio em que Murasaki Shikibu é divertidamente mantida prisioneira em seu quarto por dois jovens cortesãos, enquanto, do lado de fora, o luar brilha nas margens musgosas de um riacho no jardim imperial.

Arte Muromachi

Durante o período Muromachi (1338-1573), também chamado de período Ashikaga, uma mudança profunda ocorreu na cultura japonesa. O clã Ashikaga assumiu o controle do shogunato e mudou seu quartel-general de volta para Kyoto, no distrito de Muromachi da cidade. Com a volta do governo à capital, as tendências popularizadoras do período Kamakura chegaram ao fim e a expressão cultural assumiu um caráter mais aristocrático e elitista. O Zen Budismo, a seita Ch'an tradicionalmente considerada fundada na China no século 6, foi introduzido pela segunda vez no Japão e se enraizou.

Karesansui de Ryōan-ji , Kyoto

Pintura: Por causa de empreendimentos seculares e missões comerciais à China organizadas por templos Zen, muitas pinturas e objetos de arte chineses foram importados para o Japão e influenciaram profundamente os artistas japoneses que trabalhavam para templos Zen e o shogunato. Essas importações não apenas mudaram o assunto da pintura, mas também modificaram o uso da cor; as cores vivas de Yamato-e renderam-se aos monocromos da pintura à maneira chinesa, onde as pinturas geralmente têm apenas preto e branco ou diferentes tons de uma única cor.

Típico da pintura Muromachi antiga é a representação pelo padre-pintor Kao (ativo no início do século 15) do lendário monge Kensu (Hsien-tzu em chinês) no momento em que ele alcançou a iluminação. Este tipo de pintura foi executado com pinceladas rápidas e um mínimo de detalhes. A captura de um bagre com uma cabaça (início do século 15, Taizō-in , Myōshin-ji , Kyoto), pelo padre-pintor Josetsu (ativo c. 1400), marca uma virada na pintura de Muromachi. Executado originalmente para uma tela baixa, foi remontado como um rolo suspenso com inscrições de figuras contemporâneas acima, uma das quais refere-se à pintura como estando no "novo estilo". Em primeiro plano, um homem é representado na margem de um riacho segurando uma pequena cabaça e olhando para um grande bagre escorregadio. A névoa enche o terreno intermediário e as montanhas ao fundo parecem estar distantes. Em geral, presume-se que o "novo estilo" da pintura, executado por volta de 1413, se refere a um sentido mais chinês de espaço profundo dentro do plano do quadro.

Os principais artistas do período Muromachi são os pintores-sacerdotes Shūbun e Sesshū . Shūbun, um monge do templo de Shōkoku-ji em Kyoto , criou na pintura Lendo em um bosque de bambu (1446) uma paisagem realista com profunda recessão no espaço. Sesshū, ao contrário da maioria dos artistas do período, foi capaz de viajar para a China e estudar pintura chinesa em sua origem. Paisagem das Quatro Estações ( Sansui Chokan ; c. 1486) é uma das obras mais realizadas de Sesshu, representando uma paisagem contínua ao longo das quatro estações.

Arte Azuchi-Momoyama

Castelo de Himeji , construído em 1580-1609

No período Azuchi – Momoyama (1573–1603), uma sucessão de líderes militares, como Oda Nobunaga , Toyotomi Hideyoshi e Tokugawa Ieyasu , tentou trazer paz e estabilidade política ao Japão após uma era de quase 100 anos de guerra. Oda, um chefe menor, adquiriu poder suficiente para assumir o controle de fato do governo em 1568 e, cinco anos depois, derrubar o último shōgun Ashikaga. Hideyoshi assumiu o comando após a morte de Oda, mas seus planos para estabelecer o governo hereditário foram frustrados por Ieyasu, que estabeleceu o shogunato Tokugawa em 1603.

Ciprestes Byōbu , biombo de Kanō Eitoku , 1590

Pintura: A escola de pintura mais importante do período Momoyama foi a escola Kanō , e a maior inovação do período foi a fórmula, desenvolvida por Kanō Eitoku , para a criação de paisagens monumentais nas portas de correr que encerram uma sala. A decoração da sala principal voltada para o jardim do Jukō-in , um subtemplo de Daitoku-ji (um templo Zen em Kyoto), é talvez o melhor exemplo existente do trabalho de Eitoku. Uma maciça árvore ume e pinheiros gêmeos são representados em pares de telas deslizantes em cantos diagonalmente opostos, seus troncos repetindo as verticais dos postes de canto e seus galhos estendendo-se para a esquerda e para a direita, unificando os painéis adjacentes. A tela de Eitoku, Chinese Lions , também em Kyoto, revela o estilo de pintura ousado e de cores vivas preferido pelos samurais.

Hasegawa Tōhaku , um contemporâneo de Eitoku, desenvolveu um estilo um tanto diferente e mais decorativo para pinturas em tela de grande escala. Em seu Maple Screen (楓 図), agora no templo de Chishaku-in ( ja: 智 積 院), Kyoto, ele colocou o tronco da árvore no centro e estendeu os galhos quase até a borda da composição, criando um trabalho mais plano e menos arquitetônico do que Eitoku, mas uma pintura visualmente linda. Sua tela sêxtupla, Pine Wood (松林 図), é uma representação magistral em tinta monocromática de um bosque envolto em névoa.

Arte do período Edo

Deus do Vento e Deus do Trovão , Tawaraya Sōtatsu , século 17

O xogunato Tokugawa ganhou o controle indiscutível do governo em 1603 com o compromisso de trazer paz e estabilidade econômica e política ao país; em grande medida, foi bem-sucedido. O xogunato sobreviveu até 1867, quando foi forçado a capitular por não conseguir lidar com a pressão das nações ocidentais para abrir o país ao comércio exterior. Um dos temas dominantes no período Edo foram as políticas repressivas do xogunato e as tentativas dos artistas de escapar dessas restrições. A principal delas foi o fechamento do país aos estrangeiros e aos apetrechos de suas culturas, e a imposição de rígidos códigos de comportamento que afetaram todos os aspectos da vida, as roupas que se vestia, a pessoa com quem se casou e as atividades que se poderia ou deveria não perseguir.

Nos primeiros anos do período Edo , no entanto, o impacto total das políticas de Tokugawa ainda não havia sido sentido, e algumas das melhores expressões do Japão em arquitetura e pintura foram produzidas: o Palácio de Katsura em Kyoto e as pinturas de Tawaraya Sōtatsu , pioneiro do Escola Rinpa .

Jardim japonês em estilo de circuito Kōraku-en em Okayama , iniciado em 1700

Impressão em xilogravura: as impressões em xilogravura foram originalmente usadas para traduzir as escrituras budistas no Japão no século VIII. A xilogravura consiste na gravação de imagens ou quadros em um pedaço de madeira, que é então pressionado contra um pedaço de papel. No século VIII, a xilogravura era considerada um método conveniente de reprodução de texto impresso, até que outras inovações permitiram que a cor fosse traduzida em papel ou mais conhecida como impressões Nishik-e. A impressão em blocos de madeira foi o método comum de impressão do século XI ao século XIX. As impressões Nishiki-e produziam bens como calendários que eram comumente vendidos a membros ricos da sociedade durante o período Edo. No período Edo, essas gravuras representavam eventos e cenas de atores proeminentes. Ukiyo foi então associado à impressão em xilogravura no início do período Edo. Essas pinturas Ukiyo retratavam a vida cotidiana de membros proeminentes da sociedade. Ukiyo começou como pergaminhos esculpidos à mão representando a vida de um plebeu normal.

Arquitetura: Katsura Detached Palace , construído em uma imitação do palácio de Genji , contém um conjunto de edifícios shoin que combinam elementos da arquitetura japonesa clássica com reformulações inovadoras. Todo o complexo está rodeado por um belo jardim com trilhas para caminhadas. Muitos dos poderosos daimyōs (senhores feudais) construíram um jardim japonês estilo Circuito no território do país, e competiram pela beleza.

Pintura: Sōtatsu desenvolveu um estilo decorativo soberbo ao recriar temas da literatura clássica, usando figuras e motivos brilhantemente coloridos do mundo natural contra fundos folheados a ouro. Um de seus melhores trabalhos é o par de telas The Waves at Matsushima na Freer Gallery em Washington, DC Um século depois, Kōrin retrabalhou o estilo de Sōtatsu e criou obras visualmente lindas exclusivamente suas. Talvez seus melhores sejam as telas de flores de ameixa vermelha e branca .

Escultura: o monge budista Enkū esculpiu 120.000 imagens budistas em um estilo rústico e individual.

Ukiyo-e e nanga (bunjinga): A escola de arte mais conhecida no Ocidente é a das pinturas ukiyo-e e xilogravuras do demimonde, o mundo do teatro kabuki e os distritos de prazer . As estampas Ukiyo-e começaram a ser produzidas no final do século 17; em 1765 Harunobu produziu a primeira impressão policromada . Designers de impressão da próxima geração, incluindo Torii Kiyonaga e Utamaro , criaram representações elegantes e às vezes perspicazes de cortesãs.

No século 19, as figuras dominantes foram Hokusai e Hiroshige , este último um criador de gravuras de paisagens românticas e um tanto sentimentais. Os ângulos e formas estranhos pelos quais Hiroshige costumava ver a paisagem e o trabalho de Kiyonaga e Utamaro, com sua ênfase em planos planos e contornos lineares fortes, tiveram um impacto profundo em artistas ocidentais como Edgar Degas e Vincent van Gogh . Por meio de obras de arte realizadas em museus ocidentais, esses mesmos gravadores mais tarde exerceriam uma influência poderosa nas imagens e nas abordagens estéticas usadas pelos primeiros poetas modernistas , como Ezra Pound , Richard Aldington e HD

Uma escola de pintura contemporânea com ukiyo-e foi nanga , ou bunjinga, um estilo baseado em pinturas executadas por eruditos pintores chineses. Assim como os artistas ukiyo-e escolheram representar figuras da vida fora das restrições do xogunato Tokugawa, os artistas bunjin se voltaram para a cultura chinesa. Os exemplos desse estilo são Ike no Taiga , Yosa Buson , Tanomura Chikuden e Yamamoto Baiitsu ( ja: 山 本 梅 逸).

Cerâmica

Os estilos tradicionais, principalmente de grés , continuaram em muitas partes do Japão, mas a cerâmica japonesa foi transformada por volta do início do período Edo, por um grande influxo de ceramistas coreanos, capturados ou persuadidos a emigrar durante as invasões japonesas da Coreia no 1590s . Muitos deles se estabeleceram na ilha de Kyushu , ao sul , e trouxeram consigo a experiência de versões do forno de escalada com câmara de estilo chinês , chamado noborigama no Japão, que permitia altas temperaturas com controle mais preciso. Por volta de 1620, eles descobriram depósitos de caulinita e começaram a fazer porcelana pela primeira vez no Japão. As primeiras mercadorias (chamadas de "Primeiros Imari") eram relativamente pequenas e imitavam a porcelana chinesa sob o vidrado azul e branco , que o Japão importava há algum tempo.

A indústria de porcelana se expandiu muito no final da década de 1650, quando o colapso da indústria chinesa devido à guerra civil levou a grandes encomendas dos comerciantes chineses e da Companhia Holandesa das Índias Orientais , na época os comerciantes só permitiam fazer negócios no Japão. O primeiro grande período da porcelana de exportação japonesa durou até cerca de 1740, e a maior parte da porcelana japonesa foi feita para exportação, principalmente para a Europa, mas também para o mundo islâmico a oeste e sul do Japão.

Lacquerware:

Com o desenvolvimento da economia e da cultura, a qualidade artística dos móveis lacados melhorou. Hon'ami Kōetsu e Ogata Kōrin trouxeram os designs da escola de pintura Rinpa para os artigos de laca. Depois da metade do período Edo, o inrō para recipientes de remédios portáteis começou a ser decorado de forma esplêndida com maki-e e raden , e se tornou popular entre a classe samurai e os comerciantes ricos da classe chōnin e, no final do período Edo, mudou de acessórios práticos para coleções de arte. A exportação de artigos de laca continuou após o período Azuchi-Momoyama. Maria Antonieta e Maria Teresa são conhecidas como colecionadoras de laca japonesa neste período.

Arte do período pré-guerra

Quando o imperador do Japão recuperou o poder governante em 1868, o Japão foi mais uma vez invadido por novas e estranhas formas de cultura. Durante o período pré - guerra , a introdução de valores culturais ocidentais levou a uma dicotomia na arte japonesa, bem como em quase todos os outros aspectos da cultura, entre os valores tradicionais e as tentativas de duplicar e assimilar uma variedade de novas idéias conflitantes. Essa divisão permaneceu evidente no final do século 20, embora muitas sínteses já tivessem ocorrido, criando uma atmosfera cultural internacional e estimulando as artes japonesas contemporâneas para formas cada vez mais inovadoras.

O governo teve um interesse ativo no mercado de exportação de arte, promovendo as artes japonesas em uma sucessão de feiras mundiais , começando com a Feira Mundial de Viena de 1873 . Além de financiar fortemente as feiras, o governo teve um papel ativo organizando como a cultura do Japão foi apresentada ao mundo. Ela criou uma empresa semi-pública - a Kiritsu Kosho Kaisha (Primeira Empresa de Manufatura Industrial) - para promover e comercializar as exportações de arte e estabeleceu o Hakurankai Jimukyoku (Exhibition Bureau) para manter os padrões de qualidade. Para a Exposição Internacional do Centenário de 1876 na Filadélfia, o governo japonês criou um Escritório do Centenário e enviou um enviado especial para garantir espaço para os 30.000 itens que seriam exibidos. A Casa Imperial também se interessou ativamente por artes e ofícios, encomendando obras ("artigos de apresentação") como presentes para dignitários estrangeiros. Em 1890, o sistema Teishitsu Gigeiin ( Artista da Casa Imperial ) foi criado para reconhecer artistas ilustres; setenta foram nomeados de 1890 a 1944. Entre eles estavam o pintor e artista de laca Shibata Zeshin , o ceramista Makuzu Kōzan , o pintor Hashimoto Gahō e o artista de esmalte cloisonné Namikawa Yasuyuki .

À medida que as importações ocidentais se tornaram populares, a demanda por arte japonesa diminuiu dentro do próprio Japão. Na Europa e na América, a nova disponibilidade da arte japonesa levou a um fascínio pela cultura japonesa; uma mania conhecida na Europa como Japonisme . Patrocínio imperial, patrocínio governamental, promoção a novos públicos e tecnologia ocidental combinaram-se para fomentar uma era de inovação artística japonesa. Nas artes decorativas, os artistas japoneses alcançaram novos níveis de sofisticação técnica.

Hoje, Masayuki Murata possui mais de 10.000 obras de arte Meiji e é um dos colecionadores mais entusiasmados. A partir dessa época, a maioria das excelentes obras de Meiji Art foram compradas por colecionadores estrangeiros e apenas algumas delas permaneceram no Japão, mas porque ele comprou de volta muitas obras de países estrangeiros e abriu o Kiyomizu Sannenzaka Museum , o estudo e reavaliação de Meiji A arte avançou rapidamente no Japão após o século 21. Nasser Khalili é também um dos colecionadores de arte Meiji mais dedicados do mundo, e sua coleção abrange muitas categorias de arte Meiji. A Família Imperial Japonesa também possui excelentes obras de Arte Meiji, algumas das quais foram doadas ao estado e agora estão armazenadas no Museu das Coleções Imperiais .

Arquitetura e Jardim

Jardim de Murin-an , projetado por Jihei Ogawa em 1894-1898

No início do século 20, as formas de arte europeias foram bem introduzidas e seu casamento produziu edifícios notáveis ​​como a Estação de Trem de Tóquio e o Edifício da Dieta Nacional, que ainda existem hoje. Estação de Tóquio, um edifício de arquitetura Giyōfū , repleto de tijolos e de estilo pseudo-europeu. Este estilo de construção foi construído em áreas urbanas.

Muitos novos jardins artísticos japoneses foram construídos por Jihei Ogawa .

Quadro

Sr. Kume [Kume Keiichiro], por Kuroda Seiki , Kuroda Kinenkan

A primeira resposta dos japoneses às formas de arte ocidentais foi a aceitação de coração aberto, e em 1876 a Escola de Arte Tecnológica ( ja: 工部 美術 学校) foi aberta, empregando instrutores italianos para ensinar métodos ocidentais. A segunda resposta foi uma oscilação de pêndulo na direção oposta liderada por Okakura Kakuzō e o americano Ernest Fenollosa , que encorajou os artistas japoneses a reter temas e técnicas tradicionais enquanto criam obras mais de acordo com o gosto contemporâneo. Essa foi uma estratégia que acabou servindo para estender a influência da arte japonesa até Calcutá, Londres e Boston nos anos que antecederam a Primeira Guerra Mundial . Destes dois pólos de teoria artística - derivados da Europa e do Leste Asiático, respectivamente - desenvolveram yōga ("pintura de estilo ocidental") e Nihonga ("pintura japonesa"), categorias que mantiveram a atualidade.

Esmaltes

Vaso com motivos de flores e pássaros, de Namikawa Yasuyuki

Durante a era Meiji, o esmalte cloisonné japonês atingiu um pico técnico, produzindo itens mais avançados do que qualquer um que existia antes. O período de 1890 a 1910 ficou conhecido como a "Idade de Ouro" dos esmaltes japoneses. Os artistas fizeram experiências com pastas e com o processo de queima para produzir blocos de esmalte cada vez maiores, com menos necessidade de cloisons (faixas de metal envolventes). Assim, os esmaltes tornaram-se um meio mais pictórico, com designs semelhantes ou copiados de pinturas tradicionais. Tornaram-se populares esmaltes com design exclusivo do Japão, em que flores, pássaros e insetos eram usados ​​como tema. Em particular, os trabalhos de Namikawa Yasuyuki e Namikawa Sōsuke foram exibidos em feiras mundiais e ganharam muitos prêmios. Junto com os dois Namikawa, a Ando Cloisonné Company produziu muitos cloisonne de alta qualidade. Os esmaltes japoneses eram considerados inigualáveis ​​graças às novas conquistas em design e coloração.

Lacquerware

Maki-e Fuji Tagonoura , Shibata Zeshin , 1872

A era Meiji viu um interesse renovado pela laca, à medida que os artistas desenvolviam novos designs e experimentavam novas texturas e acabamentos. Maki-e (decorar a laca em pó de ouro ou prata) era a técnica mais comum para loiça de laca de qualidade neste período. Shibata Zeshin foi um envernizador que ganhou grande reputação por seus trabalhos desde o período Bakumatsu até o período Meiji. As lacas chamadas Shibayama e Somada , criadas no período Edo, tornaram-se populares pelo seu estilo vistoso, incrustado com ouro, prata, marfim, marfim e metal e vidro coloridos, e atingiu o seu apogeu durante este período. A laca das oficinas japonesas foi reconhecida como tecnicamente superior ao que poderia ser produzido em qualquer outro lugar do mundo.

Metalwork

Koro , prata decorada com metais preciosos e cristal de rocha, 1890

No início da era Meiji, a metalurgia japonesa era quase totalmente desconhecida fora do país, ao contrário da laca e da porcelana que antes eram exportadas. O trabalho em metal estava conectado à prática budista, por exemplo, no uso de bronze para sinos de templos e caldeirões de incenso, portanto, havia menos oportunidades para metalúrgicos uma vez que o budismo foi substituído como religião oficial. Exposições internacionais trouxeram o bronze fundido japonês a um novo público estrangeiro, atraindo muitos elogios. A história do armamento de samurai equipou metalúrgicos japoneses para criar acabamentos metálicos em uma ampla gama de cores. Combinando e terminando cobre, prata e ouro em diferentes proporções, eles criaram ligas especializadas, incluindo shakudō e shibuichi . Com essa variedade de ligas e acabamentos, um artista poderia dar a impressão de uma decoração colorida.

Escultura em marfim

Cesta de flores . por volta de 1900, período Meiji . Coleção Khalili de Arte Japonesa .

No período Meiji, as roupas japonesas começaram a ser ocidentalizadas e o número de pessoas que usavam quimonos diminuiu, então os artesãos que faziam netsuke e kiseru com marfim e madeira perderam a demanda. Portanto, eles tentaram criar um novo campo, esculturas de marfim para decoração de interiores, e muitas obras elaboradas foram exportadas para países estrangeiros ou compradas pela Família Imperial . Em particular, as obras de Ishikawa Komei e Asahi Gyokuzan foram elogiadas no Japão.

Porcelana e Faiança

Tigela de barro de Yabu Meizan , por volta de 1910

As inovações técnicas e artísticas da era Meiji transformaram a porcelana em uma das formas de arte decorativa japonesa de maior sucesso internacional. Louça Satsuma era um nome originalmente dado à cerâmica da província de Satsuma , elaboradamente decorada com dourado e esmalte. Essas mercadorias foram muito elogiadas no Ocidente. Visto no Ocidente como distintamente japonês, esse estilo na verdade deveu muito a pigmentos importados e influências ocidentais, e foi criado com a exportação em mente. Oficinas em muitas cidades correram para produzir este estilo para satisfazer a demanda da Europa e América, muitas vezes produzindo de forma rápida e barata. Assim, o termo "mercadoria Satsuma" passou a ser associado não a um local de origem, mas a uma mercadoria de qualidade inferior criada exclusivamente para exportação. Apesar disso, artistas como Yabu Meizan e Makuzu Kōzan mantiveram os mais altos padrões artísticos enquanto exportavam com sucesso. De 1876 a 1913, Kōzan ganhou prêmios em 51 exposições, incluindo a Feira Mundial e a Exposição Industrial Nacional.

Têxteis

Uma visão composta imaginária do Japão: obras de arte em tecidos de seda

A edição de 1902 da Encyclopædia Britannica escreveu: "Em nenhum ramo da arte aplicada o gênio decorativo do Japão mostra resultados mais atraentes do que o dos tecidos têxteis, e em nenhum houve um progresso mais notável nos últimos anos." Trabalhos pictóricos muito grandes e coloridos estavam sendo produzidos em Kyoto. O bordado tornou-se uma forma de arte por si só, adotando uma série de técnicas pictóricas, como claro - escuro e perspectiva aérea .

Arte do período pós-guerra

Imediatamente após a derrota do Japão na Segunda Guerra Mundial em 1945, um grande número de artistas japoneses caiu sob a influência, ou mesmo ingressou no Partido Comunista do Japão , que acabara de ser legalizado pela ocupação militar do Japão liderada pelos EUA após muitos anos de repressão pela polícia japonesa do pré-guerra e do tempo de guerra. Isso teve a ver com o sucesso do Partido Comunista em vender a idéia, nos primeiros anos do pós-guerra, de que o partido havia sido o único grupo no Japão a resistir ao militarismo do tempo de guerra. Além disso, a palavra japonesa para "vanguarda" (前衛, zen'ei ), como em "vanguarda da revolução comunista", é a mesma palavra usada para "vanguarda" na vanguarda artística. O Partido Comunista do Japão logo passou a dominar as principais sociedades e exposições de arte no Japão e, portanto, a forma de arte predominante no período imediatamente posterior à guerra foi o realismo socialista que retratou o sofrimento dos pobres e da nobreza da classe trabalhadora, em de acordo com a doutrina do Partido Comunista de que toda arte deve servir ao propósito de fazer avançar a causa da revolução. Em 1952, o Partido Comunista até ordenou que artistas como Hiroshi Katsuragawa e outros membros da recém-formada Associação de Arte de Vanguarda (前衛 美術 会, Zen'ei Bijutsukai ) fossem às montanhas para produzir arte realista socialista em apoio à "guerrilha da montanha esquadrões "que tentavam fomentar uma revolução violenta no Japão.

Década de 1950: lutando para se libertar do realismo socialista

Ao longo da década de 1950, muitos artistas japoneses ficaram cada vez mais desiludidos com a definição rígida e limitada de "arte" imposta pelo Partido Comunista. No entanto, devido à contínua preeminência de membros do Partido Comunista e simpatizantes nas altas patentes das sociedades artísticas e júris de exposições, os artistas achavam extremamente difícil até mesmo mostrar sua arte, a menos que estivessem em conformidade com as diretrizes do Partido. Alguns artistas evitavam exposições públicas formais. Outros buscaram reconhecimento, apoio financeiro e oportunidades para mostrar sua arte no exterior, como o grupo Gutai de artistas conceituais, fundado em 1954. Outros artistas ainda fizeram uso das poucas exposições "independentes" sem ferimentos no Japão, como o Yomiuri Indépendant Exposição patrocinada pelo Yomiuri Shinbun , onde qualquer pessoa pode participar.

A gota d'água veio com os massivos protestos Anpo em 1960 contra o Tratado de Segurança EUA-Japão (conhecido como " Anpo " em japonês "), devido ao papel extremamente passivo desempenhado pelo suposto Partido Comunista de" vanguarda ". Quando os protestos não conseguiram parar O tratado, uma rodada de recriminações levou a mais desilusão com o Partido Comunista e a arte socialista realista, fazendo com que muitos mais artistas se afastassem da influência do Partido.

Década de 1960: uma explosão de novos gêneros

Com o enfraquecimento do domínio do realismo socialista, os anos 1960 testemunharam uma explosão de novas formas de arte no Japão, à medida que as artes se expandiam em novas direções que poderiam ser chamadas de "pós-modernas". Coletivos de artistas como Neo-Dada Organizers , Zero Dimension e Hi-Red Center exploraram conceitos como "não-arte" e "anti-arte" e conduziram uma variedade de audaciosos "eventos", "acontecimentos" e outras formas da arte performática projetada para erodir as fronteiras entre a arte e a vida cotidiana. O grupo Mono-ha também ultrapassou os limites que dividem a arte, o espaço, a paisagem e o meio ambiente. Outros artistas, como o designer gráfico Tadanori Yokoo , se inspiraram na contracultura dos anos 1960 e na explosão de novas formas de quadrinhos de mangá voltados para adultos . Nas artes cênicas, Tatsumi Hijikata foi o pioneiro de uma nova forma de dança pós-moderna chamada Butoh , e dramaturgos como Jūrō Kara e Satō Makoto criaram o estilo Angura de teatro "underground" radical. E na fotografia, fotógrafos como Daidō Moriyama foram os pioneiros de uma nova escola extremamente influente de fotografia do pós-guerra que enfatizava a espontaneidade sobre a composição cuidadosamente encenada e celebrava as características " são, bure, bokeh " (literalmente "áspero, desfocado, fora de foco") .

A proliferação de novos tipos de arte foi apoiada pelo tremendo crescimento da economia do Japão na década de 1960, lembrado como o " milagre econômico japonês ". Ao longo da década de 1960, a economia japonesa cresceu mais de 10% ao ano. O aumento da riqueza criou uma nova classe de consumidores que podiam gastar dinheiro em arte e apoiar diferentes tipos de arte e artistas. Pela primeira vez na história moderna do Japão, tornou-se viável para um número significativo de artistas ganhar a vida exclusivamente com a venda de sua arte. O boom da construção na década de 1960 no Japão, que nivelou a velha arquitetura tradicional japonesa de madeira e papel e a substituiu por mega-cidades cintilantes de vidro e aço, ajudou a inspirar novas escolas de arquitetura japonesa, como o movimento Metabolism (arquitetura) liderado por Kenzō Tange , que corajosamente se libertou dos modelos convencionais e se provou influente em todo o mundo.

Ao mesmo tempo, no entanto, o mundo da arte permaneceu dominado por panelinhas que promoviam as obras de certos artistas (geralmente homens) em detrimento de outros. Como ficou muito mais fácil para os japoneses viajarem para o exterior na década de 1960, algumas artistas mulheres, como Yayoi Kusama e Yoko Ono, encontraram melhor recepção no exterior e se mudaram para centros artísticos como Londres, Paris e Nova York, assim como muitos artistas masculinos. Nós vamos.

O triunfo das novas formas de arte japonesa foi cimentado na Feira Mundial de Osaka em 1970 , onde dezenas de artistas conceituais e de vanguarda foram contratados para projetar pavilhões e experiências artísticas para os visitantes da feira. A arte de vanguarda japonesa tornou-se global e tornou-se algo que até o governo conservador tinha orgulho de exibir ao mundo.

Décadas de 1970 e 1980: cavalgando a bolha econômica

As décadas de 1970 e 1980 viram a arte japonesa continuar em muitas das direções iniciadas nas décadas de 1950 e 1960, mas frequentemente com orçamentos muito maiores e materiais mais caros. À medida que a economia do Japão continuou se expandindo rapidamente e, por fim, tornou-se uma das maiores bolhas econômicas da história . Com a moeda japonesa se tornando incrivelmente forte na esteira do Plaza Accord de 1985 , os indivíduos e instituições japoneses tornaram-se atores importantes no mercado internacional de arte. Mega-corporações japonesas extraordinariamente ricas começaram a construir seus próprios museus de arte privados e a adquirir coleções de arte moderna e contemporânea, e os artistas japoneses também se beneficiaram muito com esses gastos.

Em particular, a produção artística continuou a se distanciar da pintura e escultura tradicionais em direção ao design gráfico , arte pop , arte vestível , arte performática , arte conceitual e arte de instalação . Vários tipos de arte "híbrida" entraram cada vez mais na moda. À medida que a tecnologia avançava, os artistas cada vez mais incorporavam eletrônicos, vídeo, computadores, música e sons sintetizados e videogames em sua arte. A estética da manga e do anime , em que tantos jovens artistas cresceram imersos, exerceu uma influência crescente, embora por vezes bastante subtil. Acima de tudo, os artistas evitavam qualquer coisa que cheirasse a "arte elevada" ou "belas-artes" em favor do pessoal, do eclético, do fantástico ou fantasmagórico e do lúdico. Na edição, artistas femininas como Mika Yoshizawa tornaram-se cada vez mais aceitas e apoiadas pelo mundo da arte no Japão.

Arte contemporânea no Japão

A arte contemporânea japonesa assume tantas formas e expressa tantas idéias diferentes quanto a arte contemporânea mundial em geral. Ele abrange desde anúncios, anime, videogames e arquitetura, como já mencionado, até escultura, pintura e desenho em todas as suas inúmeras formas. Artistas japoneses fizeram contribuições especialmente notáveis ​​para a arte contemporânea global nos campos da arquitetura, videogames, design gráfico, moda e, talvez, acima de tudo, animação. Embora os animes inicialmente fossem derivados principalmente de histórias de mangá, diversos animes abundam hoje em dia, e muitos artistas e estúdios alcançaram grande fama como artistas; Hayao Miyazaki e os artistas e animadores do Studio Ghibli são geralmente considerados entre os melhores que o mundo do anime tem a oferecer.

Ao mesmo tempo, muitos artistas japoneses continuam a usar técnicas e materiais artísticos japoneses tradicionais herdados dos tempos pré-modernos, como as formas tradicionais de papel e cerâmica japoneses e a pintura com tinta preta e colorida sobre papel ou seda. Algumas dessas obras retratam temas tradicionais em estilos tradicionais, enquanto outras exploram motivos e estilos novos e diferentes, ou criam híbridos de formas de arte tradicionais e contemporâneas, usando mídia ou materiais tradicionais. Outros ainda evitam a mídia e estilos nativos, adotando tintas a óleo ocidentais ou qualquer outra forma.

Na escultura, o mesmo é verdadeiro; alguns artistas aderem aos modos tradicionais, alguns o fazem com um toque moderno e alguns escolhem modos, estilos e mídias ocidentais ou totalmente novos. Yo Akiyama é apenas um dos muitos escultores japoneses modernos. Ele trabalha principalmente com olaria e cerâmica, criando obras muito simples e diretas, parecendo que foram criadas a partir da própria terra. Outro escultor, usando ferro e outros materiais modernos, construiu uma grande escultura de arte moderna na cidade portuária israelense de Haifa , chamada Hanabi (fogos de artifício). Nahoko Kojima é um artista Kirie contemporâneo que foi pioneiro na técnica de escultura em corte de papel que se pendura em 3D.

Takashi Murakami é indiscutivelmente um dos mais conhecidos artistas japoneses modernos do mundo ocidental. Murakami e os outros artistas do seu estúdio criam peças num estilo inspirado na anime, que apelidou de " superflat ". Suas peças assumem uma infinidade de formas, da pintura à escultura, algumas de tamanho verdadeiramente massivo. Mas a maioria, senão todos, mostra claramente essa influência do anime, utilizando cores brilhantes e detalhes simplificados.

Yayoi Kusama , Yoshitomo Nara , Hiroshi Sugimoto , Chiharu Shiota , Daidō Moriyama , Mariko Mori , Aya Takano e Tabaimo são considerados artistas importantes no campo da arte contemporânea japonesa. O Grupo 1965 , coletivo de artistas, conta com a artista contemporânea Makoto Aida entre seus membros.

Artes performáticas

Muitas formas tradicionais de música, dança e teatro japoneses sobreviveram no mundo contemporâneo, desfrutando de alguma popularidade por meio da reidentificação com os valores culturais japoneses. Música e dança tradicionais, cujas origens remontam ao uso religioso antigo - budista , shinto e folclórica - foram preservadas nas apresentações dramáticas de teatro Noh , Kabuki e bunraku . Antigas formas de música e dança da corte derivadas de fontes continentais foram preservadas por músicos da casa imperial e trupes de templos e santuários. Alguns dos instrumentos musicais mais antigos do mundo têm sido usados ​​continuamente no Japão desde o período Jōmon , como mostrado por achados de flautas de pedra e argila e cítaras com entre duas e quatro cordas, às quais sinos e gongos de metal do período Yayoi foram adicionados. criar primeiros conjuntos musicais. No início do período histórico (séculos 6 a 7), havia uma variedade de tambores grandes e pequenos , gongos, sinos , flautas e instrumentos de cordas, como o biwa importado semelhante a um bandolim e a cítara de seis cordas planas, que evoluíram no koto de treze cordas . Esses instrumentos formaram as orquestras para a música da corte cerimonial de origem continental do século 7 ( gagaku ), que, junto com o bugaku (um tipo de dança da corte) que a acompanha , são as mais antigas de tais formas ainda executadas na corte imperial, templos antigos , e santuários. O budismo introduziu os cantos rítmicos, ainda usados, que sustentam Shigin , e que foram combinados com ideias nativas para fundamentar o desenvolvimento da música vocal, como no Noh .

Conceitos estéticos

Caligrafia de Bodhidharma , "Zen aponta diretamente para o coração humano, veja sua natureza e torne-se Buda", Hakuin Ekaku , século 17

A arte japonesa é caracterizada por polaridades únicas. Na cerâmica dos períodos pré-históricos, por exemplo, a exuberância era seguida de uma arte disciplinada e apurada. Outro exemplo é fornecido por duas estruturas do século 16 que são pólos opostos: o Katsura Detached Palace é um exercício de simplicidade, com ênfase em materiais naturais, ásperos e não aparados, e uma afinidade com a beleza alcançada por acidente; Nikkō Tōshō-gū é uma estrutura rigidamente simétrica repleta de entalhes em relevo de cores vivas cobrindo todas as superfícies visíveis. A arte japonesa, valorizada não apenas por sua simplicidade, mas também por sua exuberância colorida, influenciou consideravelmente a pintura ocidental do século XIX e a arquitetura ocidental do século XX .

As concepções estéticas do Japão, derivadas de diversas tradições culturais, foram formadoras na produção de formas de arte únicas. Ao longo dos séculos, uma ampla gama de motivos artísticos se desenvolveu e foi aprimorada, tornando-se imbuída de significado simbólico. Como uma pérola , eles adquiriram muitas camadas de significado e um alto brilho. A estética japonesa fornece uma chave para a compreensão de obras artísticas perceptivelmente diferentes daquelas que vêm das tradições ocidentais.

Dentro da tradição artística do Leste Asiático, a China tem sido o professor reconhecido e o Japão o aluno dedicado. No entanto, várias artes japonesas desenvolveram um estilo próprio, que pode ser diferenciado de várias artes chinesas. A abordagem monumental, simetricamente equilibrada e racional das formas de arte chinesas tornou-se miniaturizada, irregular e sutilmente sugestiva nas mãos dos japoneses. Jardins de pedras em miniatura , plantas diminutas ( bonsai ) e ikebana (arranjos de flores), nos quais os poucos selecionados representavam um jardim, foram as atividades favoritas dos aristocratas refinados por um milênio e permaneceram parte da vida cultural contemporânea.

A diagonal, refletindo um fluxo natural, ao invés do triângulo fixo, tornou-se o dispositivo estrutural preferido, seja na pintura, projeto arquitetônico ou de jardim, passos de dança ou notações musicais. Os números ímpares substituem os números pares na regularidade de um padrão mestre chinês, e puxar para um lado permite que um motivo vire a esquina de um objeto tridimensional, dando continuidade e movimento que faltam em um design frontal estático. Os pintores japoneses usaram os dispositivos de corte, close-up e fade-out no século 12 em yamato-e , ou pintura em pergaminho no estilo japonês, talvez uma razão pela qual o cinema moderno tem sido uma forma de arte natural e bem-sucedida em Japão. Sugestão é usada em vez de declaração direta; sugestões poéticas oblíquas e melodias e pensamentos alusivos e inconclusivos se mostraram frustrantes para o ocidental que tentava penetrar nos significados da literatura, música, pintura e até mesmo da linguagem cotidiana.

Os japoneses começaram a definir essas idéias estéticas em uma série de frases evocativas pelo menos no século 10 ou 11. Os refinamentos corteses do período aristocrático Heian evoluíram para a elegante simplicidade vista como a essência do bom gosto na arte discreta chamada shibui . Dois termos originados das práticas meditativas zen budistas descrevem graus de tranquilidade: um, o repouso encontrado na melancolia humilde ( wabi ), o outro, a serenidade que acompanha o gozo da beleza subjugada ( sabi ). O pensamento zen também contribuiu com uma tendência para combinar o inesperado ou surpreendente, usado para impulsionar a consciência em direção ao objetivo da iluminação. Na arte, essa abordagem foi expressa em combinações de materiais improváveis ​​como chumbo incrustado em laca e em imagens poéticas conflitantes. Imagens e motivos inesperadamente engraçados e às vezes grotescos também se originam do Zen kōan (enigma). Embora as artes tenham sido principalmente seculares desde o período Edo , a estética e os métodos de treinamento tradicionais, geralmente originados de fontes religiosas, continuam a fundamentar as produções artísticas.

Conceitos modernos

Hoje, o Japão desenvolveu uma estética cultural mais moderna frequentemente associada ao manga Shojo conhecido como " kawaii ", que pode ser descrito como "fofo". Normalmente representado por meio de desenhos animados e animação, o kawaii teve um poderoso impacto cultural e também é um poderoso agente de propaganda e consumo japoneses. O conceito de "fofura" que é exibido atualmente no kawaii tem sido tradicionalmente reverenciado na cultura japonesa desde o período Edo da arte no século XV.

Estética tradicional

A estética tradicional japonesa são formas de beleza na cultura japonesa que vêm desde os primeiros séculos. Há pelo menos mais de duzentos anos. Algumas dessas primeiras estéticas compõem a Estética Japonesa como um todo: Arte Budista Sincrética, Wabi-Sabi, Miyabi, Shibui e Jo-ha-Kyu.

Arte budista sincrética

Veja a arquitetura budista japonesa .

Wabi-Sabi

Tigela de chá de porcelana branca " Fujisan " ( chawan ) por Hon'ami Kōetsu , período Edo ( Tesouro Nacional )

Essa estética na cultura japonesa é conhecida por muitas coisas, como beleza em todas as coisas, mesmo aquelas que são imperfeitas. Modéstia e coisas não convencionais são vistas como a estética wabi-sabi. Wabi e sabi formam juntos a estética da beleza incompleta. Quando separados, ambos servem como termos diferentes. Wabi significa trabalho simples e fresco, denotando todas as complicações e também tendo um toque muito rústico em tudo o que está relacionado. Sendo feito da natureza e feito do próprio homem em conjunto. Se feito por acaso, traz uma certa singularidade ao trabalho. Sabi é beleza e como ela se origina da idade. O ciclo da vida desempenha um grande papel no sabi, agregando à estética aquele senso de beleza em obras que sofrem danos de conserto do envelhecimento ao longo do tempo. Ao reunir wabi e sabi, cria a estética de que cada peça simples desenvolvida não requer um design complicado. Nem requer perfeição absoluta para que a beleza seja encontrada nele, e com a idade vem uma beleza mais delicada.

Wabi-sabi sempre foi relacionado às cerimônias do chá na cultura japonesa. Diz-se que essas cerimônias são eventos wabi-sabi profundos. Wabi-sabi também está relacionado a atividades como arquitetura, moda e filosofia. Todas essas partes do wabi-sabi compartilham a crença no mesmo tema: todas as imperfeições, como o trabalho incompleto, possuem uma beleza inegável. No entanto, nem todos, é claro, favorecem a ideia por trás do wabi-sabi. Embora isso seja verdade, muitos desejam manter a crença viva, apesar do que os outros acreditam. No geral, wabi-sabi parece ser uma abordagem muito cuidadosa para a vida cotidiana. Uma maneira calma de ver as coisas e uma maneira de viver sem parecer crítica. Ao compreender o wabi-sabi, existem termos que também se relacionam fortemente com a estética.

Fukinsei: assimetria, irregularidade.
Kanso: simplicidade.
Koko: básico, envelhecido.
Shizen: sem pretensão, natural.
Yugen: graça sutilmente profunda, nada óbvia.
Datsuzoku: ilimitado pela convenção, gratuito.
Seijaku: tranquilidade, silêncio.

Cada um desses termos é usado para quebrar o entendimento completo de wabi-sabi. Está mais relacionado com o aspecto da filosofia de toda a estética e como ver o ambiente. Isso pode aludir a várias coisas, incluindo as idéias nos humanos, os temas por trás de certos aspectos da vida ou a própria natureza. Cada termo leva de volta ao ponto em que wabi-sabi é uma estética que trata de valorizar as pequenas coisas que são imperfeitas e / ou incompletas.

Miyabi

Na história contínua do Japão, miyabi pode representar muitas coisas. No entanto, parece estar centrado no conceito de elegância, beleza, requinte e cortesia. Por isso, é uma das estéticas mais antigas entre a maioria das estéticas japonesas na cultura. Isso explicaria por que não é tão popular quanto o resto, que pode ser mais recente em comparação com o miyabi. É um termo que também é usado para expressar a cultura aristocrática. Miyabi elimina todas as formas de grosseria e rudeza da cultura. Isso traz a imagem e a forma adequadas da cultura aristocrática. Miyabi traz essas mudanças. Miyabi garante que o refinamento do amor, da literatura, do sentimento e da arte seja celebrado na cultura japonesa. O refinamento é bem-vindo.

Shibui

Shibui está começando a entender um objeto ou uma obra de arte pelo que é. Localizar a beleza simples e sutil em certas coisas é um objetivo quando se trata de projetar ou revisar certos designs. Em muitos aspectos, o shibui é muito semelhante ao wabi-sabi, mas não é o wabi-sabi. Shibui aprecia itens e objetos pelo simples fato de existir. Não há complicação ou pensamento irracional quando se trata de shibui. Semelhante a certa estética na cultura japonesa, existem alguns termos em relação ao Shibui: shibumi é o sabor do shibui; Shibusa é o estado de shibui.

Ambos os termos se relacionam à beleza sutil e discreta. Existem vários itens e objetos que podem ser considerados parte da estética shibui, não apenas arte ou moda. Também podem ser pessoas, animais, canções, filmes, vários tipos de mídia diferentes podem ser vistos como shibui. Por exemplo, um par de sapatos, uma câmera, uma motocicleta e várias peças de arte ou objetos diferentes usados ​​para atividades cotidianas podem ser vistos como shibui. Direto e simples é o caminho do shibui. Nada exagerado ou muito chamativo.

Jo-ha-kyu

Esta é uma estética que se originou no Teatro Noh e apareceu até no século XIV. É usado em diferentes formas de arte no Japão ainda hoje. É um movimento que tem sido aplicado em várias artes diferentes com jo, ha e kyu representando coisas individuais para formar sua definição: jo, 'início'; ha, 'quebrar', 'crack'; kyu: 'rápido', 'acabado'

Essencialmente, o que essa estética significa é que, quando se trata de peças que lidam com movimento, as coisas devem começar lentamente com uma construção adequada. Quase semelhante a como uma história é contada. Então, quando atinge o clímax, acelera. Quando chega ao fim, é então que as coisas começam a acelerar rapidamente até que, de repente, chega ao fim.

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Tradicionalmente, o artista era um veículo de expressão e era pessoalmente reticente, em consonância com o papel de um artesão ou artista de baixo status social. O calígrafo , um membro da classe de letrados confucionistas , ou classe samurai no Japão, tinha um status mais elevado, enquanto os artistas de grande gênio eram freqüentemente reconhecidos no período Kamakura por receberem um nome de um senhor feudal e assim ascender socialmente. As artes performáticas, entretanto, eram geralmente menos estimadas, e a suposta imoralidade das atrizes do início do teatro Kabuki fez com que o governo Tokugawa proibisse as mulheres do palco; depois disso, os papéis femininos no Kabuki e no Noh foram interpretados por homens.

Após a Segunda Guerra Mundial , os artistas normalmente se reuniam em associações artísticas, algumas das quais eram sociedades profissionais estabelecidas há muito tempo, enquanto outras refletiam os movimentos artísticos mais recentes. A Japan Artists League , por exemplo, foi responsável pelo maior número de grandes exposições, incluindo a prestigiosa Nitten anual ( Japan Art Exhibition ). O PEN Club of Japan (PEN significa prosa, ensaio e narrativa), um ramo de uma organização internacional de escritores, era a maior das cerca de trinta associações de autores importantes. Atores, dançarinos, músicos e outros artistas se orgulhavam de suas próprias sociedades, incluindo a Kabuki Society , organizada em 1987 para manter os altos padrões tradicionais dessa arte, que se acreditava estarem em perigo pela inovação moderna. Na década de 1980, no entanto, pintores e escultores de vanguarda haviam evitado todos os grupos e eram artistas "independentes".

Escolas de arte

Existem várias universidades especializadas em artes no Japão, lideradas por universidades nacionais. A mais importante é a Tokyo Arts University , uma das universidades nacionais mais difíceis de se ingressar. Outro centro seminal é a Tama Art University , que produziu muitos dos jovens artistas japoneses inovadores do final do século 20. O treinamento tradicional nas artes, derivado dos métodos tradicionais chineses, permanece; especialistas ensinam em suas casas ou escolas, trabalhando em uma relação mestre-aluno. Um aluno não experimenta um estilo pessoal até atingir o nível mais alto de treinamento, ou se formar em uma escola de artes, ou se tornar o diretor de uma escola. Muitos jovens artistas criticaram esse sistema por sufocar a criatividade e a individualidade. Uma nova geração de vanguarda rompeu com essa tradição, recebendo frequentemente seu treinamento no Ocidente. Nas artes tradicionais, porém, o sistema mestre-aluno preserva os segredos e as habilidades do passado. Algumas linhagens de mestre-pupilo remontam ao período Kamakura, a partir do qual eles continuam a usar o estilo ou tema de um grande mestre. Os artistas japoneses consideram o virtuosismo técnico como condição sine qua non de suas profissões, fato reconhecido pelo resto do mundo como uma das marcas da arte japonesa.

O governo nacional tem apoiado ativamente as artes por meio da Agência para Assuntos Culturais , criada em 1968 como um órgão especial do Ministério da Educação . O orçamento da agência para o ano fiscal de 1989 aumentou para ¥ 37,8 bilhões após cinco anos de cortes no orçamento, mas ainda representava muito menos de 1 por cento do orçamento geral. A Divisão de Assuntos Culturais da agência disseminou informações sobre as artes no Japão e internacionalmente, e a Divisão de Proteção de Propriedades Culturais (文化 財 保護 部, agora 文化 財 部) protegia o patrimônio cultural do país. A Divisão de Assuntos Culturais se preocupa com áreas como promoção de arte e cultura, direitos autorais de artes e melhorias no idioma nacional . Também apóia festivais culturais e de arte nacionais e locais, e financia eventos culturais itinerantes de música, teatro, dança, exposições de arte e cinema. Prêmios especiais são oferecidos para encorajar jovens artistas e praticantes estabelecidos, e algumas bolsas são concedidas a cada ano para capacitá-los a treinar no exterior. A agência financia museus nacionais de arte moderna em Kyoto e Tóquio e o Museu Nacional de Arte Ocidental em Tóquio, que exibem mostras japonesas e internacionais. A agência também apóia a Japan Art Academy , que homenageia personalidades eminentes das artes e letras, indicando-os como membros e oferecendo ¥ 3,5 milhões em prêmios em dinheiro. Os prêmios são feitos na presença do Imperador , que pessoalmente outorga o maior prêmio, a Ordem da Cultura . A Tokyo University of the Arts também assumiu papéis ativos em vários eventos de arte nos anos anteriores. Seus outros campi também envolvem cursos variados.

Patrocínio privado e fundações

O patrocínio e a promoção das artes pelo governo são ampliados para incluir um novo esforço cooperativo com o Japão corporativo para fornecer financiamento além do orçamento apertado da Agência para Assuntos Culturais. Muitas outras instituições públicas e privadas participam, especialmente no campo crescente de concessão de prêmios de artes. Um número crescente de grandes corporações junta-se a jornais importantes para patrocinar exposições e apresentações e dar prêmios anuais. Os mais importantes dos muitos prêmios literários concedidos são o venerável Prêmio Naoki e o Prêmio Akutagawa , sendo este último o equivalente ao Prêmio Pulitzer nos Estados Unidos.

Em 1989, um esforço para promover o intercâmbio cultural levou ao estabelecimento de um " Prêmio Nobel " japonês para as artes, o Premium Imperiale , pela Japan Art Association . Este prêmio de US $ 100.000 foi financiado em grande parte pelo conglomerado de mídia de massa Fujisankei Communications Group e foi concedido em uma base de seleção mundial.

Uma série de fundações que promovem as artes surgiram na década de 1980, incluindo a Cultural Properties Foundation criada para preservar locais históricos no exterior, especialmente ao longo da Rota da Seda no interior da Ásia e em Dunhuang na China . Outro acordo internacional foi feito em 1988 com o Instituto Smithsonian dos Estados Unidos para intercâmbio cooperativo de estudos de alta tecnologia de artefatos asiáticos. O governo desempenha um papel importante ao financiar a Fundação Japão , que fornece subsídios institucionais e individuais, realiza intercâmbios acadêmicos, prêmios anuais, publicações e exposições apoiadas e envia grupos de artes japonesas tradicionais para se apresentarem no exterior. O Festival de Artes, realizado durante dois meses a cada outono, para todas as artes performáticas, é patrocinado pela Agência de Assuntos Culturais. As grandes cidades também fornecem apoio substancial para as artes; um número crescente de cidades na década de 1980 havia construído grandes centros para as artes cênicas e, estimuladas por fundos do governo, ofereciam prêmios como o Prêmio Lafcadio Hearn, lançado pela cidade de Matsue . Vários novos museus municipais também forneciam cerca de um terço a mais de instalações na década de 1980 do que estavam disponíveis anteriormente. No final da década de 1980, Tóquio acrescentou mais de vinte novos salões culturais, principalmente o grande Bunkamura construído pelo Grupo Tokyu e a reconstrução do Shakespeare 's Globe Theatre . Todos esses esforços refletem um crescente entusiasmo popular pelas artes. Os compradores de arte japoneses varreram os mercados de arte ocidentais no final da década de 1980, pagando recordes por pinturas impressionistas e US $ 51,7 milhões apenas por um período azul de Picasso .

Veja também

Referências

Fontes

Leitura adicional

links externos