Filme independente - Independent film

Os cineastas Stéphane Brizé (segundo da direita) e Rodrigo Moreno (segundo da esquerda) na exibição de A Medida de um Homem em Buenos Aires em 2019.

Um filme independente , filme independente , filme independente , ou filme indie é um longa metragem ou curta-metragem que é produzido fora da grande estúdio de cinema do sistema, além de ser produzido e distribuído por empresas de entretenimento independentes. Os filmes independentes às vezes se distinguem por seu conteúdo e estilo e pela forma como a visão artística pessoal dos cineastas é realizada. Normalmente, mas nem sempre, os filmes independentes são feitos com orçamentos consideravelmente mais baixos do que os filmes de grandes estúdios. Na verdade, não é incomum que atores bem conhecidos escalados para filmes independentes sofram cortes salariais substanciais se realmente acreditarem na mensagem do filme ou porque desejam trabalhar com um diretor independente que tem uma sólida reputação de ser altamente talentosos, ou se eles estão retribuindo um favor (ou seja, se o referido cineasta independente foi quem deu a esse ator sua grande chance no cinema). Existem muitos exemplos deste último, incluindo John Travolta e Bruce Willis que recebem menos para estrelar Pulp Fiction .

Geralmente, o marketing de filmes independentes é caracterizado por lançamento limitado , muitas vezes em cinemas independentes , mas eles também podem ter grandes campanhas de marketing e um amplo lançamento . Os filmes independentes costumam ser exibidos em festivais de cinema locais, nacionais ou internacionais antes da distribuição (no cinema ou no varejo). Uma produção cinematográfica independente pode rivalizar com uma produção cinematográfica convencional se tiver o financiamento e a distribuição necessários.

História

Edison Trust

Em 1908, a Motion Picture Patents Company ou "Edison Trust" foi formada como um fundo . The Trust era um cartel que detinha o monopólio da produção e distribuição de filmes compreendendo todas as grandes empresas cinematográficas da época ( Edison , Biograph , Vitagraph , Essanay , Selig , Lubin , Kalem , American Star , American Pathé ), o distribuidor líder ( George Kleine ) e o maior fornecedor de filme bruto, Eastman Kodak . Vários cineastas recusaram ou foram recusados ​​como membros do fundo e foram descritos como "independentes".

Na época da formação do MPPC, Thomas Edison possuía a maioria das principais patentes relacionadas ao cinema, incluindo a do filme bruto . O MPPC impôs vigorosamente suas patentes, constantemente processando e recebendo liminares contra cineastas independentes. Por causa disso, vários cineastas reagiram construindo suas próprias câmeras e mudando suas operações para Hollywood, Califórnia , onde a distância da casa de Edison em Nova Jersey tornou mais difícil para o MPPC fazer cumprir suas patentes.

O Edison Trust foi logo encerrado por duas decisões da Suprema Corte dos Estados Unidos : uma em 1912, que cancelou a patente do filme bruto, e uma segunda em 1915, que cancelou todas as patentes do MPPC. Embora essas decisões tenham obtido sucesso na legalização do filme independente, pouco fariam para remediar a proibição de fato das pequenas produções; os cineastas independentes que fugiram para o sul da Califórnia durante a aplicação do trust já haviam estabelecido as bases para o sistema de estúdio do cinema clássico de Hollywood .

Sistema de estúdio

No início de 1910, o diretor DW Griffith foi enviado pela Biograph Company para a costa oeste com sua trupe de atuação, composta pelos artistas Blanche Sweet , Lillian Gish , Mary Pickford , Lionel Barrymore e outros. Eles começaram a filmar em um terreno baldio perto da Georgia Street, no centro de Los Angeles . Enquanto estava lá, a empresa decidiu explorar novos territórios, viajando vários quilômetros ao norte para Hollywood , uma pequena vila que foi amigável e positiva sobre a companhia de cinema que estava filmando lá. Griffith então filmou o primeiro filme já rodado em Hollywood, In Old California , um melodrama da Biograph sobre a Califórnia nos anos 1800, enquanto pertencia ao México. Griffith ficou lá por meses e fez vários filmes antes de voltar para Nova York.

Durante a era Edison, no início dos anos 1900, muitos imigrantes judeus encontraram empregos na indústria cinematográfica dos Estados Unidos. Sob a Edison Trust, eles puderam deixar sua marca em um negócio totalmente novo: a exibição de filmes em cinemas chamados nickelodeons . Em poucos anos, homens ambiciosos como Samuel Goldwyn , Carl Laemmle , Adolph Zukor , Louis B. Mayer e os Warner Brothers (Harry, Albert, Samuel e Jack) mudaram para o lado da produção do negócio. Depois de ouvir sobre o sucesso da Biograph em Hollywood, em 1913 muitos desses aspirantes a cineastas foram para o oeste para evitar as taxas impostas por Edison. Logo eles eram os chefes de um novo tipo de empresa: o estúdio de cinema .

Ao estabelecer um novo sistema de produção, distribuição e exibição independente do The Edison Trust de Nova York, esses estúdios abriram novos horizontes para o cinema nos Estados Unidos . O oligopólio de Hollywood substituiu o monopólio de Edison. Dentro desse novo sistema, uma hierarquia logo foi estabelecida, deixando pouco espaço para os recém-chegados. Em meados da década de 1930, no topo estavam os cinco grandes estúdios, 20th Century Fox , Metro-Goldwyn-Mayer , Paramount Pictures , RKO Pictures e Warner Bros. Em seguida, vieram três empresas menores, Columbia Pictures , United Artists e Universal Studios . Finalmente, houve " Poverty Row ", um termo comum usado para abranger qualquer outro estúdio menor que conseguiu lutar para entrar no negócio do cinema cada vez mais exclusivo.

Embora os pequenos estúdios que compunham o Poverty Row possam ser caracterizados como existindo "independentemente" de qualquer grande estúdio, eles utilizaram o mesmo tipo de sistemas de negócios integrados vertical e horizontalmente que os grandes jogadores do jogo. Embora a eventual ruptura do sistema de estúdios e sua rede restritiva de distribuição de cinemas deixassem as cinemas independentes ansiosas pelo tipo de produto populista e cheio de assentos dos estúdios Poverty Row, a mesma mudança de paradigma também levaria ao declínio e ao final desaparecimento de "Poverty Row" como um fenômeno de Hollywood. Embora os tipos de filmes produzidos pelos estúdios Poverty Row apenas tenham crescido em popularidade, eles eventualmente se tornariam cada vez mais disponíveis tanto nas grandes produtoras quanto nos produtores independentes que não precisavam mais depender da capacidade de um estúdio para empacotar e lançar seus trabalhos.

Esta tabela lista as empresas ativas no final de 1935 e ilustra as categorias comumente usadas para caracterizar o sistema de Hollywood.

Big Five majors Pequenos três majores Poverty Row (quatro primeiros de muitos)
Metro-Goldwyn-Mayer Artistas Unidos Grand National
filmes Paramount Columbia Pictures Republic Pictures
20th Century Fox Estúdios Universal Imagens de monograma
Warner Bros. Producers Releasing Corporation (também conhecida como PRC)
Imagens RKO

Artistas Unidos e resistência ao sistema de estúdio

O sistema de estúdio rapidamente se tornou tão poderoso que alguns cineastas mais uma vez buscaram a independência. Em 5 de fevereiro de 1919, quatro das principais figuras do cinema mudo americano ( Mary Pickford , Charles Chaplin , Douglas Fairbanks e DW Griffith ) formaram o United Artists, o primeiro estúdio independente da América. Cada um detinha uma participação de 20%, com os restantes 20% detidos pelo advogado William Gibbs McAdoo . A ideia do empreendimento se originou com Fairbanks, Chaplin, Pickford e o astro do cowboy William S. Hart um ano antes, quando viajavam pelos Estados Unidos vendendo títulos da Liberty para ajudar no esforço da Primeira Guerra Mundial . Já veteranos de Hollywood, os quatro astros do cinema começaram a falar em formar sua própria empresa para controlar melhor seu próprio trabalho e também seu futuro. Eles foram estimulados pelas ações de produtores e distribuidores estabelecidos de Hollywood, que estavam tomando medidas para aumentar o controle sobre os salários e a licença criativa de suas estrelas. Com a adição de Griffith, o planejamento começou, mas Hart desistiu antes que as coisas se formalizassem. Quando soube do esquema, Richard A. Rowland , chefe da Metro Pictures , disse ter observado: "Os presos estão assumindo o manicômio".

Os quatro sócios, assessorados por McAdoo (genro e ex -secretário do Tesouro do então presidente Woodrow Wilson ), formaram sua distribuidora, tendo Hiram Abrams como primeiro diretor-gerente. Os termos originais exigiam que Pickford, Fairbanks, Griffith e Chaplin produzissem independentemente cinco filmes por ano, mas na época em que a empresa começou em 1920-1921, os longas-metragens estavam se tornando mais caros e mais sofisticados, e o tempo de exibição havia se estabelecido em cerca de noventa minutos (ou oito bobinas). Acreditava-se que ninguém, por mais popular que fosse, poderia produzir e estrelar cinco longas-metragens de qualidade por ano. Em 1924, Griffith havia desistido e a empresa estava enfrentando uma crise: ou trouxesse outros para ajudar a apoiar um sistema de distribuição caro ou admitisse a derrota. O veterano produtor Joseph Schenck foi contratado como presidente. Além de produzir filmes há uma década, ele trouxe compromissos para filmes estrelados por sua esposa, Norma Talmadge , sua cunhada, Constance Talmadge , e seu cunhado, Buster Keaton . Os contratos foram assinados com vários produtores independentes, especialmente Samuel Goldwyn , Howard Hughes e mais tarde Alexander Korda . Schenck também formou uma parceria separada com Pickford e Chaplin para comprar e construir cinemas sob o nome United Artists.

Ainda assim, mesmo com a ampliação da empresa, a UA teve dificuldades. A chegada do som encerrou as carreiras de Pickford e Fairbanks. Chaplin, rico o suficiente para fazer o que quisesse, trabalhava apenas ocasionalmente. Schenck renunciou em 1933 para organizar uma nova empresa com Darryl F. Zanuck , Twentieth Century Pictures , que logo forneceu quatro fotos por ano para a programação da UA. Ele foi substituído como presidente pelo gerente de vendas Al Lichtman, que se demitiu após apenas alguns meses. Pickford produziu alguns filmes e, em várias ocasiões, Goldwyn, Korda, Walt Disney , Walter Wanger e David O. Selznick foram feitos "parceiros de produção" (ou seja, participação nos lucros), mas a propriedade ainda estava com os fundadores. Com o passar dos anos e a mudança na dinâmica do negócio, esses "parceiros produtores" foram se afastando. Goldwyn e Disney partiram para a RKO , Wanger para a Universal Pictures , Selznick e Korda para a aposentadoria . No final da década de 1940, a United Artists praticamente deixou de existir como produtora ou distribuidora.

Sociedade de produtores independentes de filmes

Em 1941, Mary Pickford , Charles Chaplin , Walt Disney , Orson Welles , Samuel Goldwyn , David O. Selznick , Alexander Korda e Walter Wanger - muitas das mesmas pessoas que eram membros da United Artists - fundaram a Sociedade de Produtores Independentes de Cinema . Membros posteriores incluíram William Cagney , Sol Lesser e Hal Roach . O objetivo da Sociedade era preservar os direitos dos produtores independentes em uma indústria predominantemente controlada pelo sistema de estúdio. O SIMPP lutou para acabar com as práticas monopolistas dos cinco maiores estúdios de Hollywood que controlavam a produção, distribuição e exibição de filmes. Em 1942, o SIMPP abriu um processo antitruste contra o United Detroit Theatres da Paramount. A denúncia acusou a Paramount de conspiração para controlar os cinemas que foram exibidos em primeiro e depois em Detroit. Foi a primeira ação antitruste movida por produtores contra expositores que alegavam monopólio e restrição de comércio. Em 1948, a Decisão Paramount da Suprema Corte dos Estados Unidos ordenou que os estúdios de cinema de Hollywood vendessem suas cadeias de cinemas e eliminassem certas práticas anticompetitivas. Isso efetivamente pôs fim ao sistema de estúdio da Idade de Ouro de Hollywood . Em 1958, muitas das razões para a criação do SIMPP foram corrigidas e o SIMPP fechou seus escritórios.

Filmes de baixo orçamento

Os esforços do SIMPP e o advento de câmeras portáteis baratas durante a Segunda Guerra Mundial efetivamente possibilitaram que qualquer pessoa na América com interesse em fazer filmes escrevesse, produzisse e dirigisse um filme sem a ajuda de nenhum grande estúdio cinematográfico . Estas circunstâncias logo resultou em uma série de trabalhos aclamados pela crítica e altamente influentes, incluindo Maya Deren 's malhas da Tarde em 1943, Kenneth da Raiva Fogos de artifício em 1947, e Morris Engel, Ruth Orkin e de Ray Abrashkin Little Fugitive em 1953. cineastas como Ken Jacobs com pouco ou nenhum treinamento formal começou a experimentar novas maneiras de fazer e filmar.

Little Fugitive se tornou o primeiro filme independente a ser indicado ao Oscar de Melhor Roteiro Original no American Academy Awards . Também recebeu o Leão de Prata em Veneza . Os filmes de Engel e Anger foram aclamados no exterior pela florescente New Wave francesa , com Fireworks inspirando elogios e um convite de Jean Cocteau para estudar com ele na Europa , e François Truffaut citando Little Fugitive como uma inspiração essencial para seu trabalho seminal, The 400 Blows . À medida que os anos 1950 avançavam, o novo paradigma de cinema de baixo orçamento ganhou maior reconhecimento internacional, com filmes como Apu Trilogy , de Satyajit Ray , aclamado pela crítica (1955-1959).

Ao contrário dos filmes feitos no sistema de estúdio, esses novos filmes de baixo orçamento podiam se dar ao luxo de correr riscos e explorar novos territórios artísticos fora da narrativa clássica de Hollywood. Maya Deren logo foi acompanhada em Nova York por uma multidão de cineastas de vanguarda que estavam interessados ​​em criar filmes como obras de arte em vez de entretenimento. Com base na crença comum de que o "cinema oficial" estava "ficando sem fôlego" e se tornado "moralmente corrupto, esteticamente obsoleto, tematicamente superficial e temperamentalmente enfadonho", essa nova safra de independentes formou a Cooperativa de Produtores de Filmes , uma organização sem fins lucrativos dirigida por artistas que eles usariam para distribuir seus filmes por meio de um arquivo centralizado. Fundada em 1962 por Jonas Mekas , Stan Brakhage , Shirley Clarke , Gregory Markopoulos e outros, a Cooperativa forneceu uma importante saída para muitos dos luminares criativos do cinema na década de 1960, incluindo Jack Smith e Andy Warhol . Quando voltou para a América, Ken Anger estreou muitos de seus trabalhos mais importantes lá. Mekas e Brakhage viriam a fundar os Arquivos de Antologia de Filmes em 1970, que também seriam essenciais para o desenvolvimento e preservação de filmes independentes, até hoje.

Explosão de exploração e sistema de classificação MPAA

Nem todos os filmes de baixo orçamento existiram como empreendimentos artísticos não comerciais. O sucesso de filmes como Little Fugitive , que tinha sido feito com orçamentos baixos (ou às vezes inexistentes ), incentivou um enorme boom de popularidade para filmes fora de estúdio. A produção de filmes de baixo orçamento prometia retornos exponencialmente maiores (em termos de porcentagens) se o filme pudesse ter uma exibição de sucesso nos cinemas. Durante esse tempo, o produtor / diretor independente Roger Corman deu início a um amplo trabalho que se tornaria lendário por sua frugalidade e cronograma de filmagem esgotante. Até sua chamada "aposentadoria" como diretor em 1971 (ele continuou a produzir filmes mesmo depois dessa data), ele produzia até sete filmes por ano, correspondendo e muitas vezes excedendo a programação de cinco por ano que os executivos da United Os artistas já pensaram ser impossível.

Como os da vanguarda, os filmes de Roger Corman aproveitam-se do fato de que, ao contrário do sistema de estúdio, os filmes independentes nunca foram limitados por seu código de produção auto-imposto . O exemplo de Corman (e de outros como ele) ajudaria a iniciar um boom de filmes B independentes na década de 1960, cujo objetivo principal era trazer para o mercado jovem, o qual os grandes estúdios haviam perdido contato. Ao prometer sexo , violência desenfreada , uso de drogas e nudez , esses filmes esperavam atrair o público para cinemas independentes, oferecendo a eles o que os grandes estúdios não podiam. Os filmes de terror e ficção científica experimentaram um período de grande crescimento durante essa época. Como esses minúsculos produtores, cinemas e distribuidores continuaram a tentar minar uns aos outros, o filme de shlock de grau B logo caiu ao nível do filme Z , uma categoria de nicho de filmes com valores de produção tão baixos que se tornaram um espetáculo em seu direito próprio. O público de culto que essas imagens atraíram logo os tornou os candidatos ideais para exibições de filmes à meia-noite envolvendo a participação do público e cosplay .

Em 1968, um jovem cineasta chamado George A. Romero chocou o público com Night of the Living Dead , um novo tipo de filme de terror independente intenso e implacável. Este filme foi lançado logo após o abandono do código de produção, mas antes da adoção do sistema de classificação MPAA . Como tal, foi o primeiro e último filme desse tipo a ter uma exibição totalmente irrestrita, na qual crianças pequenas puderam testemunhar a nova marca de sangue sangrento altamente realista de Romero. Este filme ajudaria a criar o clima de terror independente nas décadas seguintes, à medida que filmes como The Texas Chain Saw Massacre (1974) e Cannibal Holocaust (1980) continuavam a expandir os limites.

Com o código de produção abandonado e filmes violentos e perturbadores como o de Romero ganhando popularidade, Hollywood optou por apaziguar o público inquieto que ia ao cinema com o sistema de classificação MPAA, que colocaria restrições na venda de ingressos para jovens. Ao contrário do código de produção, esse sistema de classificação representava uma ameaça para os filmes independentes, pois afetaria o número de ingressos que eles poderiam vender e reduziria a participação do cinema grindhouse no mercado jovem. Essa mudança aumentaria ainda mais a divisão entre filmes comerciais e não comerciais.

No entanto, ter um filme classificado pelo público é estritamente voluntário para independentes e não há impedimento legal para lançar filmes sem classificação. No entanto, os filmes sem classificação enfrentam obstáculos no marketing porque os meios de comunicação, como canais de TV, jornais e sites, muitas vezes colocam suas próprias restrições em filmes que não vêm com uma classificação nacional embutida, a fim de evitar a apresentação de filmes para públicos jovens inadequadamente.

Nova Hollywood e cinema independente

Após o advento da televisão e do Caso Paramount , os grandes estúdios tentaram atrair o público com o espetáculo. Processos widescreen e melhorias técnicas, como Cinemascope , som estéreo , 3-D e outros, foram desenvolvidos na tentativa de reter o público cada vez menor, proporcionando-lhes uma experiência maior do que a vida. A década de 1950 e o início da década de 1960 viram uma Hollywood dominada por musicais, épicos históricos e outros filmes que se beneficiaram com esses avanços. Isso provou ser comercialmente viável durante a maior parte da década de 1950. No entanto, no final dos anos 1960, a participação do público estava diminuindo a um ritmo alarmante. Vários fracassos caros, incluindo Cleopatra (1963) e Hello, Dolly! (1969) colocou forte pressão sobre os estúdios. Enquanto isso, em 1951, os advogados que se tornaram produtores Arthur Krim e Robert Benjamin fizeram um acordo com os acionistas remanescentes da United Artists que lhes permitiria fazer uma tentativa de ressuscitar a empresa e, se a tentativa fosse bem-sucedida, comprá-la após cinco anos.

A tentativa foi um sucesso e, em 1955, a United Artists se tornou o primeiro "estúdio" sem um estúdio real. A UA alugou espaço no Pickford / Fairbanks Studio, mas não possuía um lote de estúdio como tal. Por causa disso, muitos de seus filmes seriam rodados em locações. Atuando principalmente como banqueiros, eles ofereceram dinheiro a produtores independentes. Assim, a UA não tinha as despesas gerais, a manutenção ou a cara equipe de produção que aumentava os custos de outros estúdios. A UA tornou-se pública em 1956 e, à medida que os outros estúdios tradicionais entraram em declínio, a UA prosperou, agregando relacionamentos com os irmãos Mirisch , Billy Wilder , Joseph E. Levine e outros.

No final dos anos 1950, RKO havia encerrado a produção de filmes, e os quatro restantes dos cinco grandes reconheceram que não sabiam como atingir o público jovem. Na tentativa de capturar esse público, o Studios contratou uma série de jovens cineastas (muitos dos quais foram orientados por Roger Corman ) e lhes permitiu fazer seus filmes com relativamente pouco controle do estúdio. A Warner Brothers ofereceu ao produtor estreante Warren Beatty 40% da receita bruta de seu filme Bonnie and Clyde (1967), em vez de uma taxa mínima. O filme arrecadou mais de $ 70 milhões em todo o mundo em 1973. Esses sucessos iniciais pavimentaram o caminho para o estúdio abrir mão do controle quase total para a geração da escola de cinema e deu início ao que a mídia apelidou de " Nova Hollywood ".

Dennis Hopper , o ator americano, fez sua estreia como roteirista e diretor com Easy Rider (1969). Junto com seu produtor / co-estrela / co-escritor Peter Fonda , Hopper foi responsável por um dos primeiros filmes totalmente independentes de New Hollywood. Easy Rider estreou em Cannes e ganhou o "Prêmio de Primeiro Filme" ( francês : Prix ​​de la premiere oeuvre ), após o qual recebeu duas indicações ao Oscar, uma de melhor roteiro original e outra de ator Jack Nicholson , ator coadjuvante papel de George Hanson, um advogado alcoólatra da American Civil Liberties Union . Seguindo os passos de Easy Rider, logo depois veio o revivido United Artists ' Midnight Cowboy (também 1969), que, como Easy Rider , seguiu inúmeras dicas de Kenneth Anger e suas influências na New Wave francesa. Tornou-se o primeiro e único filme proibido para menores a ganhar o Oscar de melhor filme. Midnight Cowboy também teve a distinção de apresentar participações especiais de muitas das maiores estrelas de Warhol , que já haviam se tornado símbolos do clima militante anti-Hollywood da comunidade de filmes independentes de Nova York.

Em um mês, outro jovem trainee de Corman, Francis Ford Coppola , fez sua estreia na Espanha no Festival Internacional de Cinema de Donostia-San Sebastian com The Rain People (1969), filme que ele havia produzido por sua própria empresa, a American Zoetrope . Embora The Rain People fosse amplamente esquecido pelo público americano, Zoetrope se tornaria uma força poderosa na Nova Hollywood. Por meio da Zoetrope, Coppola firmou um acordo de distribuição com a gigante dos estúdios Warner Bros., que ele exploraria para conseguir grandes lançamentos para seus filmes sem se sujeitar ao controle deles. Esses três filmes forneceram aos principais estúdios de Hollywood um exemplo a seguir e uma nova safra de talentos para se inspirar. O cofundador da Zoetrope, George Lucas, fez sua estreia no cinema com THX 1138 (1971), também lançado pela Zoetrope por meio de seu contrato com a Warner Bros., anunciando-se como outro grande talento da Nova Hollywood. No ano seguinte, dois diretores de New Hollywood haviam se tornado suficientemente estabelecidos para que Coppola recebesse a oferta de supervisão de The Godfather (1972) da Paramount e Lucas obteve financiamento de estúdio para American Graffiti (1973) da Universal. Em meados da década de 1970, os principais estúdios de Hollywood continuaram a buscar esses novos cineastas em busca de ideias e de pessoal, produzindo filmes como Paper Moon (1973) e Taxi Driver (1976), todos com sucesso comercial e de crítica. Esses sucessos dos membros da New Hollywood levaram cada um deles, por sua vez, a fazer demandas cada vez mais extravagantes, tanto no estúdio quanto, eventualmente, no público.

Enquanto a maioria dos membros da geração da Nova Hollywood eram, ou começaram como, cineastas independentes, vários de seus projetos foram produzidos e lançados por grandes estúdios. A nova geração de Hollywood logo se tornou firmemente enraizada em uma encarnação revivida do sistema de estúdio, que financiou o desenvolvimento, produção e distribuição de seus filmes. Muito poucos desses cineastas alguma vez financiaram ou lançaram independentemente um filme próprio, ou trabalharam em uma produção com financiamento independente durante o auge da influência da geração. Filmes aparentemente independentes, como Taxi Driver , The Last Picture Show e outros, eram filmes de estúdio: os roteiros eram baseados em propostas de estúdio e posteriormente pagos pelos estúdios, o financiamento da produção era do estúdio e o marketing e distribuição dos filmes eram projetado e controlado pela agência de publicidade do estúdio. Embora Coppola tenha feito esforços consideráveis ​​para resistir à influência dos estúdios, optando por financiar seu arriscado filme de 1979, Apocalypse Now , em vez de se comprometer com executivos céticos do estúdio, ele e cineastas como ele salvaram os antigos estúdios da ruína financeira, fornecendo-lhes uma nova fórmula para o sucesso.

Na verdade, foi durante esse período que a própria definição de um filme independente se tornou confusa. Embora Midnight Cowboy fosse financiado pela United Artists, a empresa era certamente um estúdio. Da mesma forma, o Zoetrope era outro "estúdio independente" que trabalhava dentro do sistema para criar um espaço para diretores independentes que precisavam de financiamento. George Lucas deixaria Zoetrope em 1971 para criar o seu próprio estúdio independente, Lucasfilm , que produziria os de grande sucesso Star Wars e Indiana Jones franquias. Na verdade, os únicos dois filmes do movimento que podem ser descritas como intransigente independente são Easy Rider no início, e Peter Bogdanovich é They All Laughed , no final. Peter Bogdanovich comprou de volta os direitos do estúdio sobre seu filme de 1980 e pagou por sua distribuição de seu próprio bolso, convencido de que o filme era melhor do que o estúdio acreditava - ele acabou falindo por causa disso.

Em retrospectiva, pode-se ver que Steven Spielberg 's Jaws (1975) e George Lucas ' s Star Wars (1977) marcou o começo do fim para o New Hollywood. Com seus sucessos de bilheteria sem precedentes, esses filmes deram início à mentalidade de blockbuster de Hollywood, dando aos estúdios um novo paradigma sobre como ganhar dinheiro neste cenário comercial em constante mudança. O foco em premissas de alto conceito , com maior concentração em mercadorias vinculadas (como brinquedos), desdobramentos em outras mídias (como trilhas sonoras) e o uso de sequências (que haviam se tornado mais respeitáveis ​​por O Poderoso Chefão de Coppola Parte II ), todos mostraram aos estúdios como ganhar dinheiro no novo ambiente.

Ao perceber quanto dinheiro poderia ser potencialmente ganho em filmes, grandes corporações começaram a comprar os estúdios de Hollywood restantes, salvando-os do esquecimento que se abateu sobre a RKO nos anos 50. Por fim, até mesmo a RKO foi revivida, a mentalidade corporativa que essas empresas trouxeram para o setor cinematográfico lentamente espremeu o mais idiossincrático desses jovens cineastas, enquanto protegia os mais maleáveis ​​e comercialmente bem-sucedidos deles.

O crítico de cinema Manohla Dargis descreveu esta era como a "era sossegada" da produção cinematográfica da década, que "foi menos revolução do que os negócios normais, com exagero dos rebeldes". Ela também apontou em seu artigo no NY Times , seus entusiastas insistindo que era "quando os filmes americanos cresceram (ou pelo menos estrelaram atrizes malvestidas); quando os diretores faziam o que queriam (ou pelo menos eram transformados em marcas); quando a criatividade imperava ( ou pelo menos correu gloriosamente enlouquecido, embora muitas vezes com o dinheiro do estúdio). "

Fora de Hollywood

Durante a década de 1970, mudanças nas representações temáticas de sexualidade e violência ocorreram no cinema americano, com destaque para representações intensificadas de sexo e violência realistas. Diretores que desejavam atingir o público da velha Hollywood rapidamente aprenderam a estilizar esses temas para tornar seus filmes atraentes e atraentes, em vez de repulsivos ou obscenos. No entanto, ao mesmo tempo que os estudantes de cinema independentes da New Wave americana estavam desenvolvendo as habilidades que usariam para dominar Hollywood, muitos de seus colegas começaram a desenvolver seu estilo de fazer cinema em uma direção diferente. Influenciados por diretores estrangeiros e de arte , como Ingmar Bergman e Federico Fellini , choques de exploração (ou seja, Joseph P. Mawra , Michael Findlay e Henri Pachard ) e cinema de vanguarda ( Kenneth Anger , Maya Deren e Bruce Conner ) vários jovens cineastas começaram a experimentar a transgressão não como uma atração de bilheteria, mas como um ato artístico . Diretores como John Waters e David Lynch fariam seu nome no início dos anos 1970 devido às imagens bizarras e freqüentemente perturbadoras que caracterizavam seus filmes.

Quando o primeiro longa-metragem de Lynch, Eraserhead (1977), chamou a atenção do produtor Mel Brooks para Lynch , ele logo se viu encarregado do filme de $ 5 milhões O Homem Elefante (1980) para a Paramount. Embora Eraserhead fosse estritamente um filme independente e de baixo orçamento, Lynch fez a transição com uma graça sem precedentes. O filme foi um grande sucesso comercial e recebeu oito indicações ao Oscar, incluindo Melhor Diretor e Melhor Roteiro Adaptado para Lynch. Também estabeleceu seu lugar como um diretor de Hollywood comercialmente viável, embora um tanto obscuro e não convencional . Vendo Lynch como um colega convertido ao estúdio, George Lucas , um fã de Eraserhead e agora o queridinho dos estúdios, ofereceu a Lynch a oportunidade de dirigir sua próxima sequência de Star Wars , Return of the Jedi (1983). No entanto, Lynch tinha visto o que tinha acontecido com Lucas e seus companheiros de armas depois de sua tentativa fracassada de acabar com o sistema de estúdio. Ele recusou a oportunidade, afirmando que preferia trabalhar em seus próprios projetos.

Lynch em vez escolheu para dirigir uma grande adaptação orçamento de Frank Herbert de ficção científica romance Dune para italiano produtor Dino De Laurentiis 's De Laurentiis Entertainment Group , com a condição de que a empresa lançar um segundo projeto Lynch, sobre a qual o diretor teria completa controle criativo. Embora De Laurentiis esperasse que fosse o próximo Star Wars , Lynch's Dune (1984) foi um fracasso comercial e crítico, arrecadando meros US $ 27,4 milhões no mercado interno contra um orçamento de US $ 45 milhões. De Laurentiis, furioso porque o filme tinha sido um desastre comercial, foi então forçado a produzir qualquer filme que Lynch desejasse. Ele ofereceu a Lynch apenas US $ 6 milhões para minimizar o risco de o filme não recuperar seus custos; no entanto, o filme, Blue Velvet (1986) foi um sucesso retumbante que lhe rendeu outro Oscar de Melhor Diretor . Lynch posteriormente retornou ao cinema independente e não trabalhou com outro grande estúdio por mais de uma década.

Ao contrário do primeiro, John Waters lançou a maioria de seus filmes durante sua infância por meio de sua própria produtora, a Dreamland Productions . No início dos anos 1980, a New Line Cinema concordou em trabalhar com ele em Polyester (1981). Durante a década de 1980, Waters se tornaria um pilar do movimento de cinema independente baseado em Nova York conhecido como o " Cinema da Transgressão ", um termo cunhado por Nick Zedd em 1985 para descrever um grupo frouxo de artistas de Nova York que pensam como valor de choque e humor em seus filmes Super 8 mm e videoarte . Outros protagonistas deste movimento incluem Kembra Pfahler , Casandra Stark , Beth B , Tommy Turner, Richard Kern e Lydia Lunch . Reunindo-se em torno de instituições como Film-Makers 'Cooperative e Anthology Film Archives, esta nova geração de independentes se dedicou a desafiar a agora estabelecida Nova Hollywood, propondo que "todas as escolas de cinema explodissem e todos os filmes chatos nunca fossem feitos novamente."

O desenvolvimento da produtora de filmes sem orçamento ASS Studios em 2011 trouxe táticas de estilo de guerrilha para a produção de filmes. Fundado por Courtney Fathom Sell e pelo reverendo Jen Miller , o estúdio agora extinto utilizaria artistas locais e locações do Lower East Side de Nova York para criar vários curtas-metragens que seriam exibidos em locais como bares e Anthology Film Archives . Embora seja principalmente reconhecido por seus curtas-metragens, o primeiro e único filme dos estúdios Satan, Hold My Hand foi feito com um orçamento de apenas US $ 27,00, enquanto apresentava um elenco de Hollywood, incluindo Janeane Garofalo, e foi produzido por Jonathan Ames , escritor e criador de os HBO série Bored to Death .

Movimento Cinema Independente

Em 1978, Sterling Van Wagenen e Charles Gary Allison , com o presidente Robert Redford , (veterano de Nova Hollywood e estrela de Butch Cassidy e Sundance Kid ) fundaram o Utah / US Film Festival em um esforço para atrair mais cineastas para Utah e mostrar o que o potencial do filme independente poderia ser. Na ocasião, o foco principal do evento foi apresentar uma série de retrospectivas de filmes e painéis de discussão com cineastas; no entanto, também incluiu um pequeno programa de novos filmes independentes. O júri do festival de 1978 foi liderado por Gary Allison e incluiu Verna Fields , Linwood Gale Dunn , Katherine Ross , Charles E. Sellier Jr. , Mark Rydell e Anthea Sylbert . Em 1981, o mesmo ano em que a United Artists, comprada pela MGM após a falência financeira de Michael Cimino 's Portas do Céu (1980), deixou de existir como um local para cineastas independentes, Sterling Van Wagenen deixou o festival de cinema de ajuda encontrou o Instituto Sundance com Robert Redford. Em 1985, o já bem estabelecido Sundance Institute, chefiado por Sterling Van Wagenen, assumiu a gestão do Festival de Cinema dos Estados Unidos, que passava por dificuldades financeiras. Gary Beer e Sterling Van Wagenen lideraram a produção do Festival de Cinema de Sundance inaugural, que incluiu o diretor do programa Tony Safford e a diretora administrativa Jenny Walz Selby.

Em 1991, o festival foi oficialmente renomeado para Festival de Cinema de Sundance , após o famoso papel de Redford como The Sundance Kid . Através deste festival foi lançado o movimento Cinema Independente . Figuras notáveis ​​como Kevin Smith , Robert Rodriguez , Quentin Tarantino , David O. Russell , Paul Thomas Anderson , Steven Soderbergh , James Wan , Hal Hartley , Joel e Ethan Coen e Jim Jarmusch obtiveram aclamação da crítica retumbante e vendas de bilheteria sem precedentes. Em 2005, cerca de 15% da receita de bilheteria doméstica dos Estados Unidos vinha de estúdios independentes.

Wes Anderson , um autor de filmes independentes amplamente renomado .

Cooptação

A década de 1990 viu a ascensão e o sucesso dos filmes independentes não apenas no circuito dos festivais de cinema, mas também nas bilheterias, enquanto atores consagrados, como Bruce Willis , John Travolta e Tim Robbins , obtinham sucesso tanto nos filmes independentes quanto nos estúdios de Hollywood filmes. Teenage Mutant Ninja Turtles em 1990, da New Line Cinema, arrecadou mais de US $ 100 milhões nos Estados Unidos, tornando-se o filme independente de maior sucesso na história de bilheteria até aquele momento. A Miramax Filmes teve uma série de sucessos com Sex, Lies e Videotape , My Left Foot e Clerks , colocando a Miramax e a New Line Cinema na mira de grandes empresas que buscavam lucrar com o sucesso dos estúdios independentes. Em 1993, a Disney comprou a Miramax por US $ 60 milhões. Turner Broadcasting , em um negócio de bilhões de dólares, adquiriu New Line Cinema, Fine Line Features e Castle Rock Entertainment em 1994. As aquisições provaram ser uma boa jogada para Turner Broadcasting como New Line lançou The Mask e Dumb & Dumber , Castle Rock lançou The Shawshank Redemption e a Miramax lançou Pulp Fiction , tudo em 1994.

As aquisições dos estúdios menores pelo conglomerado Hollywood eram um plano em parte para assumir o controle da indústria do cinema independente e, ao mesmo tempo, começar seus próprios estúdios "independentes". A seguir estão todos os estúdios "indie" de propriedade do conglomerado Hollywood:

No início dos anos 2000, Hollywood estava produzindo três classes diferentes de filmes: 1) sucessos de bilheteria de grande orçamento , 2) filmes de arte , filmes especiais e filmes de nicho de mercado produzidos por "indies" pertencentes a conglomerados e 3) filmes de gênero e especiais em breve de verdadeiros estúdios e produtores independentes. A terceira categoria compreendia mais da metade dos recursos lançados nos Estados Unidos e normalmente custava entre US $ 5 e US $ 10 milhões para ser produzida.

Hollywood estava produzindo essas três classes diferentes de longas-metragens por meio de três tipos diferentes de produtores. Os produtos superiores eram os grandes sucessos de bilheteria e os veículos especiais de alto custo comercializados pelos seis principais produtores-distribuidores de estúdios. O orçamento dos filmes dos grandes estúdios era em média de US $ 100 milhões, com aproximadamente um terço desse valor gasto em marketing por causa das grandes campanhas de lançamento. Outra classe de longa-metragem de Hollywood incluía filmes de arte, filmes especiais e outros nichos de mercado controlados pelas subsidiárias independentes dos conglomerados. Os orçamentos desses filmes independentes eram em média de US $ 40 milhões por lançamento no início dos anos 2000, com US $ 10 milhões a US $ 15 milhões gastos em marketing (MPA, 2006: 12). A classe final do filme consistia em filmes de gênero e especiais cujas campanhas de lançamento eram administradas por produtores-distribuidores independentes com apenas algumas dezenas ou possivelmente algumas centenas de telas em mercados urbanos selecionados. Filmes como esses geralmente custam menos de US $ 10 milhões, mas frequentemente menos de US $ 5 milhões, com pequenos orçamentos de marketing que aumentam se e quando um determinado filme for executado.

Internacionalmente

A indústria cinematográfica independente existe globalmente. Muitos dos festivais de cinema de maior prestígio são sediados em várias cidades ao redor do mundo. O Festival Internacional de Cinema de Berlim atrai mais de 130 países, tornando-o o maior festival de cinema do mundo. Outros grandes eventos incluem o Festival Internacional de Cinema de Toronto , o Festival Internacional de Cinema de Hong Kong e o Festival Pan-africano de Cinema e TV de Ouagadougou .

A União Europeia , especificamente através da European Cinema and VOD Initiative (ECVI), estabeleceu programas que procuram adaptar a indústria cinematográfica a uma crescente procura digital de filmes em serviços de vídeo a pedido, fora das exibições teatrais. Com este programa, as ofertas de VOD são combinadas com exibições de filmes tradicionais. Também há mais pressão dos governos nacionais da UE para financiar todos os aspectos das artes, incluindo o cinema. A Comissão Europeia para a Cultura tem um sector audiovisual, por exemplo, cujo papel é principalmente ajudar a distribuir e promover filmes e festivais em toda a Europa. Além disso, a Comissão organiza a formulação de políticas, pesquisas e relatórios sobre "educação para a mídia" e "distribuição digital".

Tecnologia e democratização

Como em outras mídias, a disponibilidade de novas tecnologias alimentou a democratização da produção cinematográfica e o crescimento do cinema independente. No final dos anos 40 e 50, novas câmeras portáteis de baixo custo tornaram mais fácil para os cineastas independentes produzirem conteúdo sem o apoio do estúdio. O surgimento das câmeras de vídeo nos anos 80 ampliou o leque de cineastas que experimentavam a nova tecnologia disponível. Mais recentemente, a mudança do filme para as câmeras digitais, a edição não linear de baixo custo e a mudança para a distribuição pela internet possibilitaram que mais pessoas criassem e exibissem seus próprios filmes, incluindo jovens e indivíduos de comunidades marginalizadas. Essas pessoas podem ter pouco ou nenhum treinamento técnico ou acadêmico formal, mas são cineastas autodidatas, usando fontes online para aprender o ofício. Os aspirantes a cineastas podem variar desde aqueles que simplesmente têm acesso a um smartphone ou câmera digital, até aqueles que escrevem roteiros de "especificações" (para lançar para estúdios), fazer networking ativamente e usar crowdsourcing e outros financiamentos para que seus filmes sejam produzidos profissionalmente. Freqüentemente, aspirantes a cineasta têm outros empregos diários para se sustentar financeiramente enquanto apresentam seus roteiros e ideias para produtoras de filmes independentes, agentes de talentos e investidores ricos. Este recente renascimento impulsionado pela tecnologia ajudou a alimentar outras indústrias de apoio, como o segmento de câmeras "prosumer" e escolas de cinema para aqueles que são menos autodidatas. Programas de cinema em universidades como a NYU em Nova York e a USC em Los Angeles se beneficiaram desse crescimento de transição.

Financiamento coletivo

O lado econômico da produção de filmes também é um obstáculo menor do que antes, porque o apoio de um grande estúdio não é mais necessário para acessar o financiamento necessário para o cinema. Serviços de crowdfunding como Kickstarter, Pozible e Tubestart ajudaram as pessoas a arrecadar milhares de dólares; o suficiente para financiar suas próprias produções de baixo orçamento. Como resultado da queda do custo da tecnologia para fazer, editar e distribuir digitalmente filmes, a produção de filmes está mais amplamente acessível do que nunca.

Filmes completos são frequentemente exibidos em festivais de cinema como o Festival de Cinema de Sundance, Festival de Cinema Slamdance, Festival de Cinema South By Southwest (SXSW), Festival de Cinema Raindance, Festival de Cinema Telluride e Festival de Cinema de Palm Springs. Os vencedores dos prêmios dessas exibições são mais propensos a serem escolhidos para distribuição por grandes distribuidores de filmes. Festivais de cinema e exibições como essas são apenas uma das opções nas quais os filmes podem ser produzidos / lançados de forma independente.

Analógico para digital

O desenvolvimento do filme independente nos anos 1990 e século 21 foi estimulado por uma série de inovações técnicas, incluindo o desenvolvimento de câmeras de cinema digital acessíveis que podem exceder a qualidade do filme e software de edição de computador fácil de usar. Até que as alternativas digitais se tornassem disponíveis, o custo do equipamento profissional de filmes e do estoque era um grande obstáculo para os cineastas independentes que queriam fazer seus próprios filmes. Filmes de sucesso como o Blair Witch Project (que arrecadou mais de US $ 248,6 milhões enquanto gastava apenas US $ 60.000) surgiram dessa nova acessibilidade às ferramentas de cinema. Em 2002, o custo de 35 milímetros filme estoque subiu 23%, de acordo com a Variety . O advento das câmeras de vídeo para o consumidor em 1985 e, o que é mais importante, a chegada do vídeo digital no início da década de 1990 reduziu a barreira da tecnologia para a produção de filmes. O computador pessoal e o sistema de edição não linear tiraram o uso de suportes de edição como o KEM, reduzindo drasticamente os custos de pós-produção, enquanto tecnologias como DVD , Blu-ray Disc e serviços de vídeo online simplificaram a distribuição; Os serviços de streaming de vídeo tornaram possível distribuir uma versão digital de um filme para um país inteiro ou mesmo para o mundo, sem envolver o envio ou armazenamento de DVDs físicos ou bobinas de filme. A tecnologia 3-D está disponível para cineastas independentes de baixo orçamento. Na segunda década do século 21, câmeras de celulares de alta qualidade permitiam que as pessoas fizessem, editassem e distribuíssem filmes em um único dispositivo barato.

Um dos exemplos dessa nova abordagem indie ao cinema é o documentário indicado ao Oscar de 1999, Genghis Blues, filmado pelos irmãos Belic em duas câmeras Hi8 e ganhou o prêmio do público do Festival de Cinema de Sundance daquele ano para um documentário. Na época, a distribuição ainda era baseada em filme, então o filme teve que ser "filmado" do formato de vídeo digital entrelaçado para o filme rodando na taxa tradicional de 24 quadros por segundo, então artefatos de entrelaçamento são perceptíveis às vezes. Em 2004, a Panasonic lançou a camcorder DVX100, que apresentava uma taxa de captura de 24 quadros por segundo semelhante a filme. Isso deu aos cineastas independentes a capacidade de gravar vídeo a uma taxa de quadros considerada padrão para filmes na época e abriu a possibilidade de conversão de quadro digital em quadro de filme limpo. Vários filmes aclamados foram feitos com esta câmera, por exemplo, Iraque em Fragmentos . Dispositivos mais recentes permitem "filmar" em taxas de quadros muito altas para facilitar a distribuição em uma série de taxas de quadros sem artefatos.

Mesmo que novas câmeras de cinema como a Arri Alexa , RED Epic e as muitas novas DSLRs custem milhares de dólares para comprar, os filmes independentes ainda estão mais baratos do que nunca, criando filmagens que parecem 35 mm sem o mesmo alto custo. Essas câmeras também têm um desempenho melhor do que o filme tradicional devido à sua capacidade de funcionar em situações de luz extremamente escura / baixa em relação ao filme. Em 2008, a Nikon lançou a primeira câmera DSLR que também podia gravar vídeo, a Nikon D90 . Com o sensor maior do que em uma camcorder tradicional, essas DSLRs permitem um maior controle sobre a profundidade de campo, excelentes recursos de baixa luminosidade e uma grande variedade de lentes trocáveis, incluindo lentes de câmeras de filme antigas - coisas que os cineastas independentes têm desejado por anos. Com a criação de novas câmeras de cinema leves e acessíveis, os documentários também se beneficiaram muito. Anteriormente, era impossível capturar o extremo selvagem da mãe natureza por causa da falta de capacidade de manobra das câmeras de filme; no entanto, com a criação de DSLRs, os documentaristas foram capazes de chegar a lugares difíceis para capturar o que eles não poderiam ter com câmeras de filme. Câmeras foram instaladas em animais para permitir que eles ajudem a filmar cenas nunca antes vistas.

As novas tecnologias também permitiram o desenvolvimento de novas técnicas cinematográficas originadas em filmes independentes, como o desenvolvimento das lentes zoom no início do século XX. O uso da (controversa) tomada de mão que se tornou popular no inovador The Blair Witch Project também levou a um subgênero inteiramente novo: o filme found-footage .

A produção de filmes independentes também se beneficiou do novo software de edição. Em vez de precisar de um post-house para fazer a edição, os cineastas independentes usam um computador pessoal ou até mesmo um celular com software de edição para editar seus filmes. Os softwares de edição disponíveis incluem Avid Media Composer , Adobe Premiere Pro , Final Cut Pro , (Software de graduação de cores) DaVinci Resolve e muitos mais . Existem também muitos tutoriais e cursos gratuitos disponíveis online para ensinar diferentes habilidades de pós-produção necessárias para usar esses programas. Essas novas tecnologias permitem que cineastas independentes criem filmes comparáveis ​​a filmes de alto orçamento. Imagens geradas por computador (CGI) também se tornaram mais acessíveis, passando de um processo altamente especializado feito por empresas de pós-produção para uma tarefa que pode ser realizada por artistas independentes.

Francis Ford Coppola , há muito um defensor de novas tecnologias como edição não linear e câmeras digitais , disse em 2007 que "o cinema está escapando de ser controlado pelo financista, e isso é uma coisa maravilhosa. Você não precisa se preocupar entregar a algum distribuidor de filmes e dizer: 'Por favor, você me deixa fazer um filme?' "

Filmes independentes até 2010

Nos últimos anos, tanto com o aumento da produção quanto com o declínio do interesse das sequências de grandes estúdios, cada vez mais filmes independentes têm estado na vanguarda de prêmios importantes com vencidos no Oscar de Melhor Filme para Spotlight em 2016 , Moonlight nos prêmios de 2017 e Nomadland at the 2021 awards teve, e continua a ter, um grande impacto nas bilheterias dos grandes estúdios da era atual.

Veja também

Referências

Leitura adicional

links externos