história da dança -History of dance

Dançarina velada, estatueta de terracota grega antiga de Myrina , ca. 150-100 aC. Museu do Louvre
Estatueta de terracota grega antiga de uma mênade dançante, século III aC, de Taranto .

A história da dança é de difícil acesso porque a dança muitas vezes não deixa para trás artefatos físicos claramente identificáveis ​​que duram mais de milênios, como ferramentas de pedra, instrumentos de caça ou pinturas rupestres . Não é possível identificar com precisão exata quando a dança se tornou parte da cultura humana .

Dança precoce

O impulso natural para dançar pode ter existido nos primeiros primatas antes de evoluírem para humanos. A dança tem sido uma parte importante de cerimônias , rituais , celebrações e entretenimento desde antes do nascimento das primeiras civilizações humanas . A arqueologia oferece vestígios de dança desde os tempos pré -históricos, como as pinturas de abrigos rochosos de Bhimbetka de 10.000 anos na Índia e pinturas de tumbas egípcias representando figuras dançantes de c. 3300 aC. Muitas formas de dança contemporânea podem ser rastreadas até as danças históricas , tradicionais , cerimoniais e étnicas do período antigo.

Meios de comunicação social e vínculo

A dança pode ter sido utilizada como uma ferramenta de interação social que promovia a cooperação essencial para a sobrevivência entre os primeiros humanos. Estudos descobriram que os melhores dançarinos de hoje compartilham dois genes específicos associados a uma predisposição para serem bons comunicadores sociais.

Além disso, o termo “cinestésico” é o termo certo para ajudar a entender como a dança faz a comunicação, e significa o reconhecimento do movimento do próprio corpo, essa palavra é uma combinação de duas palavras (kinein = mover, aesthesis = percepção). E a dança na comunicação é como a linguagem, você pode entender, sentir, ver e ouvir. Quando alguém usa todos os músculos e sentimentos do corpo em uma dança você vai mandar como uma mensagem para o público ou para quem estava assistindo. Portanto, movimentos de dança e sons de fundo também desempenham um papel importante. Quando há uma apresentação em grupo de mãos dadas ou ombros ou até mesmo dançando de frente um para o outro faz com que eles se sintam comunicados e unidos.

Como festas folclóricas

Muitas danças dos primeiros períodos foram realizadas como um ritual para os deuses que os ancestrais acreditavam que precisavam ser mantidos entretidos para a paz mundial. Dança usada em muitas celebrações e até agora. Ao longo da história podemos notar que a dança teve muitos usos como também a dança comunitária, a colheita e o culto. A evolução da dança começou como origens folclóricas para apresentações em tribunais e agora filmes de teatro ou mesmo cinema.

Em cerimônias e rituais

A dança pode ser realizada em rituais religiosos ou xamânicos, por exemplo, na dança da chuva realizada em tempos de seca. Os xamãs dançando para a chuva são mencionados em antigos textos chineses. A dança é um aspecto importante de alguns ritos religiosos no antigo Egito, da mesma forma, a dança também é parte integrante de muitas cerimônias e ritos entre os povos africanos. Danças rituais também podem ser realizadas em templos e durante festivais religiosos, por exemplo, as danças rituais Rasa da Índia (várias danças clássicas indianas podem ter sua origem em danças rituais) e as danças Cham do Tibete.

Como método de cura

Outro uso inicial da dança pode ter sido como precursor de estados de transe extático em rituais de cura. A dança é usada para esse fim por muitas culturas, desde a floresta tropical brasileira até o deserto de Kalahari . Pensava-se que as danças macabras da Europa medieval protegiam os participantes de doenças; no entanto, a histeria e a duração dessas danças às vezes levavam à morte por exaustão.

De acordo com uma lenda cingalesa, as danças Kandyan se originaram há 2.500 anos a partir de um ritual de dança mágica que quebrou o feitiço de um rei enfeitiçado para curar o rei de uma doença misteriosa.

Como método de expressão

Um dos primeiros usos estruturados de danças pode ter sido na performance e na narração de mitos. Às vezes também era usado para mostrar sentimentos por alguém do sexo oposto. Também está ligado à origem do "fazer amor". Antes da produção das linguagens escritas, a dança era um dos métodos de transmissão dessas histórias de geração em geração.

Na cultura europeia, um dos primeiros registros de dança é de Homero , cuja Ilíada descreve a coreia (χορεία khoreia ). Os primeiros gregos fizeram da arte da dança um sistema, expressivo de todas as diferentes paixões. Por exemplo, a dança das Fúrias , assim representada, criaria completo terror entre aqueles que as testemunhassem. O filósofo grego, Aristóteles , classificou a dança com a poesia , e disse que certos dançarinos, com ritmo aplicado ao gesto, podiam expressar maneiras, paixões e ações. Os mais eminentes escultores gregos estudaram a atitude dos dançarinos por sua arte de imitar a paixão.

Tradições culturais

Ásia

Shiva como Nataraja (Senhor da Dança)

dança clássica indiana

Um manuscrito antigo que descreve a dança é o Natya Shastra , no qual se baseia a interpretação moderna da dança clássica indiana (por exemplo , Bharathanatyam ).

Durante o reinado dos últimos Mughals e Nawabs de Oudh , a dança caiu para o status de ' nautch ', uma coisa antiética e sensual das cortesãs.

Mais tarde, ligando a dança ao tráfico imoral e à prostituição, o governo britânico proibiu a apresentação pública de dança. Muitos o desaprovaram. Em 1947, a Índia conquistou sua liberdade e criou para a dança um ambiente onde pudesse recuperar sua glória passada. Formas clássicas e distinções regionais foram redescobertas, especialidades étnicas foram homenageadas e, sintetizando-as com os talentos individuais dos mestres da linha e inovações frescas, surgiu a dança com uma nova cara, mas com o classicismo do passado.

No Sri Lanka , a antiga crônica cingalesa Mahavamsa afirma que quando o rei Vijaya desembarcou no Sri Lanka em 543 aC, ele ouviu sons de música e dança de uma cerimônia de casamento. As origens das danças do Sri Lanka remontam às tribos aborígenes e aos tempos mitológicos dos aborígenes yingyang gêmeos e " yakkas " (demônios). As danças clássicas do Sri Lanka (danças Kandyan) apresentam um sistema altamente desenvolvido de tala (ritmo) e fornecido por pratos chamados thalampataa.

dança chinesa

Detalhes de uma cópia de uma pintura do século 10 Night Revels of Han Xizai por Gu Hongzhong , representando um dançarino realizando uma dança conhecida na dinastia Tang .

Há uma longa história registrada de danças chinesas. Algumas das danças mencionadas em textos antigos, como a dança com movimentos de manga, ainda são realizadas hoje. Algumas das primeiras danças foram associadas a rituais xamânicos. As danças folclóricas do período inicial também foram desenvolvidas em danças da corte. As danças importantes do período antigo eram o yayue cerimonial datado da dinastia Zhou do primeiro milênio aC. A arte da dança na China atingiu seu auge durante a dinastia Tang , período em que dançarinos de várias partes do mundo também se apresentavam na corte imperial. No entanto, a ópera chinesa tornou-se popular durante a dinastia Song e Yuan, e muitas danças foram incorporadas à ópera chinesa. A arte da dança nas mulheres também declinou a partir da dinastia Song como resultado da crescente popularidade da amarração dos pés , uma prática que, ironicamente, pode ter se originado da dança quando uma dançarina enfaixava os pés para poder dançar à moda do balé. As danças tradicionais chinesas mais conhecidas são a dança do dragão e a dança do leão . A dança do leão foi descrita na dinastia Tang em uma forma que lembra a dança de hoje.

Europa

Pietro Longhi , La lezirawrone di danza ("A lição de dança"), ca 1741, Veneza, Gallerie dell'Accademia.

Séculos XV-XIX: da dança da corte ao romantismo

As origens da dança do balé remontam às cortes italianas do Renascimento do século XV. Os mestres de dança ensinavam os passos para a nobreza e a corte participava de espetáculos como forma de entretenimento social. Esta prática continuou por vários séculos. No século XVII, o balé da corte atingiu seu auge sob o governo do rei Luís XIV .

No século XVIII, o balé migrou das cortes reais francesa e italiana para a Ópera de Paris sob a cuidadosa direção do compositor/dançarino Jean-Baptiste Lully . Lully procurou desenvolver o balé em uma arte mais séria. Sob sua influência, o balé foi transformado em uma arte reconhecida que foi realizada por dançarinos profissionais em vez de cortesãos.

Durante o século 18, o balé passou de uma dança cortês de imagens em movimento como espetáculo para arte performática por direito próprio. As performances de balé desenvolviam-se em torno de uma narrativa central e continham um movimento expressivo que revelava as relações entre os personagens. Esse estilo dramático de balé ficou conhecido como balé de ação . O ballet d'action procurou expressar, pela primeira vez, emoções humanas extraídas diretamente dos próprios dançarinos. As máscaras usadas anteriormente pelos artistas foram removidas para que o conteúdo emocional pudesse ser derivado das expressões faciais.

Os trajes durante esse período eram muito restritivos para os dançarinos. Embora fosse incentivado um uso mais expressivo do corpo, os movimentos dos bailarinos ainda eram restritos devido aos materiais pesados ​​e vestidos com espartilhos. As fantasias geralmente cobriam o físico de um dançarino e dificultavam a visualização de coreografias complexas ou intrincadas. Não foi até que o coreógrafo Jean Georges Noverre pediu reformas na dança em 1760 com suas Cartas sobre Dança e Balés que os figurinos se tornaram mais propícios. Noverre pediu que os figurinos fossem feitos com tecidos leves que se movem com fluidez com o corpo, complementando a figura de um dançarino. Além disso, os dançarinos usavam chinelos macios que se ajustavam perfeitamente ao pé. Este design de sapato incutiu confiança na bailarina , desafiando-a a dançar na ponta dos pés. O figurino naturalista permitiu que os dançarinos ultrapassassem os limites do movimento, eventualmente subindo na ponta .

A era do Romantismo produziu balés inspirados na fantasia, na mística e nas culturas desconhecidas de lugares exóticos. Balés que se concentravam mais nas emoções, na fantasia e nos mundos espirituais e anunciavam o início do verdadeiro trabalho de ponta. Agora, na ponta dos pés, a bailarina deificada (encarnada neste período pela lendária bailarina Marie Taglioni ) parecia magicamente roçar a superfície do palco, um ser etéreo que nunca tocava o chão. Foi nesse período que a estrela ascendente da bailarina eclipsou bastante a presença do pobre dançarino, que em muitos casos foi reduzido ao status de estátua em movimento, presente apenas para levantar a bailarina. Este triste estado só foi realmente corrigido pela ascensão do astro do balé masculino Vaslav Nijinsky , com os Ballets Russes , no início do século XX. O balé, como o conhecemos, evoluiu bem e verdadeiramente nessa época, com todas as convenções familiares de figurino, forma coreográfica, enredo, pompa e circunstância firmemente fixadas no lugar. Nijinsky trouxe o atletismo para o balé. Embora naquela época sua coreografia fosse considerada controversa, agora eles são considerados um dos primeiros balés contemporâneos. [1]

Início do século XX: do balé à dança contemporânea

Desde que os Ballets Russes começaram a revolucionar o balé no início do século 20, houve tentativas contínuas de quebrar o molde do balé clássico. Atualmente, o escopo artístico da técnica do balé (e sua música que o acompanha, saltador e multimídia ) é mais abrangente do que nunca. As fronteiras que classificam uma obra de balé clássico estão constantemente sendo esticadas, turvas e borradas até que talvez tudo o que resta hoje sejam traços de idiomas técnicos como turnout .

Foi durante a explosão de um novo pensamento e exploração no início do século 20 que os artistas da dança começaram a apreciar as qualidades do indivíduo, as necessidades do ritual e da religião, o primitivo, o expressivo e o emocional. Nesta atmosfera a dança moderna começou uma explosão de crescimento. De repente, houve uma nova liberdade no que era considerado aceitável, o que era considerado arte e o que as pessoas queriam criar. Muitas outras coisas foram subitamente valorizadas tanto quanto, ou além, os figurinos e truques do balé.

A maioria dos coreógrafos e dançarinos modernos do início do século 20 viam o balé sob a luz mais negativa. Isadora Duncan achou feio, nada mais que uma ginástica sem sentido. Martha Graham o via como europeu e imperialista, não tendo nada a ver com o povo americano moderno. Merce Cunningham , ao usar alguns dos fundamentos da técnica do balé em seu ensino, abordou a coreografia e a performance de um ponto de vista totalmente diferente do formato tradicional do balé.

O século 20 foi de fato um período de ruptura com tudo o que o balé representava. Foi uma época de crescimento criativo sem precedentes, para bailarinos e coreógrafos. Foi também um momento de ampliação da definição de dança. Ballet Russes foi um ponto de virada para o futuro do balé no Ocidente e no mundo. Colaborando com gênios da época, como Coco Chanel, Pablo Picasso e outros. [2] Ballet Russes reuniu boa música, design e dança em uma performance completa. [3]

África

A dança africana refere-se principalmente aos estilos de dança da África Subsaariana , muitos dos quais são baseados em ritmos tradicionais e tradições musicais da região. Os estilos de dança africanos modernos estão profundamente enraizados na cultura e na tradição. Muitas tribos têm um papel exclusivamente com o propósito de transmitir as tradições de dança da tribo; danças que foram transmitidas ao longo dos séculos, muitas vezes inalteradas, com pouco ou nenhum espaço para improvisação. Cada tribo desenvolveu seu próprio estilo de dança, dividido em três categorias com base no propósito. A primeira é a dança religiosa, que muitas tribos afirmam aumentar a paz, a saúde e a prosperidade. As danças religiosas muitas vezes envolviam mascarados, atuando tanto como os espíritos quanto como aqueles que os aplacavam. A religião e a espiritualidade infundiram todas as partes da vida tradicional africana e continuam a afetar a dança africana hoje. A segunda é griótica, e era um tipo de dança que contava uma história. É nomeado após um griot , que é um termo para um contador de histórias tradicional na África Ocidental. Certas danças grióticas eram dançadas apenas pelo griot da tribo ; hoje, as trupes executam as mesmas danças que antes eram exclusivas do griot . O terceiro tipo é cerimonial. Essas danças são realizadas em cerimônias como casamentos, aniversários e ritos de passagem. No entanto, muitas danças não tinham apenas um propósito. Em vez disso, muitas vezes havia um propósito primário, que se misturava a muitos propósitos secundários. A dança era muitas vezes muito importante para a manutenção do status de um governante na sociedade tribal. O colonialismo e a globalização resultaram na erradicação de certos estilos de dança africana. Outros estilos foram misturados ou misturados com estilos de dança fora da África.

A dança africana no contexto da escravidão

Como as pessoas foram levadas da África para serem vendidas como escravas, especialmente a partir de 1500, elas trouxeram seus estilos de dança com elas. Culturas inteiras foram importadas para o Novo Mundo, especialmente aquelas áreas onde os escravos receberam mais flexibilidade para continuar suas culturas e onde havia mais escravos africanos do que europeus ou indígenas americanos, como o Brasil . Os estilos de dança africanos foram fundidos com novas experiências culturais para formar novos estilos de dança. Por exemplo, os escravos responderam aos medos de seus senhores sobre estilos de dança de alta energia com a mudança de passos para arrastar. No entanto, na América do Norte, os escravos não tinham tanta liberdade para continuar sua cultura e dança. Em muitos casos, essas danças evoluíram para estilos de dança modernos, como a dança afro-americana e a dança brasileira . Por exemplo, a Calenda evoluiu no Brasil a partir da dança tribal. O Calenda então evoluiu para o Cakewalk, que foi dançado originalmente para zombar dos proprietários de plantações; então evoluiu para o Charleston . A capoeira era uma arte marcial praticada originalmente na África que os africanos escravizados mascaravam como forma de dança para não despertar a suspeita dos fazendeiros.

Final do século 20 e início do século 21

Diagrama da história da dança americana do século 20

Pós-modernismo

Após a explosão da dança moderna no início do século 20, a década de 1960 viu o crescimento do pós- modernismo . O pós-modernismo virou-se para a simplicidade, a beleza das pequenas coisas, a beleza do corpo destreinado e o movimento não sofisticado. O famoso manifesto "Não" , de Yvonne Rainer , rejeitando todas as fantasias, histórias e armadilhas externas em favor do movimento bruto e sem polimento foi talvez o extremo dessa onda de pensamento. No entanto, não demorou muito para que os cenários, a decoração e o valor de choque voltassem a entrar no vocabulário dos coreógrafos modernos.

Dança contemporânea versus balé

Na década de 1980, a dança havia completado o círculo e a dança moderna (ou, nessa época, " dança contemporânea ") ainda era claramente um veículo altamente técnico e político para muitos praticantes. Existindo ao lado do balé clássico, as duas formas de arte agora viviam pacificamente uma ao lado da outra, com pouco da rivalidade e antipatia das épocas anteriores. Em um comentário inteligentemente projetado sobre essa rivalidade em andamento, a brilhante colaboração de Twyla Tharp (uma das vanguardas/contemporâneas da dança do século XX) e a dança Ballet foi finalmente alcançada. O tempo presente vê-nos ainda no ambiente artístico muito competitivo onde os coreógrafos competem para produzir o trabalho mais chocante; no entanto, ainda há vislumbres de beleza e muita dança incrível em uma época em que a técnica da dança progrediu ainda mais em perícia, força e flexibilidade do que nunca na história.

Dança de rua / dança hip-hop

Ao mesmo tempo, a cultura de massa experimentou a expansão da dança de rua . Em 1973, o famoso grupo Jackson 5 apresentou na televisão uma dança chamada Robot (coreografada pelo artista pós -moderno Michael Jackson ), uma forma de dança cultivada em Richmond, CA. Este evento e as apresentações posteriores do Soul Train por dançarinos negros (como Don Cambell) deram início a uma revolução na cultura de rua, em certo sentido. B-boying em Nova York, Locking em LA, Popping em Fresno, CA, Boogaloo em Oakland, CA, Robot em Richmond, CA, todos tiveram suas próprias explosões criativas acontecendo no final dos anos 60 - 70. Cada um com suas próprias histórias, práticas, inovadores e fundamentos.

Para o surgimento da dança moderna do século XX, veja também: Mary Wigman , Gret Palucca , Harald Kreutzberg , Yvonne Georgi e Isadora Duncan .

A dança hip-hop começou quando Clive Campbell, também conhecido como Kool DJ Herc e pai do hip-hop, veio da Jamaica para Nova York em 1967. Trazendo as sementes do reggae de sua terra natal, ele é creditado como o primeiro DJ a usar dois toca-discos e cópias idênticas do mesmo disco para criar suas jams. Mas foi sua extensão das pausas nessas músicas – a seção musical onde as batidas percussivas eram mais agressivas – que lhe permitiu criar e nomear uma cultura de garotos e garotas quebrados que a abandonavam quando os intervalos surgiam. Abreviadamente denominados b-boys e b-girls, esses dançarinos fundaram o breakdancing , que agora é uma pedra angular da dança hip-hop.

Veja também

Referências

Leitura adicional

  • Adshead-Lansdale, J. (ed.) (1994). História da Dança: Uma Introdução . Routledge. ISBN  0-415-09030-X .
  • Charman, S. Kraus, R, G. Chapman, S. e Dixon-Stowall, B. (1990). História da Dança na Arte e na Educação . Pearson Educação. ISBN  0-13-389362-6 .
  • Dils, A. (2001). Movendo a História/Culturas Dançantes: Um Leitor da História da Dança . Imprensa da Universidade Wesleyana. ISBN  0-8195-6413-3 .
  • Wallace, Carol McD.; et ai. (1986). Dança: uma história muito social . Nova York: Museu Metropolitano de Arte. ISBN 9780870994869.
  • Madeira, Melusina (1952). Algumas danças históricas do século XII ao XIX; sua maneira de desempenho e seu lugar na vida social da época , Londres: Imperial Society of Teachers of Dancing.

links externos