Harmony - Harmony

Quartetos de barbearia , como este grupo da Marinha dos Estados Unidos, cantam peças de 4 partes, compostas por uma linha melódica (normalmente a principal) e 3 partes de harmonia.

Na música , harmonia é o processo pelo qual a composição de sons individuais, ou superposições de sons, é analisada pela audição. Normalmente, isso significa frequências , tons ( tons , notas ) ou acordes que ocorrem simultaneamente .

A harmonia é uma propriedade perceptiva da música e, junto com a melodia , um dos blocos de construção da música ocidental . Sua percepção é baseada na consonância , um conceito cuja definição mudou várias vezes ao longo da música ocidental. Em uma abordagem fisiológica, a consonância é uma variável contínua. Relacionamentos de tons consonantais são descritos como soando mais agradáveis, eufônicos e bonitos do que relacionamentos dissonantes que soam desagradáveis, discordantes ou ásperos.

O estudo da harmonia envolve acordes e sua construção e progressões de acordes e os princípios de conexão que os regem.

Costuma-se dizer que a harmonia se refere ao aspecto "vertical" da música, em contraste com a linha melódica , ou ao aspecto "horizontal".

O contraponto , que se refere à relação entre as linhas melódicas, e a polifonia , que se refere ao som simultâneo de vozes independentes separadas, são, portanto, às vezes distinguidos da harmonia.

Na harmonia popular e no jazz , os acordes são nomeados por sua raiz, além de vários termos e caracteres que indicam suas qualidades. Em muitos tipos de música, notavelmente barroca, romântica, moderna e jazz, os acordes são frequentemente aumentados com "tensões". Uma tensão é um membro de acorde adicional que cria um intervalo relativamente dissonante em relação ao baixo.

Normalmente, no período de prática comum clássica , um acorde dissonante (acorde com tensão) "resolve" em um acorde consonantal. A harmonização geralmente soa agradável ao ouvido quando há um equilíbrio entre os sons consonantais e dissonantes. Em palavras simples, isso ocorre quando há um equilíbrio entre os momentos "tensos" e "relaxados".

Etimologia e definições

O termo harmonia deriva do grego ἁρμονία harmonia , que significa "conjunto, concordância, concórdia", do verbo ἁρμόζω harmozō , "(Ι) encaixar, unir". No passado, a harmonia frequentemente se referia a todo o campo da música, enquanto a música se referia às artes em geral. Na Grécia Antiga, o termo definia a combinação de elementos contrastados : uma nota aguda e uma nota grave. No entanto, não está claro se o som simultâneo de notas fazia parte da prática musical grega antiga; a harmonía pode ter fornecido apenas um sistema de classificação das relações entre os diferentes tons. Na Idade Média, o termo era usado para descrever duas notas que soavam combinadas e, na Renascença, o conceito foi expandido para denotar três notas que soavam juntas. Aristoxeno escreveu uma obra intitulada Harmonika Stoicheia , que é considerada a primeira obra na história da Europa escrita sobre o tema da harmonia.

Rameau 's Traité de l'harmonie ( Tratado sobre a Harmonia ), 1722

Foi somente com a publicação de Rameau 's Traité de l'harmonie ( Tratado sobre a Harmonia ) em 1722 que qualquer texto discutindo a prática musical fez uso do termo no título, embora essa obra não seja o primeiro registro de discussão teórica da tema. O princípio subjacente a esses textos é que a harmonia sanciona a harmonia (sons que agradam) ao se conformar a certos princípios composicionais pré-estabelecidos.

As definições atuais do dicionário, ao tentar fornecer descrições concisas, freqüentemente destacam a ambigüidade do termo no uso moderno. Ambiguidades tendem a surgir tanto de considerações estéticas (por exemplo, a visão de que apenas acordes agradáveis ​​podem ser harmoniosos) ou do ponto de vista da textura musical (distinguindo entre harmônicos (tons que soam simultaneamente) e "contrapontísticos" (tons que soam sucessivamente). as palavras de Arnold Whittall :

Embora toda a história da teoria musical pareça depender exatamente dessa distinção entre harmonia e contraponto, não é menos evidente que os desenvolvimentos na natureza da composição musical ao longo dos séculos presumiram a interdependência - às vezes chegando à integração, em outras uma fonte de tensão contínua - entre as dimensões vertical e horizontal do espaço musical.

A visão de que a harmonia tonal moderna na música ocidental começou por volta de 1600 é comum na teoria musical. Isso geralmente é explicado pela substituição da composição horizontal (ou contrapontística ), comum na música do Renascimento , por uma nova ênfase no elemento vertical da música composta. Os teóricos modernos, entretanto, tendem a ver isso como uma generalização insatisfatória. De acordo com Carl Dahlhaus :

Não foi que o contraponto foi suplantado pela harmonia (o contraponto tonal de Bach certamente não é menos polifônico do que a escrita modal de Palestrina), mas que um tipo mais antigo de contraponto e de técnica vertical foi sucedido por um tipo mais novo. E a harmonia compreende não apenas a estrutura ("vertical") dos acordes, mas também seu movimento ("horizontal"). Como a música como um todo, a harmonia é um processo.

Descrições e definições de harmonia e prática harmônica geralmente mostram tendências em relação às tradições musicais europeias (ou ocidentais ), embora muitas culturas pratiquem a harmonia vertical. Além disso, música de arte do Sul da Ásia ( Hindustani e Carnatic música ) é frequentemente citado como colocar pouca ênfase no que é percebido na prática ocidental como harmonia convencional; a base harmônica subjacente para a maioria das músicas do sul da Ásia é o drone , um quinto intervalo mantido aberto (ou quarto intervalo) que não altera o tom ao longo do curso de uma composição. A simultaneidade do pitch em particular raramente é uma consideração importante. No entanto, muitas outras considerações de altura são relevantes para a música, sua teoria e sua estrutura, como o complexo sistema de Rāgas , que combina considerações e codificações melódicas e modais dentro dele.

Portanto, combinações complexas de tons que soam simultaneamente ocorrem na música clássica indiana - mas raramente são estudadas como progressões harmônicas teleológicas ou contrapontísticas - como na música ocidental notada. Essa ênfase contrastante (no que diz respeito à música indiana em particular) se manifesta nos diferentes métodos de performance adotados: na música indiana a improvisação assume um papel importante na estrutura estrutural de uma peça, enquanto na música ocidental a improvisação tem sido incomum desde o final de o século 19. Onde isso ocorre na música ocidental (ou ocorreu no passado), a improvisação embeleza a música pré-notada ou se baseia em modelos musicais previamente estabelecidos em composições notadas e, portanto, usa esquemas harmônicos familiares.

A ênfase no pré-composto na música artística europeia e na teoria escrita que o cerca mostra um viés cultural considerável. O Dicionário Grove de Música e Músicos ( Oxford University Press ) identifica isso claramente:

Na cultura ocidental, as músicas que mais dependem da improvisação, como o jazz, são tradicionalmente consideradas inferiores à música artística, na qual a pré-composição é considerada fundamental. A concepção de músicas que vivem nas tradições orais como algo composto com o uso de técnicas de improvisação as separa das obras de maior destaque que usam a notação.

No entanto, a evolução da prática harmônica e da própria linguagem, na música da arte ocidental, é e foi facilitada por esse processo de composição anterior, que permitiu o estudo e análise por teóricos e compositores de obras individuais pré-construídas nas quais tons (e em certa medida ritmos) permaneceram inalterados, independentemente da natureza da apresentação.

Regras históricas

A música religiosa do início do Ocidente freqüentemente apresenta intervalos perfeitos paralelos; esses intervalos preservariam a clareza da canção original . Essas obras foram criadas e executadas em catedrais e fizeram uso dos modos ressonantes de suas respectivas catedrais para criar harmonias. À medida que a polifonia se desenvolveu, no entanto, o uso de intervalos paralelos foi lentamente substituído pelo estilo inglês de consonância que usava terças e sextas. O estilo inglês foi considerado como tendo um som mais doce e era mais adequado à polifonia, pois oferecia maior flexibilidade linear na escrita das partes.

Exemplo de harmonias implícitas na suíte para violoncelo de JS Bach no. 1 em G, BWV 1007, barras 1–2. Tocar ou Tocar harmoniaSobre este som Sobre este som 

Tipos

Feche a tríade Dó maior. JogarSobre este som 
Abra a tríade Dó maior. JogarSobre este som 

Carl Dahlhaus (1990) distingue entre harmonia coordenada e subordinada . Harmonia subordinada é a tonalidade hierárquica ou harmonia tonal bem conhecida hoje. Harmonia coordenada é o antigo tonalité ancienne medieval e renascentista , "O termo significa que as sonoridades estão ligadas uma após a outra sem dar origem à impressão de um desenvolvimento direcionado a um objetivo. Um primeiro acorde forma uma 'progressão' com um segundo acorde, e um segundo com um terceiro. Mas a progressão de acordes anterior é independente da posterior e vice-versa. " A harmonia coordenada segue relacionamentos diretos (adjacentes) em vez de indiretos como nos subordinados. Os ciclos de intervalo criam harmonias simétricas, que foram amplamente utilizadas pelos compositores Alban Berg , George Perle , Arnold Schoenberg , Béla Bartók e Edgard Varèse 's Density 21.5 .

A harmonia estreita e a harmonia aberta usam acordes de posição fechada e de posição aberta, respectivamente. Veja: Voicing (música) e Harmonia fechada e aberta .

Outros tipos de harmonia são baseados nos intervalos dos acordes usados ​​nessa harmonia. A maioria dos acordes da música ocidental é baseada na harmonia "terciária", ou acordes construídos com intervalos de terças. No acorde C maior7, C – E é uma terça maior; E – G é uma terça menor; e G para B é uma terça maior. Outros tipos de harmonia consistem em harmonia quartal e quintal .

Um uníssono é considerado um intervalo harmônico, assim como uma quinta ou terça, mas é único por ser duas notas idênticas produzidas juntas. O uníssono, como componente da harmonia, é importante, principalmente na orquestração. Na música pop, o canto uníssono é geralmente chamado de duplicação , uma técnica que os Beatles usaram em muitas de suas gravações anteriores. Como um tipo de harmonia, cantar em uníssono ou tocar as mesmas notas, muitas vezes usando instrumentos musicais diferentes, ao mesmo tempo é comumente chamado de harmonização monofônica .

Intervalos

Um intervalo é a relação entre dois tons musicais separados. Por exemplo, na melodia " Twinkle Twinkle Little Star ", entre as duas primeiras notas (a primeira "twinkle") e as duas segundas notas (a segunda "twinkle") está o intervalo de uma quinta. O que isso significa é que se as duas primeiras notas fossem a altura C , as segundas duas notas seriam a altura "G" - quatro notas da escala ou sete notas cromáticas (uma quinta perfeita), acima dela.

Os seguintes são intervalos comuns:

Raiz Terço maior Terço menor Quinto
C E E G
D F F A
D F F UMA
E G G B
E G G B
F UMA A C
F A UMA C
G B B D
A C C E
UMA C C E
B D D F
B D D F

Portanto, a combinação de notas com seus intervalos específicos - um acorde - cria harmonia. Por exemplo, em um acorde C, existem três notas: C, E e G. A nota C é a tônica. As notas E e G fornecem harmonia, e em um acorde G7 (Sol dominante com 7ª), a tônica G com cada nota subsequente (neste caso B, Ré e F) fornece a harmonia.

Na escala musical, existem doze alturas. Cada tom é conhecido como um "grau" da escala. Os nomes A, B, C, D, E, F e G são insignificantes. Os intervalos, entretanto, não são. Aqui está um exemplo:

1 ° 2 ° 3 ° 4 ° 5 ° 6 ° 7 ° 8 °
C D E F G UMA B C
D E F G UMA B C D

Como pode ser visto, nenhuma nota terá sempre o mesmo grau de escala. A tônica , ou nota de primeiro grau, pode ser qualquer uma das 12 notas (classes de altura) da escala cromática. Todas as outras notas se encaixam. Por exemplo, quando C é a tônica, o quarto grau ou subdominante é F. Quando D é a tônica, o quarto grau é G. Embora os nomes das notas permaneçam constantes, eles podem se referir a diferentes graus de escala, implicando em diferentes intervalos em relação a a tônica. O grande poder desse fato é que qualquer obra musical pode ser tocada ou cantada em qualquer tom. É a mesma peça musical, desde que os intervalos sejam os mesmos - transpondo assim a melodia para a tonalidade correspondente. Quando os intervalos ultrapassam a oitava perfeita (12 semitons), esses intervalos são chamados de intervalos compostos , que incluem particularmente os intervalos 9, 11 e 13 - amplamente usados ​​na música jazz e blues .

Os intervalos compostos são formados e nomeados da seguinte forma:

  • 2ª + oitava = 9ª
  • 3ª + oitava = 10ª
  • 4ª + oitava = 11ª
  • 5ª + oitava = 12ª
  • 6ª + oitava = 13ª
  • 7ª + oitava = 14ª

A razão pela qual os dois números não "somam" corretamente é que uma nota é contada duas vezes. Além dessa categorização, os intervalos também podem ser divididos em consoantes e dissonantes. Conforme explicado nos parágrafos seguintes, os intervalos consonantais produzem uma sensação de relaxamento e os intervalos dissonantes uma sensação de tensão. Na música tonal, o termo consoante também significa "traz resolução" (pelo menos até certo ponto, enquanto a dissonância "requer resolução").

Os intervalos consonantais são considerados o uníssono perfeito , oitava , quinta , quarta e maior e terceira e sexta menor, e suas formas compostas. Um intervalo é referido como "perfeito" quando a relação harmônica é encontrada na série harmônica natural (a saber, o uníssono 1: 1, oitava 2: 1, quinta 3: 2 e quarta 4: 3). Os outros intervalos básicos (segundo, terceiro, sexto e sétimo) são chamados de "imperfeitos" porque as relações harmônicas não são encontradas matematicamente exatas na série harmônica. Na música clássica, o quarto perfeito acima do baixo pode ser considerado dissonante quando sua função é contrapontística . Outros intervalos, o segundo e o sétimo (e suas formas compostas) são considerados dissonantes e requerem resolução (da tensão produzida) e geralmente preparação (dependendo do estilo musical).

Observe que o efeito da dissonância é percebido relativamente dentro do contexto musical: por exemplo, um intervalo maior de sétima sozinho (ou seja, C até B) pode ser percebido como dissonante, mas o mesmo intervalo como parte de um acorde de sétima maior pode soar relativamente consoante . Um trítono (o intervalo da quarta etapa à sétima etapa da escala maior, ou seja, F a B) soa muito dissonante sozinho, mas nem tanto no contexto de um acorde dominante com 7ª (G7 ou D 7 nesse exemplo) .

Acordes e tensão

Na tradição ocidental, na música após o século XVII, a harmonia é manipulada por acordes , que são combinações de classes de notas . Na harmonia terciária , assim denominada após o intervalo de uma terça, os membros dos acordes são encontrados e nomeados por empilhamento de intervalos da terça, começando com a "tônica", depois a "terça" acima da tônica e a "quinta" acima a tônica (que é uma terça acima da terceira), etc. (Observe que os membros do acorde são nomeados após seu intervalo acima da tônica.) As díades , os acordes mais simples, contêm apenas dois membros (consulte os acordes poderosos ).

Um acorde com três membros é chamado de tríade porque tem três membros, não porque seja necessariamente construído em terças (consulte harmonia quartal e quintal para acordes construídos com outros intervalos). Dependendo do tamanho dos intervalos sendo empilhados, diferentes qualidades de acordes são formados. Na harmonia popular e no jazz, os acordes são nomeados por sua raiz, além de vários termos e caracteres que indicam suas qualidades. Para manter a nomenclatura o mais simples possível, alguns padrões são aceitos (não tabulados aqui). Por exemplo, os membros do acorde C, E e G, formam uma tríade C maior, chamada por padrão simplesmente um acorde C. Em um acorde A (pronuncia-se A-bemol), os membros são A , C e E .

Em muitos tipos de música, notavelmente barroca, romântica, moderna e jazz, os acordes são frequentemente aumentados com "tensões". Uma tensão é um membro de acorde adicional que cria um intervalo relativamente dissonante em relação ao baixo. Seguindo a prática terciária de construir acordes empilhando terças, a primeira tensão mais simples é adicionada a uma tríade ao empilhar, no topo da tônica existente, terceira e quinta, outra terça acima da quinta, adicionando um novo membro potencialmente dissonante a uma sétima longe da tônica (chamada de "sétima" do acorde) produzindo um acorde de quatro notas chamado de " acorde de sétima ".

Dependendo da largura das terças individuais empilhadas para formar o acorde, o intervalo entre a tônica e a sétima do acorde pode ser maior, menor ou diminuto. (O intervalo de uma sétima aumentada reproduz a tônica e, portanto, é omitido da nomenclatura de acordes.) A nomenclatura permite que, por padrão, "C7" indique um acorde com uma tônica, terceira, quinta e sétima soletradas C, E , G e B . Outros tipos de acordes de sétima devem ser nomeados de forma mais explícita, como "Dó maior 7" (soletrado C, E, G, B), "Dó 7 aumentado" (aqui a palavra aumentada se aplica à quinta, não à sétima, soletrada C , E, G , B ), etc. (Para uma exposição mais completa da nomenclatura, consulte Chord (música) .)

Continuar a empilhar terças no topo de um acorde de sétima produz extensões e traz as "tensões estendidas" ou "tensões superiores" (aquelas mais de uma oitava acima da raiz quando empilhadas em terças), as nonas, décimas primeiras e décimas terceiras. Isso cria os acordes com os nomes deles. (Observe que, exceto para díades e tríades, os tipos de acordes tertianos são nomeados para o intervalo de maior tamanho e magnitude em uso na pilha, não para o número de membros do acorde: assim, um nono acorde tem cinco membros [tônico, 3º, 5º , 7º, ] , não nove.) Extensões além do décimo terceiro reproduzem membros de acordes existentes e são (geralmente) deixados de fora da nomenclatura. Harmonias complexas baseadas em acordes estendidos são encontradas em abundância no jazz, música romântica tardia, obras orquestrais modernas, música para filmes, etc.

Normalmente, no período de prática comum clássica , um acorde dissonante (acorde com tensão) se transforma em um acorde consonantal. A harmonização geralmente soa agradável ao ouvido quando há um equilíbrio entre os sons consonantais e dissonantes. Em palavras simples, isso ocorre quando há um equilíbrio entre os momentos "tensos" e "relaxados". Por esse motivo, geralmente a tensão é 'preparada' e depois 'resolvida', onde preparar a tensão significa colocar uma série de acordes consonantais que conduzem suavemente ao acorde dissonante. Desta forma, o compositor garante a introdução suave da tensão, sem perturbar o ouvinte. Uma vez que a peça atinge seu subclímax, o ouvinte precisa de um momento de relaxamento para dissipar a tensão, que é obtida tocando um acorde consonantal que resolve a tensão dos acordes anteriores. A eliminação dessa tensão geralmente soa agradável ao ouvinte, embora nem sempre seja o caso na música do final do século XIX, como Tristan und Isolde de Richard Wagner.

Percepção

A harmoniosa tríade maior é composta por três tons. Sua relação de frequência corresponde a aproximadamente 6: 5: 4. Em performances reais, entretanto, o terceiro é geralmente maior do que 5: 4. A proporção 5: 4 corresponde a um intervalo de 386 centavos , mas uma terça maior igualmente temperada tem 400 centavos e uma terça pitagórica com uma proporção de 81:64 é 408 centavos. As medições de frequências em boas performances confirmam que o tamanho da terça maior varia nesta faixa e pode até ficar fora dela sem soar desafinada. Portanto, não há uma conexão simples entre as relações de frequência e a função harmônica.

Vários recursos contribuem para a percepção da harmonia de um acorde.

Fusão tonal

A fusão tonal contribui para a consonância percebida de um acorde, descrevendo o grau em que vários tons são ouvidos como um único tom unitário. Os acordes que têm mais parciais coincidentes (componentes de frequência) são percebidos como mais consoantes, como a oitava e a quinta perfeita . O espectro desses intervalos se assemelha ao de um tom uniforme. De acordo com essa definição, uma tríade maior se funde melhor do que uma tríade menor e um acorde maior com sétima menor que uma sétima maior-maior ou uma sétima menor . Essas diferenças podem não ser prontamente aparentes em contextos temperados, mas podem explicar por que as tríades maiores são geralmente mais prevalentes do que as menores e as sétimas maiores e menores são geralmente mais prevalentes do que as outras sétimas (apesar da dissonância do intervalo de trítono) na música tonal principal .

Em registros de órgão, certas combinações de intervalos harmônicos e acordes são ativados por uma única tecla. Os sons produzidos se fundem em um tom com um novo timbre. Este efeito de fusão tonal também é usado em sintetizadores e arranjos orquestrais; por exemplo, no Bolero # 5 de Ravel , as partes paralelas de flautas, trompa e celesta se assemelham ao som de um órgão elétrico.

Rugosidade

Quando harmônicos adjacentes em tons complexos interferem uns nos outros, eles criam a percepção do que é conhecido como "batimento" ou "aspereza". Esses preceitos estão intimamente relacionados à dissonância percebida dos acordes. Para interferir, os parciais devem estar dentro de uma largura de banda crítica, que é uma medida da capacidade do ouvido de separar frequências diferentes. A largura de banda crítica fica entre 2 e 3 semitons em frequências altas e torna-se maior em frequências mais baixas. O intervalo mais bruto na escala cromática é a segunda menor e sua inversão , a sétima maior. Para envelopes espectrais típicos na faixa central, o segundo intervalo mais bruto é a segunda maior e a sétima menor, seguidas pelo trítono, a terça menor ( sexta maior ), a terça maior ( sexta menor ) e a quarta perfeita (quinta).

Familiaridade

A familiaridade também contribui para a harmonia percebida de um intervalo. Acordes que costumam ser ouvidos em contextos musicais tendem a soar mais consoantes. Este princípio explica o aumento histórico gradual na complexidade harmônica da música ocidental. Por exemplo, por volta de 1600 acordes de sétima não preparados gradualmente se tornaram familiares e, portanto, foram gradualmente percebidos como mais consoantes.

Características individuais, como idade e experiência musical, também afetam a percepção da harmonia.

Correlatos neurais de harmonia

O colículo inferior é uma estrutura do mesencéfalo que é o primeiro local de integração auditiva binaural , processando informações auditivas das orelhas esquerda e direita. As respostas de frequência seguinte (FFRs) registradas no meio do cérebro exibem picos de atividade que correspondem aos componentes de frequência de um estímulo tonal. A extensão em que os FFRs representam com precisão as informações harmônicas de um acorde é chamada de saliência neural, e esse valor é correlacionado com as avaliações comportamentais da agradabilidade percebida dos acordes.

Em resposta aos intervalos harmônicos, a atividade cortical também distingue os acordes por sua consonância, respondendo de forma mais robusta aos acordes com maior consonância.

Consonância e dissonância em equilíbrio

A criação e destruição de tensões harmônicas e "estatísticas" é essencial para a manutenção do drama composicional. Qualquer composição (ou improvisação) que permaneça consistente e 'regular' durante todo o tempo é, para mim, equivalente a assistir a um filme apenas com 'mocinhos', ou comer queijo cottage.

-  Frank Zappa , The Real Frank Zappa Book , página 181, Frank Zappa e Peter Occhiogrosso, 1990

Veja também

Referências

Notas de rodapé

Citações

  • Dahlhaus, Carl. Gjerdingen, Robert O. trad. (1990). Studies in the Origin of Harmonic Tonality , p. 141. Princeton University Press. ISBN  0-691-09135-8 .
  • van der Merwe, Peter (1989). Origens do Estilo Popular: Os Antecedentes da Música Popular do Século XX . Oxford: Clarendon Press. ISBN  0-19-316121-4 .
  • Nettles, Barrie & Graf, Richard (1997). A Teoria da Escala de Acordes e a Harmonia do Jazz . Advance Music, ISBN  3-89221-056-X

Leitura adicional

links externos