Arte francesa - French art

Virgem com o Menino em marfim francês , final do século XIII, com 25 cm de altura, curvada para se adaptar à forma da presa de marfim.

A arte francesa consiste nas artes visuais e plásticas (incluindo arquitetura francesa , marcenaria, têxteis e cerâmica) originárias da área geográfica da França . A França moderna foi o principal centro da arte europeia do Paleolítico Superior , depois deixou muitos monumentos megalíticos e, na Idade do Ferro, muitos dos achados mais impressionantes da arte celta primitiva . O período galo-romano deixou um estilo de escultura provinciano distinto, e a região ao redor da fronteira franco-alemã moderna liderou o império na produção em massa de cerâmica da Roma Antiga finamente decorada , que foi exportada para a Itália e outros lugares em grande escala. Com a arte merovíngia, começa a história dos estilos franceses como um elemento distinto e influente no desenvolvimento mais amplo da arte da Europa cristã.

Pode-se dizer com justiça que a França foi líder no desenvolvimento da arte românica e gótica , antes que o Renascimento levasse a Itália a se tornar a principal fonte de desenvolvimento estilístico até que a França igualasse a influência da Itália durante os períodos Rococó e Neoclassicismo e, então, recuperasse o papel principal nas Artes de 19 a meados do século 20.

Visão geral histórica

Pré-história

Vista frontal e lateral da Vênus de Brassempouy

Atualmente, a arte europeia mais antiga conhecida é a partir do Paleolítico Superior período de entre 40.000 e 10.000 anos atrás e França tem uma grande selecção de extant arte pré-histórica do chatelperroniana , Aurignacian , Solutrean , Gravettian e Magdalenian culturas. Essa arte inclui pinturas rupestres , como as famosas pinturas de Pech Merle in the Lot em Languedoc, que datam de 16.000 aC, em Lascaux , localizada perto da vila de Montignac , na Dordonha , datando de 13.000 a 15.000 aC, ou talvez , já em 25.000 aC, a Caverna Cosquer , a Caverna Chauvet datada de 29.000 aC e a caverna Trois-Frères ; e arte portátil , como esculturas de animais e grandes estatuetas de deusas chamadas estatuetas de Vênus , como a " Vênus de Brassempouy " de 21.000 aC, descoberta em Landes , agora no museu do Château de Saint-Germain-en-Laye ou no Vênus de Lespugue no Musée de l'Homme . Contas ornamentais, alfinetes de osso, esculturas, bem como pontas de flechas de pedra e sílex também estão entre os objetos pré-históricos da região da França.

Existem especulações de que apenas Homo sapiens são capazes de expressão artística, no entanto, um achado recente, a Máscara de la Roche-Cotard - um artefato Mousteriano ou Neandertal , encontrado em 2002 em uma caverna perto das margens do rio Loire , datando de cerca de 33.000 aC - agora sugere que os humanos de Neandertal podem ter desenvolvido uma tradição artística sofisticada e complexa.

Os alinhamentos Menec , o sítio megalítico mais conhecido entre as pedras de Carnac

No período Neolítico ( ver Europa Neolítica ), monumentos megalíticos (grandes pedras), como as antas e menires em Carnac , Saint-Sulpice-de-Faleyrens e em outras partes da França começam a aparecer; acredita-se que essa aparência tenha começado no quinto milênio aC, embora alguns autores especulem sobre as raízes mesolíticas . Na França existem cerca de 5.000 monumentos megalíticos, principalmente na Bretanha, onde existe a maior concentração desses monumentos. Nesta área existe uma grande variedade destes monumentos que se encontram bem preservados, como menires, antas, cromeleques e montes de pedras. O Monte de Gavrinis, no sul da Bretanha, é um exemplo notável de arte megalítica: seu corredor interno de 14 metros é quase totalmente adornado com esculturas ornamentais. O grande menir quebrado de Er-Grah , agora em quatro pedaços, tinha originalmente mais de 20 metros de altura, tornando-o o maior menir já erguido. A França também possui numerosas pedras pintadas, machados de pedra polida e menires com inscrições desse período. A área de Grand-Pressigny era conhecida por suas preciosas lâminas de silex e elas foram amplamente exportadas durante o Neolítico.

Na França, do Neolítico à Idade do Bronze , é possível encontrar uma variedade de culturas arqueológicas, incluindo a cultura Rössen de c. 4500–4000 aC, cultura de copo de c. 2.800–1900 aC, cultura Tumulus de c. 1600–1200 aC, cultura de Urnfield de c. 1300–800 aC e, em uma transição para a Idade do Ferro , a cultura de Hallstatt de c. 1200–500 aC.

Para mais informações sobre sítios pré-históricos no oeste da França, consulte Pré-história da Bretanha .

Períodos celta e romano

Das culturas Proto-Celtic Urnfield e Hallstat, uma arte continental da Idade do Ferro Celta se desenvolveu; principalmente associada à cultura La Tène , que floresceu durante o final da Idade do Ferro de 450 aC até a conquista romana no primeiro século aC. Esta arte baseou-se em fontes nativas, clássicas e talvez mediterrâneas . Os celtas da Gália são conhecidos por seus numerosos túmulos e túmulos encontrados em toda a França.

A arte celta é muito ornamental, evitando linhas retas e apenas ocasionalmente usando simetria, sem a imitação da natureza nem ideal de beleza central para a tradição clássica , mas aparentemente, muitas vezes envolve simbolismo complexo. Esta obra de arte inclui uma variedade de estilos e muitas vezes incorpora elementos sutilmente modificados de outras culturas, um exemplo sendo o entrelaçamento de sobra e de outro que chegou à França apenas no século VI, embora já fosse usado por artistas germânicos . O túmulo celta de Vix na atual Borgonha revelou a maior cratera de bronze da Antiguidade, que provavelmente foi importada por aristocratas celtas da Grécia.

A região da Gália ( latim : Gallia ) ficou sob o domínio do Império Romano do primeiro século aC ao século V dC. O sul da França, e especialmente a Provença e o Languedoc, é conhecido por seus muitos monumentos galo-romanos intactos. Lugdunum , a Lyon moderna, foi na época do Império Romano a maior cidade fora da Itália e deu à luz dois imperadores romanos. A cidade ainda possui alguns vestígios romanos, incluindo um teatro. Obras monumentais deste período incluem o anfiteatro em Orange, Vaucluse , a " Maison Carrée " em Nîmes que é um dos templos romanos mais bem preservados da Europa, a cidade de Vienne perto de Lyon, que apresenta um templo excepcionalmente bem preservado (o templo de Augusto e Lívia), um circo e outros vestígios, o aqueduto Pont du Gard que também se encontra em excepcional estado de conservação, as cidades romanas de Glanum e Vaison-la-Romaine , duas arenas galo-romanas intactas em Nîmes e Arles , e os banhos romanos e a arena de Paris .

Período medieval

Arte merovíngia

A arte merovíngia é a arte e a arquitetura da dinastia merovíngia dos francos , que durou do século V ao século VIII na França e na Alemanha atuais . O advento da dinastia merovíngia na Gália durante o século V levou a mudanças importantes nas artes. Na arquitetura, não havia mais o desejo de construir edifícios robustos e harmoniosos. A escultura voltou a ser pouco mais do que uma simples técnica de ornamentação de sarcófagos , altares e móveis eclesiásticos. Por outro lado, o surgimento do trabalho em ouro e da iluminação do manuscrito trouxe um ressurgimento da decoração celta , que, com contribuições cristãs e outras, constitui a base da arte merovíngia. A unificação do reino franco sob Clovis I (465-511) e seus sucessores correspondeu à necessidade de construir igrejas. Os planos para eles provavelmente foram copiados das basílicas romanas . Infelizmente, essas estruturas de madeira não sobreviveram devido à destruição pelo fogo, seja acidental ou causado pelos normandos no momento de suas incursões.

Arte carolíngia

Evangelhos de Aachen, c. 820, um exemplo de iluminação carolíngia

A arte carolíngia é o período aproximado de 120 anos de 750 a 900 - durante o reinado de Carlos Martel , Pippin , o Jovem , Carlos Magno e seus herdeiros imediatos - popularmente conhecido como Renascimento Carolíngio . A era carolíngia é o primeiro período do movimento de arte medieval conhecido como pré-românico . Pela primeira vez, reis do norte da Europa patrocinaram formas clássicas de arte romana mediterrânea, combinando formas clássicas com germânicas, criando inovações totalmente novas no desenho de estatuetas e preparando o cenário para o surgimento da arte românica e, eventualmente, da arte gótica no Ocidente .

Manuscritos iluminados, trabalhos em metal, esculturas em pequena escala, mosaicos e afrescos sobrevivem do período. Os carolíngios também realizaram grandes campanhas de construção arquitetônica em várias igrejas na França. Estes incluem, os de Metz , Lyon , Vienne , Le Mans , Reims , Beauvais , Verdun , Saint-Germain em Auxerre , Saint-Pierre em Flavigny e Saint-Denis , bem como o centro da cidade de Chartres . A Abadia Centula de Saint-Riquier ( Somme ), concluída em 788, foi uma grande conquista da arquitetura monástica. Outro edifício importante (quase todo perdido hoje) foi a "Villa de Teodulfo" em Germigny-des-Prés .

Com o fim do domínio carolíngio por volta de 900, a produção artística foi interrompida por quase três gerações. Após o fim do Império Carolíngio, a França se dividiu em várias províncias rivais, sem qualquer patrocínio organizado. A arte francesa dos séculos X e XI foi produzida por mosteiros locais para promover a alfabetização e a piedade; no entanto, os estilos primitivos produzidos não eram tão habilidosos quanto as técnicas do período carolíngio anterior.

Vários estilos regionais desenvolvidos com base na disponibilidade aleatória de manuscritos carolíngios como modelos para cópia e na disponibilidade de artistas itinerantes. O mosteiro de Saint Bertin tornou-se um centro importante sob seu abade Odbert (986–1007), que criou um novo estilo baseado nas formas anglo-saxãs e carolíngias. A vizinha abadia de St. Vaast (Pas-de-Calais) também criou uma série de obras importantes. No sudoeste da França, vários manuscritos foram produzidos c. 1000, no mosteiro de Saint Martial em Limoges , bem como em Albi , Figeac e Saint-Sever-de-Rustan na Gasconha . Em Paris, um estilo único desenvolvido na abadia de Saint-Germain-des-Prés . Na Normandia, um novo estilo surgiu em 975. No final do século X, com o movimento de reforma Cluny e um espírito revivificado para o conceito de Império, a produção artística foi retomada.

Tímpano central do nártex da Abadia de Vézelay em Vézelay , 1140-1150

Arte românica

A arte românica refere-se à arte da Europa Ocidental durante um período de cento e cinquenta anos, de aproximadamente 1000 dC ao surgimento do estilo gótico , que surgiu em meados do século XII na França. A "Arte Românica" foi marcada por um interesse renovado pelas técnicas de construção romanas. Por exemplo, os capitéis do século XII no claustro de Saint-Guilhem-le-Désert , adotam um motivo de folha de acanto e o uso decorativo de furos, que eram comumente encontrados em monumentos romanos. Outros edifícios românicos importantes na França incluem a abadia de Saint-Benoît-sur-Loire em Loiret , as igrejas de Saint-Foy em Conques de Aveyron , Saint-Martin em Tours , Saint-Philibert em Tournus de Saône-et-Loire , Saint -Remi em Reims e Saint-Sernin em Toulouse . Em particular, a Normandia experimentou uma grande campanha de construção nas igrejas de Bernay , Mont-Saint-Michel , Catedral de Coutances e Bayeux .

Interior da Chapelle Haute, Sainte Chapelle , Paris

A maioria das esculturas românicas foi integrada à arquitetura da igreja, não apenas para fins estéticos, mas também para fins estruturais. A escultura em pequena escala durante o período pré-românico foi influenciada pela escultura bizantina e cristã primitiva . Outros elementos foram adotados de vários estilos locais de países do Oriente Médio. Os motivos foram derivados das artes do "bárbaro", como figuras grotescas, bestas e padrões geométricos, que eram todos acréscimos importantes, principalmente nas regiões ao norte dos Alpes. Entre as importantes obras escultóricas do período estão as talhas em marfim do mosteiro de Saint Gall . A escultura monumental raramente era praticada separadamente da arquitetura no período pré-românico. Pela primeira vez após a queda do Império Romano, a escultura monumental emergiu como uma forma de arte significativa. Fachadas de igrejas cobertas , portas e capitéis aumentaram e expandiram em tamanho e importância, como no Tímpano do Juízo Final , em Beaulieu-sur-Dordogne e no Profeta Permanente em Moissac . Portas monumentais, fontes batismais e castiçais, freqüentemente decorados com cenas da história bíblica, foram fundidos em bronze, atestando as habilidades dos metalúrgicos contemporâneos. Afrescos foram aplicados às abóbadas e paredes das igrejas. Têxteis ricos e objetos preciosos em ouro e prata, como cálices e relicários, foram produzidos em número crescente para atender às necessidades da liturgia e servir ao culto dos santos. No século XII, a escultura em pedra em grande escala se espalhou pela Europa. Nas igrejas românicas francesas da Provença , Borgonha e Aquitânia , esculturas adornavam as fachadas e estátuas foram incorporadas aos capitéis.

gótico

A arte e a arquitetura góticas foram produtos de um movimento de arte medieval que durou cerca de trezentos anos. Tudo começou na França, desenvolvendo-se a partir do período românico em meados do século XII. No final do século XIV, ela evoluiu para um estilo mais secular e natural conhecido como Gótico Internacional , que continuou até o final do século XV, quando evoluiu ainda mais, para a arte renascentista . Os principais meios de arte gótica eram esculturas , pinturas em painéis , vitrais , afrescos e manuscritos iluminados .

O Portal Ocidental (Real) na Catedral de Chartres, c. 1145, essas estátuas arquitetônicas são as primeiras esculturas góticas, uma revolução no estilo e os modelos para uma geração de escultores

A arquitetura gótica nasceu em meados do século XII na Île-de-France , quando o abade Suger construiu a abadia de St. Denis , c. 1140, considerada a primeira construção gótica, e logo depois, a Catedral de Chartres , c. 1145. Antes disso, não havia tradição de escultura na Île-de-France - então escultores foram trazidos da Borgonha , que criaram as figuras revolucionárias atuando como colunas no Portal Ocidental (Real) da Catedral de Chartres ( ver imagem ) - era uma invenção inteiramente nova na arte francesa e serviria de modelo para uma geração de escultores. Outras igrejas góticas notáveis ​​na França incluem a Catedral de Bourges , a Catedral de Amiens , Notre-Dame de Laon , Notre Dame em Paris , a Catedral de Reims , a Sainte-Chapelle em Paris , a Catedral de Estrasburgo .

As designações de estilos na arquitetura gótica francesa são as seguintes: Gótico antigo, Gótico alto, Rayonnant e Gótico tardio ou "Flamboyant". A divisão nessas divisões é eficaz, mas discutível. Como as catedrais góticas foram construídas ao longo de vários períodos sucessivos, e os artesãos de cada período não necessariamente seguindo os desejos de períodos anteriores, o estilo arquitetônico dominante muitas vezes mudou durante a construção de um edifício particular. Conseqüentemente, é difícil declarar um edifício como pertencente a certa época da arquitetura gótica. É mais útil usar os termos como descritores para elementos específicos dentro de uma estrutura, em vez de aplicá-los ao edifício como um todo.

As idéias francesas se espalharam. A escultura gótica evoluiu do estilo inicial rígido e alongado, ainda parcialmente românico, para um tratamento espacial e naturalista no final do século XII e início do século XIII. As influências das esculturas gregas e romanas que sobreviveram foram incorporadas ao tratamento da cortina, da expressão facial e da pose do escultor holandês-borgonhês, Claus Sluter , e o gosto pelo naturalismo sinalizou pela primeira vez o fim da escultura gótica, evoluindo para o estilo renascentista clássico no final do século XV.

Enguerrand Quarton , The Coronation of the Virgin , 1452-53

A pintura em um estilo que pode ser chamado de "gótico" não apareceu até cerca de 1200, quase cinquenta anos após o início da arquitetura e escultura gótica. A transição do românico para o gótico é muito imprecisa e de forma alguma claramente delineada, mas pode-se ver o início de um estilo mais sombrio, sombrio e emocional do que o período anterior. Essa transição ocorre primeiro na Inglaterra e na França por volta de 1200, na Alemanha por volta de 1220 e na Itália por volta de 1300. A pintura, a representação de imagens em uma superfície, era praticada durante o período gótico em quatro ofícios primários, afrescos , pinturas em painel e iluminação manuscrita e vitrais . Os afrescos continuaram a ser usados ​​como a principal arte narrativa pictórica nas paredes das igrejas no sul da Europa, como uma continuação das primeiras tradições cristãs e românicas. No norte, os vitrais permaneceram a forma de arte dominante até o século XV. No final do século 14 e durante o século 15, as cortes principescas francesas como as dos duques de Borgonha, o duque de Anjou ou o duque de Berry, bem como o papa e os cardeais de Avignon empregavam pintores renomados, como os irmãos Limbourg , Barthélemy d'Eyck , Enguerrand Quarton ou Jean Fouquet , que desenvolveram o denominado estilo gótico internacional que se espalhou pela Europa e incorporou a nova influência flamenga, bem como as inovações dos primeiros artistas italianos do Renascimento.

Período moderno inicial

Diana, a Caçadora - Escola de Fontainebleau, 1550–1560

No final do século XV, a invasão francesa da Itália e a proximidade da vibrante corte da Borgonha , com suas conexões flamengas, colocaram os franceses em contato com os produtos, as pinturas e o espírito criativo do Renascimento italiano e do norte . As primeiras mudanças artísticas naquela época na França foram executadas por artistas italianos e flamengos, como Jean Clouet e seu filho François Clouet , junto com os italianos Rosso Fiorentino , Francesco Primaticcio e Niccolò dell'Abbate do que costuma ser chamado de primeira escola de Fontainebleau a partir de 1531. Leonardo da Vinci também foi convidado para a França por François I, mas além das pinturas que trouxe consigo, ele produziu pouco para o rei francês.

A arte do período de Francisco I a Henrique IV muitas vezes é fortemente inspirada por desenvolvimentos pictóricos e escultóricos italianos tardios comumente referidos como Maneirismo , que está associado às obras posteriores de Michelangelo , bem como Parmigianino , entre outros. É caracterizada por figuras alongadas e graciosas que dependem da retórica visual , incluindo o uso elaborado de alegoria e mitologia . Talvez a maior conquista do Renascimento francês foi a construção dos castelos do Vale do Loire . Não mais concebidos como fortalezas, esses palácios de prazer aproveitam a riqueza dos rios e terras da região do Loire e apresentam notável habilidade arquitetônica.

Barroco e Classicismo

Les Bergers d'Arcadie de Nicolas Poussin, 1637-38

O século XVII marcou uma época de ouro para a arte francesa em todos os campos. No início do século XVII, as tendências maneiristas tardias e do início do barroco continuaram a florescer na corte de Maria de Médicis e Luís XIII . A arte deste período mostra influências tanto do norte da Europa, nomeadamente das escolas holandesa e flamenga, como de pintores romanos da Contra-Reforma . Artistas na França freqüentemente debatiam os méritos contrastantes de Peter Paul Rubens com seu barroco flamengo, linhas voluptuosas e cores para Nicolas Poussin com seu controle racional, proporção, estilo barroco classicista romano. Outro proponente do classicismo trabalhando em Roma foi Claude Gellée , conhecido como Le Lorrain, que definiu a forma da paisagem clássica.

Muitos jovens pintores franceses do início do século foram a Roma para treinar e logo assimilaram a influência de Caravaggio como Valentin de Boulogne e Simon Vouet . Este último é creditado por trazer o barroco para a França e em seu retorno a Paris em 1627, ele foi nomeado o primeiro pintor do rei. Mas a pintura francesa logo se afastou da extravagância e do naturalismo do barroco italiano e pintores como Eustache Le Sueur e Laurent de La Hyre , seguindo o exemplo de Poussin, desenvolveram uma forma classicista conhecida como aticismo parisiense , inspirado na Antiguidade, e com foco na proporção, harmonia e o importância do desenho. Mesmo Vouet, após seu retorno da Itália, mudou sua maneira para um estilo mais comedido, mas ainda altamente decorativo e elegante.

Georges de La Tour , O Penitente Madalena , c. 1640.

Mas, ao mesmo tempo, ainda havia uma forte escola barroca caravaggisti representada no período pelas incríveis pinturas à luz de velas de Georges de La Tour . Os miseráveis ​​e os pobres eram retratados de maneira quase holandesa nas pinturas dos três irmãos Le Nain . Nas pinturas de Philippe de Champaigne, há retratos propagandísticos do ministro de Luís XIII , cardeal Richelieu, e outros retratos mais contemplativos de pessoas da seita católica jansenista .

Na arquitetura, arquitetos como Salomon de Brosse , François Mansart e Jacques Lemercier ajudaram a definir a forma francesa do barroco, desenvolvendo a fórmula do hôtel particulier urbano que influenciaria toda a Europa e se distanciava fortemente do equivalente italiano, o palazzo . Muitos castelos aristocráticos foram reconstruídos no novo estilo barroco clássico, alguns dos mais famosos sendo Maisons e Cheverny , caracterizados por telhados altos "à la française" e uma forma que manteve o modelo medieval do castelo adornado com torres salientes.

De meados ao final do século XVII, a arte francesa é mais frequentemente referida pelo termo "Classicismo", que implica uma adesão a certas regras de proporção e sobriedade não características do Barroco, como era praticado na maior parte do resto da Europa durante o mesmo período. No governo de Luís XIV , o barroco, como era praticado na Itália, não era do gosto francês, por exemplo, já que a famosa proposta de Bernini para redesenhar o Louvre foi rejeitada por Luís XIV.

Por meio de propaganda , guerras e grandes obras arquitetônicas, Luís XIV lançou um vasto programa projetado para a glorificação da França e de seu nome. O Palácio de Versalhes , inicialmente um pequeno pavilhão de caça construído por seu pai, foi transformado por Luís XIV em um palácio maravilhoso para festas e festas, sob a direção do arquiteto Luís Le Vau (que também havia construído o castelo de Vaux-le-Vicomte ) e Jules Hardouin Mansart (que construiu a igreja dos Invalides em Paris), o pintor e designer Charles Le Brun , e o paisagista André Le Nôtre que aperfeiçoou a forma racional do jardim francês que de Versalhes se espalhou por toda a Europa.

Para a escultura, o reinado de Luís XIV também foi um momento importante, graças à proteção do rei de artistas como Pierre Puget , François Girardon e Antoine Coysevox . Em Roma, Pierre Legros , trabalhando de forma mais barroca, foi um dos escultores mais influentes do final do século.

Rococó e Neoclassicismo

Boiseries do Salon de la princesse de Germain Boffrand , hôtel de Soubise , Paris

Rococó e Neoclassicismo são termos usados ​​para descrever as artes visuais e plásticas e a arquitetura na Europa desde o início do século XVIII até o final do século XVIII. Na França, a morte de Luís XIV em 1715 levou a um período de liberdade comumente chamado de Régence . Versalhes foi abandonado de 1715 a 1722, o jovem rei Luís XV e o governo liderado pelo duque de Orléans residindo em Paris. Aí surgiu um novo estilo nas artes decorativas, conhecido como rocaille  : a assimetria e o dinamismo do barroco foram mantidos mas renovados num estilo menos retórico e com efeitos menos pomposos, uma investigação mais aprofundada da artificialidade e utilização de motivos inspirados na natureza . Essa maneira usada para decorar quartos e móveis também existia na pintura. A pintura Rocaillle voltou-se para temas mais leves, como as "fêtes galantes", cenários de teatro, agradáveis ​​narrativas mitológicas e o nu feminino. Na maioria das vezes, os lados moralizantes dos mitos ou pinturas históricas são omitidos e o acento é colocado no aspecto decorativo e agradável das cenas retratadas. As pinturas da época dão ênfase mais à cor do que ao desenho, com aparentes pinceladas e cenas muito coloridas. Importantes pintores franceses desse período incluem Antoine Watteau , considerado o inventor da fête galante , Nicolas Lancret e François Boucher , conhecido por suas delicadas cenas pastorais e galantes. A pintura de retratos em pastel tornou-se particularmente em moda na Europa na época e a França era o principal centro de atividade dos pastores, com as figuras proeminentes de Maurice Quentin de La Tour , Jean-Baptiste Perronneau e o suíço Jean-Étienne Liotard .

Inspiração de Jean-Honoré Fragonard , 1769

O estilo de decoração de Luís XV , embora já aparente no final do último reinado, era mais claro com cores pastel, painéis de madeira, salas menores, menos douramento e menos brocados; conchas, guirlandas e temas chineses ocasionais predominavam. Os fabricantes de Chantilly , Vincennes e, em seguida, Sèvres produziram algumas das melhores porcelanas da época. Os ébénistes altamente qualificados , marceneiros com sede principalmente em Paris, criaram peças de mobiliário elaboradas com preciosos ornamentos de madeira e bronze que deveriam ser altamente elogiados e imitados em toda a Europa. Os mais famosos são Jean-François Oeben , que criou a mesa de trabalho do rei Luís XV em Versalhes, Bernard II van Risamburgh e Jean-Henri Riesener . Artistas altamente qualificados, chamados de ciseleur-doreurs , se especializaram em ornamentos de bronze para móveis e outras peças de artes decorativas - sendo os mais famosos Pierre Gouthière e Pierre-Philippe Thomire . Ourives talentosos como Thomas Germain e seu filho François-Thomas Germain criaram serviços de talheres elaborados que foram altamente elogiados por vários royalties da Europa. Quarto em castelos e hôtels particuliers eram mais íntima do que durante o reino de Louis XIV e foram decorados com estilo rocalhas boiseries (painéis de madeira entalhadas que cobrem as paredes de um quarto) concebidas por arquitectos como Germain Boffrand e Gilles-Marie Oppenord ou ornemanistes (designers de objetos decorativos) como Juste-Aurèle Meissonnier .

Os arquitetos mais proeminentes da primeira metade do século foram, além de Boffrand, Robert de Cotte e Ange-Jacques Gabriel , que projetaram praças públicas como a place de la Concorde em Paris e a place de la Bourse em Bordeaux em um estilo conscientemente inspirado por aquele da época de Luís XIV. Durante a primeira metade do século, a França substituiu a Itália como centro artístico e principal influência artística na Europa e muitos artistas franceses trabalharam em outras cortes do continente.

A segunda metade do século XVIII continuou a ver a preeminência francesa na Europa, particularmente por meio das artes e das ciências, e o falar a língua francesa era esperado para os membros das cortes europeias. O sistema acadêmico francês continuou a produzir artistas, mas alguns, como Jean-Honoré Fragonard e Jean-Baptiste-Siméon Chardin , exploraram estilos de pintura novos e cada vez mais impressionistas com pinceladas espessas. Embora a hierarquia dos gêneros continuasse a ser respeitada oficialmente, a pintura de gênero , a paisagem , o retrato e a natureza-morta estavam extremamente na moda. Chardin e Jean-Baptiste Oudry foram saudados por suas naturezas mortas, embora este fosse oficialmente considerado o mais baixo de todos os gêneros na hierarquia de temas de pintura.

Prometeu de Nicolas-Sébastien Adam , 1762

Também se encontra neste período um aspecto pré-romântico . As imagens de ruínas de Hubert Robert , inspiradas nas pinturas de capricho italiano , são típicas a esse respeito, assim como a imagem de tempestades e fuzileiros navais ao luar de Claude Joseph Vernet . Da mesma forma, a mudança do jardim francês racional e geométrico de André Le Nôtre para o jardim inglês , que enfatizava a natureza artificialmente selvagem e irracional. Também se encontram em alguns desses jardins - curiosas ruínas de templos - chamados de "loucuras".

A última metade do século XVIII assistiu a uma virada para o Neoclassicismo na França, isto é, um uso consciente das formas e iconografia grega e romana . Esse movimento foi promovido por intelectuais como Diderot, em reação à artificialidade e à essência decorativa do estilo rocaille . Na pintura, o maior representante desse estilo é Jacques-Louis David , que, espelhando os perfis dos vasos gregos, enfatizou o uso do perfil. Seu assunto frequentemente envolvia história clássica, como a morte de Sócrates e Brutus. A dignidade e o tema de suas pinturas foram amplamente inspirados nas obras de Nicolas Poussin do século XVII. Poussin e David foram, por sua vez, grandes influências em Jean Auguste Dominique Ingres . Outros importantes pintores neoclássicos do período são Jean-Baptiste Greuze , Joseph-Marie Vien e, no gênero do retrato, Élisabeth Louise Vigée Le Brun . O neoclassicismo também penetrou nas artes decorativas e na arquitetura.

Arquitetos como Ledoux e Boullée desenvolveram um estilo radical de arquitetura neoclássica baseado em formas geométricas simples e puras com uma pesquisa de simetria e harmonia, elaborando projetos visionários como o complexo das Salinas de Arc-et-Senans de Ledoux, um modelo de um ideal fábrica desenvolvida a partir dos conceitos racionais dos pensadores iluministas .

Período moderno

século 19

A Revolução Francesa e as guerras napoleônicas trouxeram grandes mudanças para as artes na França. O programa de exaltação e criação de mitos com o imperador Napoleão I da França foi estreitamente coordenado nas pinturas de David, Gros e Guérin. Jean-Auguste-Dominique Ingres foi a principal figura do neoclassicismo até a década de 1850 e um professor de destaque, dando prioridade ao desenho sobre a cor. Enquanto isso, o orientalismo , os motivos egípcios, o anti-herói trágico , a paisagem selvagem, o romance histórico e as cenas da Idade Média e da Renascença - todos esses elementos do romantismo - criaram um período vibrante que desafia uma classificação fácil. O pintor romântico mais importante da época foi Eugène Delacroix, que teve uma carreira pública de sucesso e foi o principal adversário de Ingres. Antes dele, Théodore Géricault abriu o caminho para o romantismo com sua monumental Jangada da Medusa exposta no Salão de 1819. Camille Corot tentou escapar da forma convencional e idealizada de pintura de paisagem influenciada pelo classicismo para ser mais realista e sensível às variações atmosféricas ao mesmo tempo.

O Massacre de Chios , Eugène Delacroix, 1824

As tendências românticas continuaram ao longo do século, tanto a pintura de paisagem idealizada quanto o realismo têm suas sementes no romantismo. A obra de Gustave Courbet e a escola de Barbizon são desenvolvimentos lógicos a partir dela, assim como o simbolismo do final do século XIX de pintores como Gustave Moreau , o professor de Henri Matisse e Georges Rouault , bem como Odilon Redon .

A pintura acadêmica desenvolvida na École des Beaux-Arts foi a que mais teve sucesso junto ao público e ao Estado: pintores altamente formados como Jean-Léon Gérôme , William Bouguereau e Alexandre Cabanel pintaram cenas históricas inspiradas na antiguidade, seguindo os passos de Ingres e os neoclássico. Embora criticados por seu convencionalismo pelos jovens pintores e críticos de vanguarda, os mais talentosos dos pintores acadêmicos renovaram o gênero histórico, inspirando-se em múltiplas culturas e técnicas, como o Oriente e os novos enquadramentos possibilitados pela invenção da fotografia

Para muitos críticos, Édouard Manet escreveu sobre o século XIX e o período moderno (da mesma forma que Charles Baudelaire faz na poesia). Sua redescoberta da pintura espanhola da idade de ouro, sua vontade de mostrar a tela sem pintura, sua exploração do nu puro e suas pinceladas radicais são os primeiros passos em direção ao impressionismo. O impressionismo levaria a escola de Barbizon um passo adiante, rejeitando de uma vez por todas um estilo elaborado e o uso de cores misturadas e preto, para efeitos transitivos frágeis de luz capturados ao ar livre na mudança de luz (em parte inspirado nas pinturas de JMW Turner e Eugène Boudin ). Isso levou a Claude Monet com suas catedrais e palheiros, Pierre-Auguste Renoir com seus primeiros festivais ao ar livre e seu estilo posterior de nus rosados, Edgar Degas com seus dançarinos e banhistas. Outros impressionistas importantes foram Alfred Sisley , Camille Pissarro e Gustave Caillebotte .

Depois que esse limiar foi cruzado, os próximos trinta anos se tornaram uma litania de experimentos surpreendentes. Vincent van Gogh , holandês nascido, mas morando na França, abriu o caminho para o expressionismo . Georges Seurat , influenciado pela teoria da cor, desenvolveu uma técnica pontilhista que governou o experimento impressionista e foi seguida por Paul Signac . Paul Cézanne , o pintor de um pintor, tentou uma exploração geométrica do mundo, que deixou muitos de seus pares indiferentes. Paul Gauguin , um banqueiro, encontrou o simbolismo na Bretanha ao longo de Émile Bernard e depois o exotismo e o primitivismo na Polinésia Francesa . Esses pintores foram chamados de pós-impressionistas . Les Nabis , movimento da década de 1890, reagrupando pintores como Paul Sérusier , Pierre Bonnard , Édouard Vuillard e Maurice Denis , foi influenciado pelo exemplo de Gauguin na Bretanha: exploraram uma arte decorativa em planícies com a abordagem gráfica de uma gravura japonesa. Eles pregavam que uma obra de arte é o produto final e a expressão visual da síntese da natureza de um artista em metáforas e símbolos estéticos pessoais. Henri Rousseau , o autodidata e intrometido postmaster, tornou-se o modelo para a revolução ingênua.

século 20

Claude Monet , Catedral de Rouen, Fachada (pôr do sol) , c. 1892-1894

Os primeiros anos do século XX foram dominados por experimentos de cor e conteúdo que o Impressionismo e o Pós-Impressionismo desencadearam. Os produtos do Extremo Oriente também trouxeram novas influências. Quase ao mesmo tempo, Les Fauves ( Henri Matisse , André Derain , Maurice de Vlaminck , Albert Marquet , Raoul Dufy , Othon Friesz , Charles Camoin , Henri Manguin ) explodiram em cores, bem como o expressionismo alemão .

A descoberta das máscaras tribais africanas por Pablo Picasso , um espanhol residente em Paris, levou-o a criar suas Les Demoiselles d'Avignon de 1907. Trabalhando de forma independente, Picasso e Georges Braque retomaram e refinaram a forma racional de compreensão de objetos em um apartamento de Cézanne médio, suas experiências em cubismo também os levariam a integrar todos os aspectos e objetos da vida cotidiana, colagem de jornais, instrumentos musicais, cigarros, vinho e outros objetos em suas obras. O cubismo em todas as suas fases dominaria as pinturas da Europa e da América pelos próximos dez anos. (Veja o artigo sobre cubismo para uma discussão completa.)

A Primeira Guerra Mundial não impediu a criação dinâmica de arte na França. Em 1916, um grupo de descontentes se reuniu em um bar de Zurique, o Cabaret Voltaire , e criou o gesto mais radical possível, a anti-arte do Dada . Ao mesmo tempo, Francis Picabia e Marcel Duchamp exploravam noções semelhantes. Em uma mostra de arte em 1917 em Nova York , Duchamp apresentou um urinol de porcelana branca ( Fountain ) assinado por R. Mutt como obra de arte, tornando-se o pai do readymade .

Quando Dada chegou a Paris, foi avidamente abraçado por um grupo de jovens artistas e escritores que eram fascinados pelos escritos de Sigmund Freud , particularmente por sua noção de mente inconsciente . O espírito provocador do dadá ficou ligado à exploração da mente inconsciente por meio do uso da escrita automática , operações casuais e, em alguns casos, estados alterados. Os surrealistas rapidamente se voltaram para a pintura e a escultura. O choque de elementos inesperados, o uso de Frottage , colagem e decalcomania , a representação de paisagens misteriosas e imagens sonhadas se tornariam as técnicas-chave durante o resto da década de 1930.

Georges Braque , Violin and Candlestick , 1910

Imediatamente após essa guerra, a cena artística francesa divergiu aproximadamente em duas direções. Houve aqueles que continuaram nas experiências artísticas de antes da guerra, especialmente o surrealismo, e outros que adotaram o novo expressionismo abstrato e a action painting de Nova York, executando-os à francesa usando o taquismo ou L'art informel . Paralelo a essas duas tendências, Jean Dubuffet dominou os primeiros anos do pós-guerra enquanto explorava desenhos infantis, graffiti e desenhos animados em uma variedade de mídias.

O final dos anos 1950 e o início dos anos 1960 na França viram formas de arte que podem ser consideradas Pop Art . Yves Klein fez com que atraentes mulheres nuas rolassem com tinta azul e se atirassem em telas. Victor Vasarely inventou a Op-Art projetando padrões óticos sofisticados. Artistas do movimento Fluxus , como Ben Vautier, incorporaram graffiti e encontraram objetos em seus trabalhos. Niki de Saint Phalle criou figuras plásticas inchadas e vibrantes. Arman reuniu objetos encontrados em montagens em caixas ou revestidas de resina, e César Baldaccini produziu uma série de grandes esculturas de objetos comprimidos. Em maio de 1968, o movimento jovem radical, por meio de seu ateliê populaire , produziu uma grande quantidade de cartazes protestando contra as políticas moribundas do presidente Charles de Gaulle .

Muitos artistas contemporâneos continuam a ser assombrados pelos horrores da Segunda Guerra Mundial e pelo espectro do Holocausto. As instalações angustiantes de Christian Boltanski sobre os perdidos e anônimos são particularmente poderosas.

Museus de arte francesa e ocidental da França

Em Paris

Perto de Paris

Fora de paris

Principais museus

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Outros museus

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Museus têxteis e de tapeçaria

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Vocabulário

Palavras e expressões francesas que tratam das artes:

Veja também

Referências e leituras adicionais

  • Anthony Blunt : Arte e Arquitetura na França 1500-1700 ISBN   0-300-05314-2
  • André Chastel. Arte francesa Vol I: Pré-história à Idade Média ISBN   2-08-013566-X
  • André Chastel. Arte francesa Vol II: The Renaissance ISBN   2-08-013583-X
  • André Chastel. Arte francesa Vol III: O Antigo Regime ISBN   2-08-013617-8
  • "Arte francesa no Museu de Arte de Saint Louis", site http://frenchart.umsl.edu .