Retrato do doador - Donor portrait

Este presépio do século 15, de Rogier van der Weyden, mostra o doador vestido com elegância integrado à cena principal, o painel central de um tríptico .

Um retrato de um doador ou retrato votivo é um retrato em uma pintura maior ou outro trabalho que mostra a pessoa que encomendou e pagou pela imagem, ou um membro de sua família ou (muito mais raramente) dela. Retrato de doador geralmente se refere ao retrato ou retratos de doadores apenas, como uma seção de uma obra maior, enquanto o retrato votivo pode muitas vezes se referir a toda uma obra de arte pretendida como um ex-voto , incluindo, por exemplo, uma Madonna, especialmente se o doador é muito proeminente. Os termos não são usados ​​de forma muito consistente pelos historiadores da arte, como Angela Marisol Roberts aponta, e também podem ser usados ​​para assuntos religiosos menores que provavelmente foram feitos para serem retidos pelo comissário em vez de doados a uma igreja.

Os retratos de doadores são muito comuns em obras de arte religiosas, especialmente pinturas, da Idade Média e Renascimento , sendo o doador geralmente representado ajoelhado de lado, no primeiro plano da imagem. Freqüentemente, mesmo no final da Renascença, os retratos de doadores, especialmente quando de uma família inteira, estarão em uma escala muito menor do que as figuras principais, desafiando a perspectiva linear . Em meados do século XV, os doadores começaram a aparecer integrados na cena principal, como espectadores e até participantes.

Colocação

Painel lateral macho de Europ 's Tríptico de Wilhelm Moreel ; o pai é sustentado por seu santo padroeiro , com seus cinco filhos atrás dele. O painel central está aqui .

O objetivo dos retratos de doadores era homenagear o doador e sua família e, especialmente, solicitar orações por eles após sua morte. Presentes para a igreja de edifícios, retábulos ou grandes áreas de vitrais eram frequentemente acompanhados por um legado ou condição de que missas para o doador fossem rezadas em perpetuidade, e retratos das pessoas em questão eram considerados para encorajar orações em seu nome durante estes, e em outras ocasiões. Exibir retratos em um lugar público também era uma expressão de status social; retratos de doadores sobrepostos a monumentos túmulos em igrejas, a outra forma principal de atingir esses fins, embora os retratos de doadores tivessem a vantagem de que o doador poderia vê-los exibidos durante sua própria vida.

Lado feminino do Tríptico de Memling de Wilhelm Moreel , a mãe, Barbara Van Hertsvelde, é sustentada por sua santa padroeira , com suas onze filhas atrás dela. O painel central está aqui .

Além disso, retratos de doadores em pinturas primitivas holandesas sugerem que seu propósito adicional era servir como modelos para o observador em oração durante sua própria meditação emocional e oração - não para ser imitado como pessoas ideais como os santos pintados, mas para servir como um espelho para o destinatário refletir sobre si mesmo e sua condição pecaminosa, idealmente levando-o ao conhecimento de si mesmo e de Deus. Fazer isso durante a oração está de acordo com os conceitos medievais de oração, totalmente desenvolvidos pela Devoção Moderna. Esse processo pode ser intensificado se o observador que ora for o próprio doador.

Quando um edifício inteiro foi financiado, uma escultura do patrono pode ser incluída na fachada ou em outra parte do edifício. Jan van Eyck de Rolin Madonna é uma pequena pintura, onde os doadores Nicolas Rolin ações o espaço pintando igualmente com a Madonna e criança, mas Rolin deu grandes somas de dinheiro para sua igreja paroquial, onde ele foi enforcado, que é representado pela igreja acima suas mãos orando na paisagem urbana atrás dele.

Às vezes, como no Retábulo de Gante , os doadores apareciam na vista fechada de um retábulo com alas móveis, ou em ambos os painéis laterais, como no Retábulo de Portinari e nos Memlings acima, ou apenas de um lado, como no Mérode Retábulo . Se estiverem em lados diferentes, os machos normalmente estarão à esquerda para o observador, a posição honorífica do lado direito dentro do espaço da imagem. Nos grupos familiares, as figuras são geralmente divididas por gênero. Também são encontrados grupos de membros de confrarias, às vezes com suas esposas. Membros adicionais da família, de nascimentos ou casamentos, podem ser acrescentados mais tarde, e as mortes podem ser registradas pela adição de pequenas cruzes nas mãos postas.

Pelo menos no norte da Itália, assim como os grandes retábulos e afrescos de grandes mestres que atraem a maior parte da atenção da história da arte, havia um grupo mais numeroso de pequenos afrescos com um único santo e doador nas paredes laterais, que eram susceptíveis de ser repintado assim que o número de velas acesas antes delas caísse ou um doador rico precisasse de espaço para um grande ciclo de afrescos, conforme retratado em um conto italiano do século 15:

E andando com o mestre pedreiro, examinando quais figuras deixar e quais destruir, o padre avistou um Santo Antônio e disse: 'Salve este'. Em seguida, ele encontrou uma figura de São Sano e disse: 'Este aqui deve ser eliminado, pois desde que sou o Sacerdote aqui nunca vi ninguém acender uma vela na frente dela, nem pareceu nunca eu útil; portanto, pedreiro, livre-se disso. '

História

Afrescos de Milão do século 13: Madonna e o Menino, Santo Ambrósio e o doador Bonamico Taverna)

Os retratos de doadores têm uma história contínua desde o final da Antiguidade , e o retrato no manuscrito do século 6, o Vienna Dioscurides, pode muito bem refletir uma tradição clássica estabelecida há muito tempo, assim como os retratos do autor encontrados no mesmo manuscrito fazem. Uma pintura nas Catacumbas de Commodilla de 528 mostra uma Virgem e o Menino tronados flanqueados por dois santos, com Turtura, uma doadora, na frente da santa mão esquerda, que tem a mão em seu ombro; composições muito semelhantes estavam sendo produzidas um milênio depois. Outra tradição que tinha precedentes pré-cristãos eram imagens reais ou imperiais mostrando o governante com uma figura religiosa, geralmente Cristo ou a Virgem Maria em exemplos cristãos, com as figuras divinas e reais mostradas se comunicando de alguma forma. Embora nenhum tenha sobrevivido, há evidências literárias de retratos de doadores em pequenas capelas do período cristão primitivo , provavelmente continuando as tradições dos templos pagãos.

Os painéis de mosaico do século 6 na Basílica de San Vitale em Ravenna do Imperador Justiniano I e da Imperatriz Teodora com cortesãos não são do tipo que mostra o governante recebendo aprovação divina, mas cada um mostra um do casal imperial em pé confiantemente com um grupo de atendentes, olhando para o visualizador. Sua escala e composição são as únicas entre os sobreviventes em grande escala. Também em Ravenna, há um pequeno mosaico de Justiniano, possivelmente originalmente de Teodorico o Grande, na Basílica de Sant'Apollinare Nuovo . No início da Idade Média , um grupo de retratos em mosaico em Roma de papas que encomendaram a construção ou reconstrução das igrejas que os continham mostram figuras de pé segurando modelos do edifício, geralmente entre um grupo de santos. Gradualmente, essas tradições desceram na escala social, especialmente em manuscritos iluminados , onde frequentemente são retratos do proprietário, já que os manuscritos foram retidos para uso pela pessoa que os encomendou. Por exemplo, uma capela em Mals, no Tirol do Sul, tem duas figuras de doadores de afrescos anteriores a 881, uma leiga e a outra de um clérigo tonsurado segurando um edifício modelo. Nos séculos subsequentes, bispos, abades e outros clérigos foram os doadores mais comumente mostrados, exceto a realeza, e permaneceram representados de forma proeminente em períodos posteriores.

Retratos de doadores de nobres e empresários ricos estavam se tornando comuns em encomendas no século 15, ao mesmo tempo que o retrato do painel estava começando a ser encomendado por esta classe - embora talvez haja mais retratos de doadores em obras maiores de igrejas que sobreviveram antes de 1450 do que retratos de painel. Um formato holandês muito comum de meados do século era um pequeno díptico com uma Madona e o Menino, geralmente na ala esquerda, e um "doador" à direita - o doador sendo aqui um proprietário, já que normalmente se pretendia manter na casa do sujeito. Nestes, o retrato pode adotar uma pose de oração, ou pode se apresentar mais como o assunto em um retrato puramente secular. O Díptico Wilton de Ricardo II da Inglaterra foi um precursor deles. Em alguns desses dípticos, o retrato do proprietário original foi pintado com o de um posterior.

Uma convenção particular em manuscritos iluminados era o "retrato de apresentação", onde o manuscrito começava com uma figura, muitas vezes ajoelhada, apresentando o manuscrito ao seu dono, ou às vezes o dono encomendando o livro. A pessoa que está apresentando pode ser um cortesão fazendo um presente para seu príncipe, mas geralmente é o autor ou o escriba, casos em que o destinatário realmente pagou pelo manuscrito.

Iconografia de figuras pintadas de doadores

Crucificação por Albrecht Altdorfer , c. 1514, com um minúsculo casal de doadores entre os pés das figuras principais. Altdorfer foi um dos últimos grandes artistas a manter essa convenção.

Durante a Idade Média, as figuras de doadores freqüentemente eram mostradas em uma escala muito menor do que as figuras sagradas; uma mudança datada por Dirk Kocks para o século 14, embora exemplos anteriores em manuscritos possam ser encontrados. Uma convenção posterior foi para figuras com cerca de três quartos do tamanho das principais. A partir do século XV, os primeiros pintores holandeses, como Jan van Eyck , integraram, com vários graus de sutileza, retratos de doadores no espaço da cena principal dos retábulos, na mesma escala das figuras principais.

Um estilo comparável pode ser encontrada em florentino pintura partir da mesma data, como em Masaccio da Santíssima Trindade (1425-1428), em Santa Maria Novella , onde, no entanto, os doadores são mostrados de joelhos em um fora peitoril e abaixo do cenário arquitetônico principal. Essa inovação, no entanto, não apareceu na pintura veneziana até a virada do século seguinte. Normalmente as figuras principais ignoram a presença dos intrusos nas cenas narrativas, embora santos observadores possam colocar uma mão de apoio no ombro em um painel lateral. Mas em assuntos devocionais como Madonna e criança , que eram mais provavelmente destinados à casa do doador, as figuras principais podem olhar ou abençoar o doador, como no Memling mostrado.

Antes do século 15, uma semelhança física pode não ter sido freqüentemente tentada ou alcançada; os indivíduos retratados podem, em qualquer caso, muitas vezes não estar disponíveis para o artista, ou mesmo vivos. Em meados do século 15, esse não era mais o caso, e doadores de quem outras semelhanças sobrevivem podem ser vistos como sendo cuidadosamente retratados, embora, como no Memling acima, as filhas em particular muitas vezes apareçam como belezas padronizadas no estilo do dia.

Apresentação de Cristo , por volta de 1470. Ao lado da Sagrada Família , as duas garotas vestidas na moda, e provavelmente o jovem à direita, são retratos de doadores.

Em cenas narrativas, eles começaram a ser trabalhados nas figuras da cena retratada, talvez uma inovação de Rogier van der Weyden , onde muitas vezes podem ser distinguidos por seus vestidos contemporâneos caros. Em Florença, onde já havia uma tradição de incluir retratos de notáveis ​​da cidade em cenas de multidão (mencionado por Leon Battista Alberti ), a Procissão dos Magos de Benozzo Gozzoli (1459-61), que reconhecidamente estava na capela particular do Palazzo Medici , é dominado pela procissão glamorosa contendo mais retratos dos Medici e seus aliados do que agora podem ser identificados. Em 1490, quando o grande ciclo de afrescos da Capela Tornabuoni de Domenico Ghirlandaio foi concluído, familiares e aliados políticos dos Tornabuoni povoam várias cenas em número considerável, além de retratos convencionais ajoelhados de Giovanni Tornabuoni e sua esposa. Em uma passagem frequentemente citada, John Pope-Hennessy fez uma caricatura de doadores italianos do século 16:

a moda do retrato coletivo cresceu e cresceu ... status e retrato tornaram-se inextricavelmente entrelaçados, e não havia quase nada que os clientes não fizessem para se intrometerem nas pinturas; apedrejariam as mulheres apanhadas em adultério, limpariam depois dos martírios, serviriam à mesa de Emaús ou na casa do fariseu. Os mais velhos na história de Suzannah eram algumas das poucas figuras que os venezianos respeitáveis ​​não estavam dispostos a personificar. ... a única contingência que eles não previram foi o que realmente aconteceu, que seus rostos sobreviveriam, mas seus nomes se perderiam.

Na Itália, os doadores ou proprietários raramente eram descritos como as principais figuras religiosas, mas nos tribunais do norte da Europa há vários exemplos disso no final do século 15 e no início do século 16, principalmente em pequenos painéis não para exibição pública. O mais notório deles é a representação como a Virgem lactante (ou apenas pós- lactante ) de Agnès Sorel (falecida em 1450), a amante de Carlos VII da França , em um painel de Jean Fouquet .

Retratos de doadores em obras para igrejas e heráldica excessivamente proeminente foram reprovados por intérpretes clericais dos decretos vagos sobre a arte do Concílio de Trento , como São Carlos Borromeu , mas sobreviveram até o período barroco e desenvolveram um equivalente secular na pintura histórica , embora aqui muitas vezes fossem as figuras principais que recebiam os traços do comissário. Um exemplo muito tardio do antigo formato holandês do tríptico com os doadores nos painéis das asas é o Tríptico de Rubens Rockox de 1613-15, uma vez em uma igreja sobre a lápide dos doadores e agora no Museu Real de Belas Artes de Antuérpia . O painel central mostra a Incredulidade de Thomas ("Duvidando de Thomas") e a obra como um todo é ambígua quanto a se os doadores são representados como ocupando o mesmo espaço da cena sagrada, com diferentes indicações em ambas as direções.

Um desenvolvimento secular posterior foi o portrait historié , onde grupos de retratistas posaram como figuras históricas ou mitológicas. Um dos grupos mais famosos e marcantes de retratos de doadores barrocas são de responsabilidade dos membros masculinos da Cornaro família, que estão assentados em caixas como se no teatro para ambos os lados do retábulo esculpido de Gian Lorenzo Bernini 's Êxtase de Santa Teresa ( 1652). Elas foram derivadas de afrescos de Pellegrino Tibaldi um século antes, que usam o mesmo conceito.

Embora retratos de doadores tenham sido relativamente pouco estudados como gênero distinto, tem havido mais interesse nos últimos anos e um debate sobre sua relação, na Itália, com o surgimento do individualismo com o Renascimento e também sobre as mudanças em sua iconografia após a Peste Negra de meados do século XIV.

Galeria

Notas

Referências

Leitura adicional

  • Dirk Kocks, Die Stifterdarstellung in der italienischen Malerei des 13.-15. Jahrhunderts (O retrato do doador na pintura italiana dos séculos 13 a 15), Colônia, 1971
  • John Pope-Hennessy ; The Portrait in Renaissance Art , Londres, 1966
  • Johanna Scheel, Das altniederländische Stifterbild. Emotionsstrategien des Sehens und der Selbsterkenntnis , Berlim, 2013