Arte da Grécia Antiga - Ancient Greek art

Héracles e Atenas , lado em forma de figura negra de uma ânfora abdominal pelo Pintor Andokides , c. 520/510 BC
O Altar Helenístico de Pérgamo : I para r Nereu , Doris , um gigante , Oceanus
Hades raptando Perséfone , pintura de parede do século 4 a.C. na pequena tumba real macedônia em Vergina

A arte grega antiga se destaca entre as de outras culturas antigas por seu desenvolvimento de representações naturalistas, mas idealizadas, do corpo humano, nas quais figuras masculinas em grande parte nuas eram geralmente o foco da inovação. A taxa de desenvolvimento estilístico entre cerca de 750 e 300 aC era notável para os padrões antigos e, nas obras que sobreviveram, é melhor vista na escultura . Houve importantes inovações na pintura, que devem ser essencialmente reconstruídas por falta de vestígios originais de qualidade, para além do domínio distinto da cerâmica pintada.

A arquitetura grega , tecnicamente muito simples, estabeleceu um estilo harmonioso com inúmeras convenções detalhadas que foram amplamente adotadas pela arquitetura romana e ainda são seguidas em alguns edifícios modernos. Ele usava um vocabulário de ornamento que era compartilhado com cerâmica, trabalho em metal e outras mídias, e teve uma enorme influência na arte eurasiana , especialmente depois que o budismo o levou além do mundo grego expandido criado por Alexandre, o Grande . O contexto social da arte grega incluiu desenvolvimentos políticos radicais e um grande aumento na prosperidade; as igualmente impressionantes realizações gregas na filosofia , literatura e outros campos são bem conhecidas.

A arte mais antiga dos gregos é geralmente excluída da "arte grega antiga" e, em vez disso, é conhecida como arte neolítica grega seguida pela arte do mar Egeu ; o último inclui a arte das Cíclades e a arte das culturas minóica e micênica da Idade do Bronze grega . A arte da Grécia antiga é geralmente dividida estilisticamente em quatro períodos: o geométrico , o arcaico , o clássico e o helenístico . A idade geométrica é geralmente datada de cerca de 1000 aC, embora na realidade pouco se saiba sobre a arte na Grécia durante os 200 anos anteriores, tradicionalmente conhecida como Idade das Trevas grega . O século 7 aC testemunhou o lento desenvolvimento do estilo arcaico, exemplificado pelo estilo de figuras negras na pintura de vasos. Por volta de 500 aC, pouco antes do início das Guerras Persas (480 aC a 448 aC), é geralmente considerada a linha divisória entre os períodos Arcaico e Clássico, e o reinado de Alexandre, o Grande (336 aC a 323 aC) é considerado como separando o período clássico do helenístico. A partir de algum ponto do século 1 aC em diante, "Greco-romano" é usado, ou termos mais locais para o mundo grego oriental.

Na realidade, não houve uma transição abrupta de um período para outro. As formas de arte desenvolveram-se em velocidades diferentes em diferentes partes do mundo grego e, como em qualquer época, alguns artistas trabalharam em estilos mais inovadores do que outros. Fortes tradições locais e as exigências dos cultos locais permitem que os historiadores localizem as origens até mesmo de obras de arte encontradas longe de seu local de origem. A arte grega de vários tipos foi amplamente exportada. Todo o período viu um aumento geralmente constante na prosperidade e nas ligações comerciais dentro do mundo grego e com as culturas vizinhas.

A taxa de sobrevivência da arte grega difere nitidamente entre as mídias. Temos enormes quantidades de cerâmica e moedas, muitas esculturas de pedra, embora ainda mais cópias romanas, e algumas grandes esculturas de bronze. Quase totalmente ausentes estão pinturas, vasos de metal finos e qualquer coisa em materiais perecíveis, incluindo madeira. A concha de pedra de vários templos e teatros sobreviveu, mas pouco de sua extensa decoração.

Cerâmica

Detalhe de um vaso de figura negra, c. 540. Branco, que não tem usado bem, e um vermelho-púrpura diferente também são usados.

Por convenção, vasos finamente pintados de todas as formas são chamados de "vasos", e há mais de 100.000 peças sobreviventes significativamente completas, dando (com as inscrições que muitos carregam) percepções sem paralelo em muitos aspectos da vida grega. A cerâmica escultural ou arquitetônica, também muitas vezes pintada, é chamada de terracota e também sobrevive em grandes quantidades. Em grande parte da literatura, "cerâmica" significa apenas vasos pintados ou "vasos". A cerâmica era a principal forma de túmulos depositados em tumbas, muitas vezes como "urnas funerárias" contendo as cinzas cremadas , e era amplamente exportada.

O estilo famoso e distinto da pintura de vaso grega com figuras retratadas com contornos fortes, com linhas finas dentro dos contornos, atingiu seu auge por volta de 600 a 350 aC e se divide em dois estilos principais, quase reversos um do outro, de preto -Figura e pintura de figura vermelha , a outra cor formando o fundo em cada caso. Outras cores eram muito limitadas, normalmente a pequenas áreas de branco e outras maiores de um vermelho púrpura diferente. Dentro das restrições dessas técnicas e de outras convenções fortes, os pintores de vasos alcançaram resultados notáveis, combinando requinte e expressão poderosa. A técnica de fundo branco permitia mais liberdade na representação, mas não vestia bem e era feita principalmente para enterros.

Interior de uma xícara ática de figura vermelha , cerca de 450

Convencionalmente, dizem que os gregos antigos faziam a maioria dos vasos de cerâmica para uso diário, não para exibição. As exceções são os grandes vasos monumentais arcaicos feitos como lápides, troféus ganhos em jogos, como as ânforas panatenaicas cheias de azeite de oliva e peças feitas especificamente para serem deixadas em túmulos; alguns frascos de perfume têm um fundo econômico logo abaixo da boca, então uma pequena quantidade faz com que pareçam cheios. Nas últimas décadas, muitos estudiosos questionaram isso, vendo muito mais produção do que se pensava anteriormente, feita para ser colocada em sepulturas, como um substituto mais barato para os utensílios de metal na Grécia e na Etrúria.

A maior parte da cerâmica sobrevivente consiste em recipientes para armazenar, servir ou beber líquidos como ânforas , kraters (tigelas para misturar vinho e água), hydria (jarras de água), tigelas de libação, garrafas de óleo e perfume para o banheiro, jarras e xícaras. Recipientes pintados para servir e comer alimentos são muito menos comuns. A cerâmica pintada era acessível até mesmo para as pessoas comuns, e uma peça "decorada decentemente com cerca de cinco ou seis dígitos custava cerca de dois ou três dias de salário". Miniaturas também eram produzidas em grande número, principalmente para serem usadas como oferendas nos templos. No período helenístico, uma gama mais ampla de cerâmica foi produzida, mas a maior parte dela é de pouca importância artística.

Fundo branco , sótão, c. 460, Cylix de Apollo , que derrama uma libação , detalhe.

Em períodos anteriores, mesmo cidades gregas bastante pequenas produziam cerâmica para sua própria localidade. Estes variavam amplamente em estilo e padrões. Cerâmica distinta que se classifica como arte foi produzida em algumas das ilhas do Egeu , em Creta , e nas ricas colônias gregas do sul da Itália e da Sicília . No período arcaico posterior e no início do período clássico, entretanto, as duas grandes potências comerciais, Corinto e Atenas , passaram a dominar. Sua cerâmica foi exportada para todo o mundo grego, expulsando as variedades locais. Os vasos de Corinto e Atenas são encontrados em lugares tão distantes quanto a Espanha e a Ucrânia , e são tão comuns na Itália que foram coletados pela primeira vez no século 18 como "vasos etruscos". Muitos desses potes são produtos produzidos em massa de baixa qualidade. Na verdade, por volta do século 5 aC, a cerâmica tornou-se uma indústria e a pintura em cerâmica deixou de ser uma importante forma de arte.

A gama de cores que podiam ser usadas nas panelas era restringida pela tecnologia de queima: preto, branco, vermelho e amarelo eram as mais comuns. Nos três primeiros períodos, os potes foram deixados em sua cor clara natural e decorados com barbatanas que ficavam pretas no forno.

A cerâmica grega é frequentemente assinada, às vezes pelo oleiro ou mestre da cerâmica, mas apenas ocasionalmente pelo pintor. Centenas de pintores são, no entanto, identificáveis por suas personalidades artísticas: onde suas assinaturas não sobreviveram eles são nomeados por suas escolhas de assunto, como "a Aquiles Painter ", pelo oleiro eles trabalhavam, como o falecido Archaic " Kleophrades Painter " , ou ainda por suas localizações modernas, como o Late Archaic " Berlin Painter ".

História

Krater geométrico médio , 99 cm de altura, sótão, c. 800-775 AC

A história da cerâmica da Grécia Antiga é dividida estilisticamente em cinco períodos:

  • o Protogeométrico de cerca de 1050 AC
  • o Geométrico de cerca de 900 AC
  • o Tardio Geométrico ou Arcaico de cerca de 750 AC
  • a Figura Negra do início do século 7 AC
  • e a Figura Vermelha de cerca de 530 AC

Durante os períodos Protogeométrico e Geométrico , a cerâmica grega foi decorada com desenhos abstratos, no primeiro geralmente elegante e grande, com bastante espaço sem pintura, mas no Geométrico muitas vezes cobrindo densamente a maior parte da superfície, como nos grandes vasos do Mestre Dipylon , que trabalhou por volta de 750. Ele e outros oleiros de sua época começaram a apresentar silhuetas muito estilizadas de humanos e animais, especialmente cavalos. Muitas vezes representam procissões fúnebres, ou batalhas, provavelmente representando aqueles travados pelo falecido.

A fase geométrica foi seguida por um período de orientalização no final do século VIII, quando alguns animais, muitos deles míticos ou não nativos da Grécia (como a esfinge e o leão, respectivamente) foram adaptados do Oriente Próximo, acompanhados por motivos decorativos, como o lótus e a palmeta. Estas foram mostradas muito maiores do que as figuras anteriores. O Wild Goat Style é uma variante regional, muitas vezes mostrando cabras . As figuras humanas não foram tão influenciadas pelo Oriente, mas também se tornaram maiores e mais detalhadas.

A técnica de figura negra totalmente madura , com detalhes em vermelho e branco adicionados e incisão para contornos e detalhes, originou-se em Corinto durante o início do século 7 aC e foi introduzida na Ática cerca de uma geração depois; floresceu até o final do século 6 aC. A técnica das figuras vermelhas , inventada por volta de 530 aC, inverteu essa tradição, com os potes sendo pintados de preto e as figuras pintadas de vermelho. Os vasos de figuras vermelhas lentamente substituíram o estilo de figuras negras. Às vezes, vasos maiores eram gravados e também pintados. Temas eróticos, tanto heterossexuais quanto homossexuais masculinos , tornaram-se comuns.

Por volta de 320 aC, a pintura figurativa de vasos finos cessou em Atenas e em outros centros gregos, com o estilo Kerch policromático um floreio final; provavelmente foi substituído por metal para a maioria de suas funções. West Slope Ware , com motivos decorativos em um corpo de vidro preto , continuou por mais de um século depois. A pintura italiana de figuras vermelhas terminou em cerca de 300, e no século seguinte os relativamente primitivos vasos Hadra , provavelmente de Creta , louças Centuripe da Sicília e ânforas panatenaicas , agora uma tradição congelada, eram os únicos grandes vasos pintados ainda feitos.

Metalwork

O Derveni Krater , século 4 aC, com Dionísio e Ariadne vistos aqui.

O trabalho em metal fino era uma arte importante na Grécia antiga, mas a produção posterior é muito mal representada por restos, a maioria dos quais provém dos confins do mundo grego ou além, de lugares distantes como a França ou a Rússia. Embarcações e joias eram produzidas de acordo com padrões elevados e exportadas para lugares distantes. Objetos em prata, na época valendo mais em relação ao ouro do que nos tempos modernos, eram frequentemente inscritos pelo fabricante com seu peso, já que eram tratados em grande parte como reservas de valor, e provavelmente seriam vendidos ou fundidos antes de muito grande.

Durante as fases Geométrica e Arcaica, a produção de grandes vasos de metal foi uma expressão importante da criatividade grega e uma etapa importante no desenvolvimento das técnicas de bronzeamento, como a fundição e o martelamento repousse . Os primeiros santuários, especialmente Olympia , renderam muitas centenas de tripés ou vasos de tripé de sacrifício , a maioria em bronze , depositados como votivos . Estes tinham uma tigela rasa com duas alças elevadas sobre três pernas; em versões posteriores, o suporte e a tigela eram peças diferentes. Durante o período de orientalização, esses tripés eram freqüentemente decorados com protomas figurais , em forma de grifos , esfinges e outras criaturas fantásticas.

As espadas, o capacete grego e muitas vezes a armadura corporal, como a couraça de músculos, eram feitas de bronze, às vezes decoradas com metais preciosos, como na couraça Ksour Essef do século III . Armaduras e "faixas de escudos" são dois dos contextos para tiras de cenas arcaicas de baixo relevo, que também eram fixadas em vários objetos de madeira; a banda no Vix Krater é um grande exemplo. Espelhos de bronze polido, inicialmente com costas decoradas e alças kore, eram outro item comum; o tipo posterior de "espelho dobrável" tinha peças de cobertura com dobradiças, geralmente decoradas com uma cena em relevo, tipicamente erótica. As moedas são descritas abaixo.

Desde o final do Arcaico, a melhor metalurgia acompanhou os desenvolvimentos estilísticos da escultura e de outras artes, e Fídias está entre os escultores conhecidos por tê-la praticado. O gosto helenístico encorajava exibições altamente intrincadas de virtuosidade técnica, tendendo à "inteligência, capricho ou elegância excessiva". Muitas ou a maioria das formas de cerâmica grega foram tiradas de formas usadas pela primeira vez em metal e, nas últimas décadas, tem havido uma visão crescente de que muitas das melhores pinturas de vasos reutilizaram desenhos por ourives para vasos com gravura e seções folheadas em um metal diferente, trabalhando a partir de desenhos desenhados.

Sobreviventes excepcionais do que pode ter sido uma classe relativamente comum de grandes vasos de bronze são duas krateras volutas , para misturar vinho e água. Estes são os Vix Krater , c. 530 aC, 1,63 m (5'4 ") de altura e mais de 200 kg (450 libras) de peso, segurando cerca de 1.100 litros, e encontrado no sepultamento de uma mulher celta na França moderna, e o Derveni Krater do século 4 , 90,5 cm (35 pol.) de altura. As elites de outros vizinhos dos gregos, como os trácios e os citas , eram grandes consumidores de metalurgia grega e provavelmente servidos por ourives gregos estabelecidos em seus territórios, que adaptavam seus produtos ao gosto local e funções. Essas peças híbridas formam uma grande parte dos sobreviventes, incluindo o Tesouro Panagyurishte , o Tesouro de Borovo e outros tesouros da Trácia , e vários túmulos citas, que provavelmente continham obras de artistas gregos baseados nos assentamentos gregos no Mar Negro . outras artes de luxo, o cemitério real macedônio em Vergina produziu objetos de alta qualidade da cúspide dos períodos clássico e helenístico.

As joias para o mercado grego são freqüentemente de excelente qualidade, com uma forma incomum sendo coroas de ouro intrincadas e muito delicadas que imitam formas de plantas, usadas na cabeça. Provavelmente raramente, ou nunca, eram usados ​​em vida, mas eram dados como votos votivos e usados ​​na morte. Muitos dos retratos de múmias de Fayum os usam. Algumas peças, especialmente no período helenístico, são grandes o suficiente para oferecer espaço para figuras, como o gosto cita por peças relativamente substanciais em ouro.

Escultura monumental

Cavaleiros do friso do Partenon , por volta de 440 aC.

Os gregos decidiram muito cedo que a forma humana era o assunto mais importante para o esforço artístico. Vendo seus deuses como tendo forma humana, havia pouca distinção entre o sagrado e o secular na arte - o corpo humano era secular e sagrado. Um nu masculino de Apolo ou Hércules tinha apenas pequenas diferenças no tratamento de um dos campeões olímpicos de boxe daquele ano. No período arcaico, a forma escultural mais importante era o kouros (plural kouroi ), o nu masculino em pé (ver, por exemplo, Biton e Kleobis ). O kore (plural korai ), ou figura feminina vestida em pé, também era comum, mas como a sociedade grega não permitia a exibição pública de nudez feminina até o século 4 aC, o kore é considerado de menor importância no desenvolvimento da escultura . No final do período, a escultura arquitetônica em templos estava se tornando importante.

Tal como acontece com a cerâmica, os gregos não produziram esculturas monumentais apenas para exibição artística. As estátuas foram encomendadas por indivíduos aristocráticos ou pelo estado, e usadas para memoriais públicos, como oferendas a templos, oráculos e santuários (como é freqüentemente mostrado por inscrições nas estátuas), ou como marcadores de túmulos. Nem todas as estátuas do período arcaico pretendiam representar indivíduos específicos. Eles eram representações de um ideal - beleza, piedade, honra ou sacrifício. Sempre foram representações de rapazes, com idades variando da adolescência até a maturidade precoce, mesmo quando colocados nos túmulos de (presumivelmente) cidadãos idosos. Kouroi eram todos estilisticamente semelhantes. As graduações na estatura social da pessoa que encomendou a estátua eram indicadas pelo tamanho, e não pelas inovações artísticas.

Ao contrário dos autores, aqueles que praticavam as artes visuais, incluindo a escultura, inicialmente tinham um baixo status social na Grécia antiga, embora escultores cada vez mais importantes pudessem se tornar famosos e bastante ricos, e muitas vezes assinavam seus trabalhos (infelizmente, muitas vezes no pedestal, que normalmente se tornava separado da própria estátua). Plutarco ( Vida de Péricles , II) disse "admiramos a obra de arte, mas desprezamos seu criador"; esta era uma visão comum no mundo antigo. A escultura da Grécia Antiga é categorizada pelos períodos estilísticos usuais de "Arcaico", "Clássico" e "Helenístico", acrescidos de alguns extras que se aplicam principalmente à escultura, como o estilo Daedálico Orientalizante e o estilo Severo da escultura clássica inicial.

Materiais, formulários

Rara grande estátua arcaica tardia em terracota de Zeus e Ganimedes , Olímpia .

As esculturas gregas sobreviventes eram feitas principalmente de dois tipos de material. Pedra, especialmente mármore ou outros calcários de alta qualidade, eram usados ​​com mais frequência e esculpidos à mão com ferramentas de metal. As esculturas de pedra podem ser totalmente esculpidas em redondo (estátuas) ou apenas relevos parcialmente esculpidos ainda presos a uma placa de fundo, por exemplo, em frisos arquitetônicos ou estelas graves .

As estátuas de bronze eram de status mais elevado, mas sobreviveram em números bem menores, devido à reutilização dos metais. Eles geralmente eram feitos na técnica de cera perdida . As estátuas criselefantinas , ou de ouro e marfim, eram imagens de culto nos templos e eram consideradas a forma mais elevada de escultura, mas apenas algumas peças fragmentárias sobreviveram. Eles eram normalmente de tamanho maior, construídos em torno de uma moldura de madeira, com finas placas de marfim esculpidas representando a carne, e folhas de ouro , provavelmente sobre madeira, representando as vestimentas, armadura, cabelo e outros detalhes.

Em alguns casos, pasta de vidro, vidro e pedras preciosas e semipreciosas foram usadas para detalhes como olhos, joias e armas. Outras grandes estátuas acrolíticas usavam pedra para as partes de carne e madeira para o resto, e as estátuas de mármore às vezes tinham penteados de estuque . A maioria das esculturas foi pintada (veja abaixo), e muitas usavam joias reais e tinham olhos embutidos e outros elementos em diferentes materiais.

Terracota foi ocasionalmente empregada, para grandes estátuas. Poucos exemplos sobreviveram, pelo menos parcialmente devido à fragilidade de tais estátuas. A exceção mais conhecida é uma estátua de Zeus carregando Ganimedes encontrada em Olímpia , executada por volta de 470 aC. Neste caso, a terracota é pintada. Sem dúvida, havia esculturas puramente em madeira, que podem ter sido muito importantes nos primeiros períodos, mas efetivamente nenhuma sobreviveu.

Arcaico

Kleobis e Biton , kouroi do período Arcaico, c. 580 a.C., Museu Arqueológico Delphi

A arte das Cíclades da Idade do Bronze , por volta de 1100 aC, já mostrava um foco incomum na figura humana, geralmente mostrada em uma posição frontal direta com os braços cruzados sobre o estômago. Entre as características menores, apenas narizes, às vezes olhos e seios femininos eram esculpidos, embora as figuras aparentemente fossem pintadas e possam ter originalmente parecido muito diferentes.

Inspirados na escultura de pedra monumental do Egito e da Mesopotâmia , durante o período arcaico os gregos começaram novamente a esculpir na pedra. As figuras independentes compartilham a solidez e a postura frontal características dos modelos orientais, mas suas formas são mais dinâmicas do que as da escultura egípcia, como por exemplo a Senhora de Auxerre e o Torso de Hera (período arcaico inicial, c. 660–580 aC, ambos no Louvre, Paris). Depois de cerca de 575 aC, figuras como essas, tanto masculinas quanto femininas, exibiam o chamado sorriso arcaico . Essa expressão, que não tem nenhuma adequação específica à pessoa ou situação retratada, pode ter sido um artifício para dar às figuras uma característica humana distinta.

Três tipos de figuras prevaleciam - o jovem nu em pé (kouros), a garota em pé com drapeados (kore) e, com menos frequência, a mulher sentada. Todos enfatizam e generalizam as características essenciais da figura humana e mostram uma compreensão cada vez mais precisa da anatomia humana. Os jovens eram estátuas sepulcrais ou votivas. Os exemplos são Apollo (Metropolitan Museum of Art, Nova York), uma das primeiras obras; o Strangford Apollo de Anafi (British Museum, Londres), uma obra muito posterior; e o Anavyssos Kouros ( Museu Nacional de Arqueologia de Atenas ). Mais da musculatura e estrutura do esqueleto são visíveis nesta estátua do que em obras anteriores. As garotas drapeadas em pé têm ampla expressão, como nas esculturas do Museu da Acrópole de Atenas . Suas cortinas são esculpidas e pintadas com a delicadeza e o meticulosidade comuns nos detalhes da escultura desse período.

Relevos arcaicos sobreviveram de muitas tumbas e de edifícios maiores em Foce del Sele (agora no museu de Paestum ) na Itália, com dois grupos de painéis de metope , de cerca de 550 e 510, e do Tesouro Sifniano em Delfos, com frisos e um pequeno frontão . Partes, agora todas em museus locais, sobrevivem dos grandes grupos de frontões triangulares do Templo de Artemis, Corfu (c. 580), dominado por uma enorme Górgona , e o Antigo Templo de Atenas em Atenas (c. 530-500).

Clássico

O Artemision Bronze , Poseidon ou Zeus , c. 460 aC, Museu Nacional de Arqueologia , Atenas . Esta obra-prima de escultura clássica foi encontrada por pescadores perto do Cabo Artemisium em 1928. Tem mais de 2 m de altura.

No período clássico, houve uma revolução na estatuária grega, geralmente associada à introdução da democracia e ao fim da cultura aristocrática associada aos kouroi . O período clássico viu mudanças no estilo e na função da escultura. As posturas tornaram-se mais naturalistas (veja o Cocheiro de Delfos para um exemplo da transição para uma escultura mais naturalística), e a habilidade técnica dos escultores gregos em retratar a forma humana em uma variedade de poses aumentou muito. A partir de cerca de 500 aC as estátuas começaram a representar pessoas reais. As estátuas de Harmodius e Aristogeiton erguidas em Atenas para marcar a derrubada da tirania foram consideradas os primeiros monumentos públicos a pessoas reais.

"O primeiro retrato verdadeiro de um indivíduo europeu": cópia da era romana de um busto de Temístocles perdido em 470 aC em estilo Severo .

Ao mesmo tempo, esculturas e estátuas passaram a ter um uso mais amplo. Os grandes templos da era clássica, como o Partenon em Atenas e o Templo de Zeus em Olímpia, exigiam escultura em relevo para frisos decorativos e escultura redonda para preencher os campos triangulares dos frontões . O difícil desafio estético e técnico estimulou muito na forma de inovação escultural. Infelizmente, essas obras sobrevivem apenas em fragmentos, os mais famosos dos quais são os mármores do Partenon , metade dos quais estão no Museu Britânico.

A estatuária fúnebre evoluiu durante este período do kouros rígido e impessoal do período arcaico para os grupos familiares altamente pessoais do período clássico. Esses monumentos são comumente encontrados nos subúrbios de Atenas, que nos tempos antigos eram cemitérios nos arredores da cidade. Embora alguns deles representem tipos "ideais" - a mãe enlutada, o filho zeloso - eles cada vez mais retratam pessoas reais, normalmente mostrando o falecido se despedindo dignamente de sua família. Eles estão entre os vestígios mais íntimos e comoventes dos antigos gregos.

No período clássico, pela primeira vez, sabemos os nomes de escultores individuais. Fídias supervisionou o projeto e a construção do Partenon . Praxiteles tornou o nu feminino respeitável pela primeira vez no período clássico tardio (meados do século IV): sua Afrodite de Knidos , que sobrevive em cópias, foi considerada por Plínio a maior estátua do mundo.

As obras mais famosas do período clássico para os contemporâneos foram a colossal estátua de Zeus em Olímpia e a estátua de Atenas Partenos no Partenon. Ambos eram criselefantinos e executados por Fídias ou sob sua direção, e agora estão perdidos, embora cópias menores (em outros materiais) e boas descrições de ambos ainda existam. Seu tamanho e magnificência levaram os imperadores a apreendê-los no período bizantino , e ambos foram removidos para Constantinopla , onde mais tarde foram destruídos em incêndios.

Helenístico

A Vênus de Milo , descoberta na ilha grega de Milos , 130-100 AC, Louvre

A transição do período clássico para o helenístico ocorreu durante o século 4 aC. Após as conquistas de Alexandre o Grande (336 aC a 323 aC), a cultura grega se espalhou até a Índia , conforme revelado pelas escavações de Ai-Khanoum no leste do Afeganistão e pela civilização dos greco-bactrianos e indo-gregos . A arte greco-budista representou um sincretismo entre a arte grega e a expressão visual do budismo. Assim, a arte grega tornou-se mais diversa e mais influenciada pelas culturas dos povos atraídos pela órbita grega.

Na opinião de alguns historiadores da arte, também diminuiu em qualidade e originalidade. Este, entretanto, é um julgamento que os artistas e amantes da arte da época não teriam compartilhado. Na verdade, muitas esculturas antes consideradas obras-primas clássicas são agora reconhecidas como helenísticas. A habilidade técnica dos escultores helenísticos está claramente em evidência em obras importantes como a Vitória Alada de Samotrácia e o Altar de Pérgamo . Novos centros da cultura grega, particularmente na escultura, desenvolveram-se em Alexandria , Antioquia , Pérgamo e outras cidades, onde as novas monarquias eram mecenas pródigas. Por volta do século 2, o poder ascendente de Roma também havia absorvido muito da tradição grega - e também uma proporção crescente de seus produtos.

Durante este período, a escultura tornou-se mais naturalista e também expressiva; o interesse em retratar extremos de emoção às vezes sendo levado a extremos. Temas de gênero de pessoas comuns, mulheres, crianças, animais e cenas domésticas tornaram-se temas aceitáveis ​​para a escultura, que foi encomendada por famílias ricas para o adorno de suas casas e jardins; o Menino com Espinho é um exemplo. Retratos realistas de homens e mulheres de todas as idades foram produzidos, e os escultores não se sentiam mais obrigados a retratar as pessoas como ideais de beleza ou perfeição física.

O mundo de Dionísio , um idílio pastoral povoado por sátiros , mênades , ninfas e sileni , costumava ser retratado em pinturas de vasos e estatuetas anteriores, mas raramente em esculturas em tamanho real. Agora, essas obras foram feitas, sobrevivendo em cópias, incluindo o Fauno de Barberini , o Torso de Belvedere e o Sátiro em Repouso ; os Furietti Centaurs e Sleeping Hermaphroditus refletem temas relacionados. Ao mesmo tempo, as novas cidades helenísticas surgindo em todo o Egito , Síria e Anatólia exigiam estátuas representando os deuses e heróis da Grécia para seus templos e locais públicos. Isso fez da escultura, como a cerâmica, uma indústria, com a consequente padronização e alguns rebaixamentos de qualidade. Por essas razões, muito mais estátuas helenísticas sobreviveram do que no período clássico.

Algumas das esculturas helenísticas mais conhecidas são a Vitória Alada de Samotrácia (século 2 ou 1 aC), a estátua de Afrodite da ilha de Melos conhecida como Vênus de Milo (meados do século 2 aC), a Gália Moribunda (cerca de 230 AC), e o grupo monumental Laocoön and His Sons (final do século I AC). Todas essas estátuas retratam temas clássicos, mas seu tratamento é muito mais sensual e emocional do que o gosto austero do período clássico teria permitido ou suas habilidades técnicas permitissem.

O grupo de estátuas de várias figuras foi uma inovação helenística, provavelmente do século 3, tirando as batalhas épicas de relevos de frontões de templos anteriores de suas paredes e colocando-as como grupos de estátuas em tamanho real. Seu estilo é freqüentemente chamado de " barroco ", com poses corporais extravagantemente contorcidas e expressões intensas nos rostos. Os relevos no Altar de Pérgamo são os sobreviventes originais mais próximos, mas acredita-se que várias obras bem conhecidas sejam cópias romanas de originais helenísticos. Isso inclui a Gália moribunda e a Gália Ludovisi , bem como uma Gália ajoelhada menos conhecida e outras, todas que se acredita copiarem as comissões de Pergamene de Átalo I para comemorar sua vitória por volta de 241 sobre os gauleses da Galácia , provavelmente compreendendo dois grupos.

O Grupo Laocoön , o Touro Farnese , Menelau apoiando o corpo de Pátroclo ("grupo Pasquino"), Arrotino e as esculturas de Sperlonga , são outros exemplos. A partir do século II, o estilo neo-ático ou neoclássico é visto por diferentes estudiosos como uma reação aos excessos barrocos, voltando a uma versão do estilo clássico, ou como uma continuação do estilo tradicional para estátuas de culto. As oficinas desse estilo tornaram-se principalmente produtoras de cópias para o mercado romano, que preferia cópias de peças clássicas em vez de peças helenísticas.

As descobertas feitas desde o final do século 19 em torno da (agora submersa) antiga cidade egípcia de Heracleum incluem uma representação do século 4 aC, extraordinariamente sensual, detalhada e feminista (em oposição a deificada) de Ísis , marcando uma combinação de egípcia e helenística formas começando na época da conquista do Egito por Alexandre, o Grande . No entanto, isso era atípico da escultura da corte ptolomaica , que geralmente evitava misturar estilos egípcios com seu estilo helenístico bastante convencional, enquanto os templos no resto do país continuavam usando versões tardias de fórmulas egípcias tradicionais. Os estudiosos propuseram um "estilo alexandrino" na escultura helenística, mas na verdade há pouco que o relacione com Alexandria.

A escultura helenística também foi marcada por um aumento de escala, que culminou no Colosso de Rodes (final do século III), que tinha o mesmo tamanho da Estátua da Liberdade . O efeito combinado de terremotos e saques destruiu esta, bem como outras grandes obras deste período.

Estatuetas

Estatuetas de terracota

Vaso de cerâmica em forma de Afrodite dentro de uma concha; da Ática , Grécia clássica , descoberta no cemitério Phanagoria , Península de Taman ( Reino do Bósforo , sul da Rússia ), primeiro quarto do século 4 aC, Museu Hermitage , São Petersburgo .

A argila é um material freqüentemente usado para a confecção de estatuetas votivas ou ídolos, mesmo antes da civilização minóica e continuando até o período romano. Durante o século 8 aC, os túmulos na Beócia geralmente contêm "ídolos de sino", estatuetas femininas com pernas móveis: a cabeça, pequena em comparação com o resto do corpo, fica empoleirada na extremidade de um longo pescoço, enquanto o corpo está muito cheio, em forma de sino. Os túmulos arcaicos de heroon , para heróis locais, podem receber um grande número de estatuetas de formas rudimentares, com figuração rudimentar, geralmente representando personagens com os braços erguidos.

No período helenístico, a maioria das estatuetas de terracota perderam sua natureza religiosa e representam personagens da vida cotidiana. As estatuetas de Tanagra , de um dos vários centros de produção, são fabricadas em série com moldes e pintadas após a cozedura. Bonecas, figuras de senhoras vestidas na moda e de atores, alguns desses provavelmente retratos, estavam entre os novos temas, retratados com um estilo refinado. Estes eram baratos e inicialmente exibidos em casa muito parecido com as estatuetas ornamentais modernas, mas muitas vezes eram enterrados com seus donos. Ao mesmo tempo, cidades como Alexandria , Esmirna ou Tarso produziram uma abundância de estatuetas grotescas, representando indivíduos com membros deformados, olhos esbugalhados e se contorcendo. Essas estatuetas também eram feitas de bronze.

Para terracotas arquitetônicas pintadas, consulte Arquitetura abaixo.

Estatuetas de metal

Estatuetas feitas de metal, principalmente bronze, são extremamente comuns nos primeiros santuários gregos, como Olympia , onde milhares de tais objetos, a maioria representando animais, foram encontrados. Geralmente são produzidos na técnica de cera perdida e podem ser considerados o estágio inicial no desenvolvimento da escultura grega de bronze. Os motivos mais comuns durante o período geométrico eram cavalos e veados, mas cães, gado e outros animais também são representados. Figuras humanas ocorrem ocasionalmente. A produção de pequenos votives de metal continuou ao longo da antiguidade grega. Nos períodos clássico e helenístico, estatuetas de bronze mais elaboradas, intimamente ligadas à escultura monumental , também se tornaram comuns. Exemplos de alta qualidade foram coletados intensamente por gregos ricos e, posteriormente, romanos, mas relativamente poucos sobreviveram.

Arquitetura

Dois primeiros templos gregos da ordem dórica arcaica em Paestum , Itália, com capitais muito mais amplas do que mais tarde.
Templo de Hefesto , Atenas , dórico maduro e bem preservado, final do século 5 a.C.

A arquitetura (ou seja, edifícios executados com um projeto esteticamente considerado) cessou na Grécia desde o final do período micênico (cerca de 1200 aC) até o século 7, quando a vida urbana e a prosperidade se recuperaram a ponto de permitir a construção de obras públicas. Visto que a maioria dos edifícios gregos nos períodos Arcaico e Clássico Primitivo eram feitos de madeira ou tijolo , nada resta deles, exceto algumas plantas, e quase não há fontes escritas sobre a arquitetura primitiva ou descrições de edifícios. A maior parte do nosso conhecimento da arquitetura grega vem dos edifícios sobreviventes dos períodos arcaico tardio, clássico, helenístico e romano (desde que a arquitetura romana antiga usava intensamente os estilos gregos) e de fontes escritas tardias como Vitrúvio (século 1 aC). Isso significa que há um forte preconceito em relação aos templos , os principais edifícios mais comuns para sobreviver. Aqui, os blocos quadrados de pedra usados ​​para as paredes foram úteis para edifícios posteriores e, com muita frequência, tudo o que sobreviveu são partes de colunas e metopos que eram mais difíceis de reciclar.

Durante a maior parte do período, foi utilizado um rígido sistema de construção de pilares de pedra e lintel , mantido no lugar apenas por gravidade. Corbelling era conhecido na Grécia micênica, e o arco era conhecido a partir do século V, o mais tardar, mas quase nenhum uso foi feito dessas técnicas até o período romano. A madeira foi usada apenas para tetos e vigas de telhado em edifícios de pedra de prestígio. O uso de telhas de terracota grandes, fixadas apenas por ranhuras, significava que os telhados precisavam ter uma inclinação baixa.

Até os tempos helenísticos, apenas os edifícios públicos eram construídos usando o estilo formal de pedra; estes incluíam, acima de todos os templos, e os edifícios menores do tesouro que freqüentemente os acompanhavam, e foram construídos em Delfos por muitas cidades. Outros tipos de construção, muitas vezes sem telhado, eram a ágora central , muitas vezes com um ou mais stoa com colunatas em torno dela, teatros , o ginásio e palaestra ou escola de luta, o ekklesiasterion ou bouleuterion para assembleias e os propylaea ou portais monumentais. Edifícios redondos para várias funções eram chamados de tholos , e as maiores estruturas de pedra eram freqüentemente muralhas de defesa da cidade.

Na maior parte do período, as tumbas eram feitas apenas como mausoléus elaborados nos limites do mundo grego, especialmente na Anatólia. As casas particulares foram construídas em torno de um pátio onde os fundos eram permitidos e exibiam paredes em branco para a rua. Às vezes eles tinham um segundo andar, mas muito raramente porões. Geralmente eram construídos com entulho, na melhor das hipóteses, e relativamente pouco se sabe sobre eles; pelo menos para os homens, grande parte da vida era passada fora deles. Alguns palácios do período helenístico foram escavados.

O Tesouro ateniense reconstruído em Delfos

Os templos e alguns outros edifícios, como os tesouros de Delfos, foram planejados como um cubo ou, mais frequentemente, como um retângulo feito de calcário , do qual a Grécia tem uma abundância, e que foi cortado em grandes blocos e revestido. Isso era complementado por colunas, pelo menos na frente da entrada e, freqüentemente, em todos os lados. Outros edifícios eram mais flexíveis na planta, e mesmo as casas mais ricas parecem ter faltado muitos ornamentos externos. O mármore era um material de construção caro na Grécia: o mármore de alta qualidade vinha apenas do Monte Pentelus na Ática e de algumas ilhas como Paros , e seu transporte em grandes blocos era difícil. Foi usado principalmente para decoração escultórica , não estruturalmente, exceto nos edifícios mais grandiosos do período clássico, como o Partenon em Atenas.

Havia duas ordens clássicas principais da arquitetura grega, a dórica e a jônica , com a ordem coríntia aparecendo apenas no período clássico, e não se tornando dominante até o período romano. As características mais óbvias das três ordens são os capitéis das colunas, mas existem diferenças significativas em outros pontos de design e decoração entre as ordens. Esses nomes eram usados ​​pelos próprios gregos e refletiam sua crença de que os estilos descendiam dos gregos dóricos e jônicos da Idade das Trevas, mas é improvável que isso seja verdade. O dórico foi o mais antigo, provavelmente aparecendo pela primeira vez em pedra no início do século 7, tendo se desenvolvido (embora talvez não muito diretamente) de predecessores em madeira. Foi usado na Grécia continental e nas colônias gregas na Itália. O estilo jônico foi usado pela primeira vez nas cidades de Jônia (agora na costa oeste da Turquia) e em algumas das ilhas do Mar Egeu, provavelmente no início do século VI. O estilo dórico era mais formal e austero, o jônico mais descontraído e decorativo. A ordem coríntia mais ornamentada foi um desenvolvimento posterior do Iônico, inicialmente aparentemente usado apenas no interior de edifícios, e usando formas Iônicas para tudo, exceto os capitais. O famoso e bem preservado Monumento Corágico de Lisícrates perto da Acrópole de Atenas (335/334) é o primeiro uso conhecido da ordem coríntia no exterior de um edifício.

A maioria dos edifícios gregos sobreviventes mais conhecidos, como o Partenon e o Templo de Hefesto em Atenas, são dóricos. O Erechtheum , próximo ao Partenon, no entanto, é Iônico. A ordem jônica tornou-se dominante no período helenístico, uma vez que seu estilo mais decorativo se adequava melhor à estética da época do que o mais contido dórico. Alguns dos melhores edifícios helenísticos sobreviventes, como a Biblioteca de Celsus , podem ser vistos na Turquia, em cidades como Éfeso e Pérgamo . Mas na maior das cidades helenísticas, Alexandria , no Egito , quase nada sobreviveu.

Design de moeda

Tetradracma ateniense com cabeça de Atenas e coruja , após 449 AC. A moeda mais aceitável do mundo mediterrâneo.
Ouro 20- stater de Eucratides of Bactria por volta de 150 AC, a maior moeda de ouro da antiguidade. 169,2 gramas, diâmetro 58 mm.

As moedas foram (provavelmente) inventadas na Lídia no século 7 aC, mas foram amplamente utilizadas pela primeira vez pelos gregos, e os gregos estabeleceram o cânone do desenho de moedas que tem sido seguido desde então. O design de moedas hoje ainda segue reconhecivelmente os padrões descendentes da Grécia antiga. Os gregos não viam o desenho de moedas como uma forma de arte importante, embora alguns fossem projetados de maneira cara por ourives importantes, especialmente fora da própria Grécia, entre os reinos da Ásia Central e nas cidades sicilianas que desejam se promover. No entanto, a durabilidade e abundância das moedas fizeram delas uma das mais importantes fontes de conhecimento sobre a estética grega. As moedas gregas são a única forma de arte do mundo grego antigo que ainda pode ser comprada e possuída por colecionadores particulares de meios modestos.

As moedas mais difundidas, usadas muito além de seus territórios nativos e copiadas e forjadas por outros, foram o tetradrachm ateniense , emitido a partir de c. 510 a c. 38 AC, e na era helenística o tetradrachm macedônio , ambos de prata. Ambos mantiveram o mesmo design familiar por longos períodos. Os designers gregos começaram a colocar um retrato de perfil no anverso das moedas. Inicialmente, era um retrato simbólico do deus patrono ou da deusa da cidade que emitia a moeda: Atenas por Atenas , Apolo em Corinto, Deméter em Tebas e assim por diante. Mais tarde, cabeças de heróis da mitologia grega foram usadas, como Hércules nas moedas de Alexandre o Grande .

Os primeiros retratos humanos em moedas foram os de Sátrapas do Império Aquemênida na Ásia Menor , começando com o exilado general ateniense Temístocles que se tornou um Sátrapa de Magnésia por volta de 450 aC e continuando especialmente com as dinastias da Lícia no final do século V. Cidades gregas na Itália, como Siracusa, começaram a colocar cabeças de pessoas reais em moedas no século 4 aC, assim como os sucessores helenísticos de Alexandre o Grande no Egito , na Síria e em outros lugares. No verso de suas moedas, as cidades gregas costumam colocar um símbolo da cidade: uma coruja para Atenas, um golfinho para Siracusa e assim por diante. A colocação de inscrições em moedas também começou na época grega. Todos esses costumes foram mais tarde continuados pelos romanos.

As moedas mais artisticamente ambiciosas, projetadas por ourives ou gravadores de gemas, eram freqüentemente provenientes dos confins do mundo grego, de novas colônias no período inicial e de novos reinos depois, como uma forma de marketing de suas "marcas" em termos modernos. Das cidades maiores, Corinto e Siracusa também emitiram moedas consistentemente atraentes. Algumas das moedas greco-bactrianas são consideradas os melhores exemplos de moedas gregas com grandes retratos com "uma bela mistura de realismo e idealização", incluindo as maiores moedas a serem cunhadas no mundo helenístico: a maior moeda de ouro foi cunhada por Eucratides ( reinou de 171 a 145 aC), a maior moeda de prata do rei indo-grego Amintas Nikator (reinou por volta de 95 a 90 aC). Os retratos "mostram um grau de individualidade nunca igualado pelas representações amáveis ​​de seus contemporâneos reais mais a oeste".

Quadro

Afresco da tumba macedônia de Agios Athanasios, Thessaloniki , Grécia, século 4 a.C.

Os gregos parecem ter valorizado a pintura mais do que a escultura, e no período helenístico a apreciação informada e até a prática da pintura eram componentes de uma educação cavalheiresca. A ekphrasis era uma forma literária que consistia na descrição de uma obra de arte, e temos um corpo considerável de literatura sobre pintura e pintores gregos, com acréscimos adicionais em latim, embora nenhum dos tratados de artistas mencionados tenha sobrevivido. Infelizmente, quase não temos nenhum dos tipos de pinturas mais prestigiosos, em painéis de madeira ou em afrescos , que preocupam esta literatura.

O contraste com a pintura em vaso é total. Não há nenhuma menção disso na literatura, mas mais de 100.000 exemplos sobreviventes, dando a muitos pintores individuais uma obra sobrevivente respeitável. Nossa ideia de como era a melhor pintura grega deve ser extraída de uma consideração cuidadosa dos paralelos na pintura de vasos, cópias greco-romanas tardias em mosaico e afresco, alguns exemplos muito recentes de pintura real na tradição grega e na literatura antiga .

Havia várias tradições interligadas de pintura na Grécia antiga. Devido às suas diferenças técnicas, eles passaram por desenvolvimentos um tanto diferenciados. A pintura inicial parece ter se desenvolvido ao longo de linhas semelhantes à pintura em vaso, fortemente dependente de contornos e áreas planas de cor, mas então floresceu e se desenvolveu na época em que a pintura em vaso entrou em declínio. No final do período helenístico, os desenvolvimentos técnicos incluíram modelagem para indicar contornos nas formas, sombras, encurtamento, algumas formas provavelmente imprecisas de perspectiva, fundos de interiores e paisagísticos, e o uso de cores variáveis ​​para sugerir distância nas paisagens, de modo que "grego os artistas dispunham de todos os recursos técnicos necessários para uma pintura totalmente ilusionista ”.

Pintura de painel e parede

A forma de arte mais comum e respeitada, de acordo com autores como Plínio ou Pausânias , eram as pinturas em painel , pinturas individuais portáteis em pranchas de madeira. As técnicas utilizadas foram pintura encáustica (cera) e têmpera . Essas pinturas normalmente representavam cenas figurais, incluindo retratos e naturezas mortas ; temos descrições de muitas composições. Eles foram coletados e frequentemente exibidos em espaços públicos. Pausanias descreve essas exposições em Atenas e Delfos . Conhecemos os nomes de muitos pintores famosos, principalmente dos períodos clássico e helenístico, da literatura (ver lista expansível à direita). O mais famoso de todos os pintores gregos antigos foi Apeles de Kos , a quem Plínio, o Velho, elogiou como tendo "ultrapassado todos os outros pintores que o precederam ou o sucederam".

Infelizmente, devido à natureza perecível dos materiais utilizados e às grandes convulsões do final da antiguidade, nenhuma das famosas obras da pintura grega em painel sobreviveu, nem mesmo nenhuma das cópias que sem dúvida existiram e que nos dão a maior parte nosso conhecimento da escultura grega. Temos sobrevivências ligeiramente mais significativas de composições murais. Os exemplos gregos mais importantes que sobreviveram antes do período romano são os painéis Pitsa de qualidade bastante baixa de c. 530 aC, a Tumba do Mergulhador de Paestum e várias pinturas das tumbas reais em Vergina . Mais numerosas pinturas em tumbas etruscas e da Campânia são baseadas em estilos gregos. No período romano, há uma série de pinturas murais em Pompéia e arredores, bem como na própria Roma, algumas das quais são consideradas cópias de obras-primas anteriores específicas.

Em particular, cópias de pinturas de parede específicas foram identificadas com segurança no Mosaico de Alexandre e na Villa Boscoreale . Há um grande grupo de sobreviventes arqueológicos greco-romanos muito posteriores das condições áridas do Egito, os retratos de múmias de Fayum , junto com o semelhante Severan Tondo , e um pequeno grupo de miniaturas de retratos pintados em vidro dourado . Os ícones bizantinos também são derivados da tradição da pintura encáustica de painéis, e os manuscritos iluminados bizantinos às vezes continuaram um estilo ilusionista grego por séculos.

Cena do simpósio na Tumba do Mergulhador em Paestum , c. 480 AC

A tradição da pintura de parede na Grécia remonta pelo menos à Idade do Bronze minóica e micênica , com a luxuosa decoração de afrescos de locais como Knossos , Tiryns e Mycenae . Não está claro se há alguma continuidade entre esses antecedentes e as pinturas murais gregas posteriores.

As pinturas de parede são frequentemente descritas em Pausânias, e muitas parecem ter sido produzidas nos períodos clássico e helenístico. Devido à falta de arquitetura sobrevivendo intacta, muitas não são preservadas. Os exemplos mais notáveis ​​são uma cena arcaica monumental do século 7 aC de combate de hoplitas de dentro de um templo em Kalapodi (perto de Tebas ) e os elaborados afrescos do "Túmulo de Phillipp" do século 4 e da "Tumba de Perséfone" em Vergina na Macedônia , ou a tumba em Agios Athanasios, Thessaloniki , às vezes sugerida estar intimamente ligada às pinturas de painel de alta qualidade mencionadas acima. A invulgar sobrevivência da Tumba das Palmettes (século III aC, escavada em 1971) com pintura em bom estado inclui retratos do casal enterrados no interior do tímpano .

A tradição da pintura de parede grega também se reflete em decorações contemporâneas de túmulos nas colônias gregas na Itália , por exemplo, a famosa Tumba do Mergulhador em Paestum . Alguns estudiosos sugerem que os famosos afrescos romanos em locais como Pompéia são descendentes diretos da tradição grega e que alguns deles copiam pinturas de painel famosas.

Esquema de cores reconstruído do entablamento em um templo dórico

Policromia: pintura sobre estatuária e arquitetura

Vestígios de tinta representando padrões bordados nos peplos de um kore arcaico , Museu da Acrópole

Muitas das esculturas figurativas ou arquitetônicas da Grécia antiga foram pintadas com cores. Este aspecto de pedra grego é descrito como policromo (a partir de grego πολυχρωμία , πολύ = muitos e χρώμα = cor). Devido ao intenso desgaste, a policromia na escultura e na arquitetura foi substancialmente ou totalmente desbotada na maioria dos casos.

Embora a palavra policromia seja criada a partir da combinação de duas palavras gregas, ela não era usada na Grécia antiga. O termo foi cunhado no início do século XIX por Antoine Chrysostôme Quatremère de Quincy.

Arquitetura

A pintura também foi usada para realçar os aspectos visuais da arquitetura. Certas partes da superestrutura dos templos gregos eram habitualmente pintadas desde o período arcaico. Essa policromia arquitetônica pode assumir a forma de cores brilhantes diretamente aplicadas à pedra (evidenciadas, por exemplo, no Partenon , ou de padrões elaborados, frequentemente membros arquitetônicos feitos de terracota (exemplos arcaicos em Olympia e Delfos ). Às vezes, as terracotas também representavam cenas figurativas , assim como os metopes de terracota do século 7 aC de Thermon .

Esquema de cores reconstruído em um arqueiro troiano do Templo de Aphaia , Aegina .

Escultura

A maioria das esculturas gregas foi pintada em cores fortes e brilhantes; isso é chamado de " policromia ". A pintura era frequentemente limitada a partes que representavam roupas, cabelos e assim por diante, com a pele deixada na cor natural da pedra ou bronze, mas também podia cobrir esculturas em sua totalidade; a pele feminina em mármore tendia a ser descolorida, enquanto a pele masculina pode ser marrom claro. A pintura da escultura grega não deve ser vista apenas como um realce de sua forma esculpida, mas tem as características de um estilo distinto de arte.

Por exemplo, foi demonstrado recentemente que as esculturas pedimentais do Templo de Afaia em Aegina foram pintadas com padrões ousados ​​e elaborados, representando, entre outros detalhes, roupas padronizadas. A policromia das estátuas de pedra foi paralela ao uso de diferentes materiais para distinguir a pele, roupas e outros detalhes em esculturas de criselefantinas e pelo uso de diferentes metais para representar lábios, unhas, etc. em bronzes de alta qualidade como os bronzes de Riace .

Pintura de vaso

A evidência mais copiosa da pintura grega antiga sobrevive na forma de pinturas em vasos . Eles são descritos na seção " cerâmica " acima. Eles dão pelo menos algum sentido da estética da pintura grega. As técnicas envolvidas, entretanto, eram muito diferentes daquelas usadas na pintura de grande formato. O mesmo provavelmente se aplica ao assunto descrito. Os pintores de vasos parecem geralmente ter sido especialistas em uma oficina de cerâmica, nem pintores de outras mídias nem ceramistas. Deve-se também ter em mente que a pintura em vaso, embora de longe a fonte sobrevivente mais conspícua na pintura grega antiga, não foi tida na mais alta consideração na Antiguidade e nunca é mencionada na literatura clássica.

Mosaicos

The Stag Hunt Mosaic , final do século 4 aC, de Pella ; a figura à direita é possivelmente Alexandre, o Grande, devido à data do mosaico, juntamente com a extensão retratada de seu cabelo repartido ao meio ( anastole ); a figura à esquerda empunhando um machado de dois gumes (associado a Hefesto ) talvez seja Heféstion , um dos leais companheiros de Alexandre.
Piso não varrido , cópia romana do mosaico de Sosus de Pergamon
Um mosaico de piso doméstico representando Atenas , do "bairro das joias" de Delos , Grécia, final do século II ou início do século I a.C.

Os mosaicos foram inicialmente feitos com seixos arredondados, e depois os vidros com tesselas que deram mais cor e uma superfície plana. Eles eram populares no período helenístico, a princípio como decoração para pisos de palácios, mas posteriormente para residências particulares. Freqüentemente, uma imagem do emblema central em um painel central era concluída em um trabalho muito mais requintado do que a decoração ao redor. Os motivos de Xenia , onde uma casa mostrava exemplos da variedade de alimentos que os hóspedes podem esperar desfrutar, fornecem a maioria dos espécimes da natureza-morta grega que sobreviveram . Em geral, o mosaico deve ser considerado como uma pintura de cópia de meio secundário, muitas vezes muito diretamente, como no Mosaico de Alexandre .

O Piso unswept por SOSUS de Pergamon (c. 200 aC) foi um original e famoso trompe-l'oeil peça, conhecido de muitos exemplares greco-romanas. De acordo com John Boardman , Sosus é o único artista de mosaico cujo nome sobreviveu; suas pombas também são mencionadas na literatura e copiadas. No entanto, Katherine MD Dunbabin afirma que dois artistas de mosaico diferentes deixaram suas assinaturas nos mosaicos de Delos . O artista do Mosaico da Caça ao Veado do século 4 aC talvez também tenha deixado sua assinatura como Gnose , embora essa palavra possa ser uma referência ao conceito abstrato de conhecimento.

Os mosaicos são um elemento significativo da arte sobrevivente da Macedônia , com um grande número de exemplos preservados nas ruínas de Pella , a antiga capital da Macedônia , na atual Macedônia Central . Mosaicos como o mosaico "Stag Hunt Mosaic e Lion Hunt" demonstram qualidades ilusionistas e tridimensionais geralmente encontradas nas pinturas helenísticas, embora a busca macedônia rústica da caça seja marcadamente mais pronunciada do que outros temas. Os mosaicos do século 2 aC de Delos , na Grécia, foram julgados por François Chamoux como representando o pináculo da arte do mosaico helenístico, com estilos semelhantes que continuaram durante o período romano e talvez tenham lançado as bases para o uso generalizado de mosaicos no mundo ocidental através até a Idade Média .

Joias gravadas

Apolônio de Atenas, anel de ouro com retrato em granada , c. 220 AC

A joia gravada era uma arte luxuosa e de alto prestígio; Pompeu e Júlio César estavam entre os colecionadores posteriores. A técnica tem uma tradição milenar no Oriente Próximo , e os selos cilíndricos , cujo desenho só aparece quando rolados sobre argila úmida, a partir da qual se desenvolveu o tipo de anel plano, se espalharam pelo mundo minóico, incluindo partes da Grécia e Chipre . A tradição grega emergiu sob a influência minóica na cultura heládica continental , e atingiu um apogeu de sutileza e refinamento no período helenístico.

Gemas gregas redondas ou ovais (junto com objetos semelhantes em osso e marfim) são encontradas a partir dos séculos 8 e 7 aC, geralmente com animais em poses geométricas enérgicas, muitas vezes com uma borda marcada por pontos ou uma borda. Os primeiros exemplos são principalmente em pedras mais macias. As joias do século 6 são mais frequentemente ovais, com um escaravelho no dorso (no passado, esse tipo era chamado de "escaravelho") e figuras humanas ou divinas, bem como animais; a forma do escaravelho foi aparentemente adotada da Fenícia .

As formas são sofisticadas para a época, apesar do tamanho geralmente pequeno das gemas. No século 5 as gemas tornaram-se um pouco maiores, mas ainda com apenas 2–3 centímetros de altura. Apesar disso, detalhes muito finos são mostrados, incluindo os cílios de uma cabeça masculina, talvez um retrato. Quatro joias assinadas por Dexamenos de Chios são as melhores do período, duas delas mostrando garças .

O entalhe em relevo tornou-se comum no século 5 aC na Grécia e, gradualmente, a maioria das joias esculpidas espetaculares estavam em relevo. Geralmente, uma imagem de relevo é mais impressionante do que uma de entalhe; na forma anterior, o destinatário de um documento viu isso no lacre impresso, enquanto nos relevos posteriores foi o dono do selo que o guardou para si, provavelmente marcando o surgimento de gemas destinadas a serem coletadas ou usadas como pingentes de joalheria em colares e similares, ao invés de usados ​​como selos - os posteriores às vezes são bastante grandes para usar para selar cartas. No entanto, as inscrições geralmente ainda estão ao contrário ("escrita espelhada"), de modo que só são lidas corretamente nas impressões (ou ao serem vistas por trás com pedras transparentes). Esse aspecto também explica em parte a coleta de impressões em gesso ou cera de gemas, que podem ser mais fáceis de apreciar do que o original.

Esculturas e camafeus maiores em pedra dura , que são raros na forma de entalhe , parecem ter chegado à Grécia por volta do século III; o Farnese Tazza é o único grande exemplo helenístico sobrevivente (dependendo das datas atribuídas ao Gonzaga Cameo e à Taça dos Ptolomeus ), mas outras imitações de pasta de vidro com retratos sugerem que camafeus tipo gema foram feitos neste período. As conquistas de Alexandre abriram novas rotas comerciais para o mundo grego e aumentaram a variedade de gemas disponíveis.

Enfeite

Uma variedade típica de motivos ornamentais em um vaso ático de c. 530.

A síntese no período arcaico do repertório nativo de motivos geométricos simples com motivos importados, principalmente vegetais, do leste, criou um vocabulário considerável de ornamentos, que artistas e artesãos usaram com confiança e fluência. Hoje, esse vocabulário é visto principalmente no grande corpus de cerâmica pintada, bem como em vestígios arquitetônicos, mas teria sido originalmente usado em uma ampla gama de mídias, como uma versão posterior dele é usada no neoclassicismo europeu .

Os elementos neste vocabulário incluem o meandro geométrico ou "chave grega", ovo e dardo , conta e carretel , rolo vitruviano , guilhoché e, do mundo das plantas, as folhas estilizadas de acanto , voluta , palmeta e meia palmeta, rolos de planta de vários tipos , roseta , flor de lótus e flor de papiro . Originalmente usado com destaque em vasos arcaicos, como a pintura figurativa se desenvolveu, eles eram geralmente relegados para servir como bordas demarcando bordas do vaso ou diferentes zonas de decoração. A arquitetura grega se destacou por desenvolver convenções sofisticadas para o uso de molduras e outros elementos ornamentais arquitetônicos, que usavam esses motivos em um todo harmoniosamente integrado.

Mesmo antes do período clássico, este vocabulário havia influenciado a arte celta, e a expansão do mundo grego após Alexandre, e a exportação de objetos gregos ainda mais longe, expôs grande parte da Eurásia a ele, incluindo as regiões no norte do subcontinente indiano onde o budismo estava se expandindo e criando arte greco-budista . À medida que o budismo se espalhou pela Ásia Central para a China e o resto da Ásia Oriental , em uma forma que fazia grande uso da arte religiosa, versões desse vocabulário foram levadas com ele e usadas para cercar imagens de budas e outras imagens religiosas, muitas vezes com um tamanho e ênfase que teria parecido excessiva para os gregos antigos. O vocabulário foi absorvido pelos ornamentos da Índia, China, Pérsia e outros países asiáticos, além de se desenvolver ainda mais na arte bizantina . Os romanos assumiram o vocabulário mais ou menos em sua totalidade e, embora muito alterado, pode ser rastreado em toda a arte medieval europeia , especialmente em ornamentos baseados em plantas.

A arte islâmica , onde o ornamento substitui em grande parte a figuração, desenvolveu o rolo vegetal bizantino em um arabesco completo e sem fim e, especialmente a partir das conquistas mongóis do século 14, recebeu novas influências da China, incluindo os descendentes do vocabulário grego. A partir do Renascimento, vários desses estilos asiáticos foram representados em tecidos, porcelanas e outros produtos importados pela Europa, e influenciaram os ornamentos lá, um processo que ainda continua.

Outras artes

Esquerda: Uma ânfora de vidro helenística escavada em Olbia , Sardenha , datada do século 2 aC À direita: Sátiro helenístico que usa um perizoma rústico (tanga) e carrega um pedum (cajado de pastor). Aplique de marfim, provavelmente para móveis.

Embora o vidro tenha sido feito em Chipre por volta do século 9 aC e tenha se desenvolvido consideravelmente no final do período, existem apenas alguns vestígios de vitrais anteriores ao período greco-romano que mostram a qualidade artística do melhor trabalho. A maioria dos sobreviventes são pequenos frascos de perfume, em estilos de "penas" de cores extravagantes, semelhantes a outros vidros mediterrâneos . O vidro helenístico tornou-se mais barato e acessível a uma população mais ampla.

Nenhum móvel grego sobreviveu, mas há muitas imagens dele em vasos e relevos memoriais, por exemplo, aquele de Hegeso . Era evidentemente muito elegante, assim como os estilos derivados a partir do século XVIII. Algumas peças de marfim esculpido que eram usadas como incrustações sobreviveram, como em Vergina, e algumas esculturas de marfim; esta era uma arte de luxo que poderia ser de muito boa qualidade.

É claro pelas pinturas em vasos que os gregos freqüentemente usavam roupas com estampas elaboradas, e a habilidade na tecelagem era a marca da mulher respeitável. Sobreviveram duas luxuosas peças de tecido, retiradas do túmulo de Filipe da Macedônia . Existem inúmeras referências a cortinas decorativas para casas e templos, mas nenhuma delas sobreviveu.

Difusão e legado

Friso greco-budista de Gandhara com devotos, segurando folhas de bananeira , em estilo helenístico, dentro de colunas coríntias , século I a II dC, Buner, Swat, Paquistão , Victoria and Albert Museum

A arte da Grécia Antiga exerceu uma influência considerável na cultura de muitos países em todo o mundo, sobretudo no tratamento da figura humana. No Ocidente, a arquitetura grega também teve grande influência, e tanto no Oriente como no Ocidente, a influência da decoração grega pode ser rastreada até os dias modernos. A arte etrusca e romana foram em grande parte e diretamente derivadas de modelos gregos, e os objetos e a influência gregos alcançaram a arte celta ao norte dos Alpes, bem como em todo o mundo mediterrâneo e na Pérsia.

No Oriente, as conquistas de Alexandre , o Grande , iniciaram vários séculos de intercâmbio entre as culturas grega, asiática central e indiana, o que foi muito ajudado pela disseminação do budismo , que logo adquiriu muitos traços e motivos gregos na arte greco-budista . que foram então transmitidos como parte de um pacote cultural para o Leste Asiático , até o Japão , entre artistas que, sem dúvida, desconheciam completamente a origem dos motivos e estilos que usavam.

Após o Renascimento na Europa, a estética humanista e os altos padrões técnicos da arte grega inspiraram gerações de artistas europeus, com um grande renascimento no movimento do Neoclassicismo que começou em meados do século 18, coincidindo com o acesso mais fácil da Europa Ocidental à Grécia em si, e uma importação renovada de originais gregos, mais notoriamente os mármores de Elgin do Partenon. Bem no século 19, a tradição clássica derivada da Grécia dominou a arte do mundo ocidental.

Historiografia

Hypnos e Thanatos carregando o corpo de Sarpedon do campo de batalha de Tróia ; detalhe de uma ático -terra branco lekythos , c. 440 AC.

As classes altas romanas helenizadas da República Tardia e do Império Inferior geralmente aceitavam a superioridade grega nas artes sem muitas reclamações, embora o elogio de Plínio pela escultura e pintura de artistas pré-helenísticos possa ser baseado em escritos gregos anteriores, em vez de muito conhecimento pessoal . Plínio e outros autores clássicos eram conhecidos na Renascença, e essa suposição de superioridade grega foi novamente geralmente aceita. No entanto, os críticos da Renascença e muito mais tarde não sabiam quais obras eram realmente gregas.

Como parte do Império Otomano , a própria Grécia só poderia ser alcançada por muito poucos europeus ocidentais até meados do século XVIII. Não apenas os vasos gregos encontrados nos cemitérios etruscos, mas também (mais controversamente) os templos gregos de Paestum foram considerados etruscos, ou itálico, até o final do século 18 e além, um equívoco prolongado pelo sentimento nacionalista italiano.

Os escritos de Johann Joachim Winckelmann , especialmente seus livros Reflexões sobre a imitação de obras gregas em pintura e escultura (1750) e Geschichte der Kunst des Alterthums ("História da Arte Antiga", 1764) foram os primeiros a distinguir nitidamente entre o grego antigo, Arte etrusca e romana, e definem períodos dentro da arte grega, traçando uma trajetória do crescimento à maturidade e depois à imitação ou decadência que continua a ter influência até os dias atuais.

O desemaranhamento total das estátuas gregas de suas cópias romanas posteriores e uma melhor compreensão do equilíbrio entre o caráter grego e o romano na arte greco-romana levaria muito mais tempo, e talvez ainda continue. A arte grega, especialmente a escultura, continuou a gozar de enorme reputação, e estudá-la e copiá-la foi uma grande parte da formação dos artistas, até a queda da arte acadêmica no final do século XIX. Durante este período, o corpus real conhecido da arte grega e, em menor medida, da arquitetura, expandiu-se muito. O estudo dos vasos desenvolveu uma enorme literatura no final dos séculos 19 e 20, muito baseada na identificação das mãos de artistas individuais, sendo Sir John Beazley a figura principal. Essa literatura geralmente presumia que a pintura em vaso representava o desenvolvimento de um meio independente, apenas em termos gerais a partir do desenvolvimento estilístico de outras mídias artísticas. Essa suposição tem sido cada vez mais contestada nas últimas décadas, e alguns estudiosos agora a veem como um meio secundário, em grande parte representando cópias baratas de trabalhos em metal agora perdidos, e muitos deles feitos, não para uso comum, mas para depositar em sepulturas.

Veja também

Notas

Referências

  • "Beazley" O Centro de Pesquisa em Arte Clássica, Universidade de Oxford. Beazley Archive - site extenso sobre joias clássicas; títulos de página usados ​​como referências
  • Boardman, John ed., The Oxford History of Classical Art , Oxford University Press , 1993, ISBN  0198143869
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Leitura adicional

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  • Langdon, Susan Helen. Art and Identity In Dark Age Greece, 1100--700 AC Cambridge: Cambridge University Press, 2008.
  • Ling, Roger. Fazendo Arte Clássica: Processo e Prática . Stroud, Gloucestershire: Tempus, 2000.
  • Moon, Warren G. Arte e Iconografia da Grécia Antiga . Madison: University of Wisconsin Press, 1983.
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  • Plantzos, Dimitris. Gemas gravadas helenísticas . Oxford: Clarendon Press, 1999.
  • Pollitt, JJ Art In the Hellenistic Age . Cambridge: Cambridge University Press, 1986.
  • -. Arte e experiência na Grécia clássica . Cambridge: Cambridge University Press, 1972.
  • Smith, Tyler Jo e Dimitris Plantzos. Um companheiro para a arte grega . Somerset: Wiley, 2012.
  • Stewart, Andrew F. Grécia Clássica e o Nascimento da Arte Ocidental . Cambridge: Cambridge University Press, 2008.
  • Yatromanolakis, Dimitrios. Epigrafia da Arte: Inscrições e Pinturas em Vasos da Grécia Antiga . Oxford: Archaeopress, 2016.

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