Atuando - Acting

Palco francês e atriz de cinema Sarah Bernhardt como Hamlet
Atores em trajes de samurai e rōnin no set de filmagem Kyoto Eigamura

Atuar é a atividade em que uma história é contada por meio de sua encenação por um ator ou atriz que adota um personagem - no teatro , na televisão , no cinema , no rádio ou em qualquer outro meio que faça uso do modo mimético .

Atuar envolve uma ampla gama de habilidades, incluindo uma imaginação bem desenvolvida , facilidade emocional , expressividade física, projeção vocal , clareza de fala e capacidade de interpretar dramas . Atuar também exige a habilidade de empregar dialetos , sotaques , improvisação , observação e emulação, mímica e combate em palco . Muitos atores treinam longamente em programas especializados ou faculdades para desenvolver essas habilidades. A grande maioria dos atores profissionais recebeu treinamento extensivo. Atores e atrizes frequentemente terão muitos instrutores e professores para uma gama completa de treinamento envolvendo canto , trabalho de cena, técnicas de audição e atuação para a câmera .

A maioria das primeiras fontes no Ocidente que examinam a arte de representar ( grego : ὑπόκρισις , hipocrisis ) a discutem como parte da retórica .

História

Um dos primeiros atores conhecidos foi um grego antigo chamado Thespis de Icaria em Atenas . Escrevendo dois séculos após o evento, Aristóteles em sua Poética ( c.  335 aC ) sugere que Thespis saiu do coro ditirâmbico e o tratou como um personagem separado . Antes de Thespis, o coro narrou (por exemplo, "Dionísio fez isso, Dionísio disse aquilo"). Quando Thespis saiu do refrão, ele falou como se fosse o personagem (por exemplo, "Eu sou Dioniso, eu fiz isso"). Para distinguir entre esses diferentes modos de contar histórias - encenação e narração - Aristóteles usa os termos " mimese " (via encenação) e " diegese " (via narração). Do nome de Thespis deriva a palavra "thespian".

Treinamento

Membros do First Studio, com quem Stanislavski começou a desenvolver seu 'sistema' de treinamento de atores, que constitui a base para a maior parte do treinamento profissional no Ocidente .

Conservatórios e escolas de teatro geralmente oferecem treinamento de dois a quatro anos em todos os aspectos da atuação. A maioria das universidades oferece programas de três a quatro anos, nos quais o aluno pode frequentemente escolher se concentrar na atuação, enquanto continua a aprender sobre outros aspectos do teatro . As escolas variam em sua abordagem, mas na América do Norte o método mais popular ensinado deriva do 'sistema' de Konstantin Stanislavski , que foi desenvolvido e popularizado na América como método de atuação por Lee Strasberg , Stella Adler , Sanford Meisner e outros.

Outras abordagens podem incluir uma orientação mais física, como a promovida por praticantes de teatro tão diversos como Anne Bogart , Jacques Lecoq , Jerzy Grotowski ou Vsevolod Meyerhold . As aulas também podem incluir psicotécnica , trabalho com máscara , teatro físico , improvisação e atuação para a câmera.

Independentemente da abordagem da escola, os alunos devem esperar um treinamento intensivo em interpretação textual, voz e movimento. As inscrições para programas de teatro e conservatórios geralmente envolvem testes extensos . Normalmente, qualquer pessoa com mais de 18 anos pode se inscrever. O treinamento também pode começar em uma idade muito jovem. Aulas de teatro e escolas profissionais destinadas a menores de 18 anos são generalizadas. Essas aulas apresentam aos jovens atores diferentes aspectos da atuação e do teatro, incluindo o estudo da cena.

O aumento do treinamento e da exposição a falar em público permite que os humanos se mantenham mais calmos e relaxados fisiologicamente . Medir a frequência cardíaca de quem fala em público pode ser uma das maneiras mais fáceis de avaliar as mudanças no estresse à medida que a frequência cardíaca aumenta com a ansiedade . Conforme os atores aumentam o desempenho, a frequência cardíaca e outras evidências de estresse podem diminuir. Isso é muito importante no treinamento de atores, pois as estratégias adaptativas obtidas com o aumento da exposição a falar em público podem regular a ansiedade implícita e explícita. Ao frequentar uma instituição com especialização em atuação, o aumento das oportunidades de atuação levará a uma fisiologia mais relaxada e à diminuição do estresse e de seus efeitos no corpo. Esses efeitos podem variar da saúde hormonal à cognitiva, o que pode afetar a qualidade de vida e o desempenho

Improvisação

Dois personagens mascarados da commedia dell'arte , cujos " lazzi " envolviam um grau significativo de improvisação .

Algumas formas clássicas de atuação envolvem um elemento substancial de performance improvisada . O mais notável é seu uso pelas trupes da commedia dell'arte , uma forma de comédia mascarada que se originou na Itália.

A improvisação como uma abordagem de atuar formaram uma parte importante do russo teatro praticante Konstantin Stanislavski do sistema '' de formação ator, que ele desenvolveu a partir dos anos 1910 em diante. No final de 1910, o dramaturgo Maxim Gorky convidou Stanislavski para se juntar a ele em Capri , onde discutiram o treinamento e a emergente "gramática" de atuação de Stanislavski. Inspirado por uma representação de teatro popular em Nápoles que utilizou as técnicas da commedia dell'arte , Gorky sugeriu que eles formassem uma companhia, modelada nos músicos ambulantes medievais , na qual um dramaturgo e um grupo de jovens atores planejariam novas peças juntos por meio de de improvisação. Stanislavski desenvolveria esse uso da improvisação em seu trabalho com seu Primeiro Estúdio do Teatro de Arte de Moscou . O uso de Stanislavski foi estendido ainda mais nas abordagens de atuação desenvolvidas por seus alunos, Michael Chekhov e Maria Knebel .

No Reino Unido, o uso da improvisação foi iniciado por Joan Littlewood a partir da década de 1930 e, posteriormente, por Keith Johnstone e Clive Barker. Nos Estados Unidos, foi promovido por Viola Spolin , depois de trabalhar com Neva Boyd em uma Hull House em Chicago, Illinois (Spolin foi aluno de Boyd de 1924 a 1927). Como os praticantes britânicos, Spolin sentiu que jogar era um meio útil de treinar atores e ajudava a melhorar o desempenho de um ator. Com a improvisação, ela argumentou, as pessoas podem encontrar liberdade expressiva, pois não sabem como será uma situação improvisada. A improvisação exige uma mente aberta para manter a espontaneidade, ao invés de um pré-planejamento de uma resposta. Um personagem é criado pelo ator, muitas vezes sem referência a um texto dramático, e um drama é desenvolvido a partir das interações espontâneas com outros atores. Essa abordagem para criar um novo drama foi desenvolvida mais substancialmente pelo cineasta britânico Mike Leigh , em filmes como Secrets & Lies (1996), Vera Drake (2004), Another Year (2010) e Mr. Turner (2014).

A improvisação também é usada para encobrir se um ator ou atriz cometer um erro.

Efeitos fisiológicos

Falar ou atuar na frente de uma platéia é uma situação estressante, que causa um aumento da frequência cardíaca.

Em um estudo de 2017 com estudantes universitários americanos, atores de vários níveis de experiência mostraram frequências cardíacas igualmente elevadas durante suas apresentações; isso está de acordo com estudos anteriores sobre a freqüência cardíaca de atores profissionais e amadores. Enquanto todos os atores experimentaram estresse, causando aumento da freqüência cardíaca, os atores mais experientes exibiram menos variabilidade da freqüência cardíaca do que os atores menos experientes na mesma peça. Os atores mais experientes experimentaram menos estresse durante a execução e, portanto, tiveram um menor grau de variabilidade do que os atores menos experientes e mais estressados. Quanto mais experiente for o ator, mais estável será sua frequência cardíaca durante a apresentação, mas ainda assim terá frequência cardíaca elevada.

Semiótica

Antonin Artaud comparou o efeito da atuação de um ator em uma platéia em seu " Teatro da Crueldade " com a maneira como um encantador de serpentes afeta as cobras.

A semiótica da atuação envolve um estudo das maneiras pelas quais os aspectos de uma performance passam a operar para seu público como signos . Esse processo envolve, em grande medida, a produção de sentido, por meio do qual elementos da atuação de um ator adquirem significado, tanto no contexto mais amplo da ação dramática quanto nas relações que cada um estabelece com o mundo real.

Seguindo as idéias propostas pelo teórico surrealista Antonin Artaud , no entanto, também pode ser possível entender a comunicação com um público que ocorre 'abaixo' da significação e do sentido (que o semiótico Félix Guattari descreveu como um processo que envolve a transmissão de "a-significação sinais "). Em seu The Theatre and its Double (1938), Artaud comparou essa interação à maneira como um encantador de serpentes se comunica com uma cobra, um processo que ele identificou como " mimese " - o mesmo termo que Aristóteles em sua Poética (c. 335 BCE) usada para descrever o modo como o drama comunica sua história, em virtude de sua incorporação pelo ator que a encena, como distinto de " diegesis ", ou a maneira pela qual um narrador pode descrevê-la. Essas "vibrações" que passam do ator para o público podem não necessariamente precipitar em elementos significativos como tais (isto é, "significados" conscientemente percebidos), mas podem operar por meio da circulação de " afetos ".

A abordagem de atuação adotada por outros praticantes de teatro envolve vários graus de preocupação com a semiótica da atuação. Konstantin Stanislavski , por exemplo, aborda as maneiras pelas quais um ator, com base no que ele chama de "experiência" de um papel, também deve moldar e ajustar uma performance para apoiar o significado geral do drama - um processo que ele chama estabelecendo a "perspectiva do papel". A semiótica de agir desempenha um papel muito mais central na Bertolt Brecht 's teatro épico , em que um ator está em causa para trazer para fora claramente o significado sócio-histórico de comportamento e ação por meio de desempenho específicos escolhas, um processo que ele descreve como que institui a Elemento " não / mas " em um " gestus " físico executado dentro do contexto da " Fabel " geral da peça . Eugenio Barba argumenta que os atores não devem se preocupar com o significado de seu comportamento performático; esse aspecto é de responsabilidade, afirma ele, do diretor , que tece os elementos significantes da atuação de um ator na "montagem" dramatúrgica do diretor .

O semiótico do teatro Patrice Pavis , aludindo ao contraste entre o "sistema" de Stanislavski e o performer demonstrativo de Brecht - e, além disso, ao ensaio fundamental de Denis Diderot sobre a arte de representar, Paradox of the Actor (c. 1770-1778) - argumenta que:

A atuação foi vista por muito tempo em termos de sinceridade ou hipocrisia do ator - ele deveria acreditar no que está dizendo e se comover com isso, ou deveria se distanciar e transmitir seu papel de maneira imparcial? A resposta varia de acordo com a forma como se vê o efeito a ser produzido na platéia e a função social do teatro.

Os elementos de uma semiótica de atuação incluem os gestos do ator, expressões faciais, entonação e outras qualidades vocais, ritmo e as maneiras pelas quais esses aspectos de uma atuação individual se relacionam com o drama e o evento teatral (ou filme, programa de televisão ou rádio transmissão, cada um dos quais envolve diferentes sistemas semióticos) considerados como um todo. Uma semiótica de atuação reconhece que todas as formas de atuação envolvem convenções e códigos por meio dos quais o comportamento de desempenho adquire significado - incluindo aquelas abordagens, como a de Stanislvaski ou o método de atuação estreitamente relacionado desenvolvido nos Estados Unidos, que se oferece como "um tipo natural de uma ação que pode prescindir de convenções e ser recebida como evidente e universal. " Pavis continua argumentando que:

Qualquer atuação é baseada em um sistema codificado (mesmo que o público não o veja como tal) de comportamento e ações que são consideradas verossímeis e realistas ou artificiais e teatrais. Defender o natural, o espontâneo e o instintivo é apenas tentar produzir efeitos naturais, regidos por um código ideológico que determina, em um determinado momento histórico, e para um determinado público, o que é natural e crível e o que é declamatório e teatral.

As convenções que regem o agir em geral estão relacionadas a formas estruturadas de jogo , que envolvem, em cada experiência específica, " regras do jogo ". Esse aspecto foi explorado pela primeira vez por Johan Huizinga (em Homo Ludens , 1938) e Roger Caillois (em Man, Play and Games , 1958). Caillois, por exemplo, distingue quatro aspectos do jogo relevantes para a atuação: mimese ( simulação ), agon ( conflito ou competição), alea ( acaso ) e illinx ( vertigem , ou "situações psicológicas vertiginosas" envolvendo a identificação do espectador ou catarse ). Essa conexão com o brincar como atividade foi proposta pela primeira vez por Aristóteles em sua Poética , na qual ele define o desejo de imitar no brincar como parte essencial do ser humano e nosso primeiro meio de aprendizagem na infância :

Pois é um instinto dos seres humanos, desde a infância, engajar-se em mimese (na verdade, isso os distingue dos outros animais: o homem é o mais mimético de todos, e é por meio da mimese que ele desenvolve sua compreensão mais antiga); e igualmente natural que todos gostem de objetos miméticos. (IV, 1448b)

Essa conexão com o jogo também informou as palavras usadas em inglês (como era o caso análogo em muitas outras línguas europeias) para drama : a palavra " play " ou "game" (traduzindo o anglo-saxão plèga ou latim ludus ) era o termo padrão usado até a época de William Shakespeare para um entretenimento dramático - assim como seu criador era um "dramaturgo" em vez de um "dramaturgo", a pessoa que atuava era conhecida como "jogador" e, quando na era elizabetana, edifícios específicos para atuação foram construídos, eles eram conhecidos como "play-houses" ao invés de " teatros ".

Currículos e audições

Atores e atrizes precisam fazer um currículo ao se candidatar a papéis. O currículo de atuação é muito diferente de um currículo normal; geralmente é mais curto, com listas em vez de parágrafos, e deve ter um tiro na cabeça nas costas. Normalmente, um currículo também contém um breve rolo de 30 segundos a 1 minuto sobre a pessoa, para que o diretor de elenco possa ver suas performances anteriores, se houver.

O teste é o ato de apresentar um monólogo ou lados (falas para um personagem) conforme enviado pelo diretor de elenco . O teste envolve mostrar as habilidades do ator para se apresentar como uma pessoa diferente; pode ser tão breve quanto dois minutos. Para audições de teatro, pode demorar mais de dois minutos, ou eles podem apresentar mais de um monólogo, já que cada diretor de elenco pode ter requisitos diferentes para os atores. Os atores devem ir aos testes vestidos para o papel, para que seja mais fácil para o diretor de elenco visualizá-los como o personagem. Para televisão ou filme, eles terão que passar por mais de uma audição. Muitas vezes, os atores são chamados para outra audição no último minuto e enviados para os lados naquela manhã ou na noite anterior. O teste pode ser uma parte estressante da atuação, especialmente se a pessoa não foi treinada para fazer o teste.

Ensaio

Ensaio é um processo no qual os atores preparam e praticam uma performance, explorando as vicissitudes do conflito entre os personagens , testando ações específicas na cena e encontrando meios de transmitir um determinado sentido. Alguns atores continuam a ensaiar uma cena durante todo o show, a fim de mantê-la fresca em suas mentes e empolgante para o público.

Público

Um público crítico com espectadores avaliadores é conhecido por induzir estresse nos atores durante a performance (veja Bode & Brutten). Estar na frente de um público que compartilha uma história torna os atores intensamente vulneráveis. Surpreendentemente, um ator normalmente avalia a qualidade de sua atuação como superior à de seus espectadores. Os batimentos cardíacos são geralmente sempre mais altos durante uma apresentação com uma audiência em comparação com o ensaio, porém o que é interessante é que esta audiência também parece induzir uma melhor qualidade de apresentação. Simplificando, enquanto performances públicas causam níveis extremamente altos de estresse em atores (mais ainda amadores), o estresse na verdade melhora a performance, apoiando a ideia de "estresse positivo em situações desafiadoras"

Frequência cardíaca

Dependendo do que o ator está fazendo, sua frequência cardíaca pode variar. Esta é a forma como o corpo responde ao estresse. Antes de um show, verá um aumento na freqüência cardíaca devido à ansiedade. Enquanto atua, o ator tem uma sensação maior de exposição, o que aumenta a ansiedade de desempenho e a estimulação fisiológica associada, como a frequência cardíaca. A frequência cardíaca aumenta mais durante os shows do que nos ensaios por causa do aumento da pressão, que se deve ao fato de que uma performance tem um impacto potencialmente maior na carreira de um ator. Após o show, pode ser observada uma diminuição na freqüência cardíaca devido ao término da atividade indutora de estresse. Freqüentemente, a freqüência cardíaca volta ao normal após o show ou performance; no entanto, durante os aplausos após a apresentação, ocorre um rápido aumento da frequência cardíaca. Isso pode ser visto não apenas em atores, mas também em oradores e músicos .

Estresse

Sam Gibbs e Su Thomas Hendrickson em Oresteia de Aeschylus, adaptado por Ryan Castalia para o Stairwell Theatre, 2019

Há uma correlação entre frequência cardíaca e estresse quando os atores estão atuando na frente de uma platéia. Atores afirmam que ter uma audiência não muda seu nível de estresse, mas assim que eles entram no palco, sua frequência cardíaca aumenta rapidamente. Um estudo de 2017 feito em uma universidade americana analisando o estresse dos atores medindo a frequência cardíaca mostrou que as frequências cardíacas individuais aumentaram pouco antes do início da apresentação para a estréia dos atores. Existem muitos fatores que podem aumentar o estresse de um ator. Por exemplo, a duração dos monólogos, o nível de experiência e as ações realizadas no palco, incluindo a movimentação do cenário. Ao longo da performance, a frequência cardíaca aumenta o máximo antes de um ator falar. O estresse e, portanto, a frequência cardíaca do ator caem significativamente no final de um monólogo, grande cena de ação ou performance.

Veja também

Referências

Origens

links externos