Música clássica do século 20 - 20th-century classical music
História da música clássica ocidental | ||||||||||||||||||
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Música antiga | ||||||||||||||||||
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Período de prática comum | ||||||||||||||||||
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Final dos séculos 19, 20 e 21 | ||||||||||||||||||
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A música clássica do século 20 descreve a música artística que foi escrita nominalmente de 1901 a 2000, inclusive. O estilo musical divergiu durante o século 20 como nunca antes. Portanto, este século foi sem um estilo dominante. Modernismo , impressionismo e pós-romantismo podem ser rastreados até as décadas anteriores à virada do século 20, mas podem ser incluídos porque eles evoluíram além das fronteiras musicais dos estilos do século 19 que faziam parte do período de prática comum anterior . O neoclassicismo e o expressionismo surgiram principalmente após 1900. O minimalismo começou muito mais tarde no século e pode ser visto como uma mudança da era moderna para a pós-moderna, embora alguns datem do pós-modernismo por volta de 1930. Aleatório , atonalidade , serialismo , musique concrète , música eletrônica e música conceitual foram desenvolvidas durante o século. O jazz e a música folclórica étnica tornaram-se influências importantes em muitos compositores durante este século.
História
Na virada do século, a música era tipicamente romântica tardia . Compositores como Gustav Mahler , Richard Strauss e Jean Sibelius estavam empurrando os limites da escrita sinfônica pós-romântica . Ao mesmo tempo, o movimento impressionista , liderado por Claude Debussy , estava sendo desenvolvido na França. Debussy, de fato, detestava o termo impressionismo: "Estou tentando fazer 'algo diferente - de certa forma realidades - o que os imbecis chamam de' impressionismo 'é um termo tão mal usado quanto possível, principalmente pelos críticos de arte". A música de Maurice Ravel , também frequentemente rotulada como impressionista, explora a música em muitos estilos nem sempre relacionados a ela (veja a discussão sobre Neoclassicismo, abaixo).
Muitos compositores reagiram aos estilos pós-romântico e impressionista e seguiram direções bastante diferentes. O momento isolado mais importante na definição do curso da música ao longo do século foi a ruptura generalizada com a tonalidade tradicional, efetuada de diversas maneiras por diferentes compositores na primeira década do século. Disto surgiu uma "pluralidade linguística" sem precedentes de estilos, técnicas e expressão. Em Viena , Arnold Schoenberg desenvolveu a atonalidade , a partir do expressionismo que surgiu no início do século XX. Mais tarde, ele desenvolveu a técnica dodecafônica que foi desenvolvida posteriormente por seus discípulos Alban Berg e Anton Webern ; compositores posteriores (incluindo Pierre Boulez ) o desenvolveram ainda mais. Stravinsky (em suas últimas obras) explorou a técnica dodecafônica também, como fizeram muitos outros compositores; na verdade, até Scott Bradley usou a técnica em suas partituras para os desenhos animados de Tom e Jerry .
Após a Primeira Guerra Mundial, muitos compositores começaram a retornar ao passado em busca de inspiração e escreveram obras que extraem elementos (forma, harmonia, melodia, estrutura) dele. Esse tipo de música foi então rotulado de neoclassicismo . Igor Stravinsky ( Pulcinella ), Sergei Prokofiev ( Sinfonia Clássica ), Ravel ( Le tombeau de Couperin ), Manuel de Falla ( El retablo de maese Pedro ) e Paul Hindemith ( Sinfonia: Mathis der Maler ) produziram obras neoclássicas.
Compositores italianos como Francesco Balilla Pratella e Luigi Russolo desenvolveram o futurismo musical . Este estilo freqüentemente tentava recriar sons do dia-a-dia e colocá-los em um contexto "futurista". A "Música da Máquina" de George Antheil (começando com sua Segunda Sonata, " O Avião ") e Alexander Mosolov (mais notoriamente sua Fundição de Ferro ) se desenvolveram a partir disso. O processo de estender o vocabulário musical explorando todos os tons disponíveis foi impulsionado pelo uso de microtons em obras de Charles Ives , Julián Carrillo , Alois Hába , John Foulds , Ivan Wyschnegradsky , Harry Partch e Mildred Couper entre muitos outros. Microtons são os intervalos menores que um semitom ; vozes humanas e cordas sem trastes podem produzi-los facilmente indo entre as notas "normais", mas outros instrumentos terão mais dificuldade - o piano e o órgão não têm como produzi-los, exceto pela afinação e / ou reconstrução maior.
Nos anos 1940 e 50, compositores, notadamente Pierre Schaeffer , começaram a explorar a aplicação da tecnologia à música na musique concrète . O termo música eletroacústica foi posteriormente cunhado para incluir todas as formas de música envolvendo fitas magnéticas , computadores , sintetizadores , multimídia e outros dispositivos e técnicas eletrônicas. Ao vivo de música eletrônica usos viver sons eletrônicos dentro de um desempenho (ao contrário de sons pré-processadas que são overdub durante uma performance), John Cage 's Cartucho música sendo um dos primeiros exemplos. A música espectral ( Gérard Grisey e Tristan Murail ) é um desenvolvimento posterior da música eletroacústica que usa análises de espectros sonoros para criar música. Cage, Berio, Boulez, Milton Babbitt , Luigi Nono e Edgard Varèse escreveram música eletroacústica.
A partir do início dos anos 1950, Cage introduziu elementos do acaso em sua música. Process music ( Karlheinz Stockhausen Prozession , Aus den sieben Tagen ; e Steve Reich Piano Phase , Clapping Music ) explora um processo particular que é essencialmente exposto no trabalho. O termo música experimental foi cunhado por Cage para descrever obras que produzem resultados imprevisíveis, de acordo com a definição "ação experimental é aquela cujo resultado não está previsto". O termo também é usado para descrever a música dentro de gêneros específicos que vão contra seus limites ou definições, ou então cuja abordagem é um híbrido de estilos díspares, ou incorpora ingredientes não ortodoxos, novos e distintamente únicos.
Tendências culturais importantes freqüentemente informaram a música deste período, romântico, modernista, neoclássico, pós-modernista ou outro. Igor Stravinsky e Sergei Prokofiev foram particularmente atraídos pelo primitivismo em suas carreiras iniciais, conforme explorado em obras como A Sagração da Primavera e Chout . Outros russos, principalmente Dmitri Shostakovich , refletiram o impacto social do comunismo e, subsequentemente, tiveram que trabalhar dentro das restrições do realismo socialista em sua música. Outros compositores, como Benjamin Britten ( War Requiem ), exploraram temas políticos em suas obras, embora inteiramente por sua própria vontade. O nacionalismo também foi um importante meio de expressão no início do século. A cultura dos Estados Unidos da América, especialmente, começou a informar um estilo vernáculo americano de música clássica, notadamente nas obras de Charles Ives , John Alden Carpenter e (mais tarde) George Gershwin . A música popular (Vaughan Williams' cinco variantes de Dives e Lázaro , Gustav Holst 's A Somerset Rhapsody ) e Jazz (Gershwin, Leonard Bernstein , Darius Milhaud ' s La création du monde ) também foram influentes.
No último quarto do século, o ecletismo e o poliestilismo tornaram-se importantes. Esses, assim como o minimalismo , a Nova Complexidade e a Nova Simplicidade , são explorados de forma mais completa em seus respectivos artigos.
Estilos
Estilo romântico
No final do século 19 (muitas vezes chamado de Fin de siècle ), o estilo romântico estava começando a se desintegrar, movendo-se ao longo de vários cursos paralelos, como o impressionismo e o pós-romantismo . No século 20, os diferentes estilos que surgiram da música do século anterior influenciaram os compositores a seguirem novas tendências, às vezes como uma reação a essa música, às vezes como uma extensão dela, e ambas as tendências coexistiram até o século 20 . As primeiras tendências, como o expressionismo, são discutidas posteriormente.
No início do século 20, muitos compositores escreveram música que foi uma extensão da música romântica do século 19, e os agrupamentos instrumentais tradicionais, como a orquestra e o quarteto de cordas, permaneceram os mais típicos. Formas tradicionais como a sinfonia e o concerto permaneceram em uso. Gustav Mahler e Jean Sibelius são exemplos de compositores que pegaram as formas sinfônicas tradicionais e as retrabalharam. (Ver música romântica .) Alguns escritores sustentam que o trabalho de Schoenberg está diretamente dentro da tradição romântica tardia de Wagner e Brahms e, de maneira mais geral, que "o compositor que mais direta e completamente conecta o final de Wagner e o século 20 é Arnold Schoenberg".
Neoclassicismo
O neoclassicismo foi um estilo cultivado entre as duas guerras mundiais, que buscou reviver as formas equilibradas e os processos temáticos claramente perceptíveis dos séculos XVII e XVIII, em um repúdio ao que se via como gestos exagerados e amorfos do Romantismo tardio. Como esses compositores geralmente substituíram a tonalidade funcional de seus modelos por tonalidade, modalidade ou atonalidade estendida, o termo é frequentemente considerado como uma paródia ou distorção do estilo barroco ou clássico. Exemplos famosos incluem a Sinfonia Clássica de Prokofiev e a Pulcinela de Stravinsky , a Sinfonia dos Salmos e o Concerto em Mi bemol "Dumbarton Oaks" . Paul Hindemith ( Sinfonia: Mathis der Maler ), Darius Milhaud , Francis Poulenc ( Concerto champêtre ) e Manuel de Falla ( El retablo de maese Pedro , Concerto para cravo ) também usaram este estilo. Le tombeau de Couperin, de Maurice Ravel , é frequentemente visto como neobarroco (um termo arquitetônico), embora a distinção entre os termos nem sempre seja feita.
Composição clássica influenciada pelo jazz
Vários compositores combinaram elementos do idioma do jazz com estilos de composição clássicos, notavelmente:
- Malcolm Arnold
- Leonard Bernstein
- Marc Blitzstein
- Aaron Copland
- George Gershwin
- Constant Lambert
- Darius Milhaud
- Maurice Ravel
- Gunther Schuller ( Terceira Corrente )
- John Serry Sr.
- Dmitri Shostakovich
- Karlheinz Stockhausen
- Igor Stravinsky
Movimentos
Impressionismo
O impressionismo começou na França como uma reação, liderada por Claude Debussy , contra a exuberância emocional e os temas épicos do romantismo alemão exemplificados por Wagner . Na opinião de Debussy, a arte era uma experiência sensual, em vez de intelectual ou ética. Ele exortou seus conterrâneos a redescobrir os mestres franceses do século 18, para quem a música foi criada para encantar, entreter e servir como uma "fantasia dos sentidos".
Outros compositores associados ao impressionismo incluem Maurice Ravel , Albert Roussel , Isaac Albéniz , Paul Dukas , Manuel de Falla , Charles Martin Loeffler , Charles Griffes , Frederick Delius , Ottorino Respighi , Cyril Scott e Karol Szymanowski . Muitos compositores franceses continuaram a linguagem do impressionismo durante a década de 1920 e mais tarde, incluindo Albert Roussel , Charles Koechlin , André Caplet e, mais tarde, Olivier Messiaen . Compositores de culturas não ocidentais, como Tōru Takemitsu , e músicos de jazz como Duke Ellington , Gil Evans , Art Tatum e Cecil Taylor também foram fortemente influenciados pela linguagem musical impressionista.
Modernismo
Futurismo
Em sua concepção, o Futurismo era um movimento artístico italiano fundado em 1909 por Filippo Tommaso Marinetti ; foi rapidamente adotado pela vanguarda russa. Em 1913, o pintor Luigi Russolo publicou um manifesto, L'arte dei rumori (A Arte dos Ruídos), apelando à incorporação de todos os tipos de ruídos na música. Além de Russolo, os compositores diretamente associados a esse movimento incluem os italianos Silvio Mix, Nuccio Fiorda, Franco Casavola e Pannigi (cujo Ballo meccanico de 1922 incluía duas motocicletas) e os russos Artur Lourié, Mikhail Matyushin e Nikolai Roslavets .
Embora poucas das obras futuristas desses compositores sejam executadas hoje, a influência do futurismo no desenvolvimento posterior da música do século 20 foi enorme. Sergei Prokofiev , Maurice Ravel , Igor Stravinsky , Arthur Honegger , George Antheil , Leo Ornstein e Edgard Varèse estão entre os compositores notáveis da primeira metade do século que foram influenciados pelo futurismo. As características da música do final do século 20 com origens no futurismo incluem o piano preparado , serialismo integral , técnicas vocais estendidas, notação gráfica, improvisação e minimalismo .
Dissonância livre e experimentalismo
No início do século 20, Charles Ives integrou as tradições americanas e europeias, bem como os estilos vernácula e de igreja, usando técnicas inovadoras em seu ritmo, harmonia e forma. Sua técnica incluía o uso de politonalidade , polirritmia , agrupamentos de tons , elementos aleatórios e quartos de tons . Edgard Varèse escreveu peças altamente dissonantes que utilizaram sonoridades incomuns e nomes futurísticos com sonoridade científica. Ele foi pioneiro no uso de novos instrumentos e recursos eletrônicos (veja abaixo).
Expressionismo
No final da década de 1920, embora muitos compositores continuassem a escrever de uma maneira vagamente expressionista, ela estava sendo suplantada pelo estilo mais impessoal da Neue Sachlichkeit alemã e do neoclassicismo . Como o expressionismo, como qualquer movimento estigmatizado pelos nazistas, ganhou uma reconsideração simpática após a Segunda Guerra Mundial, a música expressionista ressurgiu em obras de compositores como Hans Werner Henze , Pierre Boulez , Peter Maxwell Davies , Wolfgang Rihm e Bernd Alois Zimmermann .
Música pós-moderna
O pós-modernismo é uma reação ao modernismo, mas também pode ser visto como uma resposta a uma mudança profundamente enraizada na atitude da sociedade. De acordo com esta última visão, o pós-modernismo começou quando o otimismo histórico (em oposição ao pessoal) se transformou em pessimismo, o mais tardar em 1930.
John Cage é uma figura proeminente na música do século 20, reivindicada com alguma justiça tanto para o modernismo quanto para o pós-modernismo porque as complexas interseções entre o modernismo e o pós-modernismo não são redutíveis a esquemas simples. Sua influência cresceu continuamente durante sua vida. Ele costuma usar elementos do acaso: Imaginary Landscape No. 4 para 12 receptores de rádio e Music of Changes para piano. Sonatas and Interludes (1946–48) é composto para um piano preparado : um piano normal cujo timbre é dramaticamente alterado pela colocação cuidadosa de vários objetos dentro do piano em contato com as cordas. Atualmente o pós-modernismo inclui compositores que reagem contra os estilos vanguardistas e experimentais do final do século 20, como Astor Piazzolla , da Argentina e Miguel del Aguila , dos EUA.
Minimalismo
No final do século 20, compositores como La Monte Young , Arvo Pärt , Philip Glass , Terry Riley , Steve Reich e John Adams começaram a explorar o que agora é chamado de minimalismo , no qual a obra é reduzida às suas características mais fundamentais; a música geralmente apresenta repetição e iteração. Um dos primeiros exemplos é In C (1964) de Terry Riley , uma obra aleatória em que frases curtas são escolhidas pelos músicos de um set list e tocadas um número arbitrário de vezes, enquanto a nota C é repetida em colcheias (colcheias) atrás delas .
As obras de Steve Reich Piano Phase (1967, para dois pianos) e Drumming (1970-71, para percussão, vozes femininas e flautim) empregam a técnica chamada phasing, na qual uma frase tocada por um músico mantendo um ritmo constante é tocada simultaneamente por outro mas em um ritmo um pouco mais rápido. Isso faz com que os jogadores fiquem "fora de fase" uns com os outros e o desempenho pode continuar até que eles voltem à fase. De acordo com Reich, “ Drumming é a expansão e refinamento final do processo de faseamento, bem como o primeiro uso de quatro novas técnicas: (1) o processo de substituir gradualmente as batidas por pausas (ou pausas por batidas); (2) a mudança gradual de timbre enquanto o ritmo e a altura permanecem constantes; (3) a combinação simultânea de instrumentos de timbre diferente; e (4) o uso da voz humana para fazer parte do conjunto musical, imitando o som exato dos instrumentos ”. A bateria foi o uso final de Reich da técnica de faseamento.
Philip Glass's 1 + 1 (1968) emprega o processo aditivo no qual frases curtas são expandidas lentamente. La Monte Young's Compositions 1960 emprega tons muito longos, volumes excepcionalmente altos e técnicas extra-musicais como "desenhar uma linha reta e segui-la" ou "construir uma fogueira". Michael Nyman argumenta que o minimalismo foi uma reação e tornado possível tanto pelo serialismo quanto pelo indeterminismo. (Veja também música experimental .)
Técnicas
Atonalidade e técnica dodecafônica
Arnold Schoenberg é uma das figuras mais significativas da música do século XX. Embora suas primeiras obras tenham sido em um estilo romântico tardio influenciado por Wagner ( Verklärte Nacht , 1899), isso evoluiu para um idioma atonal nos anos anteriores à Primeira Guerra Mundial ( Drei Klavierstücke em 1909 e Pierrot Lunaire em 1912). Em 1921, após vários anos de pesquisa, ele desenvolveu a técnica de composição dodecafônica , que descreveu pela primeira vez em particular para seus associados em 1923. Seu primeiro trabalho em grande escala inteiramente composto por essa técnica foi o Quinteto de Vento , Op. 26, escrito em 1923-1924. Exemplos posteriores incluem Variações para Orquestra , Op. 31 (1926–28), o Terceiro e o Quarto Quarteto de Cordas (1927 e 1936, respectivamente), o Concerto para Violino (1936) e o Concerto para Piano (1942). Nos anos posteriores, ele voltou intermitentemente a um estilo mais tonal ( Kammersymphonie no. 2 , iniciado em 1906, mas concluído apenas em 1939; Variações em um recitativo para órgão em 1941).
Ele ensinou Anton Webern e Alban Berg e esses três compositores são freqüentemente referidos como os membros principais da Segunda Escola Vienense (Haydn, Mozart e Beethoven - e às vezes Schubert - sendo considerada a Primeira Escola Vienense neste contexto). Webern escreveu obras usando um método dodecafônico rigoroso e influenciou o desenvolvimento do serialismo total . Berg, como Schoenberg, empregou a técnica dodecafônica dentro de um estilo romântico tardio ou pós-romântico ( Concerto para violino , que cita um coral de Bach e usa a forma clássica). Ele escreveu duas óperas principais ( Wozzeck e Lulu ).
Música eletrônica
O desenvolvimento da tecnologia de gravação tornou todos os sons disponíveis para uso potencial como material musical. A música eletrônica geralmente se refere a um repertório de música artística desenvolvido na década de 1950 na Europa, Japão e Américas. A crescente disponibilidade de fita magnética nesta década proporcionou aos compositores um meio que permitiu gravar sons e, em seguida, manipulá-los de várias maneiras. Toda música eletrônica depende da transmissão por meio de alto-falantes, mas existem dois tipos amplos: música acusmática , que existe apenas na forma gravada para ser ouvida em alto-falante, e música eletrônica ao vivo, na qual aparelhos eletrônicos são usados para gerar, transformar ou acionar sons durante performance de músicos usando vozes, instrumentos tradicionais, instrumentos eletroacústicos ou outros dispositivos. A partir de 1957, os computadores tornaram-se cada vez mais importantes neste campo. Quando o material de origem eram sons acústicos do mundo cotidiano, o termo musique concrète era usado; quando os sons eram produzidos por geradores eletrônicos, era denominada música eletrônica . Após a década de 1950, o termo "música eletrônica" passou a ser usado para os dois tipos. Às vezes, esse tipo de música eletrônica foi combinado com instrumentos mais convencionais, de Stockhausen Hymnen , Edgard Varèse 's Déserts , e Mario Davidovsky ' série de s Sincronismos são três exemplos.
Outros compositores notáveis do século 20
Vários compositores proeminentes do século 20 não estão associados a nenhum movimento composicional amplamente conhecido. A lista abaixo inclui alguns deles, juntamente com vários compositores notáveis e classificáveis que não são mencionados nas partes anteriores deste artigo:
- Samuel Adler
- Béla Bartók
- Havergal Brian
- Carlos Chávez
- Edward Elgar
- George Enescu
- Gabriel fauré
- Morton Feldman
- Alberto Ginastera
- Henryk Górecki
- Sofia Gubaidulina
- Alan Hovhaness
- György Ligeti
- Witold Lutosławski
- Bruno Maderna
- Bohuslav Martinů
- Carl Nielsen
- Krzysztof Penderecki
- Francis Poulenc
- Giacomo Puccini
- Sergei Rachmaninoff
- Alfred Schnittke
- Patric Standford
- Michael Tippett
- Joan Tower
- Ralph Vaughan Williams
- Heitor Villa-Lobos
- William Walton
- Judith Weir
- Mikis Theodorakis
Veja também
Referências
- Citações
- Bibliografia
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Leitura adicional
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links externos
- Rádio Fluido , Frequências Experimentais
- The Avant Garde Project , downloads gratuitos de músicas de vanguarda esgotadas
- Ircam Paris (em francês)
- MICROCOSMS: Uma Abordagem Simplificada para Estilos Musicais do Século XX por Phillip Magnuson
- Dolmetsch.com: história da música online: música do século 20 pelo Dr. Brian Blood
- Arte dos estados
- Gravações de aulas de música do século 20 ministradas por um aluno de Dallapiccola
- Música Contemporânea da Alemanha
- The Genetic Memory Show (música de vanguarda / experimental na rádio da Rice University)
- temp'óra - rede internacional dedicada à promoção da música contemporânea. Bases de dados com milhares de links em todo o mundo.
- A cultura é divertida! Explorando a música clássica